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Jeremy Freedman de The Neighbourhood: “Nunca hemos tocado dos shows completos en un mismo día”

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Una jornada maratónica es la que vivirá The Neighbourhood este próximo 9 de junio en su regreso a nuestro país, ya que la banda realizará nada menos que dos conciertos en Cúpula Multiespacio el mismo día, marcando algo pocas veces visto en estas tierras. Con una popularidad cada vez más creciente, la banda comenzó a fraguar una consistente legión de fanáticos en 2013 para luego vivir su esperado debut en Chile, con una presentación en Lollapalooza 2018, donde tuvieron que realizar un show de poco más de veinte minutos debido a problemas logísticos a raíz de la accidentada edición argentina del festival. Ahora la banda parece venir por una revancha, lo que se demuestra en la efervescente respuesta a la venta de tickets.

Bajo este contexto, Jeremy Freedman, uno de los guitarristas de la banda, nos atendió el teléfono para conversar sobre estos conciertos, además de abordar en la nueva etapa que supone la última serie de EPs del conjunto, sus colaboraciones en canciones y videoclips, sus recuerdos del público sudamericano y por qué la banda no le gusta realizar encore en sus conciertos, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación:

Hablemos de los dos shows que tendrán en Santiago. Estarán tocando tan solo un año después de que estuvieron en Lollapalooza Chile. ¿Cómo se siente regresar tan pronto?

Se siente genial, el público sudamericano siempre es muy entusiasta y enérgico, nos demuestran mucho cariño, a pesar de que no vamos a tocar allá tan a menudo. Siempre es un agrado recorrer el continente, estamos entusiasmados por hacerlo nuevamente.

Su más reciente lanzamiento es una serie de EPs. ¿Por qué optaron por un lanzamiento de esta forma y no un álbum como tal?

Esa es una buena pregunta. Pensamos que sería una mejor idea. Hay bandas que ni siquiera hacen discos, sacan una canción de vez en cuando y eso sería todo, por lo que sentimos que podríamos abordar ideas como hacer un playlist, por ejemplo, así que fuimos pensando en distintas inspiraciones para hacer algo diferente. Finalmente optamos por esta serie de lanzamientos, dejando un hilo temático donde los nombres de todos los lanzamientos juntos conformaran el nombre de la compilación “Hard To Imagine The Neighbourhood Ever Changing”, que es como el paso a otra fase para nosotros. Hasta ahí todo nuestro material promocional, portadas, fotografías, lo que fuera, todo era en blanco y negro, pero desde aquí en adelante decidimos pasar al color, es como juntar la música y la estética en un solo paquete.

Precisamente iba a preguntarte sobre eso, ya que ahora se ve mucho más material a color de la banda, es como si hubiesen dejado atrás su etapa en blanco y negro.

Sí, tienes razón, no es algo que anunciamos, pero creo que se dieron cuenta (risas).

La última vez que tocaron acá fue un show bastante breve, debido a un problema que tuvieron con los equipos. ¿Qué es lo que pasó exactamente?

Probablemente los fans recuerden mucho mejor lo que pasó. No recuerdo que hubiera problemas en el escenario, pero creo que el retraso se debió a los equipos que utiliza Jessie en la voz. Una de las cosas que más pasan en festivales es que, con toda la cantidad de cosas que están aconteciendo al mismo tiempo, a veces se producen topes de producción y todo lo demás, situaciones que escapan del control por lo general.

Para esta visita harán algo prácticamente muy poco habitual acá, que es tocar dos shows el mismo día. ¿Habían hecho algo así antes?

Es interesante que lo preguntes porque creo que no lo hemos hecho nunca. Cuando comenzamos, hacíamos mucha prensa y entrevistas, donde a veces teníamos un pequeño set acústico y luego hacíamos un concierto en la noche, pero nunca hemos vivido la experiencia de tocar dos shows completos en un mismo día, será interesante ver cómo funcionará eso.

Entiendo que en sus conciertos prefieren tocar de corrido y no hacer un bis. ¿Cuál es la razón detrás de esa decisión?

Sí, todos decidimos de manera colectiva que hacer un bis no es lo más genuino que digamos. Si tú subes al escenario y no tocas lo que todos esperan escuchar, se torna muy obvio que volverás a tocar otros quince minutos para que los fans puedan escuchar esas canciones que tanto deseaban. Creo que es un poco teatral, ¿por qué no tocar todas las canciones que los fans aman y así todos felices? No lo sé, creo que eso es mucho mejor. Aun así, hubo una vez que tocamos un bis, los fanáticos estaban completamente locos y decidimos salir y tocar una canción que había quedado fuera del set, se notaba que ellos querían más música, por lo que optamos por salir y continuar el show, pero no fue algo premeditado. Siento como que, si está planeado de antemano el hacer el bis, pierde todo el sentido de lo que debería ser. Y no creo ser sólo yo, sé que mis compañeros deben pensar parecido.

Jeremy, me gustaría que hablemos del video de “Scary Love”, el que cuenta con la participación de Tommy Wisseau. ¿Cómo lograron concretar eso?

Eso se decidió en un chat grupal que tenemos con la banda y nuestro director creativo; siempre discutimos las ideas visuales por ahí y vamos colaborando entre todos. Nuestro director creativo encontró a alguien que daba perfecto con la idea que teníamos para ese video, algo así como una película clase B de los ochenta, y además fue justo cuando salió “The Disaster Artist” con James Franco y Seth Rogen, y teníamos la idea de que una persona como Tommy Wisseau sería el protagonista ideal del video. Por suerte, nuestro director creativo se contactó con él vía Twitter y así logramos que fuera parte del video. En menos de una semana coordinamos y todo se dio de manera muy sencilla, trabajamos juntos en el set y pudimos compartir un poco, es un tipo genial.

Otra colaboración que tienen es en la canción “Livin’ In A Dream”, donde participa el fallecido Nipssey Hussley. ¿Cuál es tu opinión sobre él y su legado?

Debo ser completamente honesto: no sabía mucho de su obra cuando colaboró con nosotros, lo que más supe de él fue lo que me contaban cuando murió, lo cual fue muy trágico, es una manera horrible de dejar este mundo. La gente me cuenta que era un líder innato, un verdadero ejemplo a seguir, hizo muchas cosas buenas en materia social.

¿Quién tuvo la idea de trabajar con él?

Ese fue Jessie, la mayoría de las colaboraciones han surgido como idea suya, a él le gusta mucho el hip hop y el rap, él es nuestra influencia principal detrás de todos los elementos de ese estilo que tenemos en nuestra música. Él conoce a muchos raperos, por lo que siempre está buscando colaboraciones.

Bien, Jeremy, se nos acaba el tiempo. ¿Te gustaría decir algo a tus fans en Santiago para terminar esta entrevista?

¿Qué puedo decir a nuestros fans en Santiago? Quiero agradecerles mucho por todo el amor que nos dan, espero que les guste mucho el show que llevamos y, si quieren que volvamos a ir nuevamente, sólo tienen que manifestarse y, por supuesto, que allá estaremos. ¡Cuídense mucho y nos vemos en el show!

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Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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