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Nick Jost de Baroness: “No somos una banda estrictamente de metal”

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Junio será el mes de varios debuts muy esperados en nuestro país, y uno de ellos será el de Baroness, quienes se presentarán el próximo 21 de junio en Club Blondie, tan solo una semana después de que publiquen “Gold & Grey”, su quinto trabajo de estudio. Formados en 2003, el conjunto ha desarrollado una interesante propuesta llena de distintos estilos, tomando elementos de la vereda del sludge, el metal progresivo, e incluso el rock alternativo para entregar una música en donde la densa oscuridad de sus melodías pesa, atrapa y lleva al oyente por un viaje sonoro poco habitual.

Para la antesala a su esperado concierto, conversamos con el bajista Nick Jost, quien se sentó al teléfono para platicar sobre diversos temas, como el nuevo disco de la banda, las similitudes entre su llegada y la de la guitarrista Gina Gleason al conjunto, su proyecto de jazz junto al baterista ecuatoriano Andrés Benavides, el significado del título en los álbumes de Baroness y su opinión respecto del metal en la actualidad, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos de manera integra a continuación.

Quiero que partamos hablando por supuesto de “Gold & Grey”, álbum que lanzarán pocos días antes de su debut en Santiago. ¿Cómo fue el desarrollo de este trabajo?

Siento que este álbum es una combinación de lo que Baroness ha sido a través del tiempo, una representación de dónde estábamos y hacia dónde queríamos llegar musicalmente. Si escuchas uno de los discos más antiguos, sabrás que la música es densa, hay mucha información en el sonido, muchas guitarras densas, creo que la gran diferencia en este disco es que la progresión del sonido de la banda llega a otros niveles. Siento que la capacidad como compositor de John –tanto lírica como melódicamente– es muy inteligente, ha encontrado su punto ideal, tiene una nueva personalidad creativa y eso se demuestra mucho en este disco.

Cada disco de la banda tiene un color en el título, en este caso el dorado y el gris. ¿Cómo son representados en el álbum?

Siento que están representados de manera lírica; de hecho, se mencionan las palabras “gold” y “grey” en el álbum, pero es como si el dorado fuera el brillo y el valor del disco, mientras que el gris es lo oscuro del sonido. Es como se representan estos dos elementos de Baroness, como si este disco reflejara que tenemos momentos de luz, pero siempre habrá oscuridad en lo que hacemos, ya sea líricamente o algunas de las armonías que desfilan en el disco. Definitivamente existe una dualidad en este disco que se pasea por ambos estados.

Hablando de oscuridad, en varias entrevistas John Dyer (vocalista) ha dicho que la banda trata de “hacer de la oscuridad algo divertido”. ¿Cómo logran expresar eso?

(Risas) Si nos ves en vivo, creo que eso lo representa muy bien. Somos enérgicos y nos divertimos mucho haciendo esto, lo tomamos en serio, y el material que tocamos tiene mucha oscuridad en las letras, en el mundo en realidad. No estamos ignorando el complejo período que atravesamos en el mundo como sociedad, entendemos lo que siente la gente, pero también queremos pasar un buen momento junto a ellos. Creo que cuando tocamos en vivo la energía que ponemos en esta música es como concibo esa idea que me dices, esa es la forma en que experimentamos la oscuridad.

Este álbum será el primero con Gina Gleason en la guitarra, quien, pese a llevar algunos años tocando junto a ustedes, aún no participaba de un LP. ¿Qué tal se vivió el trabajo junto a ella como nueva adición?

Gina es asombrosa, es una tremenda guitarrista en todo el sentido de la palabra, puede hacer lo que sea en la guitarra, es genial trabajar con ella. Tenemos algunas similitudes, ya que en “Purple” fue la primera vez que yo compuse junto a la banda, la primera vez que me introduje en esa dinámica. Seb, John y yo tenemos una dinámica a la que ella tuvo que acostumbrarse e introducirse, e hizo un buen trabajo, trajo muchas buenas ideas y permitió generar esa conexión de su voz y la de John cuando cantan juntos. Siento que eso funciona increíble, y hay momentos en este disco que lo demuestran, algunas de las mejores partes de este álbum son cuando cantan juntos.

¿Fue eso relevante en la decisión de escogerla? ¿Algo así como “necesitamos que nuestra próxima guitarrista sea mujer”?

Fue algo que ocurrió. Todos la conocimos por un amigo llamado Steve, quien produjo y vendió unos pedales de fuzz junto a John. Gina compró uno y casualmente era de la misma ciudad, por lo que se mantuvieron en contacto luego de que compró el pedal. Cuando Pete dejó la banda, Gina estaba ahí, no fue como que hicimos una búsqueda para encontrar a alguien que tocara guitarra, fue una cosa del destino, ella estaba ahí y se adaptaba bien con nosotros. No lo pensamos dos veces.

Llegaste a la banda antes de que comenzaran a trabajar en el álbum “Purple” (2015). ¿Cómo te adaptaste a un proyecto que ya estaba conformado?

Siento que, como bajista, quizás me tocó un poco más fácil. Gina y Seb tienen que reemplazar partes más complejas al tratarse de la guitarra y la batería, y mi rol era más bien llegar, hacer un buen trabajo y apoyar a la banda. A la hora de componer fue un gran desafío, muy divertido, ya que era música que se componía hasta ese momento sólo en guitarra, y tener que llevar mis ideas a la banda fue todo un aprendizaje. Tenía que entregarles cosas para que ellos pudieran sacar lo mejor de sí mismos sobre ellas. Este trabajo se trata de que todos aprendan a leer a sus compañeros y permitir que desarrollen sus mejores habilidades a la hora de tocar.

Pasemos a otro de tus proyectos musicales, Forgotten Arm, donde te acompañas solamente de un baterista. ¿Cuándo surgió la idea de hacer algo diferente?

Diría que es un proyecto de jazz, somos más de improvisación. Mi esposa es de Quito, Ecuador, y una vez que la fui a visitar me presentó a un amigo llamado Andrés Benavides, que es un baterista increíble de Quito, integrante de bandas como Can Can, que goza de popular en su país. Es un baterista de metal que también puede tocar jazz, y lo hace muy bien. En un principio para mí fue “de acuerdo, esta chica con la que salgo quiere que toque junto a su amigo, podría salir muy bien o podría salir muy mal” (risas), y afortunadamente nos llevamos muy bien la primera vez que nos reunimos. Hicimos algunos conciertos, lanzamos un EP, y ahora estamos trabajando en un nuevo álbum.

¿Piensas en algún límite de tiempo para lanzar el álbum?

Estamos casi listos grabándolo. Estamos trabajando con algunos cineastas para hacer algunos videos y lanzar el proyecto completo, porque nos encerramos tres días en el estudio y tocamos como si lo hiciéramos en vivo, así que luego queda producir esa música y transformarla en canciones. En ella capturamos nuestra historia musical; tengo formación de jazz y eso lo aplico bastante, él incorpora percusión de manos y algunos instrumentos tradicionales de Ecuador, así que es un gran proyecto.

Baroness tocó en Colombia hace unos años, siendo el único show en Sudamérica hasta ahora. ¿Por qué no hicieron una gira completa en dicha ocasión?

Es difícil hacer eso, estamos en una posición interesante porque no somos tan grandes como para arriesgar dinero, por lo que es entretenido intentarlo. De pronto pasó que los astros se alinearon y logramos ir hacia allá en esta gira, no es que no queríamos (risas). El hecho de que Seb sea de Buenos Aires lo hace doblemente especial, será un concierto tremendo allá. Hemos tenido oportunidades de ir en estos años, pero no funcionaban lamentablemente. Es complicado, ya sabes.

Estuve mirando tu Instagram y vi algunas fotos de cuando giraron con Deafheaven y Zeal & Ardor, y me llama la atención que describiste el tour como “una absoluta locura cada noche”. ¿Qué experiencias recogiste de la gira con bandas relativamente nuevas?

Tocar con ellos fue increíble, esa gira fue algo ridículamente genial. Sentimos que estábamos llevando un evento a cada ciudad que íbamos. Deafheaven soy muy buenos en vivo, pueden ser aterradores con una canción de black metal y luego, de la nada, incorporan un jam tipo shoegaze de veinte minutos y te quedas parado pensando: “¿Qué es esta banda?” (risas). Ya sabes, ellos entienden cómo unir diferentes estilos.

¿Qué opinas del estado actual de la música más pesada?

Siento que va por buen camino. Girando y haciendo shows he notado que es una escena muy sana y muy motivante. Hay un millón de bandas buenas haciendo música, la comunidad es positiva y enérgica, van por un muy buen camino. La gente está experimentando más con los sonidos, y creo que esa gira que mencionaste fue como la representación de la escena actual, con bandas que tratan de sacudir un poco las cosas, incluyendo a nosotros, que definitivamente no somos una banda estrictamente de metal bajo ningún término. Siento que, a pesar de que no estaba pensado de esa forma, terminó siendo la reunión de los inadaptados: bandas que tomamos este género del metal pesado y lo transformamos porque no calzamos del todo en él.

No digo esto porque estamos hablando, pero personalmente esa gira fue literalmente “las tres mejores bandas de música pesada que tenemos en la actualidad”.

Fabuloso oír eso (risas), lo aprecio mucho.

Para terminar: ¿Qué le dirías a los fans en Santiago que esperan por el show?

Estamos extremadamente entusiasmados por llegar hasta allá, tocar en Blondie y pasar un gran momento juntos. Todos estamos listos para tener una gran noche con ustedes, y espero que lo disfrutemos cuando llegue el momento.

Nos vemos en el show, Nick. Muchas gracias por tu tiempo.

Genial, cuídate mucho. ¡Nos vemos!

Foto de portada por Stefan Brending http://www.2eight.de/

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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