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Jim Reid de The Jesus And Mary Chain: “Nunca encajamos, existíamos en nuestro propio rincón”

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Muchas veces han sido denominados como “la única verdadera banda indie”, y es bien cierto que The Jesus And Mary Chain no se aleja mucho de ese apelativo. Luego de estar separados por casi diez años, la banda regresó a los escenarios en 2007, mucho más maduros y dejando de lado todas las peleas que los hicieron distanciarse en un momento y publicando el álbum “Damage & Joy” (2017) como una muestra de aquello. Ahora, el conjunto integrado por los hermanos Jim y William Reid llegará nuevamente a nuestro país para encabezar la primera edición del festival Antena, siendo el encargado de cerrar la jornada del día 29 de junio, en su regreso a Santiago luego de haberse presentado por última vez en 2014.

Para amenizar la espera a este anhelado regreso, es que nos sentamos al teléfono junto al guitarrista Jim Reid, quien, de manera muy introvertida y serena, conversó con nosotros sobre una serie de temas en torno a la banda, tales como la grabación de su primer álbum en 20 años, el dolor de cabeza que significó trabajar en el disco “Munki” antes de su separación, su opinión sobre la música actual y las bandas que se sintieron inspiradas por The Jesus And Mary Chain, entre muchas cosas más, en una entrevista que te dejamos a continuación:

Obviamente, de lo primero que hablaremos es de este regreso a Chile luego de cinco años. ¿Cómo ven esta próxima visita al país?

Estoy expectante por regresar, ya han pasado cinco años. La audiencia chilena es muy entusiasta, es uno de los mejores públicos que hemos tenido, por lo que espero experimentar eso de nuevo.

Vienen con el álbum “Damage & Joy” de 2017, el primero luego de casi 20 años. ¿Qué tan diferente fue hacer un álbum en la actualidad, comparado con “Munki” que apareció en 1998?

Sí, supongo que es bien parecido, pero más rápido, ya que la tecnología ha avanzado demasiado. Antiguamente tenías una idea, como el uso de sintetizadores o una sección de cuerdas, y querías aplicarla, tomaba un día completo arreglar todo para que funcionara, pero ahora puedes hacer todo eso en un computador en cosa de minutos, sin tener que mover nada, por lo que las ideas fluyen más rápido, aunque esencialmente es lo mismo: un grupo de tipos en el estudio elaborando canciones y tratando de sacar lo mejor de ellas en el proceso.

En este disco trabajaron con Youth, bajista de Killing Joke, como productor. ¿Cómo se sintieron con una mirada externa hacia su trabajo?

Fue la primera experiencia con un productor, tomamos esa decisión porque estábamos muy nerviosos por entrar al estudio de nuevo, ya que grabar “Munki” fue una experiencia dolorosa y todavía era un recuerdo fresco en nuestras mentes, a pesar de todo el tiempo que pasó. Estar en el estudio es algo claustrofóbico a veces, temíamos estar atrapados mucho tiempo sin llegar a ningún punto claro y que volviéramos a lo mismo que pasó esa vez. Incluso, pese a que llevábamos tiempo girando juntos, ahí se adquiere experiencia y te unes más con la banda, pero en el estudio es algo mucho más personal. Pensamos que tener otra presencia en el estudio nos ayudaría a mantener las cosas en orden, así que lo analizamos mucho, además de que nos ayudaría con todos los aspectos tecnológicos que se utilizan al grabar un disco.

¿Por qué describes la experiencia de haber grabado “Munki” como algo doloroso?

Lo fue, temíamos que podía ser así desde antes. En este último disco nos hicimos amigos con William, al punto que nos unimos mucho más que antes, hablábamos de todo, conversábamos sobre el disco de manera constructiva, discutimos, sí, pero siempre de manera pacífica, acerca de la música y cosas así. Es lo normal que se produce en una relación creativa como la que tenemos; eran sólo temas de música y nada más. Con “Munki” llegó un punto en que discutíamos por todo, en cambio ahora fue más de ir juntos en la misma dirección.

Entiendo que no grabaron juntos durante el proceso de ese disco, pero ¿hubo algún momento en que trataron de trabajar los dos en el mismo estudio?

Comenzamos haciéndolo juntos, pero rápidamente se desintegró. William y yo nos pasábamos gritando el uno al otro, ni siquiera podíamos comenzar a grabar lo que teníamos compuesto. Finalmente él terminó grabando con la banda las canciones que ya tenía, mientras que yo hacía las mías aparte, fue como tener dos miradas distintas de la banda en un solo álbum.

En esta próxima visita a Santiago tocarán en un festival, encabezando la primera noche luego de algunas bandas locales, prácticamente todas jóvenes. ¿Te gusta estar al tanto de los nuevos sonidos? ¿Hay alguna banda nueva que disfrutes?

Probablemente debería, lo sé, pero no lo hago. Tengo cientos y cientos de álbumes pendientes, pero cada vez que escucho nuevas bandas, no me conecto, no he encontrado una banda nueva que me guste desde hace mucho. Para serte honesto, no escucho radio ni nada, he escuchado cosas buenas de repente cuando tocamos en algún festival, algo que suene en un escenario quizás, pero probablemente estoy pasado de moda, ya no es mi tiempo.

¿Sientes que quizás la música ya no es lo mismo de antes?

De alguna forma lo siento, pero quizás es porque soy muy viejo. Hay chicos de 17 o 18 años que piensan que esta es la mejor época de la música, y quizás tienen razón, porque todos suelen decir que la música con la que creces es la que consideras la mejor. Creo que debería escuchar más música, eso lo tengo claro.

Estando en una banda como The Jesus And Mary Chain de seguro que suelen decirte “tu música ha inspirado a esta, y esta, y esta otra banda”. ¿Se han visto reflejados en alguna de esas bandas inspiradas por su música?

Sí, me ha pasado, pero no mencionaré a ninguna porque no sería justo. He escuchado la esencia de The Jesus And Mary Chain en algunas bandas, y no creo que eso sea algo malo, el rock & roll se trata de eso. Nada es original, absolutamente nada, esto se trata de tomar distintas piezas y reorganizarlas a tu gusto. The Rolling Stones trató de ser algo como Chuck Berry en sus inicios; The Stooges trató de ser The Doors, pero necesitaban algunas lecciones de guitarra para lograrlo, ya sabes, tienes que poner algo de ti sobre la mesa, no puedes ser una copia de otra banda, tienes que sentirte inspirado por ellas y hacerlo a tu propia manera. Es un poco deprimente escuchar bandas que suenan exactamente como otras, de eso no se trata esto.

Jim, hablamos sobre las diferencias entre hacer un álbum en los 90 y hacerlo ahora, por lo que te repito la pregunta, pero esta vez hablando de los shows en vivo. ¿Cómo enfrentan esta nueva era donde los teléfonos y las redes sociales cambian la percepción a la hora de hacer un show en vivo?

Sí, tienes razón, es diferente, no hay duda de eso. Desde un punto de vista artístico prefiero mucho más la manera antigua, te sentías menos expuesto y mucho más confidente de lo que estás haciendo. Soy un tipo tímido, estar en el escenario y ser el centro de atención es todo un tema para mí, pero tenía una actitud muy punk cuando empezamos, quería ser como Iggy Pop; nunca podría ser eso, pero lo deseaba. La única forma en que podía estar arriba del escenario era si me emborrachaba antes. Toqué sin estar sobrio durante décadas, cada show, algunas veces ni siquiera podía mantenerme en pie, pero ya no bebo desde hace dos años y medio. Aún soy tímido y torpe, pero es mucho más profundo, puedo encasillarme más en la música y comprometerme y enfocarme en hacerlo cada vez mejor.

En una entrevista dijiste “no hay un lugar en el mundo para nosotros”, refiriéndote a la banda. ¿Qué quisiste decir con eso?

Nunca encajamos, existíamos en nuestro propio rincón. William y yo éramos los Mary Chain, y cuando pasó el grunge no teníamos nada que ver con eso; cuando llegó el brit pop no teníamos nada que ver con ellos, todos estos géneros que iban apareciendo nos excluían. Creo que para tener la atención de todos tuvimos que patearlos en las bolas, ya sabes a lo que me refiero. La canción “Amputation” precisamente habla de eso, de ese sentimiento de no estar conectados al resto de movimientos.

Este año se cumplen 30 años desde el lanzamiento de “Automatic”. ¿Planean alguna actividad especial para celebrarlo?

No hay planes, pero quién sabe, estamos abiertos a ideas. Lo único que puedo decir es que no tenemos nada pensado por el momento.

¿Por qué optaron por una producción más minimalista en ese álbum?

En esos momentos estábamos escuchando mucha música electrónica, por lo que queríamos hacer un álbum que sonara así. No hay bajo en el disco, todo está programado, hay drums machines y guitarras. Fue como nuestra carta de presentación para llegar a Estados Unidos. Cuando hicimos ese disco, estábamos tratando de sonar en las radios estadounidenses, y ese sonido nos acercó.

Bueno, Jim, se nos acaba el tiempo. ¿Hay algo que quieras decir a tus fans en Chile?

The Jesus And Mary Chain irá pronto a tocar para todos ustedes. Tenemos un set donde tocaremos canciones de todos nuestros discos. Si aman a la banda, estoy seguro de que les encantará el concierto, así que espero verlos ahí.

Muchas gracias por tu tiempo, nos vemos en el show.

Ok, muchas gracias a ti. Nos vemos.

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René Sánchez de Tenemos Explosivos: “En nuestras canciones hay un rescate a la memoria”

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Tenemos Explosivos

Mediante una metodología que supera las distancias, Tenemos Explosivos es una banda que ha sabido mantener un ritmo discográfico consistente. Con cerca de una década de trayectoria y su vocalista radicado en el extranjero, el conjunto local se enmarca en una gira que los llevará por Chile y Argentina junto a los mexicanos Joliette. Ocasión que también les permitirá cerrar el ciclo de su álbum más reciente, “Victoria” (2017).

A días de su show en Sala Metrónomo junto a los mencionados Joliette y los nacionales Lerdo este viernes 5 de julio, y mientras se preparan para el tour que comienza este jueves en Valparaíso, interrumpimos el ensayo para conversar con René Sánchez, en presencia de Juan José Sánchez, Álvaro Urrea y Matías Acuña, quienes, a la espera de la llegada de Eduardo Pavez, afinan los detalles para una nueva ocasión que reúne al conjunto completo.

Cuando se anuncian fechas de Tenemos Explosivos, suelen generarse altas expectativas debido a lo esporádico de sus shows. ¿Comparten esa emoción por reencontrarse en el interior de la banda?

Es emocionante, pero los ensayos son sagrados. Estemos haciendo gira o no, nos reunimos dos veces por semana, a excepción de Eduardo. Muchas veces existía esta expectación interna, pero también una tremenda carga de trabajo. Gracias a nuestro sello, Ladrido, por primera vez tenemos ayuda concreta para montar la gira. Eso permitió que no hubiese tanta presión durante los ensayos, nos quitó harta carga.

Para esta ocasión vienen en una gira junto a Joliette, con fechas agendadas tanto en Chile como en Argentina. ¿Dentro del tiempo que les concede un tour extendido, lo consideran como una ocasión para conectar ideas junto a Eduardo para el proceso creativo?

En fechas anteriores no se daba la oportunidad porque Eduardo venía con muy poco tiempo, entonces nos concentramos en tocar. Para el show “Hombre y Animales” que hicimos a fines del año pasado hubo algo de espacio para intercambiar ideas. En esta ocasión vamos a tener más tiempo. Si bien, la gira dura dos semanas, Eduardo se queda un mes, y esos días extras están pensados netamente para hacer maquetas e intercambiar ideas para posibles canciones.

Ya que hace algunos meses ficharon con el sello Ladrido, ¿tienen pensado lanzar algún trabajo discográfico en un futuro próximo?

Hay muchos demos. Ahora que Matías estuvo en Estados Unidos aprovechó de grabar baterías; estamos trabajando en cosas nuevas. No sabría decir para qué fecha, espero que pronto. Hay bastante material para un disco, pero aún estamos en trabajo de preproducción.

Sus últimas fechas les han permitido mostrar “Victoria” (2017), su trabajo más reciente. ¿Esta gira viene a marcar un cierre de ciclo?

Sí. Aunque el motivo de la gira es porque vienen nuestros amigos de Joliette, con quienes tuvimos fechas en México. También pensamos que es una buena instancia para darle un cierre al disco y así concentrarnos netamente en hacer nuevo material. Parar por un tiempo y ponerle cabeza a eso, a lo nuevo que queremos hacer. Hemos planeado tomarnos todo el tiempo que sea necesario. Desde que salió “Victoria” hacemos dos giras anuales, una en invierno y otra en verano. Queremos parar y enfocarnos en lo nuevo.

Entendiendo que son una banda que sabe hacer un diálogo con la memoria, y apuntando a la actualidad de nuestro país, ¿qué opinión tienen respecto a la disminución de horas de historia en el programa escolar?

Yo creo que es la misma opinión que tiene la mayoría de la gente en la calle, que es una falta de respeto a todo el esfuerzo y el amor por la pega que ponen los profesores. No sé en qué otro país del mundo te eliminan la historia. Es una forma más de analfabetizar. Sin ir más lejos, hay países que han sufrido traumas históricos importantes y lo que ellos hacen es precisamente reforzar esa historia para que no se repita.

En ese mismo intento por rescatar hechos traumáticos, algo que se puede desprender de sus canciones, ¿consideran que su proyecto acarrea algún compromiso, ya sea personal o colectivo?

En cierta forma se siente alguna responsabilidad acerca del tema. Si bien, en nuestras canciones hay un rescate a la memoria, que es lo más visible, también hay otros aspectos más personales que se producen de la colaboración compositiva entre los distintos integrantes de la banda. Creo que hay una buena lectura de las emociones, que nos permite identificar cosas que están pasando en ese minuto. Es gratificante que se note y haya gente que se dé cuenta de eso. Aunque, de todas maneras, las letras son exclusivas de Eduardo, nosotros no nos metemos a decirle “podrías hablar de esto”. Él siempre es quién propone, en ese sentido. Si no estuviésemos de acuerdo con lo que canta, habríamos dejado la banda.

(Se suma a la conversación Álvaro Urrea, bajista) También hay un detalle que nos impactó cuando Eduardo le comentó a la banda: nos dijo que escribía unos treinta ensayos antes de la letra final para cada canción. Si bien, hay un fiato entre letras y música, existe un tema de adaptación que es natural; después de todo estamos lejos. En el fondo te hace sentir que hay un trabajo colectivo, independiente de dónde esté Eduardo. Es bonito pensar que, independiente de la distancia, estamos pensando lo mismo. En la versión final de cada canción todos nos alineamos.

(Retoma René Sánchez) Denota un compromiso que va más allá de la composición. En los casi diez años que lleva la banda, evidentemente se forman vínculos de amistad importantes. O la misma partida de Eduardo al extranjero, y darnos cuenta de que el tema era con él.

Para cerrar, me gustaría darles la palabra para que inviten a la gente a sus shows a lo largo de toda la gira junto a Joliette.

Si quieren quedar impresionados, es imposible perderse a Joliette. Además, se trata de una oportunidad que nos permite cerrar el ciclo de “Victoria” para luego encerrarnos a producir un próximo disco. Quizás cuánto tiempo pase para que vuelva Joliette, como también pase con nosotros, que no tenemos proyectado tocar en vivo en un futuro próximo. Los dejamos a todos invitados.

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