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Frank Iero: “Con mi música quiero que la gente se motive a cambiar las cosas para mejor”

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Hay toda una generación que creció al alero de My Chemical Romance, banda que ahora vive en el recuerdo de sus miles de fanáticos, quienes esperan deseosos por una reunión del conjunto en algún momento. Lejos de todo eso, su guitarrista Frank Iero se enfoca en sus propios proyectos y lo hace sin necesariamente renegar de la banda que le otorgó fama, pero tampoco manoseando un legado que parece mucho más vivo estando intacto. The Future Violents y el álbum “Barriers” es la última de sus aventuras, con la cual debutará finalmente en nuestro país el próximo 26 de abril en Club Chocolate, en lo que será un concierto a casa llena, celebrando la música de los diversos proyectos solistas que ha emprendido el guitarrista.

Bajo ese contexto, nos sentamos al telefono con Frank, quien, con una mirada muy clara de la vida, nos explicó toda la intencionalidad detrás de su próximo trabajo, la importancia del álbum “Parachutes” en su vida, los músicos que lo acompañan en su actual banda y el significado detrás de “Barriers”, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos de manera integra a continuación.

Hola, Frank, ¿cómo estás? ¿Listo para la entrevista?

Hola, Manuel, muy bien, listo para esta entrevista. ¿qué tal tú?

Todo bien por acá, muchas gracias. Comencemos hablando de esta nueva etapa de tu carrera: The Future Violents. ¿Por qué el cambio para este nuevo disco?

Bueno, el nombre de hecho es por la idea de la vida como tal, y de cómo siento que vivir la vida y participar de la sociedad es un acto deliberado y violento. Puedes ser un observador pasivo de la vida y mirar al resto, o tomar acciones y generar un acto por tu cuenta para cambiar las cosas. El hecho mismo de vivir tu vida de manera activa y hacer algo para cambiar el mundo, es algo violento. La idea es que no sólo la gente de la banda, sino que toda la gente como tal, que esté lista para embarcarse en una vida activa, para quienes tocan y para quienes están escuchando. Ese es nuestro mensaje.

Sin duda hay todo un concepto detrás. ¿Hay una vital importancia en la forma en que el mensaje deba llegar hasta los auditores?

Quiero que escuchen este disco, que se sientan afectados de alguna forma por él, que lo amen, lo odien, lo que sea, pero que genere un sentimiento en las personas. Me gustaría que quien lo escuche tome lo aprendido de este trabajo, lo que haya amado y haya odiado, que salga allá afuera y haga algo al respecto. Quiero que con mi música la gente se motive a cambiar las cosas para mejor.

Hablando del álbum “Barriers”, ¿cuál fue la motivación principal para este disco?

Es algo que nace desde lo que dije, básicamente. Cuando terminé de hacer el último disco, “Parachutes” (2016), por un momento pensé “esto es todo”, iba a tomarme un descanso de todo, quizás no volver a hacer otro disco, sólo escribir algunas canciones, ya que no me sentía inspirado para componer, no iba a resultar. Sabía de qué quería hablar, pero no encontraba las palabras ni la música correcta para hacerlo. Y de pronto pasó que tuve planes con algunos de los músicos con los que siempre quise trabajar: Matt Armstrong de Murder By Death, Tucker Rule de Thursday, la multiinstrumentista Kayleigh Goldsworthy, y Evan Nestor, quien es mi compañero de banda desde hace mucho tiempo, y además es mi cuñado. Todos se encontraban con sus compromisos musicales finalizados, por lo que fue el momento perfecto para hacer algo juntos.

Es como si el destino los hubiese unido, realmente fue un timing perfecto.

Absolutamente (risas). Como todos estaban sin banda, quisimos iniciar un proyecto nuevo, eso fue muy inspirador, creo que todos lo tomamos como “oh, por dios, esto es una señal”. De pronto comenzamos a experimentar y pensar como funcionaria una alineacion con estos musicos, por lo que todo esencialmente fluyó y todos los obstaculos que había en mi camino comenzaron a desaparecer. Así nació la idea de hacer una canción que hablara de estos obstáculos que a veces nos ponemos a nosotros mismos, algo como protegernos de algunas cosas, pero finalmente lo que hacemos es no salir afuera y evitar experimentar algunas cosas por miedo. De eso se trata “Barriers”, sobre derribar esas murallas que nosotros mismos ponemos.

Por más que leo entrevistas tuyas, en todas se repite el hecho de que “Parachutes” es para ti uno de los álbumes más importantes en tu carrera. ¿Cómo ves el impacto que ese disco tuvo en tu vida?

Es algo muy loco. Todo ese período de tiempo, desde lanzar el álbum, lo que vino después, el accidente que tuve en Australia, todos fueron momentos importantes en mi vida y me cambiaron para siempre, así que sí, es un disco muy muy importante. Tuve la oportunidad de trabajar con Ross Robinson y Steve Evetts, lo que fue una experiencia increíble y disfruté mucho. Creo que tuve que lidiar con muchas cosas para ese trabajo, las que se condensaron con experiencias dramáticas que tuve en mi vida, por lo que sentí que fui capaz de transformar las canciones de mi mente y llevarlas al mundo real.

¿Consideras que es tu mejor trabajo?

Siento que “Parachutes” me ayudó a ser un mejor compositor, y lo que estamos haciendo ahora con estos músicos es llevar lo aprendido hasta el siguiente nivel. Es loco, me siento muy afortunado que con cada álbum que lanzo puedo decir “¿Sabes qué? Este es mi mejor disco” (risas). Algunas personas no pueden decir eso, así que me siento bendecido de que en mi caso sea así.

Ahora que girarás con Taking Back Sunday, muchos fanáticos pensaron que vendrían juntos a Sudamérica, pero finalmente terminaron tocando por separado. ¿Hubo alguna conversación al respecto?

No lo sé, quizás hubo y no funcionó, ni siquiera sabía que iban a Sudamérica hasta que vi algunas publicaciones sobre eso, pero habría sido muy divertido. Aun así, me enteré de cómo estuvo su gira y, ahora que nosotros haremos lo mismo después de girar con ellos, será divertido.

Bueno, Frank, creo que se nos acabó el tiempo. Para finalizar: ¿quieres enviar un mensaje a tus fans en Chile?

Por supuesto. Hace mucho tiempo que quería ir a tocar allá, lamentablemente no pude estar presente en la gira que hizo My Chemical Romance en su momento debido a una emergencia familiar. Creo que hacer esto ahora después de tanto tiempo será mucho más especial. Les agradezco a todos por la paciencia y por el continuo amor y apoyo, fueron muy expresivos en pedir que fuéramos a tocar, gracias a eso llamamos la atención de los promotores que nos llevarán hasta allá. No puedo esperar por tocar en Santiago, estamos muy entusiasmados. Muchas gracias a todos y les prometo que la espera valdrá la pena.

Muchas gracias por todo, Frank. ¡Nos vemos!

Gracias a ti por tu tiempo, Manuel. ¡Los veré a todos en el show!

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Jim Reid de The Jesus And Mary Chain: “Nunca encajamos, existíamos en nuestro propio rincón”

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Mary Chain

Muchas veces han sido denominados como “la única verdadera banda indie”, y es bien cierto que The Jesus And Mary Chain no se aleja mucho de ese apelativo. Luego de estar separados por casi diez años, la banda regresó a los escenarios en 2007, mucho más maduros y dejando de lado todas las peleas que los hicieron distanciarse en un momento y publicando el álbum “Damage & Joy” (2017) como una muestra de aquello. Ahora, el conjunto integrado por los hermanos Jim y William Reid llegará nuevamente a nuestro país para encabezar la primera edición del festival Antena, siendo el encargado de cerrar la jornada del día 29 de junio, en su regreso a Santiago luego de haberse presentado por última vez en 2014.

Para amenizar la espera a este anhelado regreso, es que nos sentamos al teléfono junto al guitarrista Jim Reid, quien, de manera muy introvertida y serena, conversó con nosotros sobre una serie de temas en torno a la banda, tales como la grabación de su primer álbum en 20 años, el dolor de cabeza que significó trabajar en el disco “Munki” antes de su separación, su opinión sobre la música actual y las bandas que se sintieron inspiradas por The Jesus And Mary Chain, entre muchas cosas más, en una entrevista que te dejamos a continuación:

Obviamente, de lo primero que hablaremos es de este regreso a Chile luego de cinco años. ¿Cómo ven esta próxima visita al país?

Estoy expectante por regresar, ya han pasado cinco años. La audiencia chilena es muy entusiasta, es uno de los mejores públicos que hemos tenido, por lo que espero experimentar eso de nuevo.

Vienen con el álbum “Damage & Joy” de 2017, el primero luego de casi 20 años. ¿Qué tan diferente fue hacer un álbum en la actualidad, comparado con “Munki” que apareció en 1998?

Sí, supongo que es bien parecido, pero más rápido, ya que la tecnología ha avanzado demasiado. Antiguamente tenías una idea, como el uso de sintetizadores o una sección de cuerdas, y querías aplicarla, tomaba un día completo arreglar todo para que funcionara, pero ahora puedes hacer todo eso en un computador en cosa de minutos, sin tener que mover nada, por lo que las ideas fluyen más rápido, aunque esencialmente es lo mismo: un grupo de tipos en el estudio elaborando canciones y tratando de sacar lo mejor de ellas en el proceso.

En este disco trabajaron con Youth, bajista de Killing Joke, como productor. ¿Cómo se sintieron con una mirada externa hacia su trabajo?

Fue la primera experiencia con un productor, tomamos esa decisión porque estábamos muy nerviosos por entrar al estudio de nuevo, ya que grabar “Munki” fue una experiencia dolorosa y todavía era un recuerdo fresco en nuestras mentes, a pesar de todo el tiempo que pasó. Estar en el estudio es algo claustrofóbico a veces, temíamos estar atrapados mucho tiempo sin llegar a ningún punto claro y que volviéramos a lo mismo que pasó esa vez. Incluso, pese a que llevábamos tiempo girando juntos, ahí se adquiere experiencia y te unes más con la banda, pero en el estudio es algo mucho más personal. Pensamos que tener otra presencia en el estudio nos ayudaría a mantener las cosas en orden, así que lo analizamos mucho, además de que nos ayudaría con todos los aspectos tecnológicos que se utilizan al grabar un disco.

¿Por qué describes la experiencia de haber grabado “Munki” como algo doloroso?

Lo fue, temíamos que podía ser así desde antes. En este último disco nos hicimos amigos con William, al punto que nos unimos mucho más que antes, hablábamos de todo, conversábamos sobre el disco de manera constructiva, discutimos, sí, pero siempre de manera pacífica, acerca de la música y cosas así. Es lo normal que se produce en una relación creativa como la que tenemos; eran sólo temas de música y nada más. Con “Munki” llegó un punto en que discutíamos por todo, en cambio ahora fue más de ir juntos en la misma dirección.

Entiendo que no grabaron juntos durante el proceso de ese disco, pero ¿hubo algún momento en que trataron de trabajar los dos en el mismo estudio?

Comenzamos haciéndolo juntos, pero rápidamente se desintegró. William y yo nos pasábamos gritando el uno al otro, ni siquiera podíamos comenzar a grabar lo que teníamos compuesto. Finalmente él terminó grabando con la banda las canciones que ya tenía, mientras que yo hacía las mías aparte, fue como tener dos miradas distintas de la banda en un solo álbum.

En esta próxima visita a Santiago tocarán en un festival, encabezando la primera noche luego de algunas bandas locales, prácticamente todas jóvenes. ¿Te gusta estar al tanto de los nuevos sonidos? ¿Hay alguna banda nueva que disfrutes?

Probablemente debería, lo sé, pero no lo hago. Tengo cientos y cientos de álbumes pendientes, pero cada vez que escucho nuevas bandas, no me conecto, no he encontrado una banda nueva que me guste desde hace mucho. Para serte honesto, no escucho radio ni nada, he escuchado cosas buenas de repente cuando tocamos en algún festival, algo que suene en un escenario quizás, pero probablemente estoy pasado de moda, ya no es mi tiempo.

¿Sientes que quizás la música ya no es lo mismo de antes?

De alguna forma lo siento, pero quizás es porque soy muy viejo. Hay chicos de 17 o 18 años que piensan que esta es la mejor época de la música, y quizás tienen razón, porque todos suelen decir que la música con la que creces es la que consideras la mejor. Creo que debería escuchar más música, eso lo tengo claro.

Estando en una banda como The Jesus And Mary Chain de seguro que suelen decirte “tu música ha inspirado a esta, y esta, y esta otra banda”. ¿Se han visto reflejados en alguna de esas bandas inspiradas por su música?

Sí, me ha pasado, pero no mencionaré a ninguna porque no sería justo. He escuchado la esencia de The Jesus And Mary Chain en algunas bandas, y no creo que eso sea algo malo, el rock & roll se trata de eso. Nada es original, absolutamente nada, esto se trata de tomar distintas piezas y reorganizarlas a tu gusto. The Rolling Stones trató de ser algo como Chuck Berry en sus inicios; The Stooges trató de ser The Doors, pero necesitaban algunas lecciones de guitarra para lograrlo, ya sabes, tienes que poner algo de ti sobre la mesa, no puedes ser una copia de otra banda, tienes que sentirte inspirado por ellas y hacerlo a tu propia manera. Es un poco deprimente escuchar bandas que suenan exactamente como otras, de eso no se trata esto.

Jim, hablamos sobre las diferencias entre hacer un álbum en los 90 y hacerlo ahora, por lo que te repito la pregunta, pero esta vez hablando de los shows en vivo. ¿Cómo enfrentan esta nueva era donde los teléfonos y las redes sociales cambian la percepción a la hora de hacer un show en vivo?

Sí, tienes razón, es diferente, no hay duda de eso. Desde un punto de vista artístico prefiero mucho más la manera antigua, te sentías menos expuesto y mucho más confidente de lo que estás haciendo. Soy un tipo tímido, estar en el escenario y ser el centro de atención es todo un tema para mí, pero tenía una actitud muy punk cuando empezamos, quería ser como Iggy Pop; nunca podría ser eso, pero lo deseaba. La única forma en que podía estar arriba del escenario era si me emborrachaba antes. Toqué sin estar sobrio durante décadas, cada show, algunas veces ni siquiera podía mantenerme en pie, pero ya no bebo desde hace dos años y medio. Aún soy tímido y torpe, pero es mucho más profundo, puedo encasillarme más en la música y comprometerme y enfocarme en hacerlo cada vez mejor.

En una entrevista dijiste “no hay un lugar en el mundo para nosotros”, refiriéndote a la banda. ¿Qué quisiste decir con eso?

Nunca encajamos, existíamos en nuestro propio rincón. William y yo éramos los Mary Chain, y cuando pasó el grunge no teníamos nada que ver con eso; cuando llegó el brit pop no teníamos nada que ver con ellos, todos estos géneros que iban apareciendo nos excluían. Creo que para tener la atención de todos tuvimos que patearlos en las bolas, ya sabes a lo que me refiero. La canción “Amputation” precisamente habla de eso, de ese sentimiento de no estar conectados al resto de movimientos.

Este año se cumplen 30 años desde el lanzamiento de “Automatic”. ¿Planean alguna actividad especial para celebrarlo?

No hay planes, pero quién sabe, estamos abiertos a ideas. Lo único que puedo decir es que no tenemos nada pensado por el momento.

¿Por qué optaron por una producción más minimalista en ese álbum?

En esos momentos estábamos escuchando mucha música electrónica, por lo que queríamos hacer un álbum que sonara así. No hay bajo en el disco, todo está programado, hay drums machines y guitarras. Fue como nuestra carta de presentación para llegar a Estados Unidos. Cuando hicimos ese disco, estábamos tratando de sonar en las radios estadounidenses, y ese sonido nos acercó.

Bueno, Jim, se nos acaba el tiempo. ¿Hay algo que quieras decir a tus fans en Chile?

The Jesus And Mary Chain irá pronto a tocar para todos ustedes. Tenemos un set donde tocaremos canciones de todos nuestros discos. Si aman a la banda, estoy seguro de que les encantará el concierto, así que espero verlos ahí.

Muchas gracias por tu tiempo, nos vemos en el show.

Ok, muchas gracias a ti. Nos vemos.

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