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Nick Jost de Baroness: “No somos una banda estrictamente de metal”

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Junio será el mes de varios debuts muy esperados en nuestro país, y uno de ellos será el de Baroness, quienes se presentarán el próximo 21 de junio en Club Blondie, tan solo una semana después de que publiquen “Gold & Grey”, su quinto trabajo de estudio. Formados en 2003, el conjunto ha desarrollado una interesante propuesta llena de distintos estilos, tomando elementos de la vereda del sludge, el metal progresivo, e incluso el rock alternativo para entregar una música en donde la densa oscuridad de sus melodías pesa, atrapa y lleva al oyente por un viaje sonoro poco habitual.

Para la antesala a su esperado concierto, conversamos con el bajista Nick Jost, quien se sentó al teléfono para platicar sobre diversos temas, como el nuevo disco de la banda, las similitudes entre su llegada y la de la guitarrista Gina Gleason al conjunto, su proyecto de jazz junto al baterista ecuatoriano Andrés Benavides, el significado del título en los álbumes de Baroness y su opinión respecto del metal en la actualidad, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos de manera integra a continuación.

Quiero que partamos hablando por supuesto de “Gold & Grey”, álbum que lanzarán pocos días antes de su debut en Santiago. ¿Cómo fue el desarrollo de este trabajo?

Siento que este álbum es una combinación de lo que Baroness ha sido a través del tiempo, una representación de dónde estábamos y hacia dónde queríamos llegar musicalmente. Si escuchas uno de los discos más antiguos, sabrás que la música es densa, hay mucha información en el sonido, muchas guitarras densas, creo que la gran diferencia en este disco es que la progresión del sonido de la banda llega a otros niveles. Siento que la capacidad como compositor de John –tanto lírica como melódicamente– es muy inteligente, ha encontrado su punto ideal, tiene una nueva personalidad creativa y eso se demuestra mucho en este disco.

Cada disco de la banda tiene un color en el título, en este caso el dorado y el gris. ¿Cómo son representados en el álbum?

Siento que están representados de manera lírica; de hecho, se mencionan las palabras “gold” y “grey” en el álbum, pero es como si el dorado fuera el brillo y el valor del disco, mientras que el gris es lo oscuro del sonido. Es como se representan estos dos elementos de Baroness, como si este disco reflejara que tenemos momentos de luz, pero siempre habrá oscuridad en lo que hacemos, ya sea líricamente o algunas de las armonías que desfilan en el disco. Definitivamente existe una dualidad en este disco que se pasea por ambos estados.

Hablando de oscuridad, en varias entrevistas John Dyer (vocalista) ha dicho que la banda trata de “hacer de la oscuridad algo divertido”. ¿Cómo logran expresar eso?

(Risas) Si nos ves en vivo, creo que eso lo representa muy bien. Somos enérgicos y nos divertimos mucho haciendo esto, lo tomamos en serio, y el material que tocamos tiene mucha oscuridad en las letras, en el mundo en realidad. No estamos ignorando el complejo período que atravesamos en el mundo como sociedad, entendemos lo que siente la gente, pero también queremos pasar un buen momento junto a ellos. Creo que cuando tocamos en vivo la energía que ponemos en esta música es como concibo esa idea que me dices, esa es la forma en que experimentamos la oscuridad.

Este álbum será el primero con Gina Gleason en la guitarra, quien, pese a llevar algunos años tocando junto a ustedes, aún no participaba de un LP. ¿Qué tal se vivió el trabajo junto a ella como nueva adición?

Gina es asombrosa, es una tremenda guitarrista en todo el sentido de la palabra, puede hacer lo que sea en la guitarra, es genial trabajar con ella. Tenemos algunas similitudes, ya que en “Purple” fue la primera vez que yo compuse junto a la banda, la primera vez que me introduje en esa dinámica. Seb, John y yo tenemos una dinámica a la que ella tuvo que acostumbrarse e introducirse, e hizo un buen trabajo, trajo muchas buenas ideas y permitió generar esa conexión de su voz y la de John cuando cantan juntos. Siento que eso funciona increíble, y hay momentos en este disco que lo demuestran, algunas de las mejores partes de este álbum son cuando cantan juntos.

¿Fue eso relevante en la decisión de escogerla? ¿Algo así como “necesitamos que nuestra próxima guitarrista sea mujer”?

Fue algo que ocurrió. Todos la conocimos por un amigo llamado Steve, quien produjo y vendió unos pedales de fuzz junto a John. Gina compró uno y casualmente era de la misma ciudad, por lo que se mantuvieron en contacto luego de que compró el pedal. Cuando Pete dejó la banda, Gina estaba ahí, no fue como que hicimos una búsqueda para encontrar a alguien que tocara guitarra, fue una cosa del destino, ella estaba ahí y se adaptaba bien con nosotros. No lo pensamos dos veces.

Llegaste a la banda antes de que comenzaran a trabajar en el álbum “Purple” (2015). ¿Cómo te adaptaste a un proyecto que ya estaba conformado?

Siento que, como bajista, quizás me tocó un poco más fácil. Gina y Seb tienen que reemplazar partes más complejas al tratarse de la guitarra y la batería, y mi rol era más bien llegar, hacer un buen trabajo y apoyar a la banda. A la hora de componer fue un gran desafío, muy divertido, ya que era música que se componía hasta ese momento sólo en guitarra, y tener que llevar mis ideas a la banda fue todo un aprendizaje. Tenía que entregarles cosas para que ellos pudieran sacar lo mejor de sí mismos sobre ellas. Este trabajo se trata de que todos aprendan a leer a sus compañeros y permitir que desarrollen sus mejores habilidades a la hora de tocar.

Pasemos a otro de tus proyectos musicales, Forgotten Arm, donde te acompañas solamente de un baterista. ¿Cuándo surgió la idea de hacer algo diferente?

Diría que es un proyecto de jazz, somos más de improvisación. Mi esposa es de Quito, Ecuador, y una vez que la fui a visitar me presentó a un amigo llamado Andrés Benavides, que es un baterista increíble de Quito, integrante de bandas como Can Can, que goza de popular en su país. Es un baterista de metal que también puede tocar jazz, y lo hace muy bien. En un principio para mí fue “de acuerdo, esta chica con la que salgo quiere que toque junto a su amigo, podría salir muy bien o podría salir muy mal” (risas), y afortunadamente nos llevamos muy bien la primera vez que nos reunimos. Hicimos algunos conciertos, lanzamos un EP, y ahora estamos trabajando en un nuevo álbum.

¿Piensas en algún límite de tiempo para lanzar el álbum?

Estamos casi listos grabándolo. Estamos trabajando con algunos cineastas para hacer algunos videos y lanzar el proyecto completo, porque nos encerramos tres días en el estudio y tocamos como si lo hiciéramos en vivo, así que luego queda producir esa música y transformarla en canciones. En ella capturamos nuestra historia musical; tengo formación de jazz y eso lo aplico bastante, él incorpora percusión de manos y algunos instrumentos tradicionales de Ecuador, así que es un gran proyecto.

Baroness tocó en Colombia hace unos años, siendo el único show en Sudamérica hasta ahora. ¿Por qué no hicieron una gira completa en dicha ocasión?

Es difícil hacer eso, estamos en una posición interesante porque no somos tan grandes como para arriesgar dinero, por lo que es entretenido intentarlo. De pronto pasó que los astros se alinearon y logramos ir hacia allá en esta gira, no es que no queríamos (risas). El hecho de que Seb sea de Buenos Aires lo hace doblemente especial, será un concierto tremendo allá. Hemos tenido oportunidades de ir en estos años, pero no funcionaban lamentablemente. Es complicado, ya sabes.

Estuve mirando tu Instagram y vi algunas fotos de cuando giraron con Deafheaven y Zeal & Ardor, y me llama la atención que describiste el tour como “una absoluta locura cada noche”. ¿Qué experiencias recogiste de la gira con bandas relativamente nuevas?

Tocar con ellos fue increíble, esa gira fue algo ridículamente genial. Sentimos que estábamos llevando un evento a cada ciudad que íbamos. Deafheaven soy muy buenos en vivo, pueden ser aterradores con una canción de black metal y luego, de la nada, incorporan un jam tipo shoegaze de veinte minutos y te quedas parado pensando: “¿Qué es esta banda?” (risas). Ya sabes, ellos entienden cómo unir diferentes estilos.

¿Qué opinas del estado actual de la música más pesada?

Siento que va por buen camino. Girando y haciendo shows he notado que es una escena muy sana y muy motivante. Hay un millón de bandas buenas haciendo música, la comunidad es positiva y enérgica, van por un muy buen camino. La gente está experimentando más con los sonidos, y creo que esa gira que mencionaste fue como la representación de la escena actual, con bandas que tratan de sacudir un poco las cosas, incluyendo a nosotros, que definitivamente no somos una banda estrictamente de metal bajo ningún término. Siento que, a pesar de que no estaba pensado de esa forma, terminó siendo la reunión de los inadaptados: bandas que tomamos este género del metal pesado y lo transformamos porque no calzamos del todo en él.

No digo esto porque estamos hablando, pero personalmente esa gira fue literalmente “las tres mejores bandas de música pesada que tenemos en la actualidad”.

Fabuloso oír eso (risas), lo aprecio mucho.

Para terminar: ¿Qué le dirías a los fans en Santiago que esperan por el show?

Estamos extremadamente entusiasmados por llegar hasta allá, tocar en Blondie y pasar un gran momento juntos. Todos estamos listos para tener una gran noche con ustedes, y espero que lo disfrutemos cuando llegue el momento.

Nos vemos en el show, Nick. Muchas gracias por tu tiempo.

Genial, cuídate mucho. ¡Nos vemos!

Foto de portada por Stefan Brending http://www.2eight.de/

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Entrevistas

Ian Williams de Battles: “Ahora con dos personas es más fácil decidir qué se hará”

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Ian Williams

La historia de Battles sin duda ha sido cuesta arriba en ciertos aspectos, con la banda pasando de ser un cuarteto en 2002 a un trío en 2010, a finalmente un dúo desde 2018, pero lo cierto es que su ímpetu y la necesidad de seguir adelante creando música es lo que genera su determinación a prueba de balas. A pesar de todo, el conjunto formado por Ian Williams en guitarra y teclados, además de John Stanier en batería, se toma las cosas con humor a la hora de reflexionar sobre su pasado. Con el álbum “Juice B Crypts” (2019) en camino, la banda regresará con esta nueva configuración para presentarse el próximo 11 de octubre en Club Chocolate, por lo que esto fue la instancia ideal para sentarnos al teléfono y conversar al respecto con Williams.

Desde los aspectos diferentes que tendrá su nuevo disco, su opinión frente a los cambios que han vivido, su relación con su compañero John Stanier y sus recuerdos sobre la última vez que estuvieron en Chile, entre otras cosas, conversamos con el guitarrista en una entrevista que te dejamos a continuación.

Se viene el lanzamiento de “Juice B Crypts”, y ahora la banda se compone solamente de ti junto a John (Stanier, baterista). ¿Cómo fue este difícil proceso de cambios?

Sí, solamente nosotros dos. Pasamos de ser cuatro integrantes a tres, a dos, y la mejor alineación que tendremos es cuando ya no haya nadie (risas). Eventualmente llegaremos a cero, es una cosa de algoritmos.

¿Qué tan diferente ha sido ahora que solo están los dos?

Creo que nuestra motivación sigue siendo la misma, pero en muchas maneras es más relajado, ya que tenemos un poco más de libertad para hacer lo que queremos. Cuando hay mucha gente tocando a la vez, se puede tornar, no sé cómo decirlo para no sonar desconsiderado… Ahora podemos hacer lo que queremos, siempre nuestras canciones evolucionan a partir de un loop, si tardamos un minuto y medio en rellenar ese loop y pasar a otra sección, era algo que debía debatirse entre todos. Es como ir a un restaurante con cuatro amigos y que todos tengan una opinión diferente, es ese ejercicio diplomático de decidir dónde ir a comer. Ahora es mucho más fácil cuando son solamente dos personas quienes deben decidir lo que se hará.

¿La partida de Dave (Konopka, bajista) fue por diferencias creativas entre ustedes?

Si me preguntas, yo creo que él no quería estar más en la banda, creo que esa fue la razón más que diferencias. Básicamente, John y yo pensamos qué hacer con Battles, pero creo que somos los dos quienes deseábamos seguir haciendo esto, y si eso nos lleva a crear un buen álbum, eso debe ser lo más importante.

¿Cuál crees que será la principal novedad musicalmente hablando en este álbum con una alineación de solamente dos integrantes?

No sé si hay tantas diferencias, pero diría que estamos en un punto en donde podemos crear composiciones que pueden ser muy desafiantes de tocar en vivo y, a la vez, son tracks muy accesibles. Siento que en este álbum logramos esa sensación en varias secciones, mucho más que en nuestros álbumes anteriores.

¿Crees que eso sea a que John y tú tienen una complicidad más fuerte que les permite expresarse más libremente?

Sí, absolutamente, ahora es más fácil. Si quieres cambiar la definición de una canción, sólo la volteamos y seguimos experimentando. John puede moverse más libremente con su batería, se puede adaptar a los loops, no hay necesidad de cambiarlos para que funcione. No debo preocuparme más por otras piezas del rompecabezas moviéndose, porque, ya sabes, nuestras canciones son como un puzle; en muchas formas esa es la premisa general de nuestra música, aunque en ese disco más que un rompecabezas somos como un juego de Tetris, es más fácil acomodar las piezas.

Siempre me da curiosidad saber cómo las bandas crean el repertorio cuando deben girar con un álbum nuevo. ¿De qué manera tratan de mezclar el material de este LP con lo que ya tienen?

Sí, pero cuando tocas en vivo es como que estás haciendo un cover de ti mismo. Es una experiencia divertida escuchar una canción muchos años después de haberla compuesto y ponerte a pensar en lo que estabas viviendo en ese momento. A veces la presión es grande, pero hay que dejarse llevar. Ahora, si quieres hacer una canción de The Beatles, siempre será una ardua tarea para lograr que salga bien, ya que la original de por sí es excelente, por lo que es un poco más fácil cuando versionas tus propias canciones, tu eres el artista y puedes echarla a perder si quieres (risas). Siento que al tocar en vivo es una forma de expandir tus canciones; entiendo y aprecio cuando los fans nos piden canciones antiguas, pero no lo sé, quizás no se adapten bien ahora.

Ian, regresan a Santiago ahora en octubre, ¿qué recuerdas de la vez anterior que tocaron en nuestro país?

Recuerdo que tocamos en un teatro, pero no tenía asientos, era como un antiguo cine al parecer, muy antiguo. Recorrí mucho el entorno del recinto, caminé bastante y fui a un bar con algunos conocidos locales, un tipo que le decían “Papas Fritas”. Es lo que más recuerdo (risas).

Genial, es bueno conocer el entorno de vez en cuando.

Sí, sobre todo cuando haces música.

Considerando tu rol como artista, ¿cuál crees que es el papel de la música en la sociedad en la actualidad?

Sí, el mundo está pasando por muchos cambios que probablemente definirán como se recordará el siglo XXI. Están pasando muchas cosas y en diferentes direcciones todas al mismo tiempo. Es un poco sobrecogedor pensar en lo que está pasando; la gente necesita aferrarse a cosas, seguir avanzando y hacerle frente a todo. Siento que el sentimiento moderno de la música es el de avanzar, más de que mirar atrás y aferrarse al pasado. Incluso con la tecnología: ahora tenemos equipamientos e instrumentos que permiten generar sonidos de manera profesional, es algo que permite que se generen nuevas formas de hacer música. Sigo siendo agradecido y muy humilde a la hora de pensar de que hay mucha gente alrededor del mundo que pierde su tiempo escuchando la música que tratamos de hacer (risas).

Bien, Ian, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias por darnos esta entrevista.

Gracias a ti, fue bueno oírte desde allá.

¿Te gustaría enviar un mensaje a los fans de Battles en Santiago para terminar?

Claro, estamos muy emocionados por volver a Santiago, tengo muchos lindos recuerdos de la vez que estuvimos y espero regresar para tener nuevos recuerdos. ¡Muchas gracias a todos y nos vemos en el show!

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