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Miyavi: “Estoy muy entusiasmado de ver a mi gente de Chile de nuevo”

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Luego de casi siete años de ausencia en los escenarios locales, el japonés Miyavi volverá a Chile para presentar esta nueva etapa de su carrera, más ligada al dance y la electrónica, pero sin dejar de lado los furiosos guitarrazos que despliega en el escenario. Será este próximo 29 de mayo en Club Blondie cuando el nipón realice su cuarta presentación en nuestro país, anotándose con hitos como el primer artista masivo de su país en presentarse en Chile con un repleto Teatro Teletón en 2008, así como también el primero en llegar a un festival como Maquinaria 2011, donde resaltó siendo la gran sorpresa de la segunda jornada. Ahora esos días, acompañado de un colectivo musical, una banda de rock e incluso sólo con batería, han quedado atrás, ya que Miyavi mira hacia el futuro con una configuración completamente diferente, privilegiando los sonidos electrónicos.

Esa necesidad de estar a la vanguardia e ir siempre avanzando –algo casi innato del país asiático– es lo que mantiene a Miyavi en la órbita, transformándose poco a poco en un artista que traspasa las barreras de su tierra. Todo eso fue motivo suficiente para sentarnos a conversar con el guitarrista, quien nos habló de sus recuerdos de Chile, su carrera como actor, la influencia de otros músicos japoneses en su vida, entre otras cosas, en una entrevista exclusiva que te dejamos de manera integra a continuación.

El 21 de mayo se cumplieron 10 años desde la primera vez que tocaste en Santiago. Obviamente, no fue la última, ya que regresaste en 2009 y 2011, pero quiero preguntarte específicamente sobre la primera vez. ¿Qué recuerdas de esa experiencia?

Bueno, fue extraño para mi ir la primera vez, jamás imaginé que todo fuera tan asombroso. Siempre recuerdo el apoyo que me dieron, incluso ahora que ha pasado mucho tiempo desde la última vez que fui. Han sido de mucho apoyo por muchísimos años, recuerdo que incluso fui a visitar esa estatua que tienen en la cima de un cerro, la ciudad se veía hermosa desde esa altura. Tengo los mejores recuerdos de Santiago.

Ahora vuelves luego de casi siete años de ausencia, con un nuevo estilo y, además, con una nueva banda en escena. ¿Qué puedes contarnos sobre esta gira?

Bueno, ya sabes, tenemos una mejor producción, además de un nuevo estilo, con baterías, un DJ y una corista. Obviamente haremos tracks nuevos, pero también algunos más antiguos, siento que será un encuentro muy importante porque tendremos ese preciado reencuentro, donde miraremos juntos hacia el futuro. De cierta forma, tanto el público como yo hemos crecido juntos, así que estoy muy entusiasmado de ver a mi gente de Chile de nuevo, ha pasado mucho tiempo desde que estuve ahí. Su apoyo es tremendo; de hecho, no teníamos planeado llevar esta gira a Sudamérica, no pudimos llegar a acuerdo con los promotores locales, pero los fans comenzaron a pedirlo y hacer sentir su voz fuertemente, y luego logramos un buen trato y así podremos ir. Los fans lo hicieron posible; si no se manifestaban, era muy probable que no pudiera volver allá.

Es interesante que menciones eso de mirar al futuro juntos. Pasaste por un período eléctrico con el álbum “Miyavizm” (2005), luego acústico en “Miyaviuta -Dokusou-” (2006), después te acercaste al hip hop en “This Iz The Japanese Kabuki Rock” (2008), estando ahora en otra etapa completamente diferente a todas las anteriores. ¿Qué versión de Miyavi veremos ahora?

Bueno, esto es un poco complejo, ya que siempre estoy experimentando. Diría que en cierta forma sigo siendo acústico, incluso con el shamisen, que lo volví a tocar hace un tiempo en un evento del que fui parte en Kyoto, donde se hizo conciencia del cuidado de nuestro planeta. No es que haya dejado esas cosas de lado, sólo que ahora me enfoco en lo nuevo, un poco más dance y EDM, con la guitarra siempre presente, por supuesto. Creo que, si quieres hacer algo nuevo, la guitarra es muy importante, siempre debe estar presente. Ya sea en América o en Japón, es difícil que canciones con guitarra se hagan populares en las radios. Mi intención es hacer de la música con guitarras algo interesante.

Considerando que siempre estás experimentando, ¿crees que en el futuro veamos otra fase completamente distinta en tu música?

No lo sé, siempre estoy enfocado en el presente. Es divertido, porque nunca sabes que vendrá después. Si lo pienso, creo que he estado aferrado a este estilo por muchos años, quizás sea la dirección que estaba buscando, no lo sé.

Quisiera preguntarte una curiosidad: he notado que muchos de tus álbumes no están en servicios de streaming, como Spotify, sobre todo los de la primera etapa de tu carrera. ¿Es esto por querer potenciar más tu presente musical?

¡Oh! ¿No están disponibles? La verdad no lo sabía (risas). Me encantaría que estuviera toda mi música disponible, le preguntaré a mi staff sobre eso. La verdad no tengo idea, le preguntaré a mi gente sobre eso, quizás sólo están disponibles en algunas zonas del mundo, no es mi intención omitir ninguno de esos discos.

Hablando de eso, quiero que reflexionemos sobre el álbum “This Iz The Japanese Kabuki Rock” (2008), que cumple 10 años desde su lanzamiento. En este disco experimentaste por primera vez con un montón de estilos diferentes, creando una obra que, en mi opinión, es el mejor álbum de tu discografía. ¿Sientes que marcó un precedente en tu carrera?

Sí, sí, fue muy divertido. Quería mostrar la cultura japonesa, pero además mezclar la música moderna con un toque diferente. En esos momentos teníamos un montón de gente en el escenario: un beatboxer, un bailarín de tap, un DJ, en fin, una mezcla muy diversa. También fue un experimento en toda su forma, de verdad que fue un desafío muy grande para mí, lo que me ayudó a ampliar mucho más mis capacidades.

Bueno, ya que soy seguidor de la música japonesa desde mi infancia, quisiera preguntarte a ti sobre tus bandas favoritas. ¿Qué artistas creciste escuchando?

Bueno, principalmente escuchaba guitarristas como hide, Tomoyasu Hotei, ya sabes, los músicos más destacados de Japón en aquellos años. También fui muy seguidor de Masayoshi Takanaka, uno de los mejores guitarristas de Japón, todos ellos me inspiraron a tocar la guitarra, gracias a ellos me fui formando como guitarrista.

Sé que tocas un cover de hide en esta gira, “Pink Spider”, canción que versionarás en “hide TRIBUTE IMPULSE” (2018), próximo álbum en su honor. ¿Cuán grande su influencia en tu música?

Me inspiré mucho en su actitud, su música y la relación que hacía entre diferentes elementos. Realmente admiro su actitud, cómo tenía la capacidad de plasmarla en sus creaciones, es algo verdaderamente asombroso. Cuesta creer que ya pasaron 20 años desde que falleció, por lo que es un honor para mí tener la oportunidad de tocar una de sus canciones.

Pasemos a otro tema: interpretaste el papel de Kuchiki Byakuya en la película live action del animé “Bleach” (“Bleach”, Shinsuke Sato, 2018), que está pronto a estrenarse. ¿Cómo fue la experiencia de darle vida a un personaje tan icónico como este?

Fue muy entretenido, no estaba seguro de aceptar el rol porque jamás esperé interpretar a un personaje de animé, pero sé que muchos de mis fans adoran la serie y también me interesé en la relación que el personaje tiene con su hermana, la forma en que él quiere e intenta protegerla es muy parecida al cariño que tengo yo por mi hermana, así como también por mis hijas. Se ve como un tipo duro, pero en el fondo es dulce y sobreprotector con sus cercanos, esos sentimientos que él tiene son muy interesantes para mí, por eso quise intentar el papel.

Obviamente, esta no es tu primera película, ya que también has actuado en algunos filmes americanos (“Unbroken”, “Kong: Skull Island”). ¿Tienes algún proyecto a futuro?

Sí, claro. Además de “Bleach”, se viene “Gangoose” (“Yu Irie”, 2018), que también está basado en un animé. Trata sobre la vida en los guetos, donde hay chicos que deben sobrevivir haciendo cosas malas, pero que ven como una forma de hacer justicia. Incluso en Japón, que es considerado un país rico, todavía hay muchísimos problemas; la brecha entre ricos y pobres es muy notoria, la manera en que estos chicos de la película sobreviven es una situación completamente real. El personaje que interpreto es un villano, es el jefe de una pandilla en Tokio, que se comporta muy locamente.

Bueno, Miyavi, esa fue la última pregunta. Te agradezco por el tiempo que te tomaste para hablar con nosotros. Para finalizar: ¿te gustaría enviar un mensaje a tus fans en Chile?

Primero que todo, realmente estoy muy muy agradecido por su apoyo, perdónenme por tardar tanto en regresar, pero ahora prepárense, porque estoy listo para rockear con ustedes de nuevo. Hemos crecido juntos y estoy muy feliz de compartir esta nueva visión con ustedes. Les llevaré muchas canciones nuevas, todas con una perspectiva diferente, pero también tendré algunas antiguas. El punto es que no estamos viviendo del pasado, estamos avanzando y creando un futuro juntos, espero que podamos compartir eso y sentir cómo todos nos movemos para avanzar hacia otros tiempos. Muchas gracias por todo.

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Jason Pierce de Spiritualized: “Uno hace arte en un contexto donde nada es para siempre”

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Los últimos meses han sido extensamente ocupados para Jason Pierce, el hombre a cargo de Spiritualized y quien ha encontrado el vehículo perfecto para expresar ideas, sensaciones, conceptos y metáforas a través de su música, muchas veces catalogada como desestructurada, pero también efectista en su ejecución. Lejos de todas esas contradicciones, y en plena etapa de recuperación de su catálogo a través de la serie de reediciones bautizadas como “The Spaceman Reissue Program”, Pierce concreta un trabajo de años con el lanzamiento de “Everything Was Beautiful”, nuevo trabajo de estudio que fue publicado el pasado 22 de abril a través del sello Bella Union.

Trabajado casi a la par con “And Nothing Hurt” de 2018, en este disco el artista se aventura en un estrepitoso viaje de siete canciones grabadas con más de 30 músicos en once estudios diferentes. Por si eso fuera poco, el mismo Pierce se encarga de tocar 16 instrumentos distintos en esta producción. Todo esto es motivo suficiente para que el pasivo e intrigante artista se tomara unos minutos para conversar telefónicamente con nosotros, donde platicamos distintos tópicos, como el encierro de la pandemia, su metodología de trabajo, la creación y grabación de este nuevo disco, entre muchos otros detalles, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Jason, primero quiero preguntarte como estás. La pandemia ha tenido un impacto en todo el mundo, ¿cómo has estado durante estos dos años?

Sí, ha sido loco, ¿cierto? Ha sido muy difícil para todos, y asumo que es algo todavía muy presente. No sé cómo será en tu país, pero pareciera que parte de la gente no está preocupada del bienestar de los otros, no entienden que hay gente trabajando muy duro para que no se pierdan más vidas, salvando vidas incluso cuando muchos no se lo toman en serio y ni siquiera consideran los peligros. Creo que eso ha sido lo más complicado, cualquier cosa que pase está ligada a la tristeza que generan estas personas que se comportan de manera muy egoísta.

Totalmente. Entiendo que, cuando comenzaron las cuarentenas, salías a caminar por las calles y verlas vacías te inspiró a hacer este nuevo disco. ¿Es correcto eso? ¿Qué nos puedes contar del proceso creativo de este álbum?

Sí, fue algo así. Es de esas cosas extrañas que pasan con la música, porque todos parecieran hacer la mejor música cuando se apartan del mundo, cuando el ambiente se calma. Cuando los artistas están en el estudio trabajan mejor tarde en la noche, cuando ya todos duermen, el mundo está en silencio y no hay una lógica con eso porque estás en una habitación con aislación, por ende, no se escucha nada y el mundo siempre estará en silencio, pero sin duda que es algo que se siente cuando el mundo verdaderamente está en silencio afuera. Supongo que así es todo el tiempo; parte de tu cerebro agradece la tranquilidad a veces. Suelo bromear con que durante la cuarentena no había que preocuparse de excusas cuando te invitaran a una fiesta. Esa tranquilidad me permitió enfocarme y decir “realmente puedo terminar esto ahora”, puedo finalizarlo y no hacer nada más porque no hay otra cosa que se pueda hacer más que estar encerrado, sobre todo con esa sensación de desesperanza acechando constantemente con tanta gente sufriendo afuera. Todo fue el escenario propicio para finalizar este disco.

Leía el comunicado de prensa para este disco, donde dices que te sentías como que llevabas entrenando toda tu vida para esto, para el confinamiento y la tranquilidad.

Sí, lo que pasa con el comunicado es que simplemente quise incluir ese chiste corto. Siento que no es tan diferente este período a estar sentado en la parte trasera del bus, en esos momentos de soledad. Hay cierta soledad en el ejercicio de tocar música de todas formas, lo que no se ve tan diferente a esto. Por momentos sentí como si hubiese entrado a una máquina del tiempo, miraba el cielo y prácticamente era el mismo cielo que miraban los romanos; no había aviones, no había humo, ningún elemento disruptivo del medioambiente, el río era casi prehistórico, todo muy silencioso y quieto. Eso no es algo que puedas tener en la ciudad, a no ser que te muevas fuera de ella. Tenías este ambiente natural, pero con la ciudad todavía ahí, con esa grandeza arquitectónica, estos edificios, todo vacío, inhabitable. Hay algo extrañamente convincente en todo eso.

Sí, es muy extraño ver las calles vacías. La primera vez que presencié eso no fue por la pandemia, de hecho, fue por las protestas en Chile en 2019. El gobierno puso un toque de queda a mitad de la tarde, por lo que ver las calles sin gente a esa hora del día fue muy extraño. Pero siempre persiste ese elemento de paz en el panorama, quizás al momento de notar que se puede trabajar mejor en ese contexto.

Sí, sí, también lo siento así. De hecho, creo que estuve en Chile antes de eso, estaba con mi hija en la calle tratando de regresar al hotel cuando estaban todos los militares en la calle por las protestas, supongo que esa calma que te dan esas calles vacías son algo que ayuda. Me obsesiono mucho cuando hago música y no puedo enfocarme en nada más, me siento casi como si me estuviera volviendo absolutamente loco. La pandemia permitió que esa calma pudiera pasar, no había ninguna distracción que me sacara de ese estado y realmente pude concentrarme y volverme loco con la música. De igual forma es algo que te consume, pero fue la única manera en que lograría completar este disco, estaba desesperado por terminarlo. Diría que durante los últimos siete años he estado desesperado por terminar tantas cosas como me sea posible, necesitaba completar eso para estar tranquilo nuevamente y pensar en lo que haría con mi futuro, tratar de completar cada canción que espera por ser terminada.

¿Qué hay del título del disco? ¿Cuál es el significado de “Everything Was Beautiful”?

Es una cita. No sé si debería hablar de esto, pero siempre es así con los títulos de Spiritualized. Mi intención cuando comencé esto era tener una tener una gran obra entre este álbum y el anterior, todas las canciones comenzaron a trabajarse al mismo tiempo. Mi compañía no quería un disco doble, ya que el lapso de atención de la gente es muy corto, pero también históricamente los álbumes dobles quedan perdidos; hay tanta información, que quedan en el olvido y son redescubiertos 20 años después de su lanzamiento. “Exile On Main St.” de The Rolling Stones es un ejemplo. Descubrí que ese disco tenía valor muchos años después, además que está la presión de que debes vender discos en este negocio, así que ellos me pidieron que no hiciera uno doble. De cierta forma funcionó, porque terminé la mitad que se transformó en un álbum, y las otras canciones recién las terminé ahora. Si hubiera sido doble, estaría todavía trabajando con todo el material a la vez. También fue algo arbitrario, no elegí qué canciones estarían en una parte y las que estarían en otra, creo que más bien incluí las que me faltaba menos por completar, ya sabes, “A Perfect Miracle” o “The Prize”.

¿Podríamos decir que este nuevo álbum es una continuación de “And Nothing Hurt”?

No, no diría que este disco es una Parte 2 o los descartes de ese disco. No hay descartes, todas son canciones que estaba componiendo, todas son canciones importantes. Además, cuando terminé lo que sería “And Nothing Hurt”, estas otras canciones iban por una dirección completamente distinta, por ende, tenía que ser un disco completamente distinto.

Para este disco trabajaste en once estudios diferentes. Eso es algo que se siente al escuchar el álbum, es como un viaje donde tú eres el personaje principal que se va impregnando de distintos elementos a medida que pasan las canciones. ¿Eso tiene algo que ver con el hecho de que trabajaste en muchos lugares distintos?

Supongo que es algo con los estudios, porque es difícil encontrar gente en la música que esté dispuesta a recorrer ciertas distancias. La mayoría de las personas en la música quieren trabajar bajo escenarios cómodos, donde puedan mostrar lo que son capaces de hacer. Muchos productores y personas en la música te dicen “me gusta lo que hiciste en tu último disco” o cosas así y, si bien yo no hago música para esperar eso, prefiero trabajar en un buen espacio donde pueda ir recogiendo las mejores partes antes de moverme al siguiente, de esa forma no hay un lugar definido para estas canciones. Hay productores que sólo producen una banda y luego buscan otra y la ponen en el mismo lugar, con la misma estructura, y yo obviamente no quiero eso. Soy más de aclarar y decir “esto es lo que hago”, prefiero que sea a mi manera. Muchos de esos estudios donde trabajé no funcionaron del todo, por eso tomé lo que me parecía interesante y me lo llevé hasta el siguiente, eso es algo difícil de calzar.

También se produjo la situación que por distancias había que trabajar en lugares diferentes, ¿no es así?

Sí, también ese fue un factor. Ciertos estudios estaban cerca del lugar en que estaban algunos integrantes de mi banda y ahí fue algo netamente geográfico, ya que necesitaba conseguir un estudio cerca de donde estuvieran para que trabajáramos. El resultado final, respondiendo a tu pregunta anterior, tiene que ver con que el disco es algo así como un collage; de hecho, son prácticamente dos mezclas puestas una encima de otra: una estaba sin finalizar, la otra estaba casi finalizada, pero tan pronto como las junté, puso todo el disco en un lugar que no podía reconocer, y me sorprendí a mí mismo con el resultado. No escuchaba mi trabajo en la misma forma que esperaba, a veces me gusta conservar los demos, por lo que hay una canción que está construida en base al demo, otra que está hecha a partir de una grabación en vivo que alguien hizo de nosotros y que encontramos en YouTube, ya que no podíamos dar con el sonido preciso. Todo se trata de aferrarse a los fragmentos que me gustan y hacerlos funcionar de modo que se transformen en una canción.

Además de esos once estudios, trabajaste con más de 30 músicos y cantantes. ¿Cómo fue ese proceso? ¿Les indicas “toca esto” o “canta esto”, o más bien son ellos poniendo su propio enfoque a las canciones?

Siempre es lo segundo, incluso si les pido qué tocar. Hay ocasiones en que yo les digo “toca esto” o “canta esto”, pero incluso ahí ellos ponen su estampa personal a la estructura, lo que da una idea de dónde puede ir la canción. Las cosas que hacen funcionar la música que amo están muy cercanas a las cosas que hacen funcionar a la música que no amo, eso es algo que siempre noto. Por ejemplo, una banda puede hacer un cover con los mismos instrumentos, configuración, equipos y arreglos que la versión original, pero puede que siga sonando horrible. De cierta forma, intento guiar a la gente, incluso si son músicos con los que trabajo hace mucho tiempo, siempre es necesaria una especie de guía. Eso al final también hace que ellos, como músicos, puedan encontrar su camino y aplicar sus ideas a lo que están tocando, y es inevitable que ellos traigan su habilidad a la música que están interpretando.

Jason, quisiera que pasemos a otro tema, puntualmente preguntarte sobre “The Spaceman Reissue Program”. ¿Cómo surgió esa idea?

Fue idea de Matthew Johnson, quien maneja mi sello en América, Fat Possum Records. Él comenzó a reeditar el catálogo de ciertos artistas y consideraba que era importante que los discos fueran propiedad de los artistas. Él se preocupó de todo eso, especialmente con mis discos, que siempre me decía que estaban un tanto olvidados y sin amor porque fueron publicados por un sello donde ya no estoy y nunca se preocuparon, no los reeditaban ni nada. Me di cuenta de que algunas de las reediciones que hicieron quedaron muy mal, por lo que era tiempo de botar todo eso y quisimos establecer que estos discos son importantes, son mi vida y mi historia. Realmente todo partió como una forma de darle el valor que merece mi trabajo, además de ponerlos a disposición de la gente nuevamente, ya que no lo estaban hace tiempo y los originales son muy caros actualmente por su rareza.

Definiste estos vinilos como las “ediciones definitivas”. ¿Podríamos decir que estos son los álbumes de la manera que pretendías que sonaran al momento de su lanzamiento?

Sí, algo así. Podríamos discrepar en el sentido de si fueron publicados como era mi intención en su momento, ya que en ese tiempo el mundo estaba más enfocado en el CD y la gente ahora está interesada en los vinilos. Supongo que eso le da un valor, además de que me gusta el hecho de que la portada sea respetada con una reestructuración, así como también el contenido del disco. Me gusta saber que uno hace arte en un contexto en donde nada es para siempre, las cosas envejecen, un disco se puede desgastar, el papel de la portada puede estar rayado o trizado, me gusta saber que el paso del tiempo afecte a una pieza de arte como un disco en cierta forma.

Bueno, Jason, esa fue la última pregunta. Quiero agradecerte por tu tiempo, por supuesto, pero también preguntarte si quieres enviarle un mensaje a tus fans chilenos que esperan verte nuevamente por acá algún día.

Sí, por supuesto. No tengo ningún mensaje preparado, pero sí siento que tengo una conexión especial con Chile, porque los primeros shows que hicimos en Sudamérica fue gracias a dos chicas chilenas que vinieron a Europa y conocí en un bar cerca de mi casa. Les pregunté si conocían a alguien que pudiera armar un show y afortunadamente una de ellas conocía al promotor que hizo posible nuestro primer concierto en Sudamérica, y se sintió que una vez que llegáramos no podrían cerrarnos la puerta. Ese fue el momento más importante para concretar nuestra llegada a Sudamérica. Ahora ya lo hemos visitado algo así como tres veces. Siempre ha sido importante ir allá, en estos momentos no es tan complejo para nosotros poder ir a tocar allá, pero necesitamos alguien que esté dispuesto a hacer el show y ayudarnos a concretar todo.

Esperamos verte pronto algún día.

Yo también espero que eso sea pronto.

Muchas gracias, Jason. ¡Cuídate mucho!

Igualmente. Nos vemos.

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