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Nick Jost de Baroness: “No somos una banda estrictamente de metal”

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Junio será el mes de varios debuts muy esperados en nuestro país, y uno de ellos será el de Baroness, quienes se presentarán el próximo 21 de junio en Club Blondie, tan solo una semana después de que publiquen “Gold & Grey”, su quinto trabajo de estudio. Formados en 2003, el conjunto ha desarrollado una interesante propuesta llena de distintos estilos, tomando elementos de la vereda del sludge, el metal progresivo, e incluso el rock alternativo para entregar una música en donde la densa oscuridad de sus melodías pesa, atrapa y lleva al oyente por un viaje sonoro poco habitual.

Para la antesala a su esperado concierto, conversamos con el bajista Nick Jost, quien se sentó al teléfono para platicar sobre diversos temas, como el nuevo disco de la banda, las similitudes entre su llegada y la de la guitarrista Gina Gleason al conjunto, su proyecto de jazz junto al baterista ecuatoriano Andrés Benavides, el significado del título en los álbumes de Baroness y su opinión respecto del metal en la actualidad, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos de manera integra a continuación.

Quiero que partamos hablando por supuesto de “Gold & Grey”, álbum que lanzarán pocos días antes de su debut en Santiago. ¿Cómo fue el desarrollo de este trabajo?

Siento que este álbum es una combinación de lo que Baroness ha sido a través del tiempo, una representación de dónde estábamos y hacia dónde queríamos llegar musicalmente. Si escuchas uno de los discos más antiguos, sabrás que la música es densa, hay mucha información en el sonido, muchas guitarras densas, creo que la gran diferencia en este disco es que la progresión del sonido de la banda llega a otros niveles. Siento que la capacidad como compositor de John –tanto lírica como melódicamente– es muy inteligente, ha encontrado su punto ideal, tiene una nueva personalidad creativa y eso se demuestra mucho en este disco.

Cada disco de la banda tiene un color en el título, en este caso el dorado y el gris. ¿Cómo son representados en el álbum?

Siento que están representados de manera lírica; de hecho, se mencionan las palabras “gold” y “grey” en el álbum, pero es como si el dorado fuera el brillo y el valor del disco, mientras que el gris es lo oscuro del sonido. Es como se representan estos dos elementos de Baroness, como si este disco reflejara que tenemos momentos de luz, pero siempre habrá oscuridad en lo que hacemos, ya sea líricamente o algunas de las armonías que desfilan en el disco. Definitivamente existe una dualidad en este disco que se pasea por ambos estados.

Hablando de oscuridad, en varias entrevistas John Dyer (vocalista) ha dicho que la banda trata de “hacer de la oscuridad algo divertido”. ¿Cómo logran expresar eso?

(Risas) Si nos ves en vivo, creo que eso lo representa muy bien. Somos enérgicos y nos divertimos mucho haciendo esto, lo tomamos en serio, y el material que tocamos tiene mucha oscuridad en las letras, en el mundo en realidad. No estamos ignorando el complejo período que atravesamos en el mundo como sociedad, entendemos lo que siente la gente, pero también queremos pasar un buen momento junto a ellos. Creo que cuando tocamos en vivo la energía que ponemos en esta música es como concibo esa idea que me dices, esa es la forma en que experimentamos la oscuridad.

Este álbum será el primero con Gina Gleason en la guitarra, quien, pese a llevar algunos años tocando junto a ustedes, aún no participaba de un LP. ¿Qué tal se vivió el trabajo junto a ella como nueva adición?

Gina es asombrosa, es una tremenda guitarrista en todo el sentido de la palabra, puede hacer lo que sea en la guitarra, es genial trabajar con ella. Tenemos algunas similitudes, ya que en “Purple” fue la primera vez que yo compuse junto a la banda, la primera vez que me introduje en esa dinámica. Seb, John y yo tenemos una dinámica a la que ella tuvo que acostumbrarse e introducirse, e hizo un buen trabajo, trajo muchas buenas ideas y permitió generar esa conexión de su voz y la de John cuando cantan juntos. Siento que eso funciona increíble, y hay momentos en este disco que lo demuestran, algunas de las mejores partes de este álbum son cuando cantan juntos.

¿Fue eso relevante en la decisión de escogerla? ¿Algo así como “necesitamos que nuestra próxima guitarrista sea mujer”?

Fue algo que ocurrió. Todos la conocimos por un amigo llamado Steve, quien produjo y vendió unos pedales de fuzz junto a John. Gina compró uno y casualmente era de la misma ciudad, por lo que se mantuvieron en contacto luego de que compró el pedal. Cuando Pete dejó la banda, Gina estaba ahí, no fue como que hicimos una búsqueda para encontrar a alguien que tocara guitarra, fue una cosa del destino, ella estaba ahí y se adaptaba bien con nosotros. No lo pensamos dos veces.

Llegaste a la banda antes de que comenzaran a trabajar en el álbum “Purple” (2015). ¿Cómo te adaptaste a un proyecto que ya estaba conformado?

Siento que, como bajista, quizás me tocó un poco más fácil. Gina y Seb tienen que reemplazar partes más complejas al tratarse de la guitarra y la batería, y mi rol era más bien llegar, hacer un buen trabajo y apoyar a la banda. A la hora de componer fue un gran desafío, muy divertido, ya que era música que se componía hasta ese momento sólo en guitarra, y tener que llevar mis ideas a la banda fue todo un aprendizaje. Tenía que entregarles cosas para que ellos pudieran sacar lo mejor de sí mismos sobre ellas. Este trabajo se trata de que todos aprendan a leer a sus compañeros y permitir que desarrollen sus mejores habilidades a la hora de tocar.

Pasemos a otro de tus proyectos musicales, Forgotten Arm, donde te acompañas solamente de un baterista. ¿Cuándo surgió la idea de hacer algo diferente?

Diría que es un proyecto de jazz, somos más de improvisación. Mi esposa es de Quito, Ecuador, y una vez que la fui a visitar me presentó a un amigo llamado Andrés Benavides, que es un baterista increíble de Quito, integrante de bandas como Can Can, que goza de popular en su país. Es un baterista de metal que también puede tocar jazz, y lo hace muy bien. En un principio para mí fue “de acuerdo, esta chica con la que salgo quiere que toque junto a su amigo, podría salir muy bien o podría salir muy mal” (risas), y afortunadamente nos llevamos muy bien la primera vez que nos reunimos. Hicimos algunos conciertos, lanzamos un EP, y ahora estamos trabajando en un nuevo álbum.

¿Piensas en algún límite de tiempo para lanzar el álbum?

Estamos casi listos grabándolo. Estamos trabajando con algunos cineastas para hacer algunos videos y lanzar el proyecto completo, porque nos encerramos tres días en el estudio y tocamos como si lo hiciéramos en vivo, así que luego queda producir esa música y transformarla en canciones. En ella capturamos nuestra historia musical; tengo formación de jazz y eso lo aplico bastante, él incorpora percusión de manos y algunos instrumentos tradicionales de Ecuador, así que es un gran proyecto.

Baroness tocó en Colombia hace unos años, siendo el único show en Sudamérica hasta ahora. ¿Por qué no hicieron una gira completa en dicha ocasión?

Es difícil hacer eso, estamos en una posición interesante porque no somos tan grandes como para arriesgar dinero, por lo que es entretenido intentarlo. De pronto pasó que los astros se alinearon y logramos ir hacia allá en esta gira, no es que no queríamos (risas). El hecho de que Seb sea de Buenos Aires lo hace doblemente especial, será un concierto tremendo allá. Hemos tenido oportunidades de ir en estos años, pero no funcionaban lamentablemente. Es complicado, ya sabes.

Estuve mirando tu Instagram y vi algunas fotos de cuando giraron con Deafheaven y Zeal & Ardor, y me llama la atención que describiste el tour como “una absoluta locura cada noche”. ¿Qué experiencias recogiste de la gira con bandas relativamente nuevas?

Tocar con ellos fue increíble, esa gira fue algo ridículamente genial. Sentimos que estábamos llevando un evento a cada ciudad que íbamos. Deafheaven soy muy buenos en vivo, pueden ser aterradores con una canción de black metal y luego, de la nada, incorporan un jam tipo shoegaze de veinte minutos y te quedas parado pensando: “¿Qué es esta banda?” (risas). Ya sabes, ellos entienden cómo unir diferentes estilos.

¿Qué opinas del estado actual de la música más pesada?

Siento que va por buen camino. Girando y haciendo shows he notado que es una escena muy sana y muy motivante. Hay un millón de bandas buenas haciendo música, la comunidad es positiva y enérgica, van por un muy buen camino. La gente está experimentando más con los sonidos, y creo que esa gira que mencionaste fue como la representación de la escena actual, con bandas que tratan de sacudir un poco las cosas, incluyendo a nosotros, que definitivamente no somos una banda estrictamente de metal bajo ningún término. Siento que, a pesar de que no estaba pensado de esa forma, terminó siendo la reunión de los inadaptados: bandas que tomamos este género del metal pesado y lo transformamos porque no calzamos del todo en él.

No digo esto porque estamos hablando, pero personalmente esa gira fue literalmente “las tres mejores bandas de música pesada que tenemos en la actualidad”.

Fabuloso oír eso (risas), lo aprecio mucho.

Para terminar: ¿Qué le dirías a los fans en Santiago que esperan por el show?

Estamos extremadamente entusiasmados por llegar hasta allá, tocar en Blondie y pasar un gran momento juntos. Todos estamos listos para tener una gran noche con ustedes, y espero que lo disfrutemos cuando llegue el momento.

Nos vemos en el show, Nick. Muchas gracias por tu tiempo.

Genial, cuídate mucho. ¡Nos vemos!

Foto de portada por Stefan Brending http://www.2eight.de/

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Jeremy Freedman de The Neighbourhood: “Nunca hemos tocado dos shows completos en un mismo día”

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Una jornada maratónica es la que vivirá The Neighbourhood este próximo 9 de junio en su regreso a nuestro país, ya que la banda realizará nada menos que dos conciertos en Cúpula Multiespacio el mismo día, marcando algo pocas veces visto en estas tierras. Con una popularidad cada vez más creciente, la banda comenzó a fraguar una consistente legión de fanáticos en 2013 para luego vivir su esperado debut en Chile, con una presentación en Lollapalooza 2018, donde tuvieron que realizar un show de poco más de veinte minutos debido a problemas logísticos a raíz de la accidentada edición argentina del festival. Ahora la banda parece venir por una revancha, lo que se demuestra en la efervescente respuesta a la venta de tickets.

Bajo este contexto, Jeremy Freedman, uno de los guitarristas de la banda, nos atendió el teléfono para conversar sobre estos conciertos, además de abordar en la nueva etapa que supone la última serie de EPs del conjunto, sus colaboraciones en canciones y videoclips, sus recuerdos del público sudamericano y por qué la banda no le gusta realizar encore en sus conciertos, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación:

Hablemos de los dos shows que tendrán en Santiago. Estarán tocando tan solo un año después de que estuvieron en Lollapalooza Chile. ¿Cómo se siente regresar tan pronto?

Se siente genial, el público sudamericano siempre es muy entusiasta y enérgico, nos demuestran mucho cariño, a pesar de que no vamos a tocar allá tan a menudo. Siempre es un agrado recorrer el continente, estamos entusiasmados por hacerlo nuevamente.

Su más reciente lanzamiento es una serie de EPs. ¿Por qué optaron por un lanzamiento de esta forma y no un álbum como tal?

Esa es una buena pregunta. Pensamos que sería una mejor idea. Hay bandas que ni siquiera hacen discos, sacan una canción de vez en cuando y eso sería todo, por lo que sentimos que podríamos abordar ideas como hacer un playlist, por ejemplo, así que fuimos pensando en distintas inspiraciones para hacer algo diferente. Finalmente optamos por esta serie de lanzamientos, dejando un hilo temático donde los nombres de todos los lanzamientos juntos conformaran el nombre de la compilación “Hard To Imagine The Neighbourhood Ever Changing”, que es como el paso a otra fase para nosotros. Hasta ahí todo nuestro material promocional, portadas, fotografías, lo que fuera, todo era en blanco y negro, pero desde aquí en adelante decidimos pasar al color, es como juntar la música y la estética en un solo paquete.

Precisamente iba a preguntarte sobre eso, ya que ahora se ve mucho más material a color de la banda, es como si hubiesen dejado atrás su etapa en blanco y negro.

Sí, tienes razón, no es algo que anunciamos, pero creo que se dieron cuenta (risas).

La última vez que tocaron acá fue un show bastante breve, debido a un problema que tuvieron con los equipos. ¿Qué es lo que pasó exactamente?

Probablemente los fans recuerden mucho mejor lo que pasó. No recuerdo que hubiera problemas en el escenario, pero creo que el retraso se debió a los equipos que utiliza Jessie en la voz. Una de las cosas que más pasan en festivales es que, con toda la cantidad de cosas que están aconteciendo al mismo tiempo, a veces se producen topes de producción y todo lo demás, situaciones que escapan del control por lo general.

Para esta visita harán algo prácticamente muy poco habitual acá, que es tocar dos shows el mismo día. ¿Habían hecho algo así antes?

Es interesante que lo preguntes porque creo que no lo hemos hecho nunca. Cuando comenzamos, hacíamos mucha prensa y entrevistas, donde a veces teníamos un pequeño set acústico y luego hacíamos un concierto en la noche, pero nunca hemos vivido la experiencia de tocar dos shows completos en un mismo día, será interesante ver cómo funcionará eso.

Entiendo que en sus conciertos prefieren tocar de corrido y no hacer un bis. ¿Cuál es la razón detrás de esa decisión?

Sí, todos decidimos de manera colectiva que hacer un bis no es lo más genuino que digamos. Si tú subes al escenario y no tocas lo que todos esperan escuchar, se torna muy obvio que volverás a tocar otros quince minutos para que los fans puedan escuchar esas canciones que tanto deseaban. Creo que es un poco teatral, ¿por qué no tocar todas las canciones que los fans aman y así todos felices? No lo sé, creo que eso es mucho mejor. Aun así, hubo una vez que tocamos un bis, los fanáticos estaban completamente locos y decidimos salir y tocar una canción que había quedado fuera del set, se notaba que ellos querían más música, por lo que optamos por salir y continuar el show, pero no fue algo premeditado. Siento como que, si está planeado de antemano el hacer el bis, pierde todo el sentido de lo que debería ser. Y no creo ser sólo yo, sé que mis compañeros deben pensar parecido.

Jeremy, me gustaría que hablemos del video de “Scary Love”, el que cuenta con la participación de Tommy Wisseau. ¿Cómo lograron concretar eso?

Eso se decidió en un chat grupal que tenemos con la banda y nuestro director creativo; siempre discutimos las ideas visuales por ahí y vamos colaborando entre todos. Nuestro director creativo encontró a alguien que daba perfecto con la idea que teníamos para ese video, algo así como una película clase B de los ochenta, y además fue justo cuando salió “The Disaster Artist” con James Franco y Seth Rogen, y teníamos la idea de que una persona como Tommy Wisseau sería el protagonista ideal del video. Por suerte, nuestro director creativo se contactó con él vía Twitter y así logramos que fuera parte del video. En menos de una semana coordinamos y todo se dio de manera muy sencilla, trabajamos juntos en el set y pudimos compartir un poco, es un tipo genial.

Otra colaboración que tienen es en la canción “Livin’ In A Dream”, donde participa el fallecido Nipssey Hussley. ¿Cuál es tu opinión sobre él y su legado?

Debo ser completamente honesto: no sabía mucho de su obra cuando colaboró con nosotros, lo que más supe de él fue lo que me contaban cuando murió, lo cual fue muy trágico, es una manera horrible de dejar este mundo. La gente me cuenta que era un líder innato, un verdadero ejemplo a seguir, hizo muchas cosas buenas en materia social.

¿Quién tuvo la idea de trabajar con él?

Ese fue Jessie, la mayoría de las colaboraciones han surgido como idea suya, a él le gusta mucho el hip hop y el rap, él es nuestra influencia principal detrás de todos los elementos de ese estilo que tenemos en nuestra música. Él conoce a muchos raperos, por lo que siempre está buscando colaboraciones.

Bien, Jeremy, se nos acaba el tiempo. ¿Te gustaría decir algo a tus fans en Santiago para terminar esta entrevista?

¿Qué puedo decir a nuestros fans en Santiago? Quiero agradecerles mucho por todo el amor que nos dan, espero que les guste mucho el show que llevamos y, si quieren que volvamos a ir nuevamente, sólo tienen que manifestarse y, por supuesto, que allá estaremos. ¡Cuídense mucho y nos vemos en el show!

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