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Jordan Fish de Bring Me The Horizon: “Este álbum es para impactar a nuestros fans y también a quienes nos odian”

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Si existe un ejemplo de evolución musical hoy por hoy, ese sería Bring Me The Horizon, quienes pasaron de un rebelde y jovial metalcore en sus inicios, hasta poco a poco ir entrando en una metamorfosis que llevó su sonido hasta nuevas lides. Puede que los cambios hayan dejado a parte de su fanaticada en el camino, pero eso no es impedimento para que el conjunto gane nuevos adeptos y perfile cada vez mejor su trabajo, con el disco “amo” (2019) siendo la cúspide de ese proceso.

Uno de los responsables en esta transformación es Jordan Fish, tecladista del conjunto, quien llegó en los tiempos en que la banda se disponía a dejar los guturales y dedicarse a componer canciones con otro tipo de exigencias. El músico es actualmente uno de los artífices de este renovado sonido que posee el conjunto, dirigiendo cada paso en este nuevo horizonte, el cual podremos disfrutar este año cuando la banda se presente en una nueva edición de Lollapalooza Chile.

Bajo este contexto es que Jordan nos atendió al teléfono desde su casa para conversar un poco sobre el último disco, los colaboradores que participaron de este, sus métodos para estructurar un show en vivo, su opinión sobre el estancamiento de agrupaciones dentro del metal, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Quisiera empezar hablando sobre “Amo”, su última producción. En mi opinión es el mejor álbum de esta nueva era de la banda, por el sonido que lograron. ¿Qué nos puedes contar sobre el proceso de creación de este disco?

Bueno, creo que el proceso fue bastante diferente comparado con el anterior disco. Entre “Sempiternal” y “That’s The Spirit” seguíamos escribiendo canciones, así que, cuando comenzamos a componer “Amo”, ya teníamos muchísimas ideas. Sin embargo, tuvimos que parar de escribir después de lanzar “That’s The Spirit”. Entonces, retomar las ideas después del último tour, se convierte en algo diferente y más difícil, y realmente no teníamos idea de cómo hacerlo. Quizás, comenzar a crear desde el borrador de ideas influenció el sonido del álbum, ya que, al tener tanto tiempo libre y descansar harto después de la última gira, hizo que no tuviéramos un patrón a seguir al momento de escribir, y creo que todo es tan diferente de lo que hicimos al comienzo porque no creaba sonidos electrónicos hace mucho tiempo. Personalmente, me tomó un buen tiempo saber qué es lo que quería desarrollar en el álbum. Fue un proceso muy extenso, exhaustivo y de mucha experimentación para llegar a la idea final y saber exactamente qué queríamos lograr. Cambiamos muchas cosas. En los últimos meses teníamos como 40 o 50 ideas diferentes, y después hubo que unirlas y revisarlas. Nos costó lograr nuestro objetivo.

Nos comentaste sobre la experimentación en este álbum, y una de las cosas que llamó la atención fueron los colaboradores, como por ejemplo Grimes, también Dani Filth ¿De dónde nace la idea de invitar a participar artistas que no pertenecen a la banda?

Siento que lo de este álbum es muy distinto a lo que hicimos en los anteriores. Cuando creas un álbum, quieres que el siguiente sea totalmente diferente al anterior sólo para mantenerte entusiasmado y con más ganas. Después de los últimos dos discos no teníamos idea de qué hacer. En la época de “Sempiternal”, Oli (Sykes) nunca había cantado de esa forma, y yo era nuevo en la banda, y no hubo mayor compromiso en hacer algo diferente. Ya en “That’s The Spirit” nos pusimos los pantalones y hasta auto producimos el álbum, pero no tuvimos invitados sólo porque no nos nació hacerlo. En este álbum quisimos trabajar en los interludios y las intros de las canciones, y hacer algo distinto en cada una de ellas. Pensamos que sería genial tener invitados que representen nuestras influencias; pensamos en las personas que respetamos en nuestras vidas y que no te esperas en un álbum de rock. Cuando Dani Filth cantó junto a Oli, le pedimos que lo hiciera de manera tranquila, y cantó su parte de una forma muy extraña, para una canción extraña. Queríamos que “Wonderful Life” fuera algo inesperado e impactante. Y luego con Grimes –que es alguien que esperábamos secretamente, amamos su música– queríamos que desde el segundo verso de “Nihilist Blues” fuera con una voz totalmente femenina, que capturara la emoción y ella resultó ser la opción más obvia, nos encantó absolutamente. Y finalmente Rahzel fue la idea más loca que tuvimos, que él sea su propio beat box ya es genial, es espectacular, y que haya grabado un álbum con Björk y Mike Patton lo convierte en alguien más genial aún. Apenas nos pusimos en contacto con él, accedió de inmediato.

Jordan, ahora que mencionas la canción que grabaron con Rahzel, debo preguntarte por la canción “Heavy Metal”, ¿cuánto de ironía y cuánto de verdad existe en la letra de esa canción?

Cuando escribes un álbum hay cosas que giran en tu mente, que te mantienen despierto en la noche, pero que somos conscientes de que existen. La canción habla sobre nuestra amada compañía discográfica y nuestro genial ejecutivo de la disquera que nos dicen cómo hacer las cosas y no hacerlas como se nos ocurrió a nosotros desde un comienzo. Es algo que pasa por tu cabeza, que la canción tiene que salir en la radio, que tiene que ser un hit, y que es algo que está perfectamente bien y que eres premiado por eso. Son cosas que las pones en la balanza para decidir si se reflejan o no en el álbum. Pero, al fin y al cabo, haces lo que a ti te gusta. Son asuntos en los que tienes que pensar y ser consciente de por qué los haces. Por ejemplo, hicimos este álbum para impactar a nuestros fans y también a quienes nos odian, para que nos odien aún más (risas). Son decisiones que tomas, y si crees que algo está bien, ¿por qué no hacerlo?

Su próximo show será aquí en Santiago en el Festival Lollapalooza y, comparado con sus actuaciones pasadas, será el concierto más grande que harán en nuestro país. Quisiera saber, ¿cómo organizan sus shows para grandes multitudes? ¿Es posible que escuchemos sus canciones antiguas, como ese medley que interpretan de su era más pesada, o se enfocarán más en canciones de su nuevo álbum?

No estoy muy seguro, quizás no haremos eso, quizás toquemos un par de canciones antiguas con algo extra, pero no estoy seguro. Es mucho más difícil ahora, que tenemos una cantidad considerable de material y el álbum acaba de salir es tan diferente, que creo que nos enfocaremos más en los temas nuevos porque la banda cambió y Oli ahora canta, somos como una nueva banda. Para serte honesto, elegiremos canciones que ahora queremos tocar, pero de seguro será una mezcla, con canciones de varios años atrás, aunque es difícil elegir entre tanto repertorio y dejar a todos contentos. Pero, si lo piensas, incluso “Sempiternal” es bastante viejo porque salió hace unos cuantos años. Por lo general, si tocas un setlist que a ti te gusta y que realmente disfrutas, el público lo ve en tu presentación y se emociona contigo. Hay canciones que el público quiere escuchar, pero quizás no las toquemos. De verdad no lo sé, pero haremos algo interesante para nuestros fans.

Estuve revisando un par de entrevistas tuyas y en una dices: “Hay canciones pop muy bien logradas, pero las bandas de rock no las aprecian”. En mi opinión, te encuentro toda la razón porque, por lo general, la mayoría de las bandas metal siempre hacen el mismo tipo de canciones, pero con Bring Me The Horizon es totalmente diferente porque su sonido ha evolucionado y han logrado que sea cada vez mejor que sus álbumes pasados. ¿Crees que las ganas de hacer cosas distintas y no quedarse estancado en sus inicios ha influenciado en su sonido?

A lo que refería en aquella entrevista –y sin querer sonar pretensioso– era a que, si te ves como un compositor, hay algo que ganas al apreciar otros estilos de música. No soy muy amante de la música pop, pero cuando la escucho puedo darme cuenta de lo que hicieron, me doy cuenta de lo genial en su estructura y su secuencia. No existe un motivo para que una banda heavy metal no pueda usar estilos rítmicos como la música pop, electrónica, dance, incluso hasta música japonesa, eso no quiere decir que sonarás menos fuerte. Existen varias bandas de metal tradicional que tocan sus clásicos y te motivan, y eso es genial.

¿Sientes que ese estancamiento hace que muchas bandas dejen de ser interesantes con el pasar del tiempo?

En mi opinión, hay muchas bandas de rock que siempre caen en el mismo cliché, mismas estructuras y acordes, cuando hay mucho que pueden hacer con su estilo de música. No debería decir que la mayoría de las bandas de rock temen hacer algo distinto, pero es lo que opino. Lo que me llama la atención de una banda es que su secuencia y estructura sea diferente, la voz sea distinta, la rima sea distinta, y eso me emociona. Desde el punto de vista de estos artistas, puedes decir que gusta esto, esto, y esto otro, y desde esa perspectiva terminas haciendo algo nuevo y espectacular. Y a eso me refería: hay bandas que son felices cuando trabajan con sonidos distintos y cuando cruzan la barrera de la creación.

Bien, Jordan, creo que esa fue la última pregunta, ya que se nos acaba el tiempo. ¿Te gustaría enviar un mensaje a los fans de Bring Me The Horizon en Chile para terminar esta entrevista?

Claro. Sólo quiero decirles que estamos muy contentos de ir a tocar allá, sé que lo pasaremos muy bien y estamos preparando un show que todos puedan disfrutar. ¡Nos vemos!

Traducción por Franco Acevedo

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Entrevistas

Geordie Greep de Black Midi: “Crear canciones por separado permitió que fueran más ambiciosas”

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Geordie Greep Black Midi

Luego de un aclamado ciclo en torno a su álbum debut, el implacable “Schlagenheim” de 2019, Black Midi tendría la difícil misión de superar expectativas y no fracasar en su segundo largo. Una banda tan ecléctica como esta no siempre consigue tantos comentarios favorables, por lo que la presión de tener a todas las miradas encima ponía en tela de juicio la calidad de un potencial segundo LP. Ahora, con “Cavalcade”, su segundo disco siendo una realidad, la joven agrupación se siente mucho más optimista en lo que depara el futuro, manteniendo siempre la ambición necesaria para ir avanzando en su búsqueda por encontrar ese sonido colectivo, de un caos que puede ser tan desordenado como estructurado en cada compás.

Luego de un tiempo analizando este segundo disco, en HumoNegro tuvimos la oportunidad de hablar algunos minutos con el guitarrista y vocalista Geordie Greep, quien durante toda la vorágine propia de la semana de estreno del disco se hizo un tiempo para conversar sobre una serie de temas, desde el proceso creativo de “Cavalcade”, la forma de componer que utilizan en su trabajo en equipo, la música que los influenció para este larga duración y su visión de la banda hacia el futuro, entre muchas otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Geordie, te hablo desde Santiago de Chile.

Genial.

Esta es la tercera vez que conversamos, de hecho. Tuvimos entrevistas que no salieron a la luz por el show que harían en Santiago, que se postergó por el Covid-19 y luego se terminó cancelando.

Oh, sí, sí, cuánto lamento eso.

Quiero que hablemos del tremendo nuevo álbum de la banda. He estado escuchando “Cavalcade” un montón y siento que es muy diferente en comparación a su debut, ¿no es así?

Sí, el proceso fue algo diferente al primer álbum porque en el anterior la mayoría de las canciones –todas menos una en realidad– fueron compuestas entre todos con un proceso muy comunitario y democrático. Estábamos en una habitación todos juntos dando ideas, improvisando juntos, y tan pronto como surgía una canción que nos gustaba, parábamos y decíamos “de acuerdo, esto hay que agregarlo al montón que tenemos”. Teníamos muchos fragmentos que pegamos para transformarlos en una canción; diría que todas son un compilado de distintas secciones unidas en una composición. Fue un proceso menos inteligente en cuanto a diseño, más bien de estar en una habitación hasta conseguir que una canción funcionara.

¿Qué nos puedes contar del proceso de creación de este nuevo disco?

Con este álbum fue todo lo opuesto, porque habíamos estado trabajando de esa forma durante mucho tiempo y, luego de que terminamos nuestro primer álbum, seguimos trabajando de la misma forma. Fue así como nos sentimos cada vez menos inspirados y hubo momentos en que no lográbamos encontrar nada interesante; el hecho de que nos gustara algo cuando improvisamos fue cada vez menos frecuente. Al final, pasaron meses sin lograr tener una canción, así que un día estábamos improvisando y logramos llegar a algo, pero no sabíamos cómo avanzar. Ahí pensé “bien, me llevaré esto a casa”, y trabajé para crear otra sección y completar la canción. Luego llegué al otro día y les mostré la estructura a los chicos, a todos les gustó porque funcionó, fue mucho más fácil. Se logró llegar a varias ideas para perfeccionarla, pero seguí trabajando en casa hasta que les dije “bien chicos, esta es la canción para que la aprendan”. La mitad del nuevo disco fue hecho así, el resto fueron creadas tanto en conjunto como por separado.

Sin duda el cambio de metodología permitió también un cambio notorio en la interpretación, este disco tiene prácticamente cada movimiento cronometrado.

Esto permitió que pudiéramos ser más ambiciosos con el material, porque cuando tocamos todos juntos no podemos improvisar una secuencia o estructura, estamos todos básicamente tocando algo diferente. No puedes tocar en una nota especifica, más bien es algo atonal, surge desde las texturas y el sonido. Crear canciones por separado nos permitió que fueran mucho más melódicas y, a su vez, más ambiciosas.

¿Qué hay de la pandemia, tuvo alguna influencia en la forma de trabajar o en la naturaleza del disco como tal?

Tuvimos la suerte de estar usando esa nueva metodología antes de que toda la pandemia empezara y, al momento en que tuvimos que separarnos y encerrarnos en nuestras casas por la cuarentena, ya nos sentíamos cómodos trabajando de esa manera. De hecho, preferíamos trabajar así, tener todo el tiempo del mundo para componer fue un regalo. Fuimos muy afortunados en descubrir que podíamos trabajar así antes de que nos viéramos forzados a ello, de lo contrario habríamos quedado inmóviles esperando a juntarnos a improvisar juntos y, sumado al coronavirus, no hay posibilidad de que hubiésemos tenido un álbum listo en todo este tiempo. Estaríamos recién ahora viendo si podemos componer algo, así que tuvimos suerte (risas).

Al ver el tracklist del disco, tenemos desde canciones de dos minutos y algo más, hasta la última que es de nueve. ¿Sienten a “Cavalcade” como una especie de canción larga con diferentes secciones?

Quizás. Creo que todas las canciones son muy distintivas por su cuenta, pero la intención del álbum es escucharlo de una pasada. Cuando estábamos decidiendo el tracklist no había un orden natural que había que seguir estructuradamente, hay canciones que grabamos al mismo tiempo y que son tan buenas como las del disco, pero las dejamos afuera intencionalmente porque no iban con el ritmo del álbum. Así que, con estas ocho canciones, diría que sí, es como una única canción de larga duración.

Puedo percibir influencias de The Fall e incluso King Crimson. Entiendo que el álbum “Discipline de 1981 fue una obra muy influyente para el sonido de este disco. ¿Hubo algún disco que escuchaste mucho cuando estaban componiendo las canciones para “Cavalcade”?

Una gran influencia en muchas canciones fue Olivier Messiaen, un compositor que hizo una opera llamada “Saint François d’Assise”, sobre este personaje histórico, ya sabes. Esa es una pieza de música alocadamente conmovedora, muy experimental, comprometedora, son cuatro horas que escuchas y te hipnotizas en la narrativa. Fue una obra que escuché mucho antes de que comenzáramos a completar las canciones, influenció mucho en el disco, especialmente en “Ascending Forth”, la última canción.

Hay algo que me llamó la atención mientras leía para preparar esta entrevista, y es el hecho de que se aburrieron de su primer álbum y por eso tomaron la decisión de “ahora sí hacer un álbum bueno”, creo que algo así fue la frase que dijeron. ¿Por qué se sentían de esa forma, incluso cuando fue tan exitoso?

Bueno, no lo sé, supongo que lo tocamos demasiado y fue así como empezamos a notar las limitaciones de las canciones. El hecho de que fueran construidas como te expliqué hace un rato, les dio ciertas limitaciones que no podíamos evitar. Muchas de las canciones son solamente uno o dos acordes, pueden ser interesantes, hay muchos sonidos geniales que dan esa sensación natural de estar viendo tocar a una banda en vivo, pero en términos de las canciones como tal, los acordes y las melodías no son las más interesantes del mundo que digamos. Esta vez queríamos hacer canciones que fueran fundamentalmente más interesantes, y luego agregar algunos “efectos especiales” encima para hacerlas incluso mejores. El primer álbum es el primer álbum, probablemente terminemos diciendo lo mismo de este disco en un año más, o quizás sintamos que es un montón de basura cuando estemos en el tercer disco (risas). De todas formas, siento que esta vez hicimos canciones que tienen una longevidad y con espacio para desarrollarlas cuando las toquemos en vivo.

Tuve la suerte de escuchar el disco antes de su lanzamiento para hacerle un review y hay algo que escribí en mi texto que quería comentar: siento que este álbum es el punto de partida para llegar a uno de los mejores álbumes de la historia. No lo sé, quizás el tercer o cuarto álbum de Black Midi. Te comento esto porque leí una entrevista donde justamente dijeron lo mismo, que sienten a este disco como el punto de partida para otra etapa de la banda. Así que quisiera escuchar tus reflexiones al respecto, ¿por qué lo sienten de esa forma?

Sí, lo entiendo. Sí, dijimos eso cuando descubrimos que en esta nueva forma de trabajar había una vibra más optimista en lo que estábamos haciendo, sabíamos que estas canciones podían tener una longevidad. Desde esta fórmula podemos seguir mejorando e intentando cosas nuevas con este mismo enfoque. No lo sé, quizás sea el siguiente o nos tardemos un par de discos más, pero espero que uno de esos sea el “TBE”, The Best Ever (risas). Habrá que ver que pasa en el futuro.

Bueno, este disco es el mejor de este año, no hay duda de eso.

¿En lo que va del año? Fantástico, lo agradezco mucho (risas).

De hecho, “Schlagenheim” fue el segundo mejor en nuestra lista de ese año, solamente fue superado por “Ghosteen de Nick Cave & The Bad Seeds.

Oh, muchísimas gracias por eso también.

Geordie, se supone que vendrían a tocar a Santiago el año pasado, luego se postergó por la pandemia y finalmente se canceló. ¿Tendremos la oportunidad de ver a Black Midi algún día acá en Chile?

Eso espero, amigo, realmente lo quiero. Será genial tocar allá en algún momento porque mi mejor amigo desde los tres años es de Chile, siempre me dice que deberíamos tocar allá. Algún día lograremos tocar allá, estoy seguro de eso, y espero que sea más temprano que tarde.

Eso espero también, todos están muy entusiasmados por verlos. Bueno, Geordie, se nos acaba el tiempo, así que esa fue la última pregunta. Para terminar, ¿le quieres enviar un mensaje a los fans de la banda que estén leyendo esto?

Sí. Sólo quiero decirles que disfruten el álbum, escúchenlo todo lo que puedan y, si no les gusta en un principio, denle otra oportunidad (risas). También quiero que sepan que estaremos allá, tarde o temprano tocaremos allá, así que nos veremos algún día.

Muchas gracias por la entrevista, Geordie.

Gracias a ti, amigo. ¡Nos vemos!

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