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Jordan Fish de Bring Me The Horizon: “Este álbum es para impactar a nuestros fans y también a quienes nos odian”

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Si existe un ejemplo de evolución musical hoy por hoy, ese sería Bring Me The Horizon, quienes pasaron de un rebelde y jovial metalcore en sus inicios, hasta poco a poco ir entrando en una metamorfosis que llevó su sonido hasta nuevas lides. Puede que los cambios hayan dejado a parte de su fanaticada en el camino, pero eso no es impedimento para que el conjunto gane nuevos adeptos y perfile cada vez mejor su trabajo, con el disco “amo” (2019) siendo la cúspide de ese proceso.

Uno de los responsables en esta transformación es Jordan Fish, tecladista del conjunto, quien llegó en los tiempos en que la banda se disponía a dejar los guturales y dedicarse a componer canciones con otro tipo de exigencias. El músico es actualmente uno de los artífices de este renovado sonido que posee el conjunto, dirigiendo cada paso en este nuevo horizonte, el cual podremos disfrutar este año cuando la banda se presente en una nueva edición de Lollapalooza Chile.

Bajo este contexto es que Jordan nos atendió al teléfono desde su casa para conversar un poco sobre el último disco, los colaboradores que participaron de este, sus métodos para estructurar un show en vivo, su opinión sobre el estancamiento de agrupaciones dentro del metal, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Quisiera empezar hablando sobre “Amo”, su última producción. En mi opinión es el mejor álbum de esta nueva era de la banda, por el sonido que lograron. ¿Qué nos puedes contar sobre el proceso de creación de este disco?

Bueno, creo que el proceso fue bastante diferente comparado con el anterior disco. Entre “Sempiternal” y “That’s The Spirit” seguíamos escribiendo canciones, así que, cuando comenzamos a componer “Amo”, ya teníamos muchísimas ideas. Sin embargo, tuvimos que parar de escribir después de lanzar “That’s The Spirit”. Entonces, retomar las ideas después del último tour, se convierte en algo diferente y más difícil, y realmente no teníamos idea de cómo hacerlo. Quizás, comenzar a crear desde el borrador de ideas influenció el sonido del álbum, ya que, al tener tanto tiempo libre y descansar harto después de la última gira, hizo que no tuviéramos un patrón a seguir al momento de escribir, y creo que todo es tan diferente de lo que hicimos al comienzo porque no creaba sonidos electrónicos hace mucho tiempo. Personalmente, me tomó un buen tiempo saber qué es lo que quería desarrollar en el álbum. Fue un proceso muy extenso, exhaustivo y de mucha experimentación para llegar a la idea final y saber exactamente qué queríamos lograr. Cambiamos muchas cosas. En los últimos meses teníamos como 40 o 50 ideas diferentes, y después hubo que unirlas y revisarlas. Nos costó lograr nuestro objetivo.

Nos comentaste sobre la experimentación en este álbum, y una de las cosas que llamó la atención fueron los colaboradores, como por ejemplo Grimes, también Dani Filth ¿De dónde nace la idea de invitar a participar artistas que no pertenecen a la banda?

Siento que lo de este álbum es muy distinto a lo que hicimos en los anteriores. Cuando creas un álbum, quieres que el siguiente sea totalmente diferente al anterior sólo para mantenerte entusiasmado y con más ganas. Después de los últimos dos discos no teníamos idea de qué hacer. En la época de “Sempiternal”, Oli (Sykes) nunca había cantado de esa forma, y yo era nuevo en la banda, y no hubo mayor compromiso en hacer algo diferente. Ya en “That’s The Spirit” nos pusimos los pantalones y hasta auto producimos el álbum, pero no tuvimos invitados sólo porque no nos nació hacerlo. En este álbum quisimos trabajar en los interludios y las intros de las canciones, y hacer algo distinto en cada una de ellas. Pensamos que sería genial tener invitados que representen nuestras influencias; pensamos en las personas que respetamos en nuestras vidas y que no te esperas en un álbum de rock. Cuando Dani Filth cantó junto a Oli, le pedimos que lo hiciera de manera tranquila, y cantó su parte de una forma muy extraña, para una canción extraña. Queríamos que “Wonderful Life” fuera algo inesperado e impactante. Y luego con Grimes –que es alguien que esperábamos secretamente, amamos su música– queríamos que desde el segundo verso de “Nihilist Blues” fuera con una voz totalmente femenina, que capturara la emoción y ella resultó ser la opción más obvia, nos encantó absolutamente. Y finalmente Rahzel fue la idea más loca que tuvimos, que él sea su propio beat box ya es genial, es espectacular, y que haya grabado un álbum con Björk y Mike Patton lo convierte en alguien más genial aún. Apenas nos pusimos en contacto con él, accedió de inmediato.

Jordan, ahora que mencionas la canción que grabaron con Rahzel, debo preguntarte por la canción “Heavy Metal”, ¿cuánto de ironía y cuánto de verdad existe en la letra de esa canción?

Cuando escribes un álbum hay cosas que giran en tu mente, que te mantienen despierto en la noche, pero que somos conscientes de que existen. La canción habla sobre nuestra amada compañía discográfica y nuestro genial ejecutivo de la disquera que nos dicen cómo hacer las cosas y no hacerlas como se nos ocurrió a nosotros desde un comienzo. Es algo que pasa por tu cabeza, que la canción tiene que salir en la radio, que tiene que ser un hit, y que es algo que está perfectamente bien y que eres premiado por eso. Son cosas que las pones en la balanza para decidir si se reflejan o no en el álbum. Pero, al fin y al cabo, haces lo que a ti te gusta. Son asuntos en los que tienes que pensar y ser consciente de por qué los haces. Por ejemplo, hicimos este álbum para impactar a nuestros fans y también a quienes nos odian, para que nos odien aún más (risas). Son decisiones que tomas, y si crees que algo está bien, ¿por qué no hacerlo?

Su próximo show será aquí en Santiago en el Festival Lollapalooza y, comparado con sus actuaciones pasadas, será el concierto más grande que harán en nuestro país. Quisiera saber, ¿cómo organizan sus shows para grandes multitudes? ¿Es posible que escuchemos sus canciones antiguas, como ese medley que interpretan de su era más pesada, o se enfocarán más en canciones de su nuevo álbum?

No estoy muy seguro, quizás no haremos eso, quizás toquemos un par de canciones antiguas con algo extra, pero no estoy seguro. Es mucho más difícil ahora, que tenemos una cantidad considerable de material y el álbum acaba de salir es tan diferente, que creo que nos enfocaremos más en los temas nuevos porque la banda cambió y Oli ahora canta, somos como una nueva banda. Para serte honesto, elegiremos canciones que ahora queremos tocar, pero de seguro será una mezcla, con canciones de varios años atrás, aunque es difícil elegir entre tanto repertorio y dejar a todos contentos. Pero, si lo piensas, incluso “Sempiternal” es bastante viejo porque salió hace unos cuantos años. Por lo general, si tocas un setlist que a ti te gusta y que realmente disfrutas, el público lo ve en tu presentación y se emociona contigo. Hay canciones que el público quiere escuchar, pero quizás no las toquemos. De verdad no lo sé, pero haremos algo interesante para nuestros fans.

Estuve revisando un par de entrevistas tuyas y en una dices: “Hay canciones pop muy bien logradas, pero las bandas de rock no las aprecian”. En mi opinión, te encuentro toda la razón porque, por lo general, la mayoría de las bandas metal siempre hacen el mismo tipo de canciones, pero con Bring Me The Horizon es totalmente diferente porque su sonido ha evolucionado y han logrado que sea cada vez mejor que sus álbumes pasados. ¿Crees que las ganas de hacer cosas distintas y no quedarse estancado en sus inicios ha influenciado en su sonido?

A lo que refería en aquella entrevista –y sin querer sonar pretensioso– era a que, si te ves como un compositor, hay algo que ganas al apreciar otros estilos de música. No soy muy amante de la música pop, pero cuando la escucho puedo darme cuenta de lo que hicieron, me doy cuenta de lo genial en su estructura y su secuencia. No existe un motivo para que una banda heavy metal no pueda usar estilos rítmicos como la música pop, electrónica, dance, incluso hasta música japonesa, eso no quiere decir que sonarás menos fuerte. Existen varias bandas de metal tradicional que tocan sus clásicos y te motivan, y eso es genial.

¿Sientes que ese estancamiento hace que muchas bandas dejen de ser interesantes con el pasar del tiempo?

En mi opinión, hay muchas bandas de rock que siempre caen en el mismo cliché, mismas estructuras y acordes, cuando hay mucho que pueden hacer con su estilo de música. No debería decir que la mayoría de las bandas de rock temen hacer algo distinto, pero es lo que opino. Lo que me llama la atención de una banda es que su secuencia y estructura sea diferente, la voz sea distinta, la rima sea distinta, y eso me emociona. Desde el punto de vista de estos artistas, puedes decir que gusta esto, esto, y esto otro, y desde esa perspectiva terminas haciendo algo nuevo y espectacular. Y a eso me refería: hay bandas que son felices cuando trabajan con sonidos distintos y cuando cruzan la barrera de la creación.

Bien, Jordan, creo que esa fue la última pregunta, ya que se nos acaba el tiempo. ¿Te gustaría enviar un mensaje a los fans de Bring Me The Horizon en Chile para terminar esta entrevista?

Claro. Sólo quiero decirles que estamos muy contentos de ir a tocar allá, sé que lo pasaremos muy bien y estamos preparando un show que todos puedan disfrutar. ¡Nos vemos!

Traducción por Franco Acevedo

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Entrevistas

Nick Jost de Baroness: “No somos una banda estrictamente de metal”

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Baroness

Junio será el mes de varios debuts muy esperados en nuestro país, y uno de ellos será el de Baroness, quienes se presentarán el próximo 21 de junio en Club Blondie, tan solo una semana después de que publiquen “Gold & Grey”, su quinto trabajo de estudio. Formados en 2003, el conjunto ha desarrollado una interesante propuesta llena de distintos estilos, tomando elementos de la vereda del sludge, el metal progresivo, e incluso el rock alternativo para entregar una música en donde la densa oscuridad de sus melodías pesa, atrapa y lleva al oyente por un viaje sonoro poco habitual.

Para la antesala a su esperado concierto, conversamos con el bajista Nick Jost, quien se sentó al teléfono para platicar sobre diversos temas, como el nuevo disco de la banda, las similitudes entre su llegada y la de la guitarrista Gina Gleason al conjunto, su proyecto de jazz junto al baterista ecuatoriano Andrés Benavides, el significado del título en los álbumes de Baroness y su opinión respecto del metal en la actualidad, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos de manera integra a continuación.

Quiero que partamos hablando por supuesto de “Gold & Grey”, álbum que lanzarán pocos días antes de su debut en Santiago. ¿Cómo fue el desarrollo de este trabajo?

Siento que este álbum es una combinación de lo que Baroness ha sido a través del tiempo, una representación de dónde estábamos y hacia dónde queríamos llegar musicalmente. Si escuchas uno de los discos más antiguos, sabrás que la música es densa, hay mucha información en el sonido, muchas guitarras densas, creo que la gran diferencia en este disco es que la progresión del sonido de la banda llega a otros niveles. Siento que la capacidad como compositor de John –tanto lírica como melódicamente– es muy inteligente, ha encontrado su punto ideal, tiene una nueva personalidad creativa y eso se demuestra mucho en este disco.

Cada disco de la banda tiene un color en el título, en este caso el dorado y el gris. ¿Cómo son representados en el álbum?

Siento que están representados de manera lírica; de hecho, se mencionan las palabras “gold” y “grey” en el álbum, pero es como si el dorado fuera el brillo y el valor del disco, mientras que el gris es lo oscuro del sonido. Es como se representan estos dos elementos de Baroness, como si este disco reflejara que tenemos momentos de luz, pero siempre habrá oscuridad en lo que hacemos, ya sea líricamente o algunas de las armonías que desfilan en el disco. Definitivamente existe una dualidad en este disco que se pasea por ambos estados.

Hablando de oscuridad, en varias entrevistas John Dyer (vocalista) ha dicho que la banda trata de “hacer de la oscuridad algo divertido”. ¿Cómo logran expresar eso?

(Risas) Si nos ves en vivo, creo que eso lo representa muy bien. Somos enérgicos y nos divertimos mucho haciendo esto, lo tomamos en serio, y el material que tocamos tiene mucha oscuridad en las letras, en el mundo en realidad. No estamos ignorando el complejo período que atravesamos en el mundo como sociedad, entendemos lo que siente la gente, pero también queremos pasar un buen momento junto a ellos. Creo que cuando tocamos en vivo la energía que ponemos en esta música es como concibo esa idea que me dices, esa es la forma en que experimentamos la oscuridad.

Este álbum será el primero con Gina Gleason en la guitarra, quien, pese a llevar algunos años tocando junto a ustedes, aún no participaba de un LP. ¿Qué tal se vivió el trabajo junto a ella como nueva adición?

Gina es asombrosa, es una tremenda guitarrista en todo el sentido de la palabra, puede hacer lo que sea en la guitarra, es genial trabajar con ella. Tenemos algunas similitudes, ya que en “Purple” fue la primera vez que yo compuse junto a la banda, la primera vez que me introduje en esa dinámica. Seb, John y yo tenemos una dinámica a la que ella tuvo que acostumbrarse e introducirse, e hizo un buen trabajo, trajo muchas buenas ideas y permitió generar esa conexión de su voz y la de John cuando cantan juntos. Siento que eso funciona increíble, y hay momentos en este disco que lo demuestran, algunas de las mejores partes de este álbum son cuando cantan juntos.

¿Fue eso relevante en la decisión de escogerla? ¿Algo así como “necesitamos que nuestra próxima guitarrista sea mujer”?

Fue algo que ocurrió. Todos la conocimos por un amigo llamado Steve, quien produjo y vendió unos pedales de fuzz junto a John. Gina compró uno y casualmente era de la misma ciudad, por lo que se mantuvieron en contacto luego de que compró el pedal. Cuando Pete dejó la banda, Gina estaba ahí, no fue como que hicimos una búsqueda para encontrar a alguien que tocara guitarra, fue una cosa del destino, ella estaba ahí y se adaptaba bien con nosotros. No lo pensamos dos veces.

Llegaste a la banda antes de que comenzaran a trabajar en el álbum “Purple” (2015). ¿Cómo te adaptaste a un proyecto que ya estaba conformado?

Siento que, como bajista, quizás me tocó un poco más fácil. Gina y Seb tienen que reemplazar partes más complejas al tratarse de la guitarra y la batería, y mi rol era más bien llegar, hacer un buen trabajo y apoyar a la banda. A la hora de componer fue un gran desafío, muy divertido, ya que era música que se componía hasta ese momento sólo en guitarra, y tener que llevar mis ideas a la banda fue todo un aprendizaje. Tenía que entregarles cosas para que ellos pudieran sacar lo mejor de sí mismos sobre ellas. Este trabajo se trata de que todos aprendan a leer a sus compañeros y permitir que desarrollen sus mejores habilidades a la hora de tocar.

Pasemos a otro de tus proyectos musicales, Forgotten Arm, donde te acompañas solamente de un baterista. ¿Cuándo surgió la idea de hacer algo diferente?

Diría que es un proyecto de jazz, somos más de improvisación. Mi esposa es de Quito, Ecuador, y una vez que la fui a visitar me presentó a un amigo llamado Andrés Benavides, que es un baterista increíble de Quito, integrante de bandas como Can Can, que goza de popular en su país. Es un baterista de metal que también puede tocar jazz, y lo hace muy bien. En un principio para mí fue “de acuerdo, esta chica con la que salgo quiere que toque junto a su amigo, podría salir muy bien o podría salir muy mal” (risas), y afortunadamente nos llevamos muy bien la primera vez que nos reunimos. Hicimos algunos conciertos, lanzamos un EP, y ahora estamos trabajando en un nuevo álbum.

¿Piensas en algún límite de tiempo para lanzar el álbum?

Estamos casi listos grabándolo. Estamos trabajando con algunos cineastas para hacer algunos videos y lanzar el proyecto completo, porque nos encerramos tres días en el estudio y tocamos como si lo hiciéramos en vivo, así que luego queda producir esa música y transformarla en canciones. En ella capturamos nuestra historia musical; tengo formación de jazz y eso lo aplico bastante, él incorpora percusión de manos y algunos instrumentos tradicionales de Ecuador, así que es un gran proyecto.

Baroness tocó en Colombia hace unos años, siendo el único show en Sudamérica hasta ahora. ¿Por qué no hicieron una gira completa en dicha ocasión?

Es difícil hacer eso, estamos en una posición interesante porque no somos tan grandes como para arriesgar dinero, por lo que es entretenido intentarlo. De pronto pasó que los astros se alinearon y logramos ir hacia allá en esta gira, no es que no queríamos (risas). El hecho de que Seb sea de Buenos Aires lo hace doblemente especial, será un concierto tremendo allá. Hemos tenido oportunidades de ir en estos años, pero no funcionaban lamentablemente. Es complicado, ya sabes.

Estuve mirando tu Instagram y vi algunas fotos de cuando giraron con Deafheaven y Zeal & Ardor, y me llama la atención que describiste el tour como “una absoluta locura cada noche”. ¿Qué experiencias recogiste de la gira con bandas relativamente nuevas?

Tocar con ellos fue increíble, esa gira fue algo ridículamente genial. Sentimos que estábamos llevando un evento a cada ciudad que íbamos. Deafheaven soy muy buenos en vivo, pueden ser aterradores con una canción de black metal y luego, de la nada, incorporan un jam tipo shoegaze de veinte minutos y te quedas parado pensando: “¿Qué es esta banda?” (risas). Ya sabes, ellos entienden cómo unir diferentes estilos.

¿Qué opinas del estado actual de la música más pesada?

Siento que va por buen camino. Girando y haciendo shows he notado que es una escena muy sana y muy motivante. Hay un millón de bandas buenas haciendo música, la comunidad es positiva y enérgica, van por un muy buen camino. La gente está experimentando más con los sonidos, y creo que esa gira que mencionaste fue como la representación de la escena actual, con bandas que tratan de sacudir un poco las cosas, incluyendo a nosotros, que definitivamente no somos una banda estrictamente de metal bajo ningún término. Siento que, a pesar de que no estaba pensado de esa forma, terminó siendo la reunión de los inadaptados: bandas que tomamos este género del metal pesado y lo transformamos porque no calzamos del todo en él.

No digo esto porque estamos hablando, pero personalmente esa gira fue literalmente “las tres mejores bandas de música pesada que tenemos en la actualidad”.

Fabuloso oír eso (risas), lo aprecio mucho.

Para terminar: ¿Qué le dirías a los fans en Santiago que esperan por el show?

Estamos extremadamente entusiasmados por llegar hasta allá, tocar en Blondie y pasar un gran momento juntos. Todos estamos listos para tener una gran noche con ustedes, y espero que lo disfrutemos cuando llegue el momento.

Nos vemos en el show, Nick. Muchas gracias por tu tiempo.

Genial, cuídate mucho. ¡Nos vemos!

Foto de portada por Stefan Brending http://www.2eight.de/

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