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Neige de Alcest: “Siento que no encajamos solamente en un género”

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La absorción de diferentes elementos de inspiración puede llevar el trabajo de un músico hasta un punto donde los estímulos nunca son suficientes, manteniendo su mente ocupada en una variedad de diversos proyectos con amplio espectro sonoro. Para el francés Stéphane Paut esa necesidad de buscar nuevos horizontes se ha desarrollado desde muy temprano en su carrera, realizando bajo su alias de Neige un aporte en diferentes bandas del género, como Amesoeurs, Lantlôs, Peste Noire y, por supuesto, Alcest, banda con la que regresará a nuestro país para presentarse el próximo 27 de junio en Club Blondie.

A pesar de no presentar material de estudio nuevo desde “Kodama” (2016), la banda liderada por Paut se encuentra actualmente en una gira que repasa lo más destacado de su catálogo, el que acumula cinco álbumes y una serie de otros lanzamientos desde su concepción en el año 2000. Como previa a su visita, HumoNegro tuvo la oportunidad de conversar con el intérprete francés para abordar diversos temas, como la influencia de la cultura japonesa en su trabajo, la mutación de Alcest como proyecto solista hasta transformarse en una banda, los diferentes géneros con los que su música es etiquetada, entre otros temas, en una entrevista que te dejamos de manera íntegra para tu disposición.

Con “Kodama” trajiste de vuelta algunos elementos clásicos de Alcest, a la vez que aplicabas algunas influencias de la cultura japonesa. ¿Cómo se relacionan esas dos cosas?

Sí, es una historia un poco larga. No es fácil imaginar cómo la música pesada y la cultura japonesa podrían relacionarse, pero, de hecho, esta es una cultura en la que he estado muy interesado desde que era niño: la animación japonesa, los videojuegos, todo eso me apasionaba mucho. En realidad, la cultura japonesa en general es muy popular aquí en Francia, así que es algo que quería hacer desde hace mucho tiempo.

Hubo muchas fuentes de inspiración, pero principalmente me inspiré en la película “Mononoke-Hime” (Hayao Miyazaki, 1997), que fue como el punto de partida para “Kodama” por el hecho de que representa esta conexión entre la naturaleza y el mundo más urbano, idear un mensaje sobre cómo respetar más nuestro entorno y el planeta donde vivimos. En el caso de los elementos musicales, básicamente me influencié en el material más heavy, ya que después de haber incursionado en el dream pop y el shoegaze, quería buscar una esencia más suave y positiva, por lo que termina siendo una mezcla de todo. También estuvieron los atentados terroristas en Paris, eso produjo un gran impacto en mí. Luego de eso me puse un poco más oscuro, no diría que alguien pesimista, pero sin duda le aportó una tristeza a mi música.

Ya que mencionaste tu inspiración en “La Princesa Mononoke”, ¿sientes que el disco podría funcionar como un soundtrack alternativo para la película?

Uff, lo dudo, la banda sonora de la película es perfecta (risas). Traté de incluir algunos elementos musicales japoneses en “Kodama”, pero muy muy pequeños. No tratábamos de ser japoneses porque no lo somos, somos franceses, pero estos elementos eran interesantes para incluirlos de una manera más minimizada. Traté de incluirlos en una manera más elegante, pero es divertido que preguntes porque, de hecho, hay un video que alguien subió a YouTube donde se mezclan imágenes de la película con la canción “Kodama”, y debo reconocer que funcionó muy bien, es como el videoclip perfecto para la canción.

Alcest partió como un proyecto solista tuyo, pero después te acompañaste por Winterhalter en la batería. ¿Cómo fue la transición de hacer todo por tu cuenta a tocar y grabar en compañía de alguien?

Fue muy diferente. En mis primeros trabajos compuse, toqué y grabé todo por mi cuenta, por lo que me dejé llevar por mis ideas. Luego, en “Écailles De Lune” (2010), hubo algunas partes de batería que no podía tocar, ya que no soy tan bueno en ella, por lo que era necesario acompañarme de otro músico. Al principio fue muy extraño trabajar con alguien más porque solía estar solo y no tenía problemas; en cambio, con alguien tienes una opinión diferente de tu música y es más extraño. Pero en el caso nuestro las cosas se han dado muy bien, todo es interesante porque Winterhalter tiene otra mirada, nos complementamos muy bien, tenemos diferentes gustos musicales, además de que la mayoría de las veces es él quien tiene la razón en torno a alguna canción. Al final siempre llegamos a un consenso, me ayuda cuando estoy perdido y no logro darle forma a una canción, él sabe cómo Alcest debería sonar, por lo que es de gran ayuda.

Es más bien un proceso colaborativo, no es que sea sólo el músico de sesión.

Así es, absolutamente. Siempre tiene una mirada muy acertada, su opinión es muy importante y siempre aporta ideas muy interesantes para la batería o para el aspecto rítmico de la banda.

Hay muchos artistas que hacen todo por su cuenta, incluso a veces sin apoyarse en un productor. ¿Crees que este tipo de cambios es necesario para evolucionar a la hora de hacer música?

No lo sé. Si realmente te sientes cómodo haciendo todo por tu cuenta, entonces continua así, no hay reglas para eso. Pero si, de lo contrario, necesitas la opinión de alguien ajeno a tu forma de trabajar o pensar, creo que es interesante contar con la ayuda de alguien más. La verdad, pienso que esto es algo independiente de la música, pero siempre es divertido colaborar con alguien. Me gusta estar trabajando con otras bandas, cantar como invitado, ya sabes, me gusta estar haciendo diferentes cosas todo el tiempo.

Tu música es catalogada constantemente como muchos géneros diferentes: black metal, shoegaze, post-rock, entre otros. ¿Sientes que todas esas descripciones encajan con el verdadero sentido de tu música?

Con Alcest es un poco más difícil catalogarnos porque tenemos muchas canciones de estilos diferentes, al igual que nuestras influencias. No nos etiquetaría en un solo género o estilo, siempre estamos cambiando. Hay gente que dice que somos black gaze, pero para mí es una palabra muy limitada. No creo que seamos simplemente una mezcla de shoegaze y black metal, somos mucho más que eso. Siento que no encajamos solamente en un género, pero si la gente quiere hacerlo está bien, no me molesta.

Sueles citar muchas influencias, incluso diferentes por cada álbum. ¿Podrías mencionarnos las bandas y artistas que más escuchas?

Sí, hay muchísimas bandas porque soy un oyente muy activo desde que era niño, pero hay bandas a las que siempre regreso, como los primeros discos de The Smashing Pumpkins, también bandas como Slowdive, Dead Can Dance, The Cure, Joy Division, Massive Attack, también bandas de metal como Type O Negative, los primeros discos de Emperor. En fin, me gustan un montón de estilos diferentes de música.

Considerando la gran influencia de Japón en tu vida, ¿eres seguidor de algún artista oriundo de ese país?

Sólo un poco, me gustan mucho las bandas sonoras de las películas, especialmente las que compuso Joe Hisaishi, quien ha trabajado en la mayoría de las películas de Miyazaki. También soy fan de la banda Vampillia, con los que hemos girado en Japón varias veces. Me gusta la música de MONO y Ryuichi Sakamoto, creo que eso es casi todo lo que escucho proveniente de Japón.

Hablando sobre planes futuros, ¿hay algo que puedas comentarnos sobre un potencial nuevo álbum de Alcest?

Sí, no te diría que estoy trabajando en él ahora porque me ha tomado mucho tiempo. Al ser nuestro sexto álbum la inspiración no llega tan rápido como antes, tenemos que darnos más tiempo para estar seguros de que es algo bueno. Creo que será en la misma línea de “Kodama”, una mezcla entre lo épico y lo más pesado.

Bien, se nos acaba el tiempo. ¿Algo que quieras decir a tus fans chilenos para terminar?

Por supuesto. Ha pasado mucho tiempo desde que estuvimos por primera vez en Chile, estoy muy contento por regresar. Les prometemos un muy buen show, tocaremos canciones de todos los discos. Espero que vayan porque lo pasaremos muy bien.

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Jim Reid de The Jesus And Mary Chain: “Nunca encajamos, existíamos en nuestro propio rincón”

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Mary Chain

Muchas veces han sido denominados como “la única verdadera banda indie”, y es bien cierto que The Jesus And Mary Chain no se aleja mucho de ese apelativo. Luego de estar separados por casi diez años, la banda regresó a los escenarios en 2007, mucho más maduros y dejando de lado todas las peleas que los hicieron distanciarse en un momento y publicando el álbum “Damage & Joy” (2017) como una muestra de aquello. Ahora, el conjunto integrado por los hermanos Jim y William Reid llegará nuevamente a nuestro país para encabezar la primera edición del festival Antena, siendo el encargado de cerrar la jornada del día 29 de junio, en su regreso a Santiago luego de haberse presentado por última vez en 2014.

Para amenizar la espera a este anhelado regreso, es que nos sentamos al teléfono junto al guitarrista Jim Reid, quien, de manera muy introvertida y serena, conversó con nosotros sobre una serie de temas en torno a la banda, tales como la grabación de su primer álbum en 20 años, el dolor de cabeza que significó trabajar en el disco “Munki” antes de su separación, su opinión sobre la música actual y las bandas que se sintieron inspiradas por The Jesus And Mary Chain, entre muchas cosas más, en una entrevista que te dejamos a continuación:

Obviamente, de lo primero que hablaremos es de este regreso a Chile luego de cinco años. ¿Cómo ven esta próxima visita al país?

Estoy expectante por regresar, ya han pasado cinco años. La audiencia chilena es muy entusiasta, es uno de los mejores públicos que hemos tenido, por lo que espero experimentar eso de nuevo.

Vienen con el álbum “Damage & Joy” de 2017, el primero luego de casi 20 años. ¿Qué tan diferente fue hacer un álbum en la actualidad, comparado con “Munki” que apareció en 1998?

Sí, supongo que es bien parecido, pero más rápido, ya que la tecnología ha avanzado demasiado. Antiguamente tenías una idea, como el uso de sintetizadores o una sección de cuerdas, y querías aplicarla, tomaba un día completo arreglar todo para que funcionara, pero ahora puedes hacer todo eso en un computador en cosa de minutos, sin tener que mover nada, por lo que las ideas fluyen más rápido, aunque esencialmente es lo mismo: un grupo de tipos en el estudio elaborando canciones y tratando de sacar lo mejor de ellas en el proceso.

En este disco trabajaron con Youth, bajista de Killing Joke, como productor. ¿Cómo se sintieron con una mirada externa hacia su trabajo?

Fue la primera experiencia con un productor, tomamos esa decisión porque estábamos muy nerviosos por entrar al estudio de nuevo, ya que grabar “Munki” fue una experiencia dolorosa y todavía era un recuerdo fresco en nuestras mentes, a pesar de todo el tiempo que pasó. Estar en el estudio es algo claustrofóbico a veces, temíamos estar atrapados mucho tiempo sin llegar a ningún punto claro y que volviéramos a lo mismo que pasó esa vez. Incluso, pese a que llevábamos tiempo girando juntos, ahí se adquiere experiencia y te unes más con la banda, pero en el estudio es algo mucho más personal. Pensamos que tener otra presencia en el estudio nos ayudaría a mantener las cosas en orden, así que lo analizamos mucho, además de que nos ayudaría con todos los aspectos tecnológicos que se utilizan al grabar un disco.

¿Por qué describes la experiencia de haber grabado “Munki” como algo doloroso?

Lo fue, temíamos que podía ser así desde antes. En este último disco nos hicimos amigos con William, al punto que nos unimos mucho más que antes, hablábamos de todo, conversábamos sobre el disco de manera constructiva, discutimos, sí, pero siempre de manera pacífica, acerca de la música y cosas así. Es lo normal que se produce en una relación creativa como la que tenemos; eran sólo temas de música y nada más. Con “Munki” llegó un punto en que discutíamos por todo, en cambio ahora fue más de ir juntos en la misma dirección.

Entiendo que no grabaron juntos durante el proceso de ese disco, pero ¿hubo algún momento en que trataron de trabajar los dos en el mismo estudio?

Comenzamos haciéndolo juntos, pero rápidamente se desintegró. William y yo nos pasábamos gritando el uno al otro, ni siquiera podíamos comenzar a grabar lo que teníamos compuesto. Finalmente él terminó grabando con la banda las canciones que ya tenía, mientras que yo hacía las mías aparte, fue como tener dos miradas distintas de la banda en un solo álbum.

En esta próxima visita a Santiago tocarán en un festival, encabezando la primera noche luego de algunas bandas locales, prácticamente todas jóvenes. ¿Te gusta estar al tanto de los nuevos sonidos? ¿Hay alguna banda nueva que disfrutes?

Probablemente debería, lo sé, pero no lo hago. Tengo cientos y cientos de álbumes pendientes, pero cada vez que escucho nuevas bandas, no me conecto, no he encontrado una banda nueva que me guste desde hace mucho. Para serte honesto, no escucho radio ni nada, he escuchado cosas buenas de repente cuando tocamos en algún festival, algo que suene en un escenario quizás, pero probablemente estoy pasado de moda, ya no es mi tiempo.

¿Sientes que quizás la música ya no es lo mismo de antes?

De alguna forma lo siento, pero quizás es porque soy muy viejo. Hay chicos de 17 o 18 años que piensan que esta es la mejor época de la música, y quizás tienen razón, porque todos suelen decir que la música con la que creces es la que consideras la mejor. Creo que debería escuchar más música, eso lo tengo claro.

Estando en una banda como The Jesus And Mary Chain de seguro que suelen decirte “tu música ha inspirado a esta, y esta, y esta otra banda”. ¿Se han visto reflejados en alguna de esas bandas inspiradas por su música?

Sí, me ha pasado, pero no mencionaré a ninguna porque no sería justo. He escuchado la esencia de The Jesus And Mary Chain en algunas bandas, y no creo que eso sea algo malo, el rock & roll se trata de eso. Nada es original, absolutamente nada, esto se trata de tomar distintas piezas y reorganizarlas a tu gusto. The Rolling Stones trató de ser algo como Chuck Berry en sus inicios; The Stooges trató de ser The Doors, pero necesitaban algunas lecciones de guitarra para lograrlo, ya sabes, tienes que poner algo de ti sobre la mesa, no puedes ser una copia de otra banda, tienes que sentirte inspirado por ellas y hacerlo a tu propia manera. Es un poco deprimente escuchar bandas que suenan exactamente como otras, de eso no se trata esto.

Jim, hablamos sobre las diferencias entre hacer un álbum en los 90 y hacerlo ahora, por lo que te repito la pregunta, pero esta vez hablando de los shows en vivo. ¿Cómo enfrentan esta nueva era donde los teléfonos y las redes sociales cambian la percepción a la hora de hacer un show en vivo?

Sí, tienes razón, es diferente, no hay duda de eso. Desde un punto de vista artístico prefiero mucho más la manera antigua, te sentías menos expuesto y mucho más confidente de lo que estás haciendo. Soy un tipo tímido, estar en el escenario y ser el centro de atención es todo un tema para mí, pero tenía una actitud muy punk cuando empezamos, quería ser como Iggy Pop; nunca podría ser eso, pero lo deseaba. La única forma en que podía estar arriba del escenario era si me emborrachaba antes. Toqué sin estar sobrio durante décadas, cada show, algunas veces ni siquiera podía mantenerme en pie, pero ya no bebo desde hace dos años y medio. Aún soy tímido y torpe, pero es mucho más profundo, puedo encasillarme más en la música y comprometerme y enfocarme en hacerlo cada vez mejor.

En una entrevista dijiste “no hay un lugar en el mundo para nosotros”, refiriéndote a la banda. ¿Qué quisiste decir con eso?

Nunca encajamos, existíamos en nuestro propio rincón. William y yo éramos los Mary Chain, y cuando pasó el grunge no teníamos nada que ver con eso; cuando llegó el brit pop no teníamos nada que ver con ellos, todos estos géneros que iban apareciendo nos excluían. Creo que para tener la atención de todos tuvimos que patearlos en las bolas, ya sabes a lo que me refiero. La canción “Amputation” precisamente habla de eso, de ese sentimiento de no estar conectados al resto de movimientos.

Este año se cumplen 30 años desde el lanzamiento de “Automatic”. ¿Planean alguna actividad especial para celebrarlo?

No hay planes, pero quién sabe, estamos abiertos a ideas. Lo único que puedo decir es que no tenemos nada pensado por el momento.

¿Por qué optaron por una producción más minimalista en ese álbum?

En esos momentos estábamos escuchando mucha música electrónica, por lo que queríamos hacer un álbum que sonara así. No hay bajo en el disco, todo está programado, hay drums machines y guitarras. Fue como nuestra carta de presentación para llegar a Estados Unidos. Cuando hicimos ese disco, estábamos tratando de sonar en las radios estadounidenses, y ese sonido nos acercó.

Bueno, Jim, se nos acaba el tiempo. ¿Hay algo que quieras decir a tus fans en Chile?

The Jesus And Mary Chain irá pronto a tocar para todos ustedes. Tenemos un set donde tocaremos canciones de todos nuestros discos. Si aman a la banda, estoy seguro de que les encantará el concierto, así que espero verlos ahí.

Muchas gracias por tu tiempo, nos vemos en el show.

Ok, muchas gracias a ti. Nos vemos.

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