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Josh Lloyd-Watson de Jungle: “Creo que somos más maduros que antes”

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Se acerca la edición 2019 del festival Fauna Otoño, el que celebrará su tercera versión este próximo 4 de mayo en Movistar Arena. El evento, que está encabezado por la artista Ms. Lauryn Hill, tendrá entre sus filas a Jungle, una de las agrupaciones favoritas de la fanaticada local. El conjunto llega a nuestro país para ofrecer su tercer show en la capital y lo hará con el LP “For Ever” (2018) bajo el brazo, además de las canciones de su exitoso álbum debut. Albergados bajo el sonido del funk y el soul de los años 70, la banda ha sabido cultivar un estilo que, a pesar de estar compuesto netamente por elementos del pasado, brinda frescura a la escena musical bailable, lo que se ampara sobre todo en la impecable banda que en vivo acompaña a Tom McFarland y Josh Lloyd-Watson, los principales artífices de este proyecto.

Como antesala a una nueva presentación del conjunto en Chile, conversamos con Josh sobre su último LP, sus recuerdos de las dos visitas a nuestro país, sus inspiraciones para crear música y el nacimiento de la banda, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos completamente a continuación:

En septiembre lanzaron “For Ever”, su primer trabajo desde el disco homónimo de 2014. ¿Por qué les tomó tanto tiempo hacerlo después del gran suceso que fue el primer álbum?

Sí, quisimos estar más conectados emocionalmente para el segundo álbum y la espera hizo que fuera más real, por eso tuvo que esperar un poco, casi como que se nos tuviera que revelar ante nosotros, por eso nos tomó tanto tiempo, como que quisimos. Por ello nos tomó tanto, compusimos por un tiempo y luego le dimos algunos toques, la idea es mostrar emociones de la vida real, así es como debe pasar.

¿De dónde se inspiraron para crear este segundo álbum? ¿Fueron situaciones de la vida o quizás experiencias que vivieron mientras estaban de gira?

Lo comenzamos mientras girábamos, pensando tranquilamente desde el principio. Es importante tener claro lo que se contará, cuándo se exterioriza lo que le falta al humano, es todo sobre la emoción y el amor, cuando al comienzo te deja sin aliento, ese tipo de cosas. El concepto fue escribir, vivir y documentar nuestras propias experiencias, y unir las ideas de tal manera, que la gente las pudiera entender.

Esta será la tercera vez que tocan en Santiago. Primero hicieron un show en solitario, al año siguiente tocaron en Lollapalooza 2016 y ahora vuelven nuevamente a tocar en un gran festival. ¿Qué recuerdas de los primeros dos conciertos aquí?

Recuerdo que fueron absolutamente increíbles. Lo primero que recuerdo es que la energía fue totalmente asombrosa, fuimos sold out y eso podías sentirlo. Y luego volvimos cuando tocamos en Lollapalooza, en el parque, y estuvimos muy ocupados, todos se sabían las canciones y me impresionó, por lo que es evidente que estamos muy expectantes a volver y tocar nuevamente para ustedes.

Ya que eso fue hace tres años, ¿cuánto han cambiado desde esa vez? ¿Es la banda diferente en términos de sonido, crees que tocarán aún mejor?

No lo sé, creo que naturalmente creces y te perfeccionas cuando tocas en vivo, te sientes cómodo con quien eres a medida que creces, y eso se refleja en tu presentación. Creo que somos más maduros que antes, y eso es mejor.

Tengo curiosidad sobre el sonido de la banda, es algo que quizás la gente joven como tú o Tom (McFarland) no considera mucho en estos días. No digo que sea su caso, pero es algo recurrente en las bandas de hoy. ¿Creciste escuchando música de los 70 o este tipo de funk y soul que Jungle hace, o es solo algo que adquiriste cuando grande?

Creo que es una mezcla de todo, es difícil contarte exactamente qué nos influenció para crear este tipo de música. Cuando eres joven, quieres aprender a tocar todo en la guitarra y lo que más había era funk y James Brown, y de allí viene toda la energía, los punteos. Los acordes que aprendí se convirtieron en mi sonido y son muy del estilo funky, y así es como se supone que toque y cante, es algo que ambos queremos cantar, sentir esa hermandad, la unidad. Somos muy fanáticos de los Bee Gees, es lo que escuchábamos cuando hicimos el primer álbum, la gente te apunta y te dice que suenas como ellos todo el tiempo. No sé si sea tan así, pero disfrutamos masivamente ese tipo de música, es divertido.
Sé que tú y Tom han sido amigos desde pequeños, pero ¿desde cuándo nació la idea de crear Jungle y tocar este tipo de música?

Estuvimos en bandas diferentes, siempre tocamos música, no estoy diciendo que estábamos atascados en el rock, pero Jungle fue perfecto para hacer este proyecto. Tuve una banda que se separó y queríamos hacer algo diferente, más cool, y los dos teníamos esa idea, así que fuimos por ella y aquí estamos (risas).

En esta ocasión encabezan un festival junto a The Internet y Ms. Lauryn Hill aquí en Santiago, ¿se dan el tiempo de ver otras bandas cuando tocan en este tipo de shows, o sólo se enfocan en hacer su trabajo y su presentación?

Obvio que cuando estamos en festivales somos fans, nos gusta ver otras presentaciones. Siempre es genial tocar en estos eventos. Lo bueno de un festival es que puedes tocar y ver otras bandas, así que es genial, será un buen día.

Hablemos sobre la mística que la banda tenía al comienzo. No querían revelar sus identidades, pero finalmente terminaron haciéndolo. ¿Cómo mantienen aún la mística y su vida privada fuera de la música en estos días con las redes sociales y todas esas cosas?

Creo que desde el principio fue rápidamente raro, porque lanzamos los videos, la gente sólo los veía y no habíamos tocado ningún show, entonces creamos mucho interés en la forma que tocábamos música, no fue nada intencional, fue sólo la forma en que nos dimos a conocer y, de cierta manera, la música que queríamos hacer. Y cuando te haces conocido, la gente quiere ir a ver tu show en vivo, todo se transforma, crece. Y ya cuando estábamos conformes con nosotros mismos, la gente quiso ver quiénes éramos, es algo que sucedió naturalmente.

Hablando sobre la banda, ¿cuál crees que sea el mayor atributo de ella?

El mayor atributo creo que está hecho en mayor medida de nuestros corazones, de nuestras emociones, de algo que no es genérico, de los bailes en nuestros videos, todo se une para hacer grandes melodías, una gran banda en vivo, y el mismo público. Todos esos atributos se combinan y crean lo que Jungle es.

Bien, Josh, creo que esa fue la última pregunta, se nos acaba el tiempo. Quisiera terminar esta entrevista preguntándote si quisieras decirle algo a tus fans, quienes esperan tenerlos nuevamente aquí en Santiago.

Claro, totalmente. Quisiera decirles que queremos mucho volver pronto a Santiago, es un lugar especial para nosotros, y que toda Latinoamérica es un gran y hermoso lugar. Estamos entusiasmados de volver y festejar con ustedes en mayo.

Gracias por tu tiempo, que tengas un buen día, y también un gran tour.

Gracias a ustedes por el interés, Manuel. ¡Nos vemos!

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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