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Josh Lloyd-Watson de Jungle: “Creo que somos más maduros que antes”

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Se acerca la edición 2019 del festival Fauna Otoño, el que celebrará su tercera versión este próximo 4 de mayo en Movistar Arena. El evento, que está encabezado por la artista Ms. Lauryn Hill, tendrá entre sus filas a Jungle, una de las agrupaciones favoritas de la fanaticada local. El conjunto llega a nuestro país para ofrecer su tercer show en la capital y lo hará con el LP “For Ever” (2018) bajo el brazo, además de las canciones de su exitoso álbum debut. Albergados bajo el sonido del funk y el soul de los años 70, la banda ha sabido cultivar un estilo que, a pesar de estar compuesto netamente por elementos del pasado, brinda frescura a la escena musical bailable, lo que se ampara sobre todo en la impecable banda que en vivo acompaña a Tom McFarland y Josh Lloyd-Watson, los principales artífices de este proyecto.

Como antesala a una nueva presentación del conjunto en Chile, conversamos con Josh sobre su último LP, sus recuerdos de las dos visitas a nuestro país, sus inspiraciones para crear música y el nacimiento de la banda, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos completamente a continuación:

En septiembre lanzaron “For Ever”, su primer trabajo desde el disco homónimo de 2014. ¿Por qué les tomó tanto tiempo hacerlo después del gran suceso que fue el primer álbum?

Sí, quisimos estar más conectados emocionalmente para el segundo álbum y la espera hizo que fuera más real, por eso tuvo que esperar un poco, casi como que se nos tuviera que revelar ante nosotros, por eso nos tomó tanto tiempo, como que quisimos. Por ello nos tomó tanto, compusimos por un tiempo y luego le dimos algunos toques, la idea es mostrar emociones de la vida real, así es como debe pasar.

¿De dónde se inspiraron para crear este segundo álbum? ¿Fueron situaciones de la vida o quizás experiencias que vivieron mientras estaban de gira?

Lo comenzamos mientras girábamos, pensando tranquilamente desde el principio. Es importante tener claro lo que se contará, cuándo se exterioriza lo que le falta al humano, es todo sobre la emoción y el amor, cuando al comienzo te deja sin aliento, ese tipo de cosas. El concepto fue escribir, vivir y documentar nuestras propias experiencias, y unir las ideas de tal manera, que la gente las pudiera entender.

Esta será la tercera vez que tocan en Santiago. Primero hicieron un show en solitario, al año siguiente tocaron en Lollapalooza 2016 y ahora vuelven nuevamente a tocar en un gran festival. ¿Qué recuerdas de los primeros dos conciertos aquí?

Recuerdo que fueron absolutamente increíbles. Lo primero que recuerdo es que la energía fue totalmente asombrosa, fuimos sold out y eso podías sentirlo. Y luego volvimos cuando tocamos en Lollapalooza, en el parque, y estuvimos muy ocupados, todos se sabían las canciones y me impresionó, por lo que es evidente que estamos muy expectantes a volver y tocar nuevamente para ustedes.

Ya que eso fue hace tres años, ¿cuánto han cambiado desde esa vez? ¿Es la banda diferente en términos de sonido, crees que tocarán aún mejor?

No lo sé, creo que naturalmente creces y te perfeccionas cuando tocas en vivo, te sientes cómodo con quien eres a medida que creces, y eso se refleja en tu presentación. Creo que somos más maduros que antes, y eso es mejor.

Tengo curiosidad sobre el sonido de la banda, es algo que quizás la gente joven como tú o Tom (McFarland) no considera mucho en estos días. No digo que sea su caso, pero es algo recurrente en las bandas de hoy. ¿Creciste escuchando música de los 70 o este tipo de funk y soul que Jungle hace, o es solo algo que adquiriste cuando grande?

Creo que es una mezcla de todo, es difícil contarte exactamente qué nos influenció para crear este tipo de música. Cuando eres joven, quieres aprender a tocar todo en la guitarra y lo que más había era funk y James Brown, y de allí viene toda la energía, los punteos. Los acordes que aprendí se convirtieron en mi sonido y son muy del estilo funky, y así es como se supone que toque y cante, es algo que ambos queremos cantar, sentir esa hermandad, la unidad. Somos muy fanáticos de los Bee Gees, es lo que escuchábamos cuando hicimos el primer álbum, la gente te apunta y te dice que suenas como ellos todo el tiempo. No sé si sea tan así, pero disfrutamos masivamente ese tipo de música, es divertido.
Sé que tú y Tom han sido amigos desde pequeños, pero ¿desde cuándo nació la idea de crear Jungle y tocar este tipo de música?

Estuvimos en bandas diferentes, siempre tocamos música, no estoy diciendo que estábamos atascados en el rock, pero Jungle fue perfecto para hacer este proyecto. Tuve una banda que se separó y queríamos hacer algo diferente, más cool, y los dos teníamos esa idea, así que fuimos por ella y aquí estamos (risas).

En esta ocasión encabezan un festival junto a The Internet y Ms. Lauryn Hill aquí en Santiago, ¿se dan el tiempo de ver otras bandas cuando tocan en este tipo de shows, o sólo se enfocan en hacer su trabajo y su presentación?

Obvio que cuando estamos en festivales somos fans, nos gusta ver otras presentaciones. Siempre es genial tocar en estos eventos. Lo bueno de un festival es que puedes tocar y ver otras bandas, así que es genial, será un buen día.

Hablemos sobre la mística que la banda tenía al comienzo. No querían revelar sus identidades, pero finalmente terminaron haciéndolo. ¿Cómo mantienen aún la mística y su vida privada fuera de la música en estos días con las redes sociales y todas esas cosas?

Creo que desde el principio fue rápidamente raro, porque lanzamos los videos, la gente sólo los veía y no habíamos tocado ningún show, entonces creamos mucho interés en la forma que tocábamos música, no fue nada intencional, fue sólo la forma en que nos dimos a conocer y, de cierta manera, la música que queríamos hacer. Y cuando te haces conocido, la gente quiere ir a ver tu show en vivo, todo se transforma, crece. Y ya cuando estábamos conformes con nosotros mismos, la gente quiso ver quiénes éramos, es algo que sucedió naturalmente.

Hablando sobre la banda, ¿cuál crees que sea el mayor atributo de ella?

El mayor atributo creo que está hecho en mayor medida de nuestros corazones, de nuestras emociones, de algo que no es genérico, de los bailes en nuestros videos, todo se une para hacer grandes melodías, una gran banda en vivo, y el mismo público. Todos esos atributos se combinan y crean lo que Jungle es.

Bien, Josh, creo que esa fue la última pregunta, se nos acaba el tiempo. Quisiera terminar esta entrevista preguntándote si quisieras decirle algo a tus fans, quienes esperan tenerlos nuevamente aquí en Santiago.

Claro, totalmente. Quisiera decirles que queremos mucho volver pronto a Santiago, es un lugar especial para nosotros, y que toda Latinoamérica es un gran y hermoso lugar. Estamos entusiasmados de volver y festejar con ustedes en mayo.

Gracias por tu tiempo, que tengas un buen día, y también un gran tour.

Gracias a ustedes por el interés, Manuel. ¡Nos vemos!

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Jason Pierce de Spiritualized: “Uno hace arte en un contexto donde nada es para siempre”

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Los últimos meses han sido extensamente ocupados para Jason Pierce, el hombre a cargo de Spiritualized y quien ha encontrado el vehículo perfecto para expresar ideas, sensaciones, conceptos y metáforas a través de su música, muchas veces catalogada como desestructurada, pero también efectista en su ejecución. Lejos de todas esas contradicciones, y en plena etapa de recuperación de su catálogo a través de la serie de reediciones bautizadas como “The Spaceman Reissue Program”, Pierce concreta un trabajo de años con el lanzamiento de “Everything Was Beautiful”, nuevo trabajo de estudio que fue publicado el pasado 22 de abril a través del sello Bella Union.

Trabajado casi a la par con “And Nothing Hurt” de 2018, en este disco el artista se aventura en un estrepitoso viaje de siete canciones grabadas con más de 30 músicos en once estudios diferentes. Por si eso fuera poco, el mismo Pierce se encarga de tocar 16 instrumentos distintos en esta producción. Todo esto es motivo suficiente para que el pasivo e intrigante artista se tomara unos minutos para conversar telefónicamente con nosotros, donde platicamos distintos tópicos, como el encierro de la pandemia, su metodología de trabajo, la creación y grabación de este nuevo disco, entre muchos otros detalles, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Jason, primero quiero preguntarte como estás. La pandemia ha tenido un impacto en todo el mundo, ¿cómo has estado durante estos dos años?

Sí, ha sido loco, ¿cierto? Ha sido muy difícil para todos, y asumo que es algo todavía muy presente. No sé cómo será en tu país, pero pareciera que parte de la gente no está preocupada del bienestar de los otros, no entienden que hay gente trabajando muy duro para que no se pierdan más vidas, salvando vidas incluso cuando muchos no se lo toman en serio y ni siquiera consideran los peligros. Creo que eso ha sido lo más complicado, cualquier cosa que pase está ligada a la tristeza que generan estas personas que se comportan de manera muy egoísta.

Totalmente. Entiendo que, cuando comenzaron las cuarentenas, salías a caminar por las calles y verlas vacías te inspiró a hacer este nuevo disco. ¿Es correcto eso? ¿Qué nos puedes contar del proceso creativo de este álbum?

Sí, fue algo así. Es de esas cosas extrañas que pasan con la música, porque todos parecieran hacer la mejor música cuando se apartan del mundo, cuando el ambiente se calma. Cuando los artistas están en el estudio trabajan mejor tarde en la noche, cuando ya todos duermen, el mundo está en silencio y no hay una lógica con eso porque estás en una habitación con aislación, por ende, no se escucha nada y el mundo siempre estará en silencio, pero sin duda que es algo que se siente cuando el mundo verdaderamente está en silencio afuera. Supongo que así es todo el tiempo; parte de tu cerebro agradece la tranquilidad a veces. Suelo bromear con que durante la cuarentena no había que preocuparse de excusas cuando te invitaran a una fiesta. Esa tranquilidad me permitió enfocarme y decir “realmente puedo terminar esto ahora”, puedo finalizarlo y no hacer nada más porque no hay otra cosa que se pueda hacer más que estar encerrado, sobre todo con esa sensación de desesperanza acechando constantemente con tanta gente sufriendo afuera. Todo fue el escenario propicio para finalizar este disco.

Leía el comunicado de prensa para este disco, donde dices que te sentías como que llevabas entrenando toda tu vida para esto, para el confinamiento y la tranquilidad.

Sí, lo que pasa con el comunicado es que simplemente quise incluir ese chiste corto. Siento que no es tan diferente este período a estar sentado en la parte trasera del bus, en esos momentos de soledad. Hay cierta soledad en el ejercicio de tocar música de todas formas, lo que no se ve tan diferente a esto. Por momentos sentí como si hubiese entrado a una máquina del tiempo, miraba el cielo y prácticamente era el mismo cielo que miraban los romanos; no había aviones, no había humo, ningún elemento disruptivo del medioambiente, el río era casi prehistórico, todo muy silencioso y quieto. Eso no es algo que puedas tener en la ciudad, a no ser que te muevas fuera de ella. Tenías este ambiente natural, pero con la ciudad todavía ahí, con esa grandeza arquitectónica, estos edificios, todo vacío, inhabitable. Hay algo extrañamente convincente en todo eso.

Sí, es muy extraño ver las calles vacías. La primera vez que presencié eso no fue por la pandemia, de hecho, fue por las protestas en Chile en 2019. El gobierno puso un toque de queda a mitad de la tarde, por lo que ver las calles sin gente a esa hora del día fue muy extraño. Pero siempre persiste ese elemento de paz en el panorama, quizás al momento de notar que se puede trabajar mejor en ese contexto.

Sí, sí, también lo siento así. De hecho, creo que estuve en Chile antes de eso, estaba con mi hija en la calle tratando de regresar al hotel cuando estaban todos los militares en la calle por las protestas, supongo que esa calma que te dan esas calles vacías son algo que ayuda. Me obsesiono mucho cuando hago música y no puedo enfocarme en nada más, me siento casi como si me estuviera volviendo absolutamente loco. La pandemia permitió que esa calma pudiera pasar, no había ninguna distracción que me sacara de ese estado y realmente pude concentrarme y volverme loco con la música. De igual forma es algo que te consume, pero fue la única manera en que lograría completar este disco, estaba desesperado por terminarlo. Diría que durante los últimos siete años he estado desesperado por terminar tantas cosas como me sea posible, necesitaba completar eso para estar tranquilo nuevamente y pensar en lo que haría con mi futuro, tratar de completar cada canción que espera por ser terminada.

¿Qué hay del título del disco? ¿Cuál es el significado de “Everything Was Beautiful”?

Es una cita. No sé si debería hablar de esto, pero siempre es así con los títulos de Spiritualized. Mi intención cuando comencé esto era tener una tener una gran obra entre este álbum y el anterior, todas las canciones comenzaron a trabajarse al mismo tiempo. Mi compañía no quería un disco doble, ya que el lapso de atención de la gente es muy corto, pero también históricamente los álbumes dobles quedan perdidos; hay tanta información, que quedan en el olvido y son redescubiertos 20 años después de su lanzamiento. “Exile On Main St.” de The Rolling Stones es un ejemplo. Descubrí que ese disco tenía valor muchos años después, además que está la presión de que debes vender discos en este negocio, así que ellos me pidieron que no hiciera uno doble. De cierta forma funcionó, porque terminé la mitad que se transformó en un álbum, y las otras canciones recién las terminé ahora. Si hubiera sido doble, estaría todavía trabajando con todo el material a la vez. También fue algo arbitrario, no elegí qué canciones estarían en una parte y las que estarían en otra, creo que más bien incluí las que me faltaba menos por completar, ya sabes, “A Perfect Miracle” o “The Prize”.

¿Podríamos decir que este nuevo álbum es una continuación de “And Nothing Hurt”?

No, no diría que este disco es una Parte 2 o los descartes de ese disco. No hay descartes, todas son canciones que estaba componiendo, todas son canciones importantes. Además, cuando terminé lo que sería “And Nothing Hurt”, estas otras canciones iban por una dirección completamente distinta, por ende, tenía que ser un disco completamente distinto.

Para este disco trabajaste en once estudios diferentes. Eso es algo que se siente al escuchar el álbum, es como un viaje donde tú eres el personaje principal que se va impregnando de distintos elementos a medida que pasan las canciones. ¿Eso tiene algo que ver con el hecho de que trabajaste en muchos lugares distintos?

Supongo que es algo con los estudios, porque es difícil encontrar gente en la música que esté dispuesta a recorrer ciertas distancias. La mayoría de las personas en la música quieren trabajar bajo escenarios cómodos, donde puedan mostrar lo que son capaces de hacer. Muchos productores y personas en la música te dicen “me gusta lo que hiciste en tu último disco” o cosas así y, si bien yo no hago música para esperar eso, prefiero trabajar en un buen espacio donde pueda ir recogiendo las mejores partes antes de moverme al siguiente, de esa forma no hay un lugar definido para estas canciones. Hay productores que sólo producen una banda y luego buscan otra y la ponen en el mismo lugar, con la misma estructura, y yo obviamente no quiero eso. Soy más de aclarar y decir “esto es lo que hago”, prefiero que sea a mi manera. Muchos de esos estudios donde trabajé no funcionaron del todo, por eso tomé lo que me parecía interesante y me lo llevé hasta el siguiente, eso es algo difícil de calzar.

También se produjo la situación que por distancias había que trabajar en lugares diferentes, ¿no es así?

Sí, también ese fue un factor. Ciertos estudios estaban cerca del lugar en que estaban algunos integrantes de mi banda y ahí fue algo netamente geográfico, ya que necesitaba conseguir un estudio cerca de donde estuvieran para que trabajáramos. El resultado final, respondiendo a tu pregunta anterior, tiene que ver con que el disco es algo así como un collage; de hecho, son prácticamente dos mezclas puestas una encima de otra: una estaba sin finalizar, la otra estaba casi finalizada, pero tan pronto como las junté, puso todo el disco en un lugar que no podía reconocer, y me sorprendí a mí mismo con el resultado. No escuchaba mi trabajo en la misma forma que esperaba, a veces me gusta conservar los demos, por lo que hay una canción que está construida en base al demo, otra que está hecha a partir de una grabación en vivo que alguien hizo de nosotros y que encontramos en YouTube, ya que no podíamos dar con el sonido preciso. Todo se trata de aferrarse a los fragmentos que me gustan y hacerlos funcionar de modo que se transformen en una canción.

Además de esos once estudios, trabajaste con más de 30 músicos y cantantes. ¿Cómo fue ese proceso? ¿Les indicas “toca esto” o “canta esto”, o más bien son ellos poniendo su propio enfoque a las canciones?

Siempre es lo segundo, incluso si les pido qué tocar. Hay ocasiones en que yo les digo “toca esto” o “canta esto”, pero incluso ahí ellos ponen su estampa personal a la estructura, lo que da una idea de dónde puede ir la canción. Las cosas que hacen funcionar la música que amo están muy cercanas a las cosas que hacen funcionar a la música que no amo, eso es algo que siempre noto. Por ejemplo, una banda puede hacer un cover con los mismos instrumentos, configuración, equipos y arreglos que la versión original, pero puede que siga sonando horrible. De cierta forma, intento guiar a la gente, incluso si son músicos con los que trabajo hace mucho tiempo, siempre es necesaria una especie de guía. Eso al final también hace que ellos, como músicos, puedan encontrar su camino y aplicar sus ideas a lo que están tocando, y es inevitable que ellos traigan su habilidad a la música que están interpretando.

Jason, quisiera que pasemos a otro tema, puntualmente preguntarte sobre “The Spaceman Reissue Program”. ¿Cómo surgió esa idea?

Fue idea de Matthew Johnson, quien maneja mi sello en América, Fat Possum Records. Él comenzó a reeditar el catálogo de ciertos artistas y consideraba que era importante que los discos fueran propiedad de los artistas. Él se preocupó de todo eso, especialmente con mis discos, que siempre me decía que estaban un tanto olvidados y sin amor porque fueron publicados por un sello donde ya no estoy y nunca se preocuparon, no los reeditaban ni nada. Me di cuenta de que algunas de las reediciones que hicieron quedaron muy mal, por lo que era tiempo de botar todo eso y quisimos establecer que estos discos son importantes, son mi vida y mi historia. Realmente todo partió como una forma de darle el valor que merece mi trabajo, además de ponerlos a disposición de la gente nuevamente, ya que no lo estaban hace tiempo y los originales son muy caros actualmente por su rareza.

Definiste estos vinilos como las “ediciones definitivas”. ¿Podríamos decir que estos son los álbumes de la manera que pretendías que sonaran al momento de su lanzamiento?

Sí, algo así. Podríamos discrepar en el sentido de si fueron publicados como era mi intención en su momento, ya que en ese tiempo el mundo estaba más enfocado en el CD y la gente ahora está interesada en los vinilos. Supongo que eso le da un valor, además de que me gusta el hecho de que la portada sea respetada con una reestructuración, así como también el contenido del disco. Me gusta saber que uno hace arte en un contexto en donde nada es para siempre, las cosas envejecen, un disco se puede desgastar, el papel de la portada puede estar rayado o trizado, me gusta saber que el paso del tiempo afecte a una pieza de arte como un disco en cierta forma.

Bueno, Jason, esa fue la última pregunta. Quiero agradecerte por tu tiempo, por supuesto, pero también preguntarte si quieres enviarle un mensaje a tus fans chilenos que esperan verte nuevamente por acá algún día.

Sí, por supuesto. No tengo ningún mensaje preparado, pero sí siento que tengo una conexión especial con Chile, porque los primeros shows que hicimos en Sudamérica fue gracias a dos chicas chilenas que vinieron a Europa y conocí en un bar cerca de mi casa. Les pregunté si conocían a alguien que pudiera armar un show y afortunadamente una de ellas conocía al promotor que hizo posible nuestro primer concierto en Sudamérica, y se sintió que una vez que llegáramos no podrían cerrarnos la puerta. Ese fue el momento más importante para concretar nuestra llegada a Sudamérica. Ahora ya lo hemos visitado algo así como tres veces. Siempre ha sido importante ir allá, en estos momentos no es tan complejo para nosotros poder ir a tocar allá, pero necesitamos alguien que esté dispuesto a hacer el show y ayudarnos a concretar todo.

Esperamos verte pronto algún día.

Yo también espero que eso sea pronto.

Muchas gracias, Jason. ¡Cuídate mucho!

Igualmente. Nos vemos.

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