Conéctate a nuestras redes

Entrevistas

Jason Pierce de Spiritualized: “Uno hace arte en un contexto donde nada es para siempre”

Publicado

en

Los últimos meses han sido extensamente ocupados para Jason Pierce, el hombre a cargo de Spiritualized y quien ha encontrado el vehículo perfecto para expresar ideas, sensaciones, conceptos y metáforas a través de su música, muchas veces catalogada como desestructurada, pero también efectista en su ejecución. Lejos de todas esas contradicciones, y en plena etapa de recuperación de su catálogo a través de la serie de reediciones bautizadas como “The Spaceman Reissue Program”, Pierce concreta un trabajo de años con el lanzamiento de “Everything Was Beautiful”, nuevo trabajo de estudio que fue publicado el pasado 22 de abril a través del sello Bella Union.

Trabajado casi a la par con “And Nothing Hurt” de 2018, en este disco el artista se aventura en un estrepitoso viaje de siete canciones grabadas con más de 30 músicos en once estudios diferentes. Por si eso fuera poco, el mismo Pierce se encarga de tocar 16 instrumentos distintos en esta producción. Todo esto es motivo suficiente para que el pasivo e intrigante artista se tomara unos minutos para conversar telefónicamente con nosotros, donde platicamos distintos tópicos, como el encierro de la pandemia, su metodología de trabajo, la creación y grabación de este nuevo disco, entre muchos otros detalles, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Jason, primero quiero preguntarte como estás. La pandemia ha tenido un impacto en todo el mundo, ¿cómo has estado durante estos dos años?

Sí, ha sido loco, ¿cierto? Ha sido muy difícil para todos, y asumo que es algo todavía muy presente. No sé cómo será en tu país, pero pareciera que parte de la gente no está preocupada del bienestar de los otros, no entienden que hay gente trabajando muy duro para que no se pierdan más vidas, salvando vidas incluso cuando muchos no se lo toman en serio y ni siquiera consideran los peligros. Creo que eso ha sido lo más complicado, cualquier cosa que pase está ligada a la tristeza que generan estas personas que se comportan de manera muy egoísta.

Totalmente. Entiendo que, cuando comenzaron las cuarentenas, salías a caminar por las calles y verlas vacías te inspiró a hacer este nuevo disco. ¿Es correcto eso? ¿Qué nos puedes contar del proceso creativo de este álbum?

Sí, fue algo así. Es de esas cosas extrañas que pasan con la música, porque todos parecieran hacer la mejor música cuando se apartan del mundo, cuando el ambiente se calma. Cuando los artistas están en el estudio trabajan mejor tarde en la noche, cuando ya todos duermen, el mundo está en silencio y no hay una lógica con eso porque estás en una habitación con aislación, por ende, no se escucha nada y el mundo siempre estará en silencio, pero sin duda que es algo que se siente cuando el mundo verdaderamente está en silencio afuera. Supongo que así es todo el tiempo; parte de tu cerebro agradece la tranquilidad a veces. Suelo bromear con que durante la cuarentena no había que preocuparse de excusas cuando te invitaran a una fiesta. Esa tranquilidad me permitió enfocarme y decir “realmente puedo terminar esto ahora”, puedo finalizarlo y no hacer nada más porque no hay otra cosa que se pueda hacer más que estar encerrado, sobre todo con esa sensación de desesperanza acechando constantemente con tanta gente sufriendo afuera. Todo fue el escenario propicio para finalizar este disco.

Leía el comunicado de prensa para este disco, donde dices que te sentías como que llevabas entrenando toda tu vida para esto, para el confinamiento y la tranquilidad.

Sí, lo que pasa con el comunicado es que simplemente quise incluir ese chiste corto. Siento que no es tan diferente este período a estar sentado en la parte trasera del bus, en esos momentos de soledad. Hay cierta soledad en el ejercicio de tocar música de todas formas, lo que no se ve tan diferente a esto. Por momentos sentí como si hubiese entrado a una máquina del tiempo, miraba el cielo y prácticamente era el mismo cielo que miraban los romanos; no había aviones, no había humo, ningún elemento disruptivo del medioambiente, el río era casi prehistórico, todo muy silencioso y quieto. Eso no es algo que puedas tener en la ciudad, a no ser que te muevas fuera de ella. Tenías este ambiente natural, pero con la ciudad todavía ahí, con esa grandeza arquitectónica, estos edificios, todo vacío, inhabitable. Hay algo extrañamente convincente en todo eso.

Sí, es muy extraño ver las calles vacías. La primera vez que presencié eso no fue por la pandemia, de hecho, fue por las protestas en Chile en 2019. El gobierno puso un toque de queda a mitad de la tarde, por lo que ver las calles sin gente a esa hora del día fue muy extraño. Pero siempre persiste ese elemento de paz en el panorama, quizás al momento de notar que se puede trabajar mejor en ese contexto.

Sí, sí, también lo siento así. De hecho, creo que estuve en Chile antes de eso, estaba con mi hija en la calle tratando de regresar al hotel cuando estaban todos los militares en la calle por las protestas, supongo que esa calma que te dan esas calles vacías son algo que ayuda. Me obsesiono mucho cuando hago música y no puedo enfocarme en nada más, me siento casi como si me estuviera volviendo absolutamente loco. La pandemia permitió que esa calma pudiera pasar, no había ninguna distracción que me sacara de ese estado y realmente pude concentrarme y volverme loco con la música. De igual forma es algo que te consume, pero fue la única manera en que lograría completar este disco, estaba desesperado por terminarlo. Diría que durante los últimos siete años he estado desesperado por terminar tantas cosas como me sea posible, necesitaba completar eso para estar tranquilo nuevamente y pensar en lo que haría con mi futuro, tratar de completar cada canción que espera por ser terminada.

¿Qué hay del título del disco? ¿Cuál es el significado de “Everything Was Beautiful”?

Es una cita. No sé si debería hablar de esto, pero siempre es así con los títulos de Spiritualized. Mi intención cuando comencé esto era tener una tener una gran obra entre este álbum y el anterior, todas las canciones comenzaron a trabajarse al mismo tiempo. Mi compañía no quería un disco doble, ya que el lapso de atención de la gente es muy corto, pero también históricamente los álbumes dobles quedan perdidos; hay tanta información, que quedan en el olvido y son redescubiertos 20 años después de su lanzamiento. “Exile On Main St.” de The Rolling Stones es un ejemplo. Descubrí que ese disco tenía valor muchos años después, además que está la presión de que debes vender discos en este negocio, así que ellos me pidieron que no hiciera uno doble. De cierta forma funcionó, porque terminé la mitad que se transformó en un álbum, y las otras canciones recién las terminé ahora. Si hubiera sido doble, estaría todavía trabajando con todo el material a la vez. También fue algo arbitrario, no elegí qué canciones estarían en una parte y las que estarían en otra, creo que más bien incluí las que me faltaba menos por completar, ya sabes, “A Perfect Miracle” o “The Prize”.

¿Podríamos decir que este nuevo álbum es una continuación de “And Nothing Hurt”?

No, no diría que este disco es una Parte 2 o los descartes de ese disco. No hay descartes, todas son canciones que estaba componiendo, todas son canciones importantes. Además, cuando terminé lo que sería “And Nothing Hurt”, estas otras canciones iban por una dirección completamente distinta, por ende, tenía que ser un disco completamente distinto.

Para este disco trabajaste en once estudios diferentes. Eso es algo que se siente al escuchar el álbum, es como un viaje donde tú eres el personaje principal que se va impregnando de distintos elementos a medida que pasan las canciones. ¿Eso tiene algo que ver con el hecho de que trabajaste en muchos lugares distintos?

Supongo que es algo con los estudios, porque es difícil encontrar gente en la música que esté dispuesta a recorrer ciertas distancias. La mayoría de las personas en la música quieren trabajar bajo escenarios cómodos, donde puedan mostrar lo que son capaces de hacer. Muchos productores y personas en la música te dicen “me gusta lo que hiciste en tu último disco” o cosas así y, si bien yo no hago música para esperar eso, prefiero trabajar en un buen espacio donde pueda ir recogiendo las mejores partes antes de moverme al siguiente, de esa forma no hay un lugar definido para estas canciones. Hay productores que sólo producen una banda y luego buscan otra y la ponen en el mismo lugar, con la misma estructura, y yo obviamente no quiero eso. Soy más de aclarar y decir “esto es lo que hago”, prefiero que sea a mi manera. Muchos de esos estudios donde trabajé no funcionaron del todo, por eso tomé lo que me parecía interesante y me lo llevé hasta el siguiente, eso es algo difícil de calzar.

También se produjo la situación que por distancias había que trabajar en lugares diferentes, ¿no es así?

Sí, también ese fue un factor. Ciertos estudios estaban cerca del lugar en que estaban algunos integrantes de mi banda y ahí fue algo netamente geográfico, ya que necesitaba conseguir un estudio cerca de donde estuvieran para que trabajáramos. El resultado final, respondiendo a tu pregunta anterior, tiene que ver con que el disco es algo así como un collage; de hecho, son prácticamente dos mezclas puestas una encima de otra: una estaba sin finalizar, la otra estaba casi finalizada, pero tan pronto como las junté, puso todo el disco en un lugar que no podía reconocer, y me sorprendí a mí mismo con el resultado. No escuchaba mi trabajo en la misma forma que esperaba, a veces me gusta conservar los demos, por lo que hay una canción que está construida en base al demo, otra que está hecha a partir de una grabación en vivo que alguien hizo de nosotros y que encontramos en YouTube, ya que no podíamos dar con el sonido preciso. Todo se trata de aferrarse a los fragmentos que me gustan y hacerlos funcionar de modo que se transformen en una canción.

Además de esos once estudios, trabajaste con más de 30 músicos y cantantes. ¿Cómo fue ese proceso? ¿Les indicas “toca esto” o “canta esto”, o más bien son ellos poniendo su propio enfoque a las canciones?

Siempre es lo segundo, incluso si les pido qué tocar. Hay ocasiones en que yo les digo “toca esto” o “canta esto”, pero incluso ahí ellos ponen su estampa personal a la estructura, lo que da una idea de dónde puede ir la canción. Las cosas que hacen funcionar la música que amo están muy cercanas a las cosas que hacen funcionar a la música que no amo, eso es algo que siempre noto. Por ejemplo, una banda puede hacer un cover con los mismos instrumentos, configuración, equipos y arreglos que la versión original, pero puede que siga sonando horrible. De cierta forma, intento guiar a la gente, incluso si son músicos con los que trabajo hace mucho tiempo, siempre es necesaria una especie de guía. Eso al final también hace que ellos, como músicos, puedan encontrar su camino y aplicar sus ideas a lo que están tocando, y es inevitable que ellos traigan su habilidad a la música que están interpretando.

Jason, quisiera que pasemos a otro tema, puntualmente preguntarte sobre “The Spaceman Reissue Program”. ¿Cómo surgió esa idea?

Fue idea de Matthew Johnson, quien maneja mi sello en América, Fat Possum Records. Él comenzó a reeditar el catálogo de ciertos artistas y consideraba que era importante que los discos fueran propiedad de los artistas. Él se preocupó de todo eso, especialmente con mis discos, que siempre me decía que estaban un tanto olvidados y sin amor porque fueron publicados por un sello donde ya no estoy y nunca se preocuparon, no los reeditaban ni nada. Me di cuenta de que algunas de las reediciones que hicieron quedaron muy mal, por lo que era tiempo de botar todo eso y quisimos establecer que estos discos son importantes, son mi vida y mi historia. Realmente todo partió como una forma de darle el valor que merece mi trabajo, además de ponerlos a disposición de la gente nuevamente, ya que no lo estaban hace tiempo y los originales son muy caros actualmente por su rareza.

Definiste estos vinilos como las “ediciones definitivas”. ¿Podríamos decir que estos son los álbumes de la manera que pretendías que sonaran al momento de su lanzamiento?

Sí, algo así. Podríamos discrepar en el sentido de si fueron publicados como era mi intención en su momento, ya que en ese tiempo el mundo estaba más enfocado en el CD y la gente ahora está interesada en los vinilos. Supongo que eso le da un valor, además de que me gusta el hecho de que la portada sea respetada con una reestructuración, así como también el contenido del disco. Me gusta saber que uno hace arte en un contexto en donde nada es para siempre, las cosas envejecen, un disco se puede desgastar, el papel de la portada puede estar rayado o trizado, me gusta saber que el paso del tiempo afecte a una pieza de arte como un disco en cierta forma.

Bueno, Jason, esa fue la última pregunta. Quiero agradecerte por tu tiempo, por supuesto, pero también preguntarte si quieres enviarle un mensaje a tus fans chilenos que esperan verte nuevamente por acá algún día.

Sí, por supuesto. No tengo ningún mensaje preparado, pero sí siento que tengo una conexión especial con Chile, porque los primeros shows que hicimos en Sudamérica fue gracias a dos chicas chilenas que vinieron a Europa y conocí en un bar cerca de mi casa. Les pregunté si conocían a alguien que pudiera armar un show y afortunadamente una de ellas conocía al promotor que hizo posible nuestro primer concierto en Sudamérica, y se sintió que una vez que llegáramos no podrían cerrarnos la puerta. Ese fue el momento más importante para concretar nuestra llegada a Sudamérica. Ahora ya lo hemos visitado algo así como tres veces. Siempre ha sido importante ir allá, en estos momentos no es tan complejo para nosotros poder ir a tocar allá, pero necesitamos alguien que esté dispuesto a hacer el show y ayudarnos a concretar todo.

Esperamos verte pronto algún día.

Yo también espero que eso sea pronto.

Muchas gracias, Jason. ¡Cuídate mucho!

Igualmente. Nos vemos.

Publicidad
Clic para comentar

Responder

Entrevistas

Dallas Green de Alexisonfire: “Hicimos un disco que puede coexistir con cualquier música de ahora”

Publicado

en

Dallas Green

Son 21 años de carrera y algunas pausas entre medio las que han definido la historia de Alexisonfire, pero hoy la banda se encuentra en una etapa completamente nueva. Este 2022 editarán “Otherness”, su primer álbum en 13 años, además de estar presentes en Sudamérica por primera vez en su carrera como parte de las ediciones de Lollapalooza en Chile y Brasil, además de algunos shows extras en el país carioca y uno en Argentina. Siendo una agrupación con tanta experiencia, resulta curioso que a estas alturas exista un período de tantas “primeras veces”, pero no existe duda que para cualquier artista ese antecedente se transforma en una revitalización para su carrera y la conexión con sus fanáticos, así como la posibilidad de recibir nuevos seguidores.

Dallas Green, vocalista y guitarrista de la banda, lo tiene muy claro, sobre todo cuando habla del proceso de años que los llevó a componer este nuevo álbum y retomar una banda que se siente como si nunca hubieran dejado de tocar juntos. Sobre estos tópicos, además de su debut en Chile, el entusiasmo de los fans por nueva música durante los últimos años y las expectativas de su próximo disco, entre otros temas, es que el artista también responsable del proyecto City And Colour se tomó un tiempo para realizar una entrevista con nosotros.

Dallas, muchas gracias por tomarte un tiempo para hablar con nosotros. Hoy es un día de grandes noticias, ya que se acaba de anunciar el lanzamiento de “Otherness”, el primer álbum de Alexisonfire en 13 años.

Sí, finalmente tendremos un nuevo álbum.

Quisiera que partiéramos hablando de eso. ¿Cómo surgió la idea de hacer un disco luego de tantos años sin publicar un larga duración?

Bueno, todo partió de cierta forma en 2020, cuando el mundo se detuvo y Wade (MacNeil) un día vino a la ciudad donde la mayoría de nosotros vivimos, y preguntó si queríamos ensayar, porque era prácticamente lo único que podíamos hacer como banda (risas). Nos juntamos sin la idea de hacer un álbum, solamente para pasar un rato juntos en tiempos tan extraños en el mundo, pero cuando nos reunimos surgieron algunas ideas pequeñas que teníamos, empezamos a componer una canción y luego todo pasó muy rápido. Comenzamos a juntarnos una vez a la semana y de pronto teníamos todas estas canciones que nos dejaron muy entusiasmados, por lo que fuimos a un estudio e hicimos demos de ellas. Ahí fue cuando todo tomó sentido y decidimos grabarlas en el estudio de un amigo nuestro; nos fuimos a vivir durante una semana allí y así nació este disco.

Vaya, genial…

Este disco surgió de la nada, si lo piensas bien (risas).

Sí, de hecho, iba a preguntarte algo así. ¿Discutieron la idea de hacer un disco en algún momento luego de reunirse? Pregunto porque los fans estaban esperando un álbum nuevo desde que lanzaron “Familiar Drugs” prácticamente, pero ustedes se enfocaron más en tocar en vivo que en lanzar música.

Tuvimos algunas conversaciones por aquí y por allá, pero la agenda de todas las cosas que hacía cada uno, además de nuestras vidas y todo lo que conlleva cuando ya creces, lo hizo un poco difícil. Sabíamos que sería genial hacer un disco, pero también estábamos conscientes de que la falta de tiempo no nos permitía hacerlo, no podíamos sentarnos y enfocarnos en eso.

Es casi como que la pandemia les permitió cumplir el deseo de grabar juntos nuevamente un disco de larga duración.

Sí, fue realmente una combinación que llegó con la pandemia, que nos permitió estar todos relativamente cerca en la misma ciudad durante mucho tiempo, además de que las ideas estaban ahí. Fue una cosa de disponibilidad de tiempo y el descubrimiento de esta nueva versión de nosotros lo que nos permitió reunirnos a improvisar y crear estas canciones.

Leía el artículo que publicaron en Spin, donde alguien de la banda dice que “este álbum no es una oda a la nostalgia o un auto homenaje”. ¿Sientes que este disco es una evolución natural del sonido de Alexisonfire?

Sí, creo que Wade dio esa entrevista. No creo que alguno de nosotros quería hacer un disco que sonara como si intentábamos recrear lo que fuimos cuando éramos niños, creo que sabíamos que podíamos hacer algo fresco y enfocarnos en crear algunas de las mejores canciones que hemos hecho. No queremos que digan “otra vieja banda de screamo”, o algo así, podemos hacer un disco que puede coexistir con cualquier música de ahora, y siento que lo hicimos.

Otra cosa que me llamó la atención en esa entrevista fue cuando hablaban de la canción “Mistaken Information”, que describen como uno de los momentos más emotivos del disco. ¿Puedes adelantarnos algo sobre esto?

Sí, supongo que te refieres a la parte en que George (Pettit, vocalista gutural) comenzó a cantar con una voz normal, ¿cierto?

Sí, justamente de eso (risas).

De hecho, son dos canciones: está “Mistaken Information” y también otra que se llama “Blue Spade”, donde George canta. En la primera lo hacemos juntos y se dio este hermoso momento, no sabíamos realmente que él podía cantar así, nunca nos presentó esa faceta antes, pienso que no se sentía lo suficientemente cómodo hasta ese momento, pero esa fue una canción que compuse y pensé que podía ser una en donde nos enfocáramos mucho. Nunca pensé que George nos permitiría descubrir esta voz y siento que fue un momento realmente hermoso en el estudio.

Genial, no puedo esperar más por escuchar eso.

Estoy seguro de que les gustará (risas).

Dallas, quiero preguntarte por el momento en que la banda se reunió nuevamente. Siempre dicen que nunca dejaron de recibir ofertas cuando no estaban juntos, por lo que quiero saber si la reunión fue por esas ofertas o ya lo habían pensado en otro momento.

Sí, una vez estaba tocando un show donde todos los demás estaban invitados, pensamos en que quizás podríamos tocar algunas canciones juntos y todo el mundo se volvería loco, pero no lo hicimos. Luego de eso empezamos a tener ofertas para hacer shows, lo que nos hizo pensar si debíamos hacerlo, porque había pasado un tiempo desde que nos separamos y todo fue en términos amistosos, seguíamos en contacto, era como que todos dejamos atrás la banda en el momento correcto. Las ofertas nos hicieron pensar en que la gente quería vernos tocar, nunca fue por dinero, nos sentimos afortunados de que la gente aún seguía interesada. Era divertido tocar esporádicamente en festivales los fines de semana y que ese fuera el lugar donde todos nos reuníamos, así comenzó esto de “tocar cuando podamos”, que duró unos años hasta que empezamos a hacer canciones juntos nuevamente Y así llegó “Familiar Drugs” y las otras, lo que fue un desafío para nosotros de ver si aún podíamos componer luego de tantos años.

Esas tres canciones (“Familiar Drugs”, “Complicit” y “Season Of The Flood”) fueron como la manera en que la banda dijo “aún estamos aquí”.

Eso nos permitió darnos cuenta de que seguíamos avanzando más que replicar lo que hicimos cuando éramos jóvenes. Creo que, si escuchas esas tres canciones y luego este nuevo disco, puedes darte cuenta hacia dónde vamos.

Se siente como si nunca hubieran dejado de tocar juntos. Digo, esto es cuando el periodista abandona la entrevista, ya que estoy hablando como fan. Realmente pienso eso, se siente como si ustedes nunca se hubieran separado, sobre todo cuando veo algo como el show de “House Of Strombo” en YouTube, por ejemplo, esa vibra y energía es algo que los fans de la banda en Chile están esperando por sentir.

Oh, lo entiendo (risas). Sin duda el entusiasmo es mutuo, entiendo muy bien lo especial de esta ocasión porque será la primera vez como banda que estaremos allá.

Hablando sobre el show de Lollapalooza Chile, ¿cómo afecta este anuncio a su presentación? ¿Tocarán canciones nuevas o se enfocarán en el material clásico?

Probablemente tocaremos “Sweet Dreams Of Otherness”, pero también las canciones antiguas que la gente quiere oír. No hemos estado antes allí, es bueno que me digas todo esto, porque estoy de acuerdo. Cuando empezamos a tocar juntos nuevamente, sentimos que todo iba bien. Si hubiésemos sentido que era algo forzado, no estaríamos haciéndolo en estos momentos. Entiendo muy bien lo que dices porque siento lo mismo, esa energía y entusiasmo es algo que sigue ahí, se siente como si nunca nos separamos. No es que las canciones suenen como cuando éramos jóvenes, pero todavía suenan como Alexisonfire, porque eso es lo que somos.

Sí, lo entiendo. Bueno Dallas, se nos acabó el tiempo, muchas gracias y espero verte acá en el festival, los hemos esperado por mucho tiempo.

Sí, lo sé, le he dicho a los chicos que no puedo esperar a que toquemos juntos allá porque conozco al público cuando me he presentado con City And Colour, sé que aman mucho a la banda y estoy muy, muy, muy entusiasmado por tocar con Alexisonfire en Chile, así que los espero a todos allí.

Muy bien, Dallas. Muchas gracias por tu tiempo.

Gracias a ti, mi amigo. ¡Nos vemos allá!

Seguir Leyendo

Podcast Cine

Publicidad

Podcast Música

Facebook

Discos

Bronco Bronco
DiscosHace 5 días

Orville Peck – “Bronco”

Desde su aparición con “Pony” (2019), la misteriosa imagen de Orville Peck colmó las miradas de medios y fanáticos, y...

Chloë And The Next 20th Century Chloë And The Next 20th Century
DiscosHace 6 días

Father John Misty – “Chloë And The Next 20th Century”

El juego de las expectativas es cruel porque pone la carga de la espera y del tiempo en miras a...

Jodeki Jodeki
DiscosHace 2 semanas

tricot – “Jodeki”

Como pocos lugares en el mundo, Japón cuenta con la capacidad de sostenerse sobre su propia industria cultural. Es esta...

Where Myth Becomes Memory Where Myth Becomes Memory
DiscosHace 2 semanas

Rolo Tomassi – “Where Myth Becomes Memory”

La capacidad para habitar terrenos sonoros dispares es una de las primeras características que relucen en “Where Myth Becomes Memory”...

Together Together
DiscosHace 3 semanas

Duster – “Together”

Los herméticos exponentes del slowcore regresan con “Together”, un sorpresivo nuevo disco a sólo tres años después de su regreso...

Fear Of The Dawn Fear Of The Dawn
DiscosHace 3 semanas

Jack White – “Fear Of The Dawn”

Cuando se terminó The White Stripes, fue por una razón en específico: preservar lo bello y especial de la banda,...

Messa Close Messa Close
DiscosHace 4 semanas

Messa – “Close”

¿Cómo romper la monotonía dentro de subgéneros musicales que se caracterizan justamente por ese atributo? Si, por ejemplo, hablamos de...

LABYRINTHITIS LABYRINTHITIS
DiscosHace 4 semanas

Destroyer – “LABYRINTHITIS”

Abordar la carrera de Dan Bejar, al menos en lo que respecta a Destroyer, se hace complicado por varias razones....

Unlimited Love Unlimited Love
DiscosHace 1 mes

Red Hot Chili Peppers – “Unlimited Love”

Tratándose de una banda de masividad e impacto incuestionable, lo habitual es que cada nueva entrega de Red Hot Chili...

Never Let Me Go Never Let Me Go
DiscosHace 1 mes

Placebo – “Never Let Me Go”

Cuando en su último disco hasta hace unas semanas, “Loud Like Love” (2013), Placebo cantaba: “Tengo demasiados amigos / demasiada...

Publicidad
Publicidad

Más vistas