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Frank Iero: “Con mi música quiero que la gente se motive a cambiar las cosas para mejor”

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Hay toda una generación que creció al alero de My Chemical Romance, banda que ahora vive en el recuerdo de sus miles de fanáticos, quienes esperan deseosos por una reunión del conjunto en algún momento. Lejos de todo eso, su guitarrista Frank Iero se enfoca en sus propios proyectos y lo hace sin necesariamente renegar de la banda que le otorgó fama, pero tampoco manoseando un legado que parece mucho más vivo estando intacto. The Future Violents y el álbum “Barriers” es la última de sus aventuras, con la cual debutará finalmente en nuestro país el próximo 26 de abril en Club Chocolate, en lo que será un concierto a casa llena, celebrando la música de los diversos proyectos solistas que ha emprendido el guitarrista.

Bajo ese contexto, nos sentamos al telefono con Frank, quien, con una mirada muy clara de la vida, nos explicó toda la intencionalidad detrás de su próximo trabajo, la importancia del álbum “Parachutes” en su vida, los músicos que lo acompañan en su actual banda y el significado detrás de “Barriers”, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos de manera integra a continuación.

Hola, Frank, ¿cómo estás? ¿Listo para la entrevista?

Hola, Manuel, muy bien, listo para esta entrevista. ¿qué tal tú?

Todo bien por acá, muchas gracias. Comencemos hablando de esta nueva etapa de tu carrera: The Future Violents. ¿Por qué el cambio para este nuevo disco?

Bueno, el nombre de hecho es por la idea de la vida como tal, y de cómo siento que vivir la vida y participar de la sociedad es un acto deliberado y violento. Puedes ser un observador pasivo de la vida y mirar al resto, o tomar acciones y generar un acto por tu cuenta para cambiar las cosas. El hecho mismo de vivir tu vida de manera activa y hacer algo para cambiar el mundo, es algo violento. La idea es que no sólo la gente de la banda, sino que toda la gente como tal, que esté lista para embarcarse en una vida activa, para quienes tocan y para quienes están escuchando. Ese es nuestro mensaje.

Sin duda hay todo un concepto detrás. ¿Hay una vital importancia en la forma en que el mensaje deba llegar hasta los auditores?

Quiero que escuchen este disco, que se sientan afectados de alguna forma por él, que lo amen, lo odien, lo que sea, pero que genere un sentimiento en las personas. Me gustaría que quien lo escuche tome lo aprendido de este trabajo, lo que haya amado y haya odiado, que salga allá afuera y haga algo al respecto. Quiero que con mi música la gente se motive a cambiar las cosas para mejor.

Hablando del álbum “Barriers”, ¿cuál fue la motivación principal para este disco?

Es algo que nace desde lo que dije, básicamente. Cuando terminé de hacer el último disco, “Parachutes” (2016), por un momento pensé “esto es todo”, iba a tomarme un descanso de todo, quizás no volver a hacer otro disco, sólo escribir algunas canciones, ya que no me sentía inspirado para componer, no iba a resultar. Sabía de qué quería hablar, pero no encontraba las palabras ni la música correcta para hacerlo. Y de pronto pasó que tuve planes con algunos de los músicos con los que siempre quise trabajar: Matt Armstrong de Murder By Death, Tucker Rule de Thursday, la multiinstrumentista Kayleigh Goldsworthy, y Evan Nestor, quien es mi compañero de banda desde hace mucho tiempo, y además es mi cuñado. Todos se encontraban con sus compromisos musicales finalizados, por lo que fue el momento perfecto para hacer algo juntos.

Es como si el destino los hubiese unido, realmente fue un timing perfecto.

Absolutamente (risas). Como todos estaban sin banda, quisimos iniciar un proyecto nuevo, eso fue muy inspirador, creo que todos lo tomamos como “oh, por dios, esto es una señal”. De pronto comenzamos a experimentar y pensar como funcionaria una alineacion con estos musicos, por lo que todo esencialmente fluyó y todos los obstaculos que había en mi camino comenzaron a desaparecer. Así nació la idea de hacer una canción que hablara de estos obstáculos que a veces nos ponemos a nosotros mismos, algo como protegernos de algunas cosas, pero finalmente lo que hacemos es no salir afuera y evitar experimentar algunas cosas por miedo. De eso se trata “Barriers”, sobre derribar esas murallas que nosotros mismos ponemos.

Por más que leo entrevistas tuyas, en todas se repite el hecho de que “Parachutes” es para ti uno de los álbumes más importantes en tu carrera. ¿Cómo ves el impacto que ese disco tuvo en tu vida?

Es algo muy loco. Todo ese período de tiempo, desde lanzar el álbum, lo que vino después, el accidente que tuve en Australia, todos fueron momentos importantes en mi vida y me cambiaron para siempre, así que sí, es un disco muy muy importante. Tuve la oportunidad de trabajar con Ross Robinson y Steve Evetts, lo que fue una experiencia increíble y disfruté mucho. Creo que tuve que lidiar con muchas cosas para ese trabajo, las que se condensaron con experiencias dramáticas que tuve en mi vida, por lo que sentí que fui capaz de transformar las canciones de mi mente y llevarlas al mundo real.

¿Consideras que es tu mejor trabajo?

Siento que “Parachutes” me ayudó a ser un mejor compositor, y lo que estamos haciendo ahora con estos músicos es llevar lo aprendido hasta el siguiente nivel. Es loco, me siento muy afortunado que con cada álbum que lanzo puedo decir “¿Sabes qué? Este es mi mejor disco” (risas). Algunas personas no pueden decir eso, así que me siento bendecido de que en mi caso sea así.

Ahora que girarás con Taking Back Sunday, muchos fanáticos pensaron que vendrían juntos a Sudamérica, pero finalmente terminaron tocando por separado. ¿Hubo alguna conversación al respecto?

No lo sé, quizás hubo y no funcionó, ni siquiera sabía que iban a Sudamérica hasta que vi algunas publicaciones sobre eso, pero habría sido muy divertido. Aun así, me enteré de cómo estuvo su gira y, ahora que nosotros haremos lo mismo después de girar con ellos, será divertido.

Bueno, Frank, creo que se nos acabó el tiempo. Para finalizar: ¿quieres enviar un mensaje a tus fans en Chile?

Por supuesto. Hace mucho tiempo que quería ir a tocar allá, lamentablemente no pude estar presente en la gira que hizo My Chemical Romance en su momento debido a una emergencia familiar. Creo que hacer esto ahora después de tanto tiempo será mucho más especial. Les agradezco a todos por la paciencia y por el continuo amor y apoyo, fueron muy expresivos en pedir que fuéramos a tocar, gracias a eso llamamos la atención de los promotores que nos llevarán hasta allá. No puedo esperar por tocar en Santiago, estamos muy entusiasmados. Muchas gracias a todos y les prometo que la espera valdrá la pena.

Muchas gracias por todo, Frank. ¡Nos vemos!

Gracias a ti por tu tiempo, Manuel. ¡Los veré a todos en el show!

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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