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Jordan Fish de Bring Me The Horizon: “Este álbum es para impactar a nuestros fans y también a quienes nos odian”

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Si existe un ejemplo de evolución musical hoy por hoy, ese sería Bring Me The Horizon, quienes pasaron de un rebelde y jovial metalcore en sus inicios, hasta poco a poco ir entrando en una metamorfosis que llevó su sonido hasta nuevas lides. Puede que los cambios hayan dejado a parte de su fanaticada en el camino, pero eso no es impedimento para que el conjunto gane nuevos adeptos y perfile cada vez mejor su trabajo, con el disco “amo” (2019) siendo la cúspide de ese proceso.

Uno de los responsables en esta transformación es Jordan Fish, tecladista del conjunto, quien llegó en los tiempos en que la banda se disponía a dejar los guturales y dedicarse a componer canciones con otro tipo de exigencias. El músico es actualmente uno de los artífices de este renovado sonido que posee el conjunto, dirigiendo cada paso en este nuevo horizonte, el cual podremos disfrutar este año cuando la banda se presente en una nueva edición de Lollapalooza Chile.

Bajo este contexto es que Jordan nos atendió al teléfono desde su casa para conversar un poco sobre el último disco, los colaboradores que participaron de este, sus métodos para estructurar un show en vivo, su opinión sobre el estancamiento de agrupaciones dentro del metal, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Quisiera empezar hablando sobre “Amo”, su última producción. En mi opinión es el mejor álbum de esta nueva era de la banda, por el sonido que lograron. ¿Qué nos puedes contar sobre el proceso de creación de este disco?

Bueno, creo que el proceso fue bastante diferente comparado con el anterior disco. Entre “Sempiternal” y “That’s The Spirit” seguíamos escribiendo canciones, así que, cuando comenzamos a componer “Amo”, ya teníamos muchísimas ideas. Sin embargo, tuvimos que parar de escribir después de lanzar “That’s The Spirit”. Entonces, retomar las ideas después del último tour, se convierte en algo diferente y más difícil, y realmente no teníamos idea de cómo hacerlo. Quizás, comenzar a crear desde el borrador de ideas influenció el sonido del álbum, ya que, al tener tanto tiempo libre y descansar harto después de la última gira, hizo que no tuviéramos un patrón a seguir al momento de escribir, y creo que todo es tan diferente de lo que hicimos al comienzo porque no creaba sonidos electrónicos hace mucho tiempo. Personalmente, me tomó un buen tiempo saber qué es lo que quería desarrollar en el álbum. Fue un proceso muy extenso, exhaustivo y de mucha experimentación para llegar a la idea final y saber exactamente qué queríamos lograr. Cambiamos muchas cosas. En los últimos meses teníamos como 40 o 50 ideas diferentes, y después hubo que unirlas y revisarlas. Nos costó lograr nuestro objetivo.

Nos comentaste sobre la experimentación en este álbum, y una de las cosas que llamó la atención fueron los colaboradores, como por ejemplo Grimes, también Dani Filth ¿De dónde nace la idea de invitar a participar artistas que no pertenecen a la banda?

Siento que lo de este álbum es muy distinto a lo que hicimos en los anteriores. Cuando creas un álbum, quieres que el siguiente sea totalmente diferente al anterior sólo para mantenerte entusiasmado y con más ganas. Después de los últimos dos discos no teníamos idea de qué hacer. En la época de “Sempiternal”, Oli (Sykes) nunca había cantado de esa forma, y yo era nuevo en la banda, y no hubo mayor compromiso en hacer algo diferente. Ya en “That’s The Spirit” nos pusimos los pantalones y hasta auto producimos el álbum, pero no tuvimos invitados sólo porque no nos nació hacerlo. En este álbum quisimos trabajar en los interludios y las intros de las canciones, y hacer algo distinto en cada una de ellas. Pensamos que sería genial tener invitados que representen nuestras influencias; pensamos en las personas que respetamos en nuestras vidas y que no te esperas en un álbum de rock. Cuando Dani Filth cantó junto a Oli, le pedimos que lo hiciera de manera tranquila, y cantó su parte de una forma muy extraña, para una canción extraña. Queríamos que “Wonderful Life” fuera algo inesperado e impactante. Y luego con Grimes –que es alguien que esperábamos secretamente, amamos su música– queríamos que desde el segundo verso de “Nihilist Blues” fuera con una voz totalmente femenina, que capturara la emoción y ella resultó ser la opción más obvia, nos encantó absolutamente. Y finalmente Rahzel fue la idea más loca que tuvimos, que él sea su propio beat box ya es genial, es espectacular, y que haya grabado un álbum con Björk y Mike Patton lo convierte en alguien más genial aún. Apenas nos pusimos en contacto con él, accedió de inmediato.

Jordan, ahora que mencionas la canción que grabaron con Rahzel, debo preguntarte por la canción “Heavy Metal”, ¿cuánto de ironía y cuánto de verdad existe en la letra de esa canción?

Cuando escribes un álbum hay cosas que giran en tu mente, que te mantienen despierto en la noche, pero que somos conscientes de que existen. La canción habla sobre nuestra amada compañía discográfica y nuestro genial ejecutivo de la disquera que nos dicen cómo hacer las cosas y no hacerlas como se nos ocurrió a nosotros desde un comienzo. Es algo que pasa por tu cabeza, que la canción tiene que salir en la radio, que tiene que ser un hit, y que es algo que está perfectamente bien y que eres premiado por eso. Son cosas que las pones en la balanza para decidir si se reflejan o no en el álbum. Pero, al fin y al cabo, haces lo que a ti te gusta. Son asuntos en los que tienes que pensar y ser consciente de por qué los haces. Por ejemplo, hicimos este álbum para impactar a nuestros fans y también a quienes nos odian, para que nos odien aún más (risas). Son decisiones que tomas, y si crees que algo está bien, ¿por qué no hacerlo?

Su próximo show será aquí en Santiago en el Festival Lollapalooza y, comparado con sus actuaciones pasadas, será el concierto más grande que harán en nuestro país. Quisiera saber, ¿cómo organizan sus shows para grandes multitudes? ¿Es posible que escuchemos sus canciones antiguas, como ese medley que interpretan de su era más pesada, o se enfocarán más en canciones de su nuevo álbum?

No estoy muy seguro, quizás no haremos eso, quizás toquemos un par de canciones antiguas con algo extra, pero no estoy seguro. Es mucho más difícil ahora, que tenemos una cantidad considerable de material y el álbum acaba de salir es tan diferente, que creo que nos enfocaremos más en los temas nuevos porque la banda cambió y Oli ahora canta, somos como una nueva banda. Para serte honesto, elegiremos canciones que ahora queremos tocar, pero de seguro será una mezcla, con canciones de varios años atrás, aunque es difícil elegir entre tanto repertorio y dejar a todos contentos. Pero, si lo piensas, incluso “Sempiternal” es bastante viejo porque salió hace unos cuantos años. Por lo general, si tocas un setlist que a ti te gusta y que realmente disfrutas, el público lo ve en tu presentación y se emociona contigo. Hay canciones que el público quiere escuchar, pero quizás no las toquemos. De verdad no lo sé, pero haremos algo interesante para nuestros fans.

Estuve revisando un par de entrevistas tuyas y en una dices: “Hay canciones pop muy bien logradas, pero las bandas de rock no las aprecian”. En mi opinión, te encuentro toda la razón porque, por lo general, la mayoría de las bandas metal siempre hacen el mismo tipo de canciones, pero con Bring Me The Horizon es totalmente diferente porque su sonido ha evolucionado y han logrado que sea cada vez mejor que sus álbumes pasados. ¿Crees que las ganas de hacer cosas distintas y no quedarse estancado en sus inicios ha influenciado en su sonido?

A lo que refería en aquella entrevista –y sin querer sonar pretensioso– era a que, si te ves como un compositor, hay algo que ganas al apreciar otros estilos de música. No soy muy amante de la música pop, pero cuando la escucho puedo darme cuenta de lo que hicieron, me doy cuenta de lo genial en su estructura y su secuencia. No existe un motivo para que una banda heavy metal no pueda usar estilos rítmicos como la música pop, electrónica, dance, incluso hasta música japonesa, eso no quiere decir que sonarás menos fuerte. Existen varias bandas de metal tradicional que tocan sus clásicos y te motivan, y eso es genial.

¿Sientes que ese estancamiento hace que muchas bandas dejen de ser interesantes con el pasar del tiempo?

En mi opinión, hay muchas bandas de rock que siempre caen en el mismo cliché, mismas estructuras y acordes, cuando hay mucho que pueden hacer con su estilo de música. No debería decir que la mayoría de las bandas de rock temen hacer algo distinto, pero es lo que opino. Lo que me llama la atención de una banda es que su secuencia y estructura sea diferente, la voz sea distinta, la rima sea distinta, y eso me emociona. Desde el punto de vista de estos artistas, puedes decir que gusta esto, esto, y esto otro, y desde esa perspectiva terminas haciendo algo nuevo y espectacular. Y a eso me refería: hay bandas que son felices cuando trabajan con sonidos distintos y cuando cruzan la barrera de la creación.

Bien, Jordan, creo que esa fue la última pregunta, ya que se nos acaba el tiempo. ¿Te gustaría enviar un mensaje a los fans de Bring Me The Horizon en Chile para terminar esta entrevista?

Claro. Sólo quiero decirles que estamos muy contentos de ir a tocar allá, sé que lo pasaremos muy bien y estamos preparando un show que todos puedan disfrutar. ¡Nos vemos!

Traducción por Franco Acevedo

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Phil Collen de Def Leppard: “Siempre hemos querido ser como Queen”

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Phil Collen de Def Leppard

Los dos años y medio que lleva la pandemia, han sido el escenario propicio para que muchos artistas pasen su tiempo en el estudio componiendo música, ante la ausencia de giras y grandes eventos. Ahora, con un regreso de aquellas actividades, muchas bandas están saliendo a la carretera con nuevos discos bajo el brazo y, a la vez, viviendo una especie de segundo aire en sus carreras. Pareciera que ese es el caso de Def Leppard, ya que la agrupación trabajó en secreto y a la distancia durante la pandemia “Diamond Star Halos”, álbum de estudio número 12 y sucesor de su trabajo homónimo de 2015, llegando literalmente en un momento en que nadie esperaba un nuevo larga duración por parte de los ingleses.

El trabajo a la distancia y la manera más relajada de componer canciones fue lo que motivó a la agrupación a desarrollar un disco que, en sus propias palabras, no estaba planificado, resultando en un sonido espontáneo y refrescante, con momentos que capturan su sonido característico, pero, a la vez, llevando sus composiciones hasta otras latitudes. Bajo el contexto de este LP es que conversamos con Phil Collen, histórico guitarrista de la agrupación, que se tomó un tiempo para abordar el proceso de composición de este disco, sus pasatiempos durante la pandemia, su preparación para la próxima mega gira junto a Mötley Crüe, su inspiración en el trabajo de Queen, los recuerdos de su primer y único show en Chile, entre otros temas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Phil, ¿cómo estás?

Estoy genial. ¿Cómo estás tú?

Muy bien, también. Es genial que estemos hablando, quisiera partir preguntándote por los preparativos para el “The Stadium Tour” con Mötley Crüe. ¿Cómo va eso?

Fue muy raro comenzar a prepararnos porque no hemos tocado juntos por un largo tiempo, obviamente. Ni siquiera grabamos en el mismo espacio para este disco, así que fue realmente hermoso poder tocar juntos nuevamente y cantar entre todos, ya sabes, extrañaba mucho esa armonía que logramos con nuestras voces. Estamos listos, practicamos algunas de las nuevas canciones y suenan genial, así que estamos más que preparados. Lo estábamos hace dos años y medio, también (risas).

Genial. Obviamente esta entrevista es sobre el nuevo álbum de la banda, “Diamond Star Halos”, así que quisiera preguntarte un poco sobre el proceso de este disco y su creación durante la pandemia.

Sí, siento que fue mejor hacerlo de esta forma. Cuando estás en un estudio no logras sacar todas tus ideas a flote, en cambio, de esta forma estás mucho más inspirado. Fue principalmente Joe y yo componiendo las canciones juntos; terminamos algunas solamente enviándonos ideas y eso no lo logras en un estudio, donde tienes que esperar que otras personas terminen su parte. Me pasaba mucho eso, a veces grababa mis voces y me faltaba la guitarra, tenía que apurarme, en cambio de esta forma no debí preocuparme de eso. Era como si las canciones se componían solas, no había que forzarlas ni nada. Prefiero este método; de hecho, es mucho mejor, las voces suenan mejor, tocamos mejor, es un proceso mucho más relajado y te permite conservar energías también, lo que es muy importante.

Sí, tengo entendido que este álbum no estaba planeado. Primero trabajarían en un par de canciones, pero luego terminaron siendo más. ¿Decidieron hacer un álbum por la comodidad al trabajar de esta forma o solamente se dejaron llevar?

Lo hicimos por las razones correctas, porque queríamos hacer las canciones que queríamos hacer, digamos. No fue algo así como “tenemos que hacer un disco, pongámonos a componer”, sino que algo más divertido y natural. Siento que dejamos de lado el aspecto de los negocios y nos concentramos más en la libertad creativa, estábamos muy inspirados. Es así como debería ser siempre, creo que trabajamos de una manera más enfocada que cuando vamos al estudio.

Vi en una entrevista que Joe (Elliott, vocalista) te mandaba los tracks y tú los veías al despertar en la mañana, por la diferencia horaria entre ambos. Ahí trabajabas en ellos, se los enviabas de vuelta y él hacía lo mismo. ¿Cuál fue para ti la mejor parte de trabajar con este método?

El hecho de poder hacer otras cosas, de no estar concentrado todo el tiempo en el trabajo. Vivo a unos 15 minutos de la playa, así que durante la cuarentena me levantaba muy temprano e iba a nadar al mar, esta forma de trabajar te permite hacer otras cosas. Tengo un hijo de cuatro años recién cumplidos, así que pude estar más tiempo con él, llevarlo al parque y hacer cosas que no podría disfrutar normalmente. Cuando estás en una situación de trabajar en el estudio, ese tipo de entorno no te permite hacer otras cosas, sólo piensas en eso y no hay más, en cambio ahora podía tomar recesos para leer algo, salir un rato, hacer lo que sea, y eso definitivamente te inspira más.

Quiero que hablemos un poco de la promoción de este disco. Hicieron una página web con las cartas de tarot y estos mensajes de parte de cada uno de los integrantes. ¿Cómo surgió esta idea?

Joe quería incorporar estos conceptos de tatuajes y cartas de tarot, lo que funcionó muy bien con la compañía discográfica y el trabajo con ellos. Alguien del sello sugirió a Joe hacer este tipo de cosas y fuimos discutiendo ideas de ida y vuelta, mientras más pensábamos en esto iban saliendo mejores ideas. En cuanto al marketing, también funcionó muy bien, hay un montón de cosas ocultas que todavía no entiendo bien qué significan, pero seguramente representan ciertas cosas de ciertas canciones (risas). Es algo genial, especialmente para el vinilo: puedes abrirlo y ver todo este arte con un montón de cosas escondidas por ahí, y es genial.

Revisé la página y no entendía cómo funcionaba la verdad, pero elegí tu carta, tú hiciste mi lectura o algo así. La frase que dices es “la verdad comienza a brillar”. ¿Cuál es el significado de eso para ti?

Oh, esa debe ser una línea de alguna letra, ni siquiera recuerdo en qué canción sale para serte sincero. Como dije, hay muchas cosas que todavía estoy descifrando (risas).

Phil, sobre las canciones del álbum quisiera preguntarte por tu favorita, o en la que más te divertiste tocándola o componiéndola.

Todas las canciones en realidad, aunque obviamente hay algunas que me gustan mucho, como “Gimme A Kiss”, es tremenda. Lo que se escucha son el demo de las guitarras, por eso tiene esa vibra tan cruda que me encanta. De hecho, en “Kick” también suenan los demos que grabé. Ambas tienen un tipo de energía diferente, prefiero ese tipo de canciones, especialmente cuando estás en una banda de rock.

El disco tiene un sonido muy ligado a los 70, principalmente a la escena glam rock de la época. ¿Esto fue intencional o algo inevitable debido a sus influencias musicales?

No fue planificado para nada, se dio de esta forma, lo que es genial. Ni siquiera nos dimos cuenta de que tantas canciones estuvieran relacionadas al sonido de ese período en el tiempo hasta mucho después, donde definitivamente notamos que había una tendencia. Por eso lo llamamos “Diamond Star Halos”, es una línea en una canción de T. Rex.

Oh, sí, sabía eso. Hay un momento muy especial en el disco, puntualmente en las canciones “Liquid Dust”, “U Rok Mi” y “Goodbye For Good This Time”, donde la banda suena muy inspirada, manteniendo su sonido característico, pero sonando muy experimentales. ¿Cómo lograron eso estando tan lejos entre ustedes al momento de componer las canciones?

Creo que la idea viene del hecho que siempre hemos querido ser como Queen, quienes suenan completamente así. Freddie Mercury puede hacer una canción como “Bohemian Rhapsody”, pero Brian May te entrega “We Will Rock You”, que son muy diferentes entre sí, pero que igualmente suenan como Queen. “Another One Bites The Dust” fue hecha por John Deacon, o “Radio Ga Ga” por Roger Taylor, y todas suenan como Queen, tienen una identidad muy individual cada una. En el caso de “U Rok Mi” y “Liquid Dust”, yo compuse esas canciones y Joe lo hizo con “Goodbye For Good This Time” y “Angels”, pero cuando los demás interpretan sus partes es cuando se transforma en una canción de Def Leppard. Esto es algo muy inspirado por Queen, es algo que ellos siempre hacen, es algo que tratamos de hacer siempre. Puedes componer algo con una idea muy rara en la cabeza y sólo cuando los demás la tocan se transforma en una canción de Def Leppard. Es algo que pasa también con las canciones donde participa Alison Krauss y canta junto a Joe, sigue sonando como nosotros. Es algo diferente, pero seguimos siendo nosotros.

Phil, esta pregunta es un poco rara, pero necesito hacerla. Cuando el sello me envió el link para escuchar el disco anticipadamente, llamó mucho mi atención el momento en que termina “Goodbye For Good This Time” y empieza “All We Need”. Cuando noté esa transición, realmente sentí como si la primera fuera el final de un lado en un vinilo y la siguiente el inicio de otro…

(Interrumpe) Oh, qué bueno que mencionas esto (risas).

Luego fui a revisar la tienda online de Def Leppard y me enteré de que efectivamente es así, “Goodbye…” cierra el lado B del primer vinilo y “All We Need” da inicio al lado C en el segundo vinilo. ¿Se preocuparon de armar una secuencia especial pensando en el vinilo cuando prepararon el tracklist? Pregunto porque me parece muy curioso, considerando que hoy casi todo se escucha en streaming, o CD también.

Lo hicimos, de hecho. Sabemos que la mayoría lo escuchará en streaming, pero nos enfocamos en el arte del vinilo que para nosotros era muy importante, además de que es nuestro primer álbum doble en ese sentido. Al momento de preparar el tracklist revisamos qué canciones abrían y cerraban cada lado del vinilo, así que es algo que conversamos mucho en este disco. Si lo pienso, nunca habíamos hecho esto antes, así que es genial que te dieras cuenta de eso porque definitivamente formó parte del proceso de creación del disco (risas).

Phil, mencionaste que Alison Krauss trabajó con ustedes en este disco. Entiendo que Robert Plant fue quien les sugirió su participación, ¿no es así? ¿Cómo fue trabajar con ella en el álbum?

No, no fue así. Robert ha grabado con Alison, lanzaron hace poco un álbum y también tienen una gira, pero fue que un día Joe y Robert estaban hablando de sus equipos de fútbol, Sheffield United y Wolverhampton Wanderers, ahí fue que Robert le preguntó a Joe en qué estaba y le comentó que estábamos grabando. Él sabía que Alison es una gran fan de la banda desde hace 30 años, así que de seguro le gustaría escuchar algo de lo que estábamos haciendo, pero Joe le dijo si no sería mejor si cantaba algo con nosotros, y así fue como empezó todo. Le enviamos algunas ideas y ella cantó estas dos canciones, fue algo que se dio muy naturalmente, terminamos de componer y ella después hizo sus partes para que quedara lista.

Entonces no es como que estaban buscando una voz femenina para estas canciones y él les sugiriera que podrían grabar con ella.

No, para nada. Solamente fue algo que se dio casualmente desde una conversación sobre fútbol. Algo muy raro la verdad (risas).

Phil, han pasado más de dos años desde que estamos en esta pandemia, pero ahora todo vuelve poco a poco a la normalidad. ¿Qué tan diferente ha sido prepararse para salir de gira luego de tanto tiempo en casa?

Empecé a prepararme para esto hace seis meses, he estado ejercitando, practicando canto, cantando con la guitarra puesta mientras estoy de pie, cosas así. Lo primero que me pasó fue que el hombro me dolía mucho al estar parado por dos horas tocando la guitarra, lo que es normal, pero ahora estoy más preparado. Comenzamos hace meses a ensayar también, así que va todo marchando bien para salir de gira.

En casi todas las entrevistas que he hecho durante la pandemia, casi todos los entrevistados dicen que dejaron de tocar un tiempo mientras estaban en cuarentena, pero eso, a la vez, les permitió inspirarse después para componer música. ¿Es algo que te pasó a ti o siempre estuviste componiendo y tocando en casa?

Fue lo contrario, de hecho. Con la pandemia empecé a escuchar más música y tocar mucho más, me adentré en muchos períodos y, aunque prefiero escuchar música en vinilo, es muy conveniente meterte a tu teléfono y escribir lo que quieras, lo que sea, y aparecerá música. Ya sea Miles Davis, Stevie Wonder, AC/DC, lo que sea, puedes buscarlo y estará ahí. Estuve completamente inspirado por un montón de música, me sentía muy inspirado a aprender y tocar todo el tiempo.

Phil, hablemos del show de Def Leppard en Santiago. Se cumplirán cinco años desde aquel momento y quisiera saber qué recuerdas de ese día.

Recuerdo que fue el mejor show que hicimos en Sudamérica, el que tuvo la mejor reacción de la gente sin duda, y eso que hacía mucho frio y había una lluvia torrencial. Pero eso no importó mucho, fue un ambiente muy cálido y pasional, yo miraba atónito al público en el estadio y pensaba que era algo maravilloso. Se supone que tocaríamos con Aerosmith, quienes no pudieron ir por una emergencia médica, pero el hecho de que cerráramos fue genial. Aproveché de caminar un poco por Santiago y ver los edificios, su cultura y su gente fue algo muy bonito. No puedo esperar a estar de nuevo allá.

Hubo una gran energía ese día. Yo estaba en la zona de prensa arriba y veía a la gente mojándose en la cancha, pero siempre gritando, cantando y saltando. Estaban encantados de ver a la banda por fin.

Sí, era una energía tremenda. Fue muy contagiosa.

¿Habrá alguna posibilidad de verlos nuevamente por acá?

Sí, totalmente. Estos meses haremos un recorrido por Norteamérica, tocando en Estados Unidos y Canadá, el próximo año iremos a Europa en el verano y en algún momento del año tenemos que ir a Sudamérica, luego Japón, Australia y Nueva Zelanda. No sé exactamente en qué momento iremos, pero es algo seguro, definitivamente estaremos de nuevo por allá.

Eso sería en 2023, ¿no es así? ¿Vendrían solos con su nuevo disco, o quieren traer la gira con Mötley Crüe a la región?

Sí, de ambas formas en realidad. Nos están pidiendo que extendamos esta gira para allá, así que tenemos que ver cómo funciona para mantenerla durante todo este tiempo. Habrá que ver qué pasa, es algo que aún se debe resolver.

Ahora que mencionas esto, el show en Santiago fue el primero de ustedes acá. ¿Cómo es que en todos estos años nadie les hizo una oferta para venir?

Tenían que invitarnos, y los promotores al parecer no estaban interesados. Recuerdo que tocamos en Rio y en Argentina, eso fue en 1997, pero fueron shows en lugares muy pequeños, prácticamente en clubes. Si no íbamos a hacer un tour grande no valía mucho la pena, por lo que teníamos que esperar que nos invitaran a algo más grande, como lo fue aquella vez que estuvimos allá.

Muy bien, Phil, se nos acaba el tiempo. Te agradezco esta entrevista y te doy mis felicitaciones por su nuevo disco, lograron un trabajo muy variado y de mucha calidad. Espero tener la oportunidad de escuchar el vinilo y descubrir todas esas cosas que me comentaste.

Fue un placer, muchas gracias a ti. Si llegas a descubrir todas esas cosas, por favor házmelo saber, ni siquiera yo logro dar con todas aún (risas). Cuídate mucho, nos veremos en alguna oportunidad.

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