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Louis Cole y Genevieve Artadi de Knower: “Nuestro show es una explosión de energía en el escenario”

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Se acerca el debut de Knower, una de las bandas más comentadas de los últimos años. El conjunto formado por Louis Cole y Genevieve Artadi llegará por primera vez a nuestro país para presentarse el próximo 3 de julio en Teatro Nescafé de las Artes, trayendo consigo su particular mezcla de sonidos, como el funk, el jazz, entre otros, entregando un carácter refrescante y renovado a sonidos un poco más longevos.

Como previa al show, conversamos por teléfono con Louis y Genevieve, quienes entregaron algunos detalles sobre la formación que los acompañará en su gira, sus inicios en YouTube subiendo sus propios videos, su opinión sobre la música de Skrillex y la importancia del jazz en sus carreras, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación:

Se acerca su primera vez en Sudamérica. ¿Qué tal venir hasta tan lejos por primera vez?

Louis: Será genial, estamos entusiasmados, nunca hemos estado allá. Sé que será un gran show.

¿Vienen con la banda de acompañamiento, o esta vez harán el show donde solamente están ustedes dos?

Genevieve: Vamos con nuestra banda, seremos cinco personas en total haciendo música en el escenario.

¿Son los mismos músicos que han estado permanentemente?

Louis: Tenemos un grupo de diferentes personas que nos acompañan. Esta vez estará Sam Wilkes en el bajo, Pedro Martins en guitarra y Jacob Mann en teclados.

He leído que describen sus shows en vivo como algo “a todo volumen”. ¿A qué se refieren específicamente con eso?

Genevieve: Creo que todo se trata de la energía, nuestro show es una explosión de energía en el escenario.

Louis: Sí, generalmente componemos un montón de música rápida, en usualmente hay mucha energía en las canciones cuando tocamos en vivo. Ponemos mucho corazón en lo que hacemos, también.

Louis, sé que admiras el trabajo de Skrillex, también de que “This Much Power” es tu canción favorita de él. ¿Qué opinas de la idea en la gente de que el dubstep y el EDM no son música de verdad?

Louis: Cuando dicen que no es “música de verdad” por ser música electrónica y estar hecha desde un computador, me suena a algo muy cerrado de mente. No soy un gran fan del EDM, ni nada parecido, sólo me gustan las composiciones de Skrillex por la forma en que crea sonidos, como las mezcla es algo muy melódico. Sus tracks se llevan muy bien en el estudio y en vivo, sobre todo su material más antiguo, son canciones muy bellas y alocadas, muy bien hechas.

Siempre le preguntan a los guitarristas sobre sus “héroes de la guitarra”, pero parece que a los bateristas nunca se les consulta sobre eso. ¿Cuáles son tus “héroes de la batería”?

Louis: Hay muchos. Diría que Tony Williams, Gregg Bissonette, Nate Wood, Buddy Rich, CJ Thompson, Jim Black, y probablemente muchos más (risas).

Esto es para los dos: teniendo una gama tan amplia de estilos en su música, ¿cómo describirían la importancia del jazz en su formación como banda?

Genevieve: Creo que el jazz nos ayudó a darle texturas a nuestra música, sonoramente es algo que le da el espíritu a nuestra música.

Louis: Nos ayudó a desarrollar solos, abrirnos a la improvisación, hacerle espacio a la libertad musical en el escenario.

Comenzaron a hacerse populares gracias a los videos que publicaban en YouTube. ¿Creen que es una plataforma de valor para los nuevos artistas?

Louis: Sí, aunque siempre está todo cambiando. Para mí ahora es la única forma de hacer todo, necesitas YouTube, Facebook, Instagram, todo eso para lograr difundir tu material. También hay gente que utiliza SoundCloud, aunque yo no lo consideré mucho en su momento porque privilegiamos los videos. Es imposible lograr difusión sin esas cosas. Sé que hay gente que lo hace, pero es muy difícil.

Genevieve: Es muy importante, sobre todo si quieres hacer algo diferente. Si estás desarrollando algo que ya se inventó o si quieres ganar dinero, trabajar con una gran discográfica, o algo así, es un camino más largo. Pero si realmente quieres marcar la diferencia, puedes partir tú mismo y hacerlo sin ayuda de nadie.

Me quedo con una frase que dijiste una vez, Louis, y es la siguiente: “La vida es compleja y loca, por lo que me gusta la música que conecta con eso”. ¿Podrías explicarnos el trasfondo de eso?

Louis: Tiene que ver con conectar con la música más arriesgada o única, no lo sé, una esencia alocada. Creo que mucha música trata de mantenerse en medio para sorprender a la mayor cantidad de gente posible, y usualmente no representa la vida real para mí. Prefiero que la música refleje otras cosas, es importante mantener la pasión y la creatividad más que de que le guste a todo el mundo.

Bien, chicos, quiero que terminemos la entrevista con un mensaje a la gente que los espera en Santiago.

Louis: Vengan al show, será muy bueno (risas).

Genevieve: Tendremos una gran fiesta juntos.

Muchas gracias por su tiempo. Nos vemos en el show.

Genevieve: Gracias a ti. ¡Nos vemos!

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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