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Entrevistas

Gavin Rossdale de Bush: “Nunca he hecho un álbum por diseño para manipular a la gente”

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22 años tuvieron que pasar para tener de vuelta en Chile a Bush, una de las pocas agrupaciones nacidas en Inglaterra que ni por asomo intentó hacer britpop, sino que hizo su camino con un rock más rugoso y lleno de intención alternativa. El destino hizo que en la segunda mitad de los 90’s fueran grandes en Estados Unidos, aunque se separaron tras una década como banda. Tras el retorno en 2010, la banda vino a tocar en el escenario del Teatro Caupolicán, con una formación diferente pero que tenía en común a su cantante y principal compositor, el versátil e inquieto Gavin Rossdale. Conocido masivamente más como el ex de Gwen Stefani, o por formar parte de The Voice UK, que como el hombre detrás de Bush, tuvimos la chance de conversar con él muy animadamente, cambiando una y otra vez de idiomas, en la previa a un espectáculo que, luego veríamos, tiene en Gavin un pilar relevante, y lleno de energía para seguir adelante.

Hola, Gavin, ¿Cómo estás? Vamos a comenzar a grabar. Dejaré mis notas a la vista…

¡Qué ojos que tienes! Esa letra es muy pequeña (ríe, mirando sin alcanzar a leer la pantalla donde tenemos la pauta).

Son biónicos, Gavin

Ya lo creo (risas).

Primero quería preguntarte sobre la recepción del último disco de Bush, “Black And White Rainbows”, porque en la prensa hubo algunos reviews que no le reconocían méritos e incluso hubo gente sumándose a eso, ¿Tendrá que ver con un cierre de mente de aquellos que quieren que Bush sea igual que hace 20 años?

Lo primero es que hubo reviews de todo tipo, como en todo disco de una banda grande. A mi no me importa. Mi truco es no leerlos. No lo hago. El próximo disco que estamos terminando ahora es muy heavy. Cuando hicimos B&WR sólo hice la voz en Inglaterra, y pensé que podríamos hacer un disco más comercial, no tan complejo o difícil. Tratar de combinar sonidos, y hacer un buen disco. Estoy orgulloso de mucho de lo que hay en los discos, entonces, no me importa lo que diga una reseña porque es sólo una opinión. Podría haber una persona que me hizo un mal review y vamos a almorzar a un restaurant y podría decirle que la persona con la que está saliendo es repugnante, y aquello es sólo una opinión.

La misma persona va a tu show y disfruta mucho 

Tengo suficiente gente que me adora. No soy codicioso con eso. Soy un músico trabajador. No soy Justin Bieber. No puedo trabajar con esos fines. Me considero un músico y un trabajador. El nuevo disco será amado por ti y todos, pero si alguien tuvo un problema con B&WR, que no sé cuáles son esos problemas pero respeto que haya diferentes ideas, incluso puede sentirse identificado con mi banda, porque ni siquiera a ellos les gusta mucho tocar esas canciones. Pero ese era el disco que tenía que hacer en ese tiempo. Soy natural. Soy un verdadero artista. No hago y nunca he hecho un álbum por diseño para manipular a la gente con lo que saldrá de ahí, y bueno, tengo que decir con estas palabras, me disculparás, pero ¡Es más bueno que la cresta!

¿Y cuál es el método y las diferencias para este trabajo que se viene?

Simplemente, tratar de mantenerme con ira, a tope, que es diferente que en el momento de trabajar en B&WR, donde yo estaba muy herido. Era un milagro que siquiera dejara la casa. Así que esa gente que no le gustó el disco pueden irse al carajo. Si me los encuentro, les doy un combo en la cara, aunque jamás alguien se ha atrevido a hacerlo en malos términos como para provocar aquello. La gente se esconde detrás del teclado para hacerlo. Soy muy poderoso en persona como para que la gente me enfrente. Son muy valientes cuando escriben.

Pero en los shows de esta gira, tu foco está mucho más cercano a “Sixteen Stone” (1994) y material más antiguo

Es que es por un tema de tiempo, que nos hace pensar en un show de formato festival. Es muy frustrante. Quiero tocar dos horas, y de todo, pero teníamos esta oportunidad de venir con Stone Temple Pilots y no la podíamos dejar pasar. Pero entiendo lo que pasa, porque claro, cuatro o cinco de los doce que tocamos son de ese, nuestro primer disco, y es que también esas son canciones que debemos tocar. Me carga cuando una banda dice que no quiere tocar sus temas más conocidos y se concentra sólo en cortes más oscuros de los discos. Eso es irrespetuoso con el público. Pero cuando vuelva, porque voy a volver, no se van a deshacer de mi, tocaremos mucho del nuevo disco.

No en 22 años más.

No, no, no. (risas)

Yo sólo tenía siete años cuando ustedes vinieron así que era imposible verlos

Yo también (risas). Imagina eso.

Algo que me agradó del último disco es que hay una canción con un coro en español, “Toma Mi Corazón”, entonces ¿Cuál es el interés de armar un tema con un gesto lingüístico así?

Bueno, (comienza a hablar en español) eso es porque hablo en español, y creo que lo hago suficientemente bien como para intentarlo. Quería cantar algo diferente y toda mi vida quería hacer un clásico, un hit, como “Glycerine” pero en español. Quería hacerlo porque es un gran mundo el que habla este idioma. Pero, otra vez, mi grupo me alegaba y me decían que no saben qué hacer. Son (vuelve al inglés) malditamente flojos.

Tú dijiste hace un rato que eres un músico trabajador, y eso se nota cuando vemos que escribes canciones para otros artistas también. Vas más allá de lo que son los géneros que la gente te atribuye, yendo por todos lados. ¿Qué te pasa cuando escuchas a gente decir que el rock está muriendo, o que ya murió incluso, según los más apocalípticos?

No me pasa nada. No me pasa nada de nada. La vida es cíclica y otras cosas importan. Van Gogh murió con media oreja menos, sin fama, sin dinero, sin una vida. Es un ejemplo de un artista, entonces a mi sólo me importa honrar aquello, ser un artista. Si tenemos que tocar para 50 personas, seré bueno para ti, y si toco para 50 mil, será lo mismo. Mi vida no puede estar definida por el zeitgeist (la voz de los tiempos), y el género de moda. El EDM fue el rey, y Skrillex fue la máxima estrella. Drake ahora es un rey más grande, Cardi B más aún. Amo el hip hop, amo la buena música, y todo lo que importa es tratar de tocar el mejor show de mi vida, pero no puedes ser Gavin Rossdale si es que tu preocupación es pensar en lo que será exitoso o no, porque eso sería ser alguien falso.

¿Te ha pasado que, en esta labor de ser un músico trabajador, tengas inspiración para canciones y que te des cuenta que en realidad puede funcionar mejor en la voz o ideas de otra gente?

Sí, de hecho hace no mucho tengo un buen ejemplo. Escribí la música para un show televisivo, “Undercover High” (A&E en Estados Unidos), un gran show, hermoso, y escribí temas, entre ellos “The Future of America”, y los pensé siempre para un coro de voces diferentes, porque no me gustaba mi voz en esos versos, entonces ahí tengo un ejemplo de un sonido diferente. He escrito canciones para Rihanna, en clave dancehall, también para concursantes de The Voice, con estilo a lo Fleetwood Mac con voces masculinas y femeninas. Simplemente amo ser creativo. Soy una persona creativa. Por eso creo en la potencia de canciones antiguas como las de “Sixteen Stone”, pero también estoy muy emocionado con el sonido del presente porque hay mezclas. Incluso me pasa cuando veo el proceso de armado de nuestro nuevo disco. Amo ambas cosas, y me enorgullecen.

Pensando en cuánto tiempo llevas con Bush, la primera etapa de Bush duró diez años…

(Interrumpe) más que el tiempo total que The Beatles fueron una banda, que fueron ocho años (risas).

¡Es verdad! Bueno, y ahora desde 2010 ya van a ser nueve años más, en esta segunda etapa de la banda…

(Interrumpe) La segunda encarnación, la reencarnación, (grita más fuerte) ¡El renacer! Lo sé muy bien, todos aquí sabemos de volver y volver. (risas)

Mientras no sea reencarnándose en plantas, todo bien (risas)

Sí, sí, es cierto (risas). Me agradas, y ríes mucho. Es importante el humor, porque como dicen, el humor es tragedia más tiempo.

Las experiencias hacen reír más fuerte

Porque la vida se va acumulando y todo va doliendo cada vez más y más, por sumatoria.

Volviendo al análisis, ¿Qué crees que has alcanzado en esta segunda etapa de la banda que no hubo en la primera?

Fácil: consistencia. En el sonido, en la presencia, en los tours. Tenemos una nueva manager que es la mejor del mundo. Me salvó la vida. Tenía gente terrible a mi alrededor representándome. Por eso es que pasó tanto tiempo sin venir por aquí. Tras cada disco rogábamos para viajar aquí. ¿Crees que no me gusta visitar este lugar, con su cultura, gente, ¡la comida!, la energía? Por supuesto, rogando veinte años, y bueno, yo soy mitad escocés, McGregor Rossdale, entonces en una pelea de bar tienes que matarme porque siempre me levantaré y encontraré una forma de botar a quien me quiera ver caer. Eso es lo que he hecho toda mi carrera. Sea en mi vida personal, en mi trabajo, la gente que me conoce sabe que las cosas no me matan, y ahí algunos se preguntan por qué no me derriban. Nunca voy a morir. Muéstrame tus manos (le mostramos las manos) hay tres líneas en cada mano. Y ahora mira las mías (Muestra las palmas de las manos con triángulos perfectos): entonces, o vivo para siempre, o nací muerto (risas).

O tal vez eres Illuminatti

Claro (risas). Aunque mejor, un alien. Un extraterrestre. Lo canté en el primer disco, casi como premonición.

Tenemos que terminar porque se acaba el tiempo pero, para recapitular, podemos esperar que vuelvan pronto

Absolutamente. Eso es lo que queremos. Aún no tocamos y sabemos que queremos volver.

Y el disco nuevo será más pesado

Totalmente. Usualmente pasaba que en estudio sonábamos más suaves que en vivo. Por eso es que podemos tocar en festivales donde hay heavy metal, porque sabemos cómo rockear, y estas canciones tenían más fuerza en vivo. Por eso es que el objetivo con lo que viene es traspasar esa energía a un disco, pero sin ladridos de perro, o gente borracha, obvio.

Muchas gracias Gavin. Esperamos todo lo nuevo, lo antiguo, y lo que vendrá.

Gracias a ustedes. Fue un placer hablar contigo. Ahora, a vernos en el escenario.

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Jason Pierce de Spiritualized: “Uno hace arte en un contexto donde nada es para siempre”

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Los últimos meses han sido extensamente ocupados para Jason Pierce, el hombre a cargo de Spiritualized y quien ha encontrado el vehículo perfecto para expresar ideas, sensaciones, conceptos y metáforas a través de su música, muchas veces catalogada como desestructurada, pero también efectista en su ejecución. Lejos de todas esas contradicciones, y en plena etapa de recuperación de su catálogo a través de la serie de reediciones bautizadas como “The Spaceman Reissue Program”, Pierce concreta un trabajo de años con el lanzamiento de “Everything Was Beautiful”, nuevo trabajo de estudio que fue publicado el pasado 22 de abril a través del sello Bella Union.

Trabajado casi a la par con “And Nothing Hurt” de 2018, en este disco el artista se aventura en un estrepitoso viaje de siete canciones grabadas con más de 30 músicos en once estudios diferentes. Por si eso fuera poco, el mismo Pierce se encarga de tocar 16 instrumentos distintos en esta producción. Todo esto es motivo suficiente para que el pasivo e intrigante artista se tomara unos minutos para conversar telefónicamente con nosotros, donde platicamos distintos tópicos, como el encierro de la pandemia, su metodología de trabajo, la creación y grabación de este nuevo disco, entre muchos otros detalles, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Jason, primero quiero preguntarte como estás. La pandemia ha tenido un impacto en todo el mundo, ¿cómo has estado durante estos dos años?

Sí, ha sido loco, ¿cierto? Ha sido muy difícil para todos, y asumo que es algo todavía muy presente. No sé cómo será en tu país, pero pareciera que parte de la gente no está preocupada del bienestar de los otros, no entienden que hay gente trabajando muy duro para que no se pierdan más vidas, salvando vidas incluso cuando muchos no se lo toman en serio y ni siquiera consideran los peligros. Creo que eso ha sido lo más complicado, cualquier cosa que pase está ligada a la tristeza que generan estas personas que se comportan de manera muy egoísta.

Totalmente. Entiendo que, cuando comenzaron las cuarentenas, salías a caminar por las calles y verlas vacías te inspiró a hacer este nuevo disco. ¿Es correcto eso? ¿Qué nos puedes contar del proceso creativo de este álbum?

Sí, fue algo así. Es de esas cosas extrañas que pasan con la música, porque todos parecieran hacer la mejor música cuando se apartan del mundo, cuando el ambiente se calma. Cuando los artistas están en el estudio trabajan mejor tarde en la noche, cuando ya todos duermen, el mundo está en silencio y no hay una lógica con eso porque estás en una habitación con aislación, por ende, no se escucha nada y el mundo siempre estará en silencio, pero sin duda que es algo que se siente cuando el mundo verdaderamente está en silencio afuera. Supongo que así es todo el tiempo; parte de tu cerebro agradece la tranquilidad a veces. Suelo bromear con que durante la cuarentena no había que preocuparse de excusas cuando te invitaran a una fiesta. Esa tranquilidad me permitió enfocarme y decir “realmente puedo terminar esto ahora”, puedo finalizarlo y no hacer nada más porque no hay otra cosa que se pueda hacer más que estar encerrado, sobre todo con esa sensación de desesperanza acechando constantemente con tanta gente sufriendo afuera. Todo fue el escenario propicio para finalizar este disco.

Leía el comunicado de prensa para este disco, donde dices que te sentías como que llevabas entrenando toda tu vida para esto, para el confinamiento y la tranquilidad.

Sí, lo que pasa con el comunicado es que simplemente quise incluir ese chiste corto. Siento que no es tan diferente este período a estar sentado en la parte trasera del bus, en esos momentos de soledad. Hay cierta soledad en el ejercicio de tocar música de todas formas, lo que no se ve tan diferente a esto. Por momentos sentí como si hubiese entrado a una máquina del tiempo, miraba el cielo y prácticamente era el mismo cielo que miraban los romanos; no había aviones, no había humo, ningún elemento disruptivo del medioambiente, el río era casi prehistórico, todo muy silencioso y quieto. Eso no es algo que puedas tener en la ciudad, a no ser que te muevas fuera de ella. Tenías este ambiente natural, pero con la ciudad todavía ahí, con esa grandeza arquitectónica, estos edificios, todo vacío, inhabitable. Hay algo extrañamente convincente en todo eso.

Sí, es muy extraño ver las calles vacías. La primera vez que presencié eso no fue por la pandemia, de hecho, fue por las protestas en Chile en 2019. El gobierno puso un toque de queda a mitad de la tarde, por lo que ver las calles sin gente a esa hora del día fue muy extraño. Pero siempre persiste ese elemento de paz en el panorama, quizás al momento de notar que se puede trabajar mejor en ese contexto.

Sí, sí, también lo siento así. De hecho, creo que estuve en Chile antes de eso, estaba con mi hija en la calle tratando de regresar al hotel cuando estaban todos los militares en la calle por las protestas, supongo que esa calma que te dan esas calles vacías son algo que ayuda. Me obsesiono mucho cuando hago música y no puedo enfocarme en nada más, me siento casi como si me estuviera volviendo absolutamente loco. La pandemia permitió que esa calma pudiera pasar, no había ninguna distracción que me sacara de ese estado y realmente pude concentrarme y volverme loco con la música. De igual forma es algo que te consume, pero fue la única manera en que lograría completar este disco, estaba desesperado por terminarlo. Diría que durante los últimos siete años he estado desesperado por terminar tantas cosas como me sea posible, necesitaba completar eso para estar tranquilo nuevamente y pensar en lo que haría con mi futuro, tratar de completar cada canción que espera por ser terminada.

¿Qué hay del título del disco? ¿Cuál es el significado de “Everything Was Beautiful”?

Es una cita. No sé si debería hablar de esto, pero siempre es así con los títulos de Spiritualized. Mi intención cuando comencé esto era tener una tener una gran obra entre este álbum y el anterior, todas las canciones comenzaron a trabajarse al mismo tiempo. Mi compañía no quería un disco doble, ya que el lapso de atención de la gente es muy corto, pero también históricamente los álbumes dobles quedan perdidos; hay tanta información, que quedan en el olvido y son redescubiertos 20 años después de su lanzamiento. “Exile On Main St.” de The Rolling Stones es un ejemplo. Descubrí que ese disco tenía valor muchos años después, además que está la presión de que debes vender discos en este negocio, así que ellos me pidieron que no hiciera uno doble. De cierta forma funcionó, porque terminé la mitad que se transformó en un álbum, y las otras canciones recién las terminé ahora. Si hubiera sido doble, estaría todavía trabajando con todo el material a la vez. También fue algo arbitrario, no elegí qué canciones estarían en una parte y las que estarían en otra, creo que más bien incluí las que me faltaba menos por completar, ya sabes, “A Perfect Miracle” o “The Prize”.

¿Podríamos decir que este nuevo álbum es una continuación de “And Nothing Hurt”?

No, no diría que este disco es una Parte 2 o los descartes de ese disco. No hay descartes, todas son canciones que estaba componiendo, todas son canciones importantes. Además, cuando terminé lo que sería “And Nothing Hurt”, estas otras canciones iban por una dirección completamente distinta, por ende, tenía que ser un disco completamente distinto.

Para este disco trabajaste en once estudios diferentes. Eso es algo que se siente al escuchar el álbum, es como un viaje donde tú eres el personaje principal que se va impregnando de distintos elementos a medida que pasan las canciones. ¿Eso tiene algo que ver con el hecho de que trabajaste en muchos lugares distintos?

Supongo que es algo con los estudios, porque es difícil encontrar gente en la música que esté dispuesta a recorrer ciertas distancias. La mayoría de las personas en la música quieren trabajar bajo escenarios cómodos, donde puedan mostrar lo que son capaces de hacer. Muchos productores y personas en la música te dicen “me gusta lo que hiciste en tu último disco” o cosas así y, si bien yo no hago música para esperar eso, prefiero trabajar en un buen espacio donde pueda ir recogiendo las mejores partes antes de moverme al siguiente, de esa forma no hay un lugar definido para estas canciones. Hay productores que sólo producen una banda y luego buscan otra y la ponen en el mismo lugar, con la misma estructura, y yo obviamente no quiero eso. Soy más de aclarar y decir “esto es lo que hago”, prefiero que sea a mi manera. Muchos de esos estudios donde trabajé no funcionaron del todo, por eso tomé lo que me parecía interesante y me lo llevé hasta el siguiente, eso es algo difícil de calzar.

También se produjo la situación que por distancias había que trabajar en lugares diferentes, ¿no es así?

Sí, también ese fue un factor. Ciertos estudios estaban cerca del lugar en que estaban algunos integrantes de mi banda y ahí fue algo netamente geográfico, ya que necesitaba conseguir un estudio cerca de donde estuvieran para que trabajáramos. El resultado final, respondiendo a tu pregunta anterior, tiene que ver con que el disco es algo así como un collage; de hecho, son prácticamente dos mezclas puestas una encima de otra: una estaba sin finalizar, la otra estaba casi finalizada, pero tan pronto como las junté, puso todo el disco en un lugar que no podía reconocer, y me sorprendí a mí mismo con el resultado. No escuchaba mi trabajo en la misma forma que esperaba, a veces me gusta conservar los demos, por lo que hay una canción que está construida en base al demo, otra que está hecha a partir de una grabación en vivo que alguien hizo de nosotros y que encontramos en YouTube, ya que no podíamos dar con el sonido preciso. Todo se trata de aferrarse a los fragmentos que me gustan y hacerlos funcionar de modo que se transformen en una canción.

Además de esos once estudios, trabajaste con más de 30 músicos y cantantes. ¿Cómo fue ese proceso? ¿Les indicas “toca esto” o “canta esto”, o más bien son ellos poniendo su propio enfoque a las canciones?

Siempre es lo segundo, incluso si les pido qué tocar. Hay ocasiones en que yo les digo “toca esto” o “canta esto”, pero incluso ahí ellos ponen su estampa personal a la estructura, lo que da una idea de dónde puede ir la canción. Las cosas que hacen funcionar la música que amo están muy cercanas a las cosas que hacen funcionar a la música que no amo, eso es algo que siempre noto. Por ejemplo, una banda puede hacer un cover con los mismos instrumentos, configuración, equipos y arreglos que la versión original, pero puede que siga sonando horrible. De cierta forma, intento guiar a la gente, incluso si son músicos con los que trabajo hace mucho tiempo, siempre es necesaria una especie de guía. Eso al final también hace que ellos, como músicos, puedan encontrar su camino y aplicar sus ideas a lo que están tocando, y es inevitable que ellos traigan su habilidad a la música que están interpretando.

Jason, quisiera que pasemos a otro tema, puntualmente preguntarte sobre “The Spaceman Reissue Program”. ¿Cómo surgió esa idea?

Fue idea de Matthew Johnson, quien maneja mi sello en América, Fat Possum Records. Él comenzó a reeditar el catálogo de ciertos artistas y consideraba que era importante que los discos fueran propiedad de los artistas. Él se preocupó de todo eso, especialmente con mis discos, que siempre me decía que estaban un tanto olvidados y sin amor porque fueron publicados por un sello donde ya no estoy y nunca se preocuparon, no los reeditaban ni nada. Me di cuenta de que algunas de las reediciones que hicieron quedaron muy mal, por lo que era tiempo de botar todo eso y quisimos establecer que estos discos son importantes, son mi vida y mi historia. Realmente todo partió como una forma de darle el valor que merece mi trabajo, además de ponerlos a disposición de la gente nuevamente, ya que no lo estaban hace tiempo y los originales son muy caros actualmente por su rareza.

Definiste estos vinilos como las “ediciones definitivas”. ¿Podríamos decir que estos son los álbumes de la manera que pretendías que sonaran al momento de su lanzamiento?

Sí, algo así. Podríamos discrepar en el sentido de si fueron publicados como era mi intención en su momento, ya que en ese tiempo el mundo estaba más enfocado en el CD y la gente ahora está interesada en los vinilos. Supongo que eso le da un valor, además de que me gusta el hecho de que la portada sea respetada con una reestructuración, así como también el contenido del disco. Me gusta saber que uno hace arte en un contexto en donde nada es para siempre, las cosas envejecen, un disco se puede desgastar, el papel de la portada puede estar rayado o trizado, me gusta saber que el paso del tiempo afecte a una pieza de arte como un disco en cierta forma.

Bueno, Jason, esa fue la última pregunta. Quiero agradecerte por tu tiempo, por supuesto, pero también preguntarte si quieres enviarle un mensaje a tus fans chilenos que esperan verte nuevamente por acá algún día.

Sí, por supuesto. No tengo ningún mensaje preparado, pero sí siento que tengo una conexión especial con Chile, porque los primeros shows que hicimos en Sudamérica fue gracias a dos chicas chilenas que vinieron a Europa y conocí en un bar cerca de mi casa. Les pregunté si conocían a alguien que pudiera armar un show y afortunadamente una de ellas conocía al promotor que hizo posible nuestro primer concierto en Sudamérica, y se sintió que una vez que llegáramos no podrían cerrarnos la puerta. Ese fue el momento más importante para concretar nuestra llegada a Sudamérica. Ahora ya lo hemos visitado algo así como tres veces. Siempre ha sido importante ir allá, en estos momentos no es tan complejo para nosotros poder ir a tocar allá, pero necesitamos alguien que esté dispuesto a hacer el show y ayudarnos a concretar todo.

Esperamos verte pronto algún día.

Yo también espero que eso sea pronto.

Muchas gracias, Jason. ¡Cuídate mucho!

Igualmente. Nos vemos.

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