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Mark Bowen de IDLES: “Siento que estamos encontrando nuestro camino”

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Dejar atrás lo ya demostrado y seguir avanzando en la búsqueda de comprender quiénes son, es algo por lo que IDLES se desvivió en la creación de “CRAWLER” (2021), su más reciente trabajo de estudio, que llegó sorpresivamente un año después del divisivo “Ultra Mono” (2020). En este, la agrupación concentra sus esfuerzos en mantenerse siempre fieles a su esencia y, a la vez, explorar un poco más lo que pueden lograr dentro de una fórmula ya comprobada, algo que tiene feliz especialmente a su guitarrista, Mark Bowen, quien funcionó como artífice principal de esta nueva placa junto al productor Kenny Beats.

Es precisamente con el hombre de las seis cuerdas con quien volvimos a conversar en esta ocasión, revisando algunos aspectos técnicos y creativos de este nuevo álbum, también sobre su actual gira y su postergado debut en nuestro país como parte de Lollapalooza Chile, entre otros temas que te dejamos en esta entrevista.

Hola, Mark, ¿cómo estás? Quiero partir agradeciéndote el tiempo para comunicarte con nosotros por segunda vez; la entrevista anterior fue conversando sobre “Ultra Mono” y ahora nuevamente hablaremos de un disco lanzado hace poco.

Oh, sí, genial.

Quiero que hablemos varias cosas sobre el nuevo álbum, “CRAWLER”, por lo que quiero partir citando esa entrevista que tuvimos. Ahí dijiste que “Ultra Mono” era el final de una trilogía para la banda, y es curioso que lo digas porque este nuevo disco se siente como un nuevo capítulo, como el inicio de algo diferente lejos de aquello.

Sí, lo que hicimos con “Ultra Mono” fue destilar la identidad de nuestra banda, exagerándola un poco y quizás examinándola de manera grotesca (risas). La idea fue hacerlo tan grotesco, que se sintiera que creamos algo muy lejos de su identidad, pudiendo deshacernos rápidamente sin tener que volver atrás. Esa fue la intención detrás de “Ultra Mono”, lo que nos llevó a “CRAWLER”, donde evaluamos más nuestra identidad como banda y permitimos explorarnos más allá, haciendo música que fuera completamente diferente, teniendo nociones e ideas completamente distintas, moviéndonos sonoramente en otra dirección, pero manteniendo a la vez la esencia de IDLES. Ya sabes, eso es lo que “CRAWLER” quería representar, es el álbum que queríamos hacer, es como “IDLES Mark II”, esta nueva faceta de la banda, con una confianza y capacidad de experimentación que nos dé una idea de lo que IDLES puede ser.

También dijiste que con “Ultra Mono” llegaron a un peak en el sonido de IDLES. ¿Este disco les permitió superar esos límites o simplemente ir en otra dirección?

No creo que haya sido como que alcanzamos nuestros límites, lo que sí creo que alcanzamos fueron los límites de hacer esa especie de rock crudo, ruidoso y violento. Logramos salirnos de ese enfoque desde la guitarra, desde la esencia de una banda de rock de cinco integrantes, desde la idea de que las canciones que creamos tenían que ser creadas a partir de la experiencia en conciertos, donde todo lo que compongamos tiene que poder tocarse en vivo por la banda. Hay elementos que se mantendrán siempre: en “CRAWLER” aún está ese sonido violento, bombástico e intenso, pero el enfoque y las sensibilidades que lo conducen son completamente diferentes.

Pasemos al trabajo de producción que tuviste con Kenny Beats en este disco. ¿Por qué decidieron trabajar nuevamente con él y qué rescatas de esa experiencia?

Él comenzó a trabajar con nosotros en el momento que estábamos mezclando “Ultra Mono” y se involucró un poco en hacer que el disco sonara tan fuerte como lo hace. Siento que había algo incompleto que debíamos explorar, así que, a través del trabajo, conversaciones y reuniones con él, nos dimos cuenta de que era el tipo de persona que necesitábamos, ya que no estaba interesado en estampar su sello como productor en nuestro trabajo, tampoco es lo que aportaba desde su rol, sino que nos ayudó a poder encontrar y desarrollar lo que queríamos crear y cómo lo podíamos crear, permitiendo que eso pasara y ayudando a que así fuera. Siempre estaba escuchando y usando su experiencia y conocimiento para permitir acercarnos lo más posible al resultado que queríamos, siempre de manera muy desinteresada y sin nada de ego. En el juego de egos que es componer música, a veces puedes volverte más egocéntrico, por lo que creo que fue muy positivo tener alguien como él, que nos permitiera trabajar cómodamente. Es muy bueno tener a alguien que lidia con todo eso tan exitosamente.

Quisiera preguntarte por algo muy puntual en este disco. Cada vez que lo escucho descubro nuevas capas y metáforas en las canciones, pero hay algo que todavía no entiendo del todo, que es el tracklist, el orden en que las canciones están puestas. ¿De quién fue esa decisión y por qué optaron por esa secuencia?

Es interesante que toques este tema, porque fue mi decisión. Me encargué de eso más que nada porque soy uno de los productores del álbum, estuve involucrado en la mezcla. Probablemente escuché estas canciones muchas más veces que cualquier otra persona, y empecé a descubrir también estas capas que se presentan, muchas veces intencionalmente y otras no, contando una historia, con una narrativa que presenta muchos de los traumas en el inicio del álbum. También hay un período de autoinspección dentro de ese trauma, pasando por la comprensión y luego el regreso del trauma, el ciclo de la adicción manteniéndose. Hacia el final del disco está la parte desafiante, donde se comprende que esa es la naturaleza de la vida, con sufrimientos, traumas y adicciones. Así que sí, esa es la intención detrás de todo esto, pero también se presentan elementos sónicos. Si analizas cómo el disco se desarrolla, tienes un inicio más ruidoso, pasando por una belleza más refinada y un cierre un poco más tormentoso, lo que es una narrativa por sí sola.

El inicio, de hecho, es muy como lo dices, “MTT 420 RR” comienza a generar esa anticipación, pero es con “The Wheel” cuando el disco realmente te golpea en la cara e inicia su desarrollo.

Sí, absolutamente.

Otra cosa que me llama mucho la atención, que de hecho lo mencioné en mi reseña del disco, es la transición de “Progress” a “Wizz”, eso es algo que solo IDLES podría hacer y creo que es brillante. Recuerdo que en una entrevista tú o Joe decían que ese momento era algo así como la banda no tomándose en serio a sí misma. ¿Qué nos puedes contar de este contraste que se genera? Por un lado, tenemos esta hermosa canción, “Progress”, y luego “Wizz” presentándose de una manera muy agresiva, un poco grindcore incluso.

Sí, siento que “Progress” es probablemente la vez que IDLES ha sonado más hermosamente, así como también la vez más seria. No hay nada de alegría en esa canción. Incluso en una canción tan brutal y dramática como “The Wheel” hay un poco de sentido del humor, pero aquí se aplicó de manera diferente. Siento que no sería IDLES si es que hubiésemos dejado a “Progress” destacar de manera propia, teníamos que agregar ese sentido del humor y violencia teniendo a “Wizz” inmediatamente después. En un principio es divertido porque tienes esta canción realmente hermosa seguida inmediatamente de una canción horrenda (risas), pero también tenemos esta comprensión en la narrativa de “Progress”, ese sentimiento de comprender la adicción y aceptar esa sensación de pérdida. Todo eso hace sentido en la forma en que se construye.

Revisando los setlists de esta gira, “Progress” es la canción que menos han tocado, tan solo dos veces. ¿Es muy difícil acomodarla al show?

Es difícil de poner en el setlist. Lo que la gente más espera en un concierto nuestro es la catarsis y una liberación de energía, y siento que esa catarsis no logra encajar del todo en eso. Si es que calza en el concierto y la vibra que se está generando en el ambiente, todo bien, pero siento que debemos tocar canciones un poco más festivas. Por otro lado, es una canción muy muy difícil de tocar (risas), es muy arduo hacerla en vivo porque no tiene batería, además de otros aspectos técnicos muy complejos para mí en cuanto a la guitarra, todo eso hace que no pueda encontrar aún su lugar en los sets. Personalmente, me gustaría incluirla más, especialmente considerando la forma en la que estamos ahora, es un momento crucial de nuestra historia como compositores, por lo que debería ser también un momento clave en los shows en vivo.

Hablando de esta gira, ¿cómo ha sido el ejercicio de armar un setlist ahora que tienen cuatro álbumes con material para elegir?

Ese soy yo de nuevo, parece que tenemos un patrón en todas estas preguntas demostrando que no soy capaz de delegar el control de algunas cosas (risas). Yo elijo los sets de cada noche, es una bendición tener cuatro discos de dónde elegir, pero también es muy difícil, ya que no quieres ser la banda que priva a su audiencia de escuchar algunas canciones favoritas, como de “Brutalism”, por ejemplo. La gente está viniendo a vernos luego de tres años prácticamente, entonces tratamos de mostrar quiénes somos como banda en estos momentos, porque la configuración en vivo ha cambiado y queremos mostrar eso, especialmente con las canciones de “Ultra Mono”, ya que, al poder tocarlas por fin en vivo, nos ha permitido revalorar lo que son. Es un proceso difícil, pero siento que estamos encontrando nuestro camino.

Sí, entiendo. Han pasado muchas cosas desde la última vez que tocaron en vivo, recuerdo que cuando se anunció que venían a Lollapalooza Chile ni siquiera estaba “Ultra Mono”, después el festival se movió, sacaron el disco, se movió nuevamente y ahora vienen con “CRAWLER”, que es un álbum distinto.

Hay muchas canciones nuevas para los fans, sin duda.

Mark, sigamos hablando de esta gira, He visto que están tocando sin parar y hay muchos shows completamente vendidos para las próximas semanas. ¿Cómo ha sido este regreso a los escenarios después de tanto tiempo?

Ha sido genial. Diría que nunca será lo que esperamos o lo que queremos, ya que, si bien hay una libertad, también está la precaución constante. Una sensación real en cada lugar que tocamos te dice que las cosas son diferentes ahora. En cada público que hemos tenido, ahora hay un enfoque distinto en cuanto a lo que los hace sentir cómodos, a cuán listos están para regresar a estas actividades cotidianas, a evaluar lo que necesitas y quieres de un show en vivo. Es nuestro deber como banda estar atento a la energía en la audiencia y entregar algo acorde a sus requerimientos, realmente ha sido así. Es una experiencia muy increíble de vivir nuevamente, estoy encantado de que estemos tocando nuevamente.

De hecho, estarán acá en Santiago, esperemos. Serán parte de los tres Lollapalooza de la región, presentándose en nuestro país, además de Brasil y Argentina.

Oh, sí, finalmente.

En nuestro sitio comenzamos a hablar de la banda hace muchos años, “Joy As An Act Of Resistance. fue sido elegido mejor disco de 2018 y también mejor de la década.

Excelente, lo recuerdo. Muchas gracias por eso (risas).

A ustedes por su obra. Para terminar con la pregunta, quería comentarte que la banda ha ido ganando mucha popularidad durante el último tiempo con el nuevo disco, además del estreno en Chile del documental “Don’t Go Gentle: A Film About IDLES a fines del año pasado. Pensando en todo eso, ¿cuáles son sus expectativas para esta primera vez en Sudamérica?

Es extraño porque no se siente como que conoceremos nuevos fans, sino que es como que nos encontraremos finalmente con ellos luego de muchos años. Tocar allá fue nuestra prioridad numero uno desde que descubrimos que tenemos una fanaticada en la región, así que poder hacerlo es algo que deseamos mucho. No vamos con expectativas, sabemos que allá están los mejores públicos del mundo, por lo que vamos concentrados en entregar buena música y esperando que podamos crear algo hermoso todos juntos cuando llegue el momento.

¿Hay alguna posibilidad de que hagan shows extras en estos países que visitarán?

No puedo comentar nada al respecto. Mi respuesta en realidad viene desde el desconocimiento, más que de jugar al misterio y no querer decirte (risas).

Mark, se nos acaba el tiempo, así que quiero que terminemos preguntándote algo muy especifico. La vez anterior que hablamos mencionaste que “Ultra Mono” representaba a la banda tratando de entender quiénes son. En base a eso, ¿entiendes ahora lo que es IDLES?

Sí, ahora comprendo lo que es IDLES. Siento que ya no tengo ninguna expectativa de lo que la banda es y lo que puede ser en el futuro, me siento muy entusiasmado por lo que hacemos, pero además de eso, todo crece, cambia y va mutando, es algo que no puedo controlar. Siempre está el entusiasmo de lo que puede ocurrir.

Bueno, Mark, muchas gracias por tu tiempo. Espero que podamos vernos pronto; de hecho, se supone que tendremos una nueva entrevista con ustedes en el festival.

(Risas) Oh, ahí lo veremos. Estaré esperando con ansias.

Espero verte acá, mucha suerte con los shows que tendrán las próximas semanas.

Muchas gracias. ¡Nos vemos!

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Entrevistas

Jason Pierce de Spiritualized: “Uno hace arte en un contexto donde nada es para siempre”

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Los últimos meses han sido extensamente ocupados para Jason Pierce, el hombre a cargo de Spiritualized y quien ha encontrado el vehículo perfecto para expresar ideas, sensaciones, conceptos y metáforas a través de su música, muchas veces catalogada como desestructurada, pero también efectista en su ejecución. Lejos de todas esas contradicciones, y en plena etapa de recuperación de su catálogo a través de la serie de reediciones bautizadas como “The Spaceman Reissue Program”, Pierce concreta un trabajo de años con el lanzamiento de “Everything Was Beautiful”, nuevo trabajo de estudio que fue publicado el pasado 22 de abril a través del sello Bella Union.

Trabajado casi a la par con “And Nothing Hurt” de 2018, en este disco el artista se aventura en un estrepitoso viaje de siete canciones grabadas con más de 30 músicos en once estudios diferentes. Por si eso fuera poco, el mismo Pierce se encarga de tocar 16 instrumentos distintos en esta producción. Todo esto es motivo suficiente para que el pasivo e intrigante artista se tomara unos minutos para conversar telefónicamente con nosotros, donde platicamos distintos tópicos, como el encierro de la pandemia, su metodología de trabajo, la creación y grabación de este nuevo disco, entre muchos otros detalles, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Jason, primero quiero preguntarte como estás. La pandemia ha tenido un impacto en todo el mundo, ¿cómo has estado durante estos dos años?

Sí, ha sido loco, ¿cierto? Ha sido muy difícil para todos, y asumo que es algo todavía muy presente. No sé cómo será en tu país, pero pareciera que parte de la gente no está preocupada del bienestar de los otros, no entienden que hay gente trabajando muy duro para que no se pierdan más vidas, salvando vidas incluso cuando muchos no se lo toman en serio y ni siquiera consideran los peligros. Creo que eso ha sido lo más complicado, cualquier cosa que pase está ligada a la tristeza que generan estas personas que se comportan de manera muy egoísta.

Totalmente. Entiendo que, cuando comenzaron las cuarentenas, salías a caminar por las calles y verlas vacías te inspiró a hacer este nuevo disco. ¿Es correcto eso? ¿Qué nos puedes contar del proceso creativo de este álbum?

Sí, fue algo así. Es de esas cosas extrañas que pasan con la música, porque todos parecieran hacer la mejor música cuando se apartan del mundo, cuando el ambiente se calma. Cuando los artistas están en el estudio trabajan mejor tarde en la noche, cuando ya todos duermen, el mundo está en silencio y no hay una lógica con eso porque estás en una habitación con aislación, por ende, no se escucha nada y el mundo siempre estará en silencio, pero sin duda que es algo que se siente cuando el mundo verdaderamente está en silencio afuera. Supongo que así es todo el tiempo; parte de tu cerebro agradece la tranquilidad a veces. Suelo bromear con que durante la cuarentena no había que preocuparse de excusas cuando te invitaran a una fiesta. Esa tranquilidad me permitió enfocarme y decir “realmente puedo terminar esto ahora”, puedo finalizarlo y no hacer nada más porque no hay otra cosa que se pueda hacer más que estar encerrado, sobre todo con esa sensación de desesperanza acechando constantemente con tanta gente sufriendo afuera. Todo fue el escenario propicio para finalizar este disco.

Leía el comunicado de prensa para este disco, donde dices que te sentías como que llevabas entrenando toda tu vida para esto, para el confinamiento y la tranquilidad.

Sí, lo que pasa con el comunicado es que simplemente quise incluir ese chiste corto. Siento que no es tan diferente este período a estar sentado en la parte trasera del bus, en esos momentos de soledad. Hay cierta soledad en el ejercicio de tocar música de todas formas, lo que no se ve tan diferente a esto. Por momentos sentí como si hubiese entrado a una máquina del tiempo, miraba el cielo y prácticamente era el mismo cielo que miraban los romanos; no había aviones, no había humo, ningún elemento disruptivo del medioambiente, el río era casi prehistórico, todo muy silencioso y quieto. Eso no es algo que puedas tener en la ciudad, a no ser que te muevas fuera de ella. Tenías este ambiente natural, pero con la ciudad todavía ahí, con esa grandeza arquitectónica, estos edificios, todo vacío, inhabitable. Hay algo extrañamente convincente en todo eso.

Sí, es muy extraño ver las calles vacías. La primera vez que presencié eso no fue por la pandemia, de hecho, fue por las protestas en Chile en 2019. El gobierno puso un toque de queda a mitad de la tarde, por lo que ver las calles sin gente a esa hora del día fue muy extraño. Pero siempre persiste ese elemento de paz en el panorama, quizás al momento de notar que se puede trabajar mejor en ese contexto.

Sí, sí, también lo siento así. De hecho, creo que estuve en Chile antes de eso, estaba con mi hija en la calle tratando de regresar al hotel cuando estaban todos los militares en la calle por las protestas, supongo que esa calma que te dan esas calles vacías son algo que ayuda. Me obsesiono mucho cuando hago música y no puedo enfocarme en nada más, me siento casi como si me estuviera volviendo absolutamente loco. La pandemia permitió que esa calma pudiera pasar, no había ninguna distracción que me sacara de ese estado y realmente pude concentrarme y volverme loco con la música. De igual forma es algo que te consume, pero fue la única manera en que lograría completar este disco, estaba desesperado por terminarlo. Diría que durante los últimos siete años he estado desesperado por terminar tantas cosas como me sea posible, necesitaba completar eso para estar tranquilo nuevamente y pensar en lo que haría con mi futuro, tratar de completar cada canción que espera por ser terminada.

¿Qué hay del título del disco? ¿Cuál es el significado de “Everything Was Beautiful”?

Es una cita. No sé si debería hablar de esto, pero siempre es así con los títulos de Spiritualized. Mi intención cuando comencé esto era tener una tener una gran obra entre este álbum y el anterior, todas las canciones comenzaron a trabajarse al mismo tiempo. Mi compañía no quería un disco doble, ya que el lapso de atención de la gente es muy corto, pero también históricamente los álbumes dobles quedan perdidos; hay tanta información, que quedan en el olvido y son redescubiertos 20 años después de su lanzamiento. “Exile On Main St.” de The Rolling Stones es un ejemplo. Descubrí que ese disco tenía valor muchos años después, además que está la presión de que debes vender discos en este negocio, así que ellos me pidieron que no hiciera uno doble. De cierta forma funcionó, porque terminé la mitad que se transformó en un álbum, y las otras canciones recién las terminé ahora. Si hubiera sido doble, estaría todavía trabajando con todo el material a la vez. También fue algo arbitrario, no elegí qué canciones estarían en una parte y las que estarían en otra, creo que más bien incluí las que me faltaba menos por completar, ya sabes, “A Perfect Miracle” o “The Prize”.

¿Podríamos decir que este nuevo álbum es una continuación de “And Nothing Hurt”?

No, no diría que este disco es una Parte 2 o los descartes de ese disco. No hay descartes, todas son canciones que estaba componiendo, todas son canciones importantes. Además, cuando terminé lo que sería “And Nothing Hurt”, estas otras canciones iban por una dirección completamente distinta, por ende, tenía que ser un disco completamente distinto.

Para este disco trabajaste en once estudios diferentes. Eso es algo que se siente al escuchar el álbum, es como un viaje donde tú eres el personaje principal que se va impregnando de distintos elementos a medida que pasan las canciones. ¿Eso tiene algo que ver con el hecho de que trabajaste en muchos lugares distintos?

Supongo que es algo con los estudios, porque es difícil encontrar gente en la música que esté dispuesta a recorrer ciertas distancias. La mayoría de las personas en la música quieren trabajar bajo escenarios cómodos, donde puedan mostrar lo que son capaces de hacer. Muchos productores y personas en la música te dicen “me gusta lo que hiciste en tu último disco” o cosas así y, si bien yo no hago música para esperar eso, prefiero trabajar en un buen espacio donde pueda ir recogiendo las mejores partes antes de moverme al siguiente, de esa forma no hay un lugar definido para estas canciones. Hay productores que sólo producen una banda y luego buscan otra y la ponen en el mismo lugar, con la misma estructura, y yo obviamente no quiero eso. Soy más de aclarar y decir “esto es lo que hago”, prefiero que sea a mi manera. Muchos de esos estudios donde trabajé no funcionaron del todo, por eso tomé lo que me parecía interesante y me lo llevé hasta el siguiente, eso es algo difícil de calzar.

También se produjo la situación que por distancias había que trabajar en lugares diferentes, ¿no es así?

Sí, también ese fue un factor. Ciertos estudios estaban cerca del lugar en que estaban algunos integrantes de mi banda y ahí fue algo netamente geográfico, ya que necesitaba conseguir un estudio cerca de donde estuvieran para que trabajáramos. El resultado final, respondiendo a tu pregunta anterior, tiene que ver con que el disco es algo así como un collage; de hecho, son prácticamente dos mezclas puestas una encima de otra: una estaba sin finalizar, la otra estaba casi finalizada, pero tan pronto como las junté, puso todo el disco en un lugar que no podía reconocer, y me sorprendí a mí mismo con el resultado. No escuchaba mi trabajo en la misma forma que esperaba, a veces me gusta conservar los demos, por lo que hay una canción que está construida en base al demo, otra que está hecha a partir de una grabación en vivo que alguien hizo de nosotros y que encontramos en YouTube, ya que no podíamos dar con el sonido preciso. Todo se trata de aferrarse a los fragmentos que me gustan y hacerlos funcionar de modo que se transformen en una canción.

Además de esos once estudios, trabajaste con más de 30 músicos y cantantes. ¿Cómo fue ese proceso? ¿Les indicas “toca esto” o “canta esto”, o más bien son ellos poniendo su propio enfoque a las canciones?

Siempre es lo segundo, incluso si les pido qué tocar. Hay ocasiones en que yo les digo “toca esto” o “canta esto”, pero incluso ahí ellos ponen su estampa personal a la estructura, lo que da una idea de dónde puede ir la canción. Las cosas que hacen funcionar la música que amo están muy cercanas a las cosas que hacen funcionar a la música que no amo, eso es algo que siempre noto. Por ejemplo, una banda puede hacer un cover con los mismos instrumentos, configuración, equipos y arreglos que la versión original, pero puede que siga sonando horrible. De cierta forma, intento guiar a la gente, incluso si son músicos con los que trabajo hace mucho tiempo, siempre es necesaria una especie de guía. Eso al final también hace que ellos, como músicos, puedan encontrar su camino y aplicar sus ideas a lo que están tocando, y es inevitable que ellos traigan su habilidad a la música que están interpretando.

Jason, quisiera que pasemos a otro tema, puntualmente preguntarte sobre “The Spaceman Reissue Program”. ¿Cómo surgió esa idea?

Fue idea de Matthew Johnson, quien maneja mi sello en América, Fat Possum Records. Él comenzó a reeditar el catálogo de ciertos artistas y consideraba que era importante que los discos fueran propiedad de los artistas. Él se preocupó de todo eso, especialmente con mis discos, que siempre me decía que estaban un tanto olvidados y sin amor porque fueron publicados por un sello donde ya no estoy y nunca se preocuparon, no los reeditaban ni nada. Me di cuenta de que algunas de las reediciones que hicieron quedaron muy mal, por lo que era tiempo de botar todo eso y quisimos establecer que estos discos son importantes, son mi vida y mi historia. Realmente todo partió como una forma de darle el valor que merece mi trabajo, además de ponerlos a disposición de la gente nuevamente, ya que no lo estaban hace tiempo y los originales son muy caros actualmente por su rareza.

Definiste estos vinilos como las “ediciones definitivas”. ¿Podríamos decir que estos son los álbumes de la manera que pretendías que sonaran al momento de su lanzamiento?

Sí, algo así. Podríamos discrepar en el sentido de si fueron publicados como era mi intención en su momento, ya que en ese tiempo el mundo estaba más enfocado en el CD y la gente ahora está interesada en los vinilos. Supongo que eso le da un valor, además de que me gusta el hecho de que la portada sea respetada con una reestructuración, así como también el contenido del disco. Me gusta saber que uno hace arte en un contexto en donde nada es para siempre, las cosas envejecen, un disco se puede desgastar, el papel de la portada puede estar rayado o trizado, me gusta saber que el paso del tiempo afecte a una pieza de arte como un disco en cierta forma.

Bueno, Jason, esa fue la última pregunta. Quiero agradecerte por tu tiempo, por supuesto, pero también preguntarte si quieres enviarle un mensaje a tus fans chilenos que esperan verte nuevamente por acá algún día.

Sí, por supuesto. No tengo ningún mensaje preparado, pero sí siento que tengo una conexión especial con Chile, porque los primeros shows que hicimos en Sudamérica fue gracias a dos chicas chilenas que vinieron a Europa y conocí en un bar cerca de mi casa. Les pregunté si conocían a alguien que pudiera armar un show y afortunadamente una de ellas conocía al promotor que hizo posible nuestro primer concierto en Sudamérica, y se sintió que una vez que llegáramos no podrían cerrarnos la puerta. Ese fue el momento más importante para concretar nuestra llegada a Sudamérica. Ahora ya lo hemos visitado algo así como tres veces. Siempre ha sido importante ir allá, en estos momentos no es tan complejo para nosotros poder ir a tocar allá, pero necesitamos alguien que esté dispuesto a hacer el show y ayudarnos a concretar todo.

Esperamos verte pronto algún día.

Yo también espero que eso sea pronto.

Muchas gracias, Jason. ¡Cuídate mucho!

Igualmente. Nos vemos.

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