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Nick Bockrath de Cage The Elephant: “Es entretenido tener un catálogo tan grande para elegir canciones”

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Cage The Elephant ha sido uno de los nombres prácticamente de cabecera en distintas ediciones de Lollapalooza Chile, siendo parte de tres ediciones y preparándose para una cuarta ocasión en el evento del Parque O’Higgins. Ahora, nos enfrentamos a una banda muy diferente a los alocados jóvenes que tocaron a pleno sol por allá en 2012, siendo incluso una agrupación distinta a la que se presentó (mucho más madura) en 2017, su última ocasión en el festival. Ahora Cage The Elephant sobrepasó las barreras hacia una vitrina mucho más mainstream, siendo reconocidos por la crítica y el público general como uno de los actos de rock más relevante en la actualidad.

Al llegar nuevamente hasta el festival, nos sentamos brevemente al teléfono para charlar con Nick Bockrath, guitarrista de la banda desde 2017, quien desde 2013 acompaña al conjunto en cada una de sus giras. Desde su llegada a Cage The Elephant, sus aportes en el estudio, su papel vital como compositor en el desarrollo de esta nueva etapa de la banda, entre otros temas, conversamos con el músico en una entrevista que te dejamos a continuación.

Primero, quisiera felicitarlos por el Grammy que ganaron con su último álbum. ¿Cómo han sentido el recibimiento de este nuevo trabajo?

Muchas gracias, mi amigo. Es un honor haber ganado, estamos muy entusiasmados y sorprendidos con el recibimiento, han sido buenos días, buenas semanas, buenos meses, estamos felices y agradecidos también (risas).

En tu caso, has tocado en la banda por muchos años. Primero eras sólo un músico de gira y ahora eres un integrante oficial. Con todos esos años, viste el crecimiento y evolución de la banda, ¿son muy diferentes las cosas ahora en comparación con los primeros años?

Sí, bueno, en mi caso junto con Matthan y Joe llegamos justo antes de que “Melophobia” fuera publicado, no alcanzamos a tocar en ese disco, pero sí participamos de toda la gira. Luego empezó el proceso de “Tell Me I’m Pretty” y todo fue muy natural, estuvimos girando mucho y siempre se ha mantenido la diversión. Eso creo que es lo principal a la hora de ver crecer a la banda.

¿En qué punto empezaste a involucrarte más en el proceso creativo de la banda?

En “Tell Me I’m Pretty” ya empecé a aportar un poco más, pero luego de dos años ya estábamos probando canciones juntos, componiendo cuando viajábamos en el bus, todo se dio de manera natural. Era algo que iba a pasar de cierta forma.

El último álbum se siente como la forma definitiva de la banda, consagrando un camino que iniciaron en “Melophobia” (2013). ¿Fue un proceso natural o siempre estuvieron conscientes de querer llegar hasta un sonido así?

¡Vaya! Diría que fue algo natural, pero intencional (risas). Creo que cuando empiezas a componer un nuevo disco, todos se entusiasman en probar diferentes sonidos, riffs o ideas, pero en este último álbum ya íbamos hacia otro camino en la segunda o tercera sesión en el estudio, muy distinto a lo que llevábamos en los primeros meses. De alguna forma nos enfocamos todos de la misma forma; comprendimos en conjunto qué era lo que queríamos y llevamos el proceso hacía ese punto, además de que todos en la banda siempre están aportando cosas y pensando. Diría que el disco de alguna forma se reveló por sí solo frente a nosotros.

He tenido la suerte de ver todos los shows de la banda acá y cada vez es diferente. Con la gira de “Tell Me I’m Pretty” pude notar que las canciones sonaban mejor en vivo que en el estudio, conectando muy bien con el material antiguo. ¿Cómo intentan adaptar ese tipo de canciones con el material actual?

Con cada gira tienes la oportunidad de exponer el último álbum, sin dejar de lado las cosas que la gente quiere escuchar. Honestamente es difícil, pero a la vez es entretenido tener un catálogo tan grande para elegir, ya que siempre estarán esas canciones que la gente quiere oír, pero también las que tú quieres tocar.

Bueno, supongo que toda esta entrevista es sobre la evolución de la banda (risas), por lo que ahora sigo abordando eso con “Unpeeled” (2017), que claramente fue la declaración de principios en cuanto a lo que harían desde ese punto en adelante. ¿Fue esa la intención al publicar ese disco?

Algo así. Nos invitaron a tocar en el Bridge School Benefit, un evento de caridad que hace Neil Young con un gran line up cada año. Teníamos que realizar un show acústico, por lo que empezamos a pensar qué podíamos hacer que fuera especial para la ocasión. Matt me dijo: “Tú podrías componer arreglos para cuerdas, ¿no es así?”, y yo pensé: “Sí, ¡claro que puedo!”, fui a la escuela de música y también toqué en varias orquestas cuando niño. Luego hicimos arreglos para un cuarteto de cuerdas especialmente para ese set y salió tan bien, que decidimos hacer una gira completa en ese formato. Hice arreglos para un poco más de 20 canciones y fue increíble, una gran gira, nos divertimos mucho tocando canciones que no solíamos tocar, además de reimaginar algunas que tocamos todo el tiempo. Esto fue como un mensaje para el mundo de que no sólo somos una banda que toca estos alocados shows eléctricos, sino que también podemos hacer algo más serio, divertido y diferente no sólo para nosotros, sino que para todos. Fue muy desafiante reimaginar las canciones en ese formato.

Bueno, Nick, se nos acaba el tiempo. ¿Te gustaría enviar un mensaje a los fans de Cage The Elephant en Chile?

Estamos muy contentos por ir nuevamente, siempre lo pasamos bien y probamos deliciosa comida allá. ¡Que tengan un buen día y nos vemos en el show!

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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