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Eduardo Henríquez y Caroline Chaspoul de Pánico: “El mensaje de Pánico está en concordancia con lo que pasa en Chile”

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Entre cualquier nombre internacional y cuanto artista esperado por el público local, dentro del cartel de Lollapalooza Chile 2020 apareció una sorpresa prevista por pocos, pero que encendió los ánimos automáticamente para una nueva edición del festival. Se trata de la banda nacional Pánico, quienes vuelven a los escenarios por vez exclusiva para presentarse el día sábado 28 de marzo en la segunda jornada del evento.

Ante esto, es que nos sentamos al teléfono por Eduardo Henríquez y Caroline Chaspoul, quienes nos comentaron diversos detalles de la presentación que tendrá el conjunto, qué los motivó a reunirse nuevamente, los preparativos para el concierto en pleno estallido social de nuestro país, los eventuales planes a futuro con Pánico, que se viene para su proyecto Nova Materia, entre muchos otros temas, que puedes leer en esta entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, ¿cómo están, chicos?

Bien, ¿cómo estás tú?

Bien, muchas gracias. Quiero partir conversando sobre los preparativos para el regreso de Pánico, me imagino que están contentos por volver con la banda.

Eduardo: Sí, bacán, estamos súper contentos y es una súper buena ocasión para reencontramos y volver a sacar el sonido de Pánico. Los preparativos han estado hasta el momento bien virtuales porque no vivimos en los mismos lugares, entonces estamos más bien como decidiendo cuál va a ser el material que vamos a tocar. Cada uno ha estado sacando de vuelta los temas, reencontrándonos con los sonidos y todo eso. Después, acercándonos a la fecha del show, vamos a juntarnos en Santiago a comienzos de marzo, y unas tres semanas antes vamos a montar todo el concierto en Santiago.

Se dice que esta será una presentación única. ¿No planean continuar haciendo más cosas en los siguientes meses?

Eduardo: No, por ahora no pretendemos hacer otras cosas, esto ocurrió porque uno de los organizadores, Sebastián De La Barra, nos pidió si podíamos tocar para el aniversario de Lollapalooza Chile, y es verdad que no tocábamos en ocho años, así que era una buena oportunidad para juntarnos y tocar los temas ante un gran público. Así partió la cosa, pero no hay planes de volver a montar Pánico o sacar algún disco.

Caroline: Primero tenemos que hacerlo y después veremos, es muy temprano como para pensar en eso por ahora.

¿Quiénes estarán con ustedes en esta reunión?

E: Los clásicos: Sebastián “Tatán Cavernícola” en la batería y “Memoria Radial” en la guitarra, digamos que es la formación de “Rayo Al Ojo” (1997) y que siguió después. Con el tiempo pasaron varios músicos, pero no podemos reunir a todos porque hubo mucha gente que tocó dentro de Pánico. En el show vamos a ser los cuatro integrantes originales.

El cartel del festival, con el anuncio de la reunión, se lanzó el 10 de octubre y tan solo ocho días después comenzaron las movilizaciones en el país. ¿Qué tan diferente es para ustedes prepararse para un show en un contexto tan distinto al que debió ser?

C: Eso es como que le da más contenido a Pánico. Yo creo que hace tiempo Chile estaba esperando que pasara algo así y Pánico, con todo el tiempo que vivimos en el país, siempre tuvimos claro que estábamos no llamando explícitamente, pero sí las letras cuentan que se necesita avanzar y cambiar de sociedad. Entonces es algo increíble que suceda cuando nos juntamos. Es muy emocionante también, aunque es muy duro lo que pasa en Chile, creo que tal vez es algo necesario.

E: No nos preparamos de una forma particular, porque en sí el mensaje de Pánico es uno que está totalmente en concordancia con lo que está pasando. Cuando montamos Pánico, en ese tiempo las bandas de rock eran reivindicativas, algunas eran políticas y otras, como nosotros, éramos políticas, pero de una forma más loca, más ácida (risas).

Precisamente me gustaría que habláramos un poco de eso, de los inicios de Pánico y de cómo fueron ganando terreno gracias a su propuesta, muy diferente a lo que se veía en la escena mainstream de Chile. ¿Qué fue lo que los motivó a tener ese tipo de desarrollo creativo cuando comenzaron la banda?

E: Creo que, de partida, estaba el espacio para hacerlo, en el sentido que era una sociedad que estaba saliendo de la dictadura y que se necesitaba, y la gente estaba buscando ideas nuevas. Nosotros en ese momento estábamos viviendo en París, y cuando llegamos a Santiago con toda la influencia que teníamos de la escena alternativa de acá en aquellos tiempos, eso puesto en conjunto con lo que estaba pasando en la sociedad en Chile, fue algo súper inspirador. En ese sentido, encontramos un trabajo y un espacio para poder desarrollar esas ideas.

C: De hecho, es algo que tal vez no existe más en Chile desde los 2000, porque en el fondo cuando llegamos no había nada. Había mucha gente creativa, muchos artistas activos, pero no había infraestructura, no existían los festivales y todo era muy alternativo. Cuando había que hacer una fiesta o un mini festival, lo armaban los artistas, no había productores. Eso cambia mucho la dinámica y la libertad que uno podía tener en esa época.

E: Y era bastante cooperativo, todo el mundo sabía hacer un poco de todo y se ayudaban.

C: No había tanto control. Ibas a un canal de televisión a grabar un live y era en vivo. Para nosotros era loco porque en Europa no existía eso, pues acá te grababan, se revisaba, se editaba y se montaba, y si quedaba algo espantoso, no lo pasaban. En cambio, en Chile, a pesar de que estaban saliendo de una dictadura, no había control de nada. Se podían hacer cosas totalmente pelacable, ¿cachai? Eso era una oportunidad en un momento especial que aprovechamos.

E: Nosotros, viniendo de Francia, para tener acceso a medios como la televisión, tenías que ser alguien muy mediático. En cambio, en Chile era mucho más fácil llegar y hacer programas de televisión. En espacios como Extra Jóvenes, que eran programas que pasaban a las 4 de la tarde e iban en vivo, uno podía hacer literalmente lo que quería, y no habían sido ocupados en una forma artística o con un concepto. Eso para nosotros era súper excitante porque nos permitía desarrollar una estética, además de una suerte de ideas.

C: Quebrar muchos esquemas, también.

Con todo esto que me cuentan, me da la impresión de que el contexto fue lo que moldeó a Pánico. Hago la relación un poco con una entrevista donde Eduardo decía que Pánico era una banda del siglo XX. ¿Qué tan diferente sería si Pánico no hubiese sido una banda en esos años y comenzara ahora, en una época de grandes festivales?

C: Yo creo que no habríamos hecho música. No habríamos actuado de la misma manera, no habríamos hecho la parte de escándalo de Pánico, habría sido más complicado, se habría manifestado de otra manera.

E: Creo que realmente la estética y la actitud de Pánico eran muy relacionadas a su tiempo, y de haberlo hecho fuera de su época, habríamos realizado otra cosa.

¿Quizás el álbum “Resonancia” (2012) busca responder a la duda de qué más hacer?

E: Totalmente. Cuando se nos presentó la posibilidad de hacer este proyecto, sentimos que era una muy buena oportunidad para ir a buscar algo más allá, porque habíamos estado explorando muchos territorios como dentro del rock y ya sentíamos que necesitábamos encontrar una puerta para hacer algo que a nosotros mismos nos pudiera causar excitación y ganas de investigar. El hecho de ir a trabajar en espacio abierto, desierto, confrontarnos con una cultura, con materiales, con espacios físicos y geográficos, es algo que abrió puertas hacía otro mundo y las cosas cambiaron mucho después de eso.

Está más que claro, pero creo que tal vez “Resonancia” fue la transición hacia lo que terminó siendo Nova Materia después.  ¿Por qué iniciar un proyecto nuevo en vez de seguir experimentando con lo que ya se estaba haciendo?

C: Porque yo creo que justamente ahí fue que entendimos que los miembros de Pánico no tenían la misma sensibilidad a lo que es hoy en día Nova Materia. Nosotros teníamos una idea muy clara de lo que queríamos hacer, acerca de los materiales, los espacios y, en el fondo, usar la música como parte de algo mucho más abierto. Y, bueno, parece que a los otros chicos les gustaba para un el álbum, pero no para un proyecto nuevo, entonces es una de las razones de parar con Pánico; no todas, pero es parte de ese final. Aparte que, si tienes una banda de 20 años, todo llega a su fin también (risas).

E: Después de “Resonancia” estábamos todos súper cansados y también estaba empezando un período nuevo para el Seba, para Memo, ellos estaban teniendo niños y Seba volvió a Santiago, como que llegó un momento que era complicado tocar con Pánico, porque tocar con un grupo no es fácil y es algo que no necesariamente es compatible con una vida de familia. También pasó eso y fue súper bueno, porque cada uno pudo explorar cosas que no había hecho en términos de música. Fue en ese contexto que Caro y yo empezamos a idear Nova Materia, que fue, como dices tú, la continuación. Retomamos donde habíamos dejado las cosas de “Resonancia” y partimos de ahí para hacer algo nuevo.

Aun así, queda el sentimiento de que es una transición en vez de un final, ¿no creen?

E: Nunca consideramos –y nadie en Pánico– que el grupo se había acabado. Nadie dijo: “Se acabó Pánico”, porque somos amigos y nos hablamos. Pero siempre tuvimos una suerte de exigencia en Pánico y en todo lo que hacemos, que se traduce en no hacer cosas por costumbre porque, sobre todo en la parte creativa, hay momentos en que uno tiene menos cosas que decir y otros en que tiene más que decir, y “Resonancia”, como último disco de Pánico, es un bello trabajo para cerrar un ciclo. Creo que haber hecho un disco sin ganas de hacerlo habría sido un error, por eso fue bueno que dejáramos las cosas así y aquello le permitió a cada uno estar trabajando en otros proyectos. Para nosotros fue la oportunidad de que naciera Nova Materia, y fue bueno porque nos abrió un mundo súper creativo. Ha sido súper enriquecedor tener la suerte de hacer este proyecto.

¿En qué va Nova Materia actualmente?

C: Estamos grabando. Tocando y grabando.

E: Hemos tocado mucho, casi dos años tocando mucho y, entre medio, grabamos el primer álbum. Todo eso fue como loco y ahora estamos terminando la gira que hemos dado con “It Comes” (2018). Estamos aprovechando de tener un poco de tiempo, como dice Carolina, para poder grabar nuevo material, y estamos grabando muchas cosas a la vez. Eso es súper bueno, y son cosas que se van a ir publicando dentro del año, de a poquito (risas).

La última vez que nosotros conversamos fue cuando tocaron en Lollapalooza Chile como Nova Materia. No sé si recuerdan que les pregunté si habían pensado en lanzar un disco en vivo. ¿Le han dado vuelta a esa idea?

E: Sí, es una muy buena idea, y lo hemos pensado. Quizás lo hagamos en algún momento, pero ahora estamos interesados en avanzar y seguir la historia más que pensar en publicar lo que hicimos en vivo. Y quizás no es tan ad hoc hacerlo ahora, pero es posible que en algún momento lo hagamos.

C: Tenemos un álbum en desarrollo, y otras cosas que hacer antes que sacar algo más variado como algo en vivo.

Hay algo que dejé en el tintero sobre el show de regreso de Pánico. Teniendo tantos discos, ¿cómo eligen el repertorio para la reunión?

C: Lo que la gente quiere escuchar lo sabemos muy bien, eso está claro (risas). Lo que nos ayudó a seleccionar los temas que vamos a tocar no se ha terminado aún, porque yo creo que cuando vayamos a ensayar todos juntos vamos a definir los que van y los que no van. Creo que el hecho de que estén en revolución, obviamente vamos a tener una elección especial de los temas, porque es algo muy importante.

E: No es fácil elegir el material porque hay mucho, pero hemos estamos privilegiando el período de los años noventa, porque finalmente en toda la época post 2000 –entre 2000 y 2010– esencialmente tocábamos lo que sacábamos en ese momento, mucho “Subliminal Kill” (2005), “Telepathic Sonora” (2001) y “Kick” (2010). Hacíamos shows más basados en esos discos y a eso le agregábamos temas de los años noventa. Ahora, como tenemos todo ese tiempo que ha pasado, también vemos toda la historia de Pánico de una manera más global, entonces una decisión que hemos tomado: tocar mucho lo que se grabó en los años noventa; obviamente el primer EP y el primer álbum, que tiene todas las canciones, como “No Me Digas Que No Si Quieres Decirme Que Sí”, que son temas importantes, “Una Revolución En Mi Barrio” también, y todos los temas que fueron importantes en ese entonces y que por mucho tiempo no los tocábamos.

Lamentablemente se nos acaba el tiempo, pero me queda una última pregunta que hacerles sobre el disco “Telepathic Sonora”. ¿Cómo fue el ejercicio de explorar los sonidos de la cumbia en esos años, cuando había más prejuicios?

E: Creo que fue lo mismo que nos motivó para “Resonancia”. Habíamos hecho dos discos de rock y de indie rock, y queríamos buscar algo más. En ese momento nos abrimos mucho a otras músicas que no habíamos escuchado tanto antes, como música brasilera o mexicana de los años 60, música latinoamericana de los años 60 y 70, y así fue como empezamos a descubrir las raíces de la cumbia y nos empezamos a interesar en ese legado histórico musical. Lo empezamos a buscar en disquerías de vinilos porque en Chile hay poco registro de lo que se hizo en ese tiempo, al menos en esos años, y la única manera de encontrarlo y escucharlo era ir a buscar vinilos. También estaba todo lo que pasaba en Europa con Fatboy Slim o Beastie Boys –bueno, ellos son norteamericanos–, pero mezclaban música que era contemporánea con ritmos antiguos que habían sacado de vinilos y todo el período post sampling. Eso nos pareció un lugar interesante de trabajo y que no se había hecho mucho con las raíces de la música latinoamericana. Así empezó la cosa y comenzamos a mezclar programaciones que hacíamos con sampleos de caja de ritmos, con sampleos de cumbias y cosas así, y a eso le empezábamos agregar baterías, bajo, guitarra y voces. Así fue como partió la idea de “Telepathic Sonora”.

C: Hubo todo un primer período, que fue la génesis del proyecto, lo hicimos en Santiago y era súper particular el sonido. Lo tocamos varias veces en vivo y era una mezcla de rock y cumbia. Después se hizo el disco y tuvo un proceso más de la industria de la música, con un productor y salió el resultado de “Telepathic Sonora”. Eso fue, en resumen.

Bueno chicos, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias por su tiempo.

E: Muchas gracias a ti por la entrevista, y nos veremos en Santiago nuevamente.

C: Gracias. ¡Nos vemos!

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Entrevistas

Mark Bowen de IDLES: “Quisimos destilar la banda a su forma más esencial”

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IDLES

Uno de los nombres que más comentarios se ha llevado en los últimos años es IDLES, banda oriunda de Bristol que se ha ido abriendo camino poco a poco a punta de excelentes álbumes. Primero fue “Brutalism” en 2017 y luego “Joy As An Act Of Resistance.” En 2018, este último marcando un verdadero precedente en esta trinchera como el mejor álbum de ese año. Pero ahora la banda, más que seguir gozando de los elogios (algo que muchos hacen con apenas un par de trabajos actualmente), prefiere mirar adelante y adentrarse en una nueva etapa con “Ultra Mono”, su recién estrenado nuevo disco y que aspira a convertirse en una de las obras más destacadas de 2020.

Si bien, el disco ya tiene algunos días publicado, HumoNegro pudo escucharlo de manera anticipada antes de una grata conversación con Mark Bowen, guitarrista principal de la agrupación, con quien revisamos una serie de puntos de este trabajo, además de reflexionar sobre el éxito, la idea de IDLES como una banda en vivo, su pendiente debut en Chile y la influencia del segundo álbum en la banda, entre muchas cosas más, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Mark, ¿cómo estás?

Estoy bien.

Te llamo desde Chile. Mi nombre es Manuel y es muy bueno hablar contigo. ¿Cómo han ido los últimos días?

Sí, estoy bien. Es un momento bastante inusual para lanzar un álbum, así que hay un montón de nuevos e inesperados desafíos con eso. De todas formas, sigue siendo algo bueno, estoy contento por este nuevo álbum, así que, ¡vamos a hacerlo!

Escuché el álbum completo antes de que habláramos y es realmente increíble, así que me gustaría que partiéramos hablando del desarrollo detrás de este disco. ¿Qué nos puedes contar sobre el proceso creativo haciendo de este nuevo álbum?

Partió como una reacción a “Joy As An Act Of Resistance.” (2018). Recién habíamos terminado de mezclar y masterizar ese álbum y había algunos aspectos sonoros que no logramos del todo y queríamos trabajar en darnos cuenta por qué no lo habíamos hecho, pensar qué podíamos hacer en nuestro proceso de composición y grabación, queríamos poder sonar exactamente como queríamos hacerlo. Así que dimos con esta idea de que queríamos hacer algo como el hip hop contemporáneo y la música electrónica, poder identificar qué es lo que hacía esas cosas tan poderosas y, de hecho, es la singularidad.

En nuestra música, hasta ese punto, había mucho ruido de fondo; las guitarras tocaban cosas diferentes, nadie estaba poniendo atención a lo que hacia el otro. Podía sonar bien y caótico, pero en cierta forma templa la fuerza del mensaje, por lo que nos sentamos y quisimos calmar todo y destilar IDLES a su forma más esencial para que así pudiéramos realmente llevar este mensaje a través de estos pequeños gestos, como sencillas partes de guitarra, sencillas partes de batería, que realmente transmiten el mensaje, y luego quedó más que claro el tema de las letras o cuáles serían las temáticas que trataríamos. En ese minuto está el discurso social, la política, había muchas cosas pasando, especialmente en la izquierda, había mucha confusión, discusiones, disculpas, muchas cosas que hacían que cualquier mensaje perdiera la significancia, por lo que queríamos romper estas canciones que eran tan “blanco y negro”, tan simples y sencillas que no podían ser marcadas por algo más, esa era nuestra meta.

Para poder hacer eso en tu forma de componer, para poder decir estas cosas de forma sencilla en tu música, realmente debes aumentar tu confianza, porque es fácil cuando no estás confiado en algo. Hay que tener confianza para ayudar y decidir cosas como agregar alguna parte de guitarra, ese tipo de decisiones, eso es algo muy importante en el álbum, este mensaje de creer en uno mismo y tener determinación, creer en lo que quieres hacer y apegarte a algo. De esto se trata el álbum, este motiv de “Yo Soy Yo”, que es un arma de doble filo, ya que es como una arenga motivacional de “soy lo que soy, vamos”, o también de que “yo soy yo con todos mis defectos, virtudes; yo soy yo, y tengo que aceptar a esa persona”, por lo tanto, esa aceptación de uno mismo se transformó en una aceptación de lo que IDLES era y de lo que será. El sentimiento de “me estoy moviendo, estremeciendo, confío en mí”, emprender ese pensamiento para mejor, de esto se trata el álbum.

En cuanto a las letras, el mensaje es bastante claro, pero cuando nos vamos al sonido, lo primero que se vino a mi cabeza, especialmente cuando escuché la canción “The Lover”, fue que este disco pone el “sonido en vivo” de IDLES en un formato de estudio. Se siente como si estuvieran tocando estas canciones en un concierto. ¿Fue esto algo que intencionalmente quisieron hacer en el disco?

Sí, sí. Siempre está esa pelea entre la banda de que queremos dejar constancia de lo que somos en vivo. IDLES es principalmente una banda en vivo, eso es lo que hacemos, para eso componemos nuestras canciones, de eso se trata la banda: hacemos nuestra música para tocarla en vivo. Hay una energía cuando tocas en vivo que es muy difícil de capturar en un disco, y ahí es donde creo que Nick Launay y Adam Greenspan, nuestros productores, comprendieron eso como fans de la banda, y realmente lo lograron transmitir tan asombroso como les fue posible. Uno de los golpes de genialidad en este álbum es donde las baterías fueron grabadas, en algo así como un pequeño cuarto hecho de ladrillos; el cielo era de ladrillos, las paredes, todo. Eso permitió que tuviéramos este sonido cacofónico y violento en la batería, que es una parte fundamental de este disco, y una gran parte de esta canción que mencionaste, “The Lover”. Nunca había escuchado baterías como estas, y estoy tan contento de que estén en nuestro álbum (risas).

De hecho, escribí algunos apuntes de cada canción, y sobre esta puse que “es una de las canciones que más te hacen extrañar los conciertos”. Se siente como algo que desearían mucho tocar en vivo.

Sí, lo es (risas). Es prácticamente una canción para conciertos. De hecho, la compusimos durante una gira. Estábamos tocando en Alemania y la compusimos durante la prueba de sonido. Creo que es la única vez que la tocamos de alguna forma sobre un escenario, pero está diseñada para ser una canción de conciertos, no puedo esperar para que la gente la escuche. Además de eso, las guitarras son enormes, deben escucharlas en unos parlantes grandes, y háganlo lo más fuerte posible.

Me gustaría que habláramos de “Joy As An Act Of Resistance.”, segundo disco de la banda. Este fue escogido en nuestro sitio como el mejor álbum de 2018, y también el mejor de la década.

¡Oh, vaya! Muchas gracias.

Por esto quiero preguntarte cuál crees que es la principal influencia que este álbum ha tenido en la gente, y en la fanaticada de IDLES, especialmente.

Creo que la principal influencia que tuvo en nosotros como banda es que se transformó en una especie de motiv por el que vivimos ahora. “Joy As An Act Of Resistance.” es algo muy importante porque es realmente importante hacer las cosas con amor, compasión, con una mentalidad abierta. Debemos escucharnos los unos a los otros, compartir, ser capaces de sentirnos vulnerables y compartir tus sentimientos y pensamientos con los demás. Todo esto es algo por lo que nosotros como banda vivimos, y que se expandió a las comunidades alrededor de nosotros, como nuestros seguidores. Esta mentalidad abierta, este deseo de perseguir algo, incluso aunque parezca imposible, de sentirse bien a pesar de todo, sólo cosas buenas pueden salir de eso, y siento que ese es el legado de este álbum.

¿Sienten que este nuevo álbum es como el último capítulo de una trilogía? Lo pregunto por eso de que claramente hay un leitmotiv continuo en todos los discos.

Si, en cierta forma. Definitivamente hay un motiv que se mantiene, pero no creo que eso necesariamente se mantenga como la narrativa de una trilogía. Creo que con “Ultra Mono” alcanzamos el peak de IDLES. Siento que estamos por sobre la banda que hizo “Brutalism” o la que hizo “Joy As An Act Of Resistance.”. Con “Ultra Mono” llegamos a este peak de lo que nuestra banda es. Seguimos adelante y usamos este crecimiento de lo que somos en adentrarnos más en la experimentación y movernos de esa línea. Así que sí, se siente como una trilogía, pero no tiene la narrativa de “inicio, desarrollo, final”, es sólo el viaje de una banda comprendiendo quienes son.

Siento que este es el disco más diverso en cuanto a sonido; puedes oír un poco de cada período de IDLES en él. También estoy sorprendido por los nombres que están en el álbum, como Jehnny Beth, Warren Ellis o Kenny Beats, por lo que te pregunto: ¿por qué querían trabajar con estos colaboradores en este LP?

En este ejercicio de destilar IDLES a su forma más esencial, miramos estos conceptos que trata la banda, como la honestidad, la mentalidad abierta, auto aceptación, compartir, el sentimiento de comunidad. Esto último es una parte muy importante de IDLES, hemos formado comunidad entre la banda, con los colaboradores, también con nuestro público en los shows, los medios. Sentimos que ese sentido de comunidad era algo importante de tener en el álbum, y lo aplicamos teniendo voces externas a las cinco personas de la banda, gente como el saxofonista Colin Webster, David Yow en coros, Warren Ellis, Jehnny Beth, Jamie Cullum en el piano, todos son personas que pareciera no tiene mucho sentido tenerlas a juntas, pero funciona porque han mostrado interés en esos valores que promovemos, esa honestidad y entusiasmo en tener una mentalidad abierta, todos son IDLES. Por eso era importante tener sus voces en el disco.

Mark, lo siguiente es algo que pienso personalmente, por cierto. Creo que la banda va directo a su explosión de popularidad a nivel masivo. Pienso que ustedes serán –más bien, son ahora– una de las mejores bandas en el mundo. ¿Estás consciente de esta popularidad siempre en alza de IDLES?

Sí, ha sido todo un viaje. Con “Joy As An Act Of Resistance.” teníamos que promocionarnos nosotros mismos, nadie en la industria nos iba a tomar en cuenta y tuvo una popularidad más allá de nuestros sueños más locos. Creo lo mismo que tú dices: siento que con “Ultra Mono” esa popularidad llegará incluso más lejos, y también estoy de acuerdo con lo otro que dices de que IDLES es una de las mejores bandas del planeta (risas). Lo somos, es algo intencional, y lo digo de forma muy deliberada. Creo que eso nos presenta desafíos, que es un aspecto muy importante en nuestra relación como banda y también con los fans. Los fans sienten ese deseo de pertenencia, sienten que nuestros álbumes les pertenecen y eso es algo muy difícil de hacer.

A medida que te vas haciendo más y más popular, vas tocando en recintos cada vez más grandes, tus álbumes se venden cada vez más alrededor del mundo. Es difícil mantener eso, es difícil evitar que eso se desmorone, pero es una de las cosas divertidas de estar en una banda, tienes que enfrentarte a estos desafíos cada vez más difíciles. Nuestra tarea el año pasado, cuando pasamos de tocar en recintos con capacidad para mil personas a recintos para diez mil, presentaba un desafío enorme porque queríamos que todos se sintieran igual que en los shows de IDLES donde tocábamos para 200 personas. Esa es nuestra meta, teníamos que pensar realmente qué significaba estar ahí para cada una de las personas que asistía. Y lo digo de verdad, esto es cien por ciento como somos, y trabajaremos duro porque cada persona que descubra a IDLES pueda sentir eso.

Siento que esto es porque, por ejemplo, acá en Chile tuvimos muchas protestas en las calles el año pasado y eso coincide también con que especialmente la gente joven se siente muy motivada por la música de IDLES. Creo que, particularmente con “Joy…”, las canciones encienden una sensación de esperanza en las personas. Cuando iban a venir a Lollapalooza, la gente vio que IDLES iba a tocar a las dos de la tarde y todos estaban muy molestos porque querían tener un show completo, de noche y todo eso. Ahí fue cuando comprendí cuán popular es IDLES por acá. Bueno, todo esto que mencioné, es para preguntarte si te gustaría enviar algún mensaje a su público en Chile, que todavía están esperanzados de que puedan tocar acá, algún día.

Oh, sí (risas). Oh, Dios mío, no puedo explicarte lo entusiasmados que estábamos con la banda por ir a Chile y tocar para ustedes. Un gran factor motivante para nosotros ha sido ir a tocar para la gente donde sea que se encuentren, estábamos entusiasmados por todo esto. El hecho de que esos primeros shows que íbamos a tocar en el año hayan sido los primeros que se cancelaron fue algo lamentable. Les prometo que, en el instante que podamos volver, lo haremos. No tienen que preocuparse por la hora del día que tocaremos; de hecho, debo decirles que me gustan los shows de IDLES durante el día porque hay algo casi incongruente al vernos durante la luz fría del día, le añade una energía especial (risas). No se preocupen si será de día o de noche, igualmente daremos lo mejor sin importar la hora que sea.

Esta fue la última pregunta, ya que nos quedamos sin tiempo, Mark. Muchas gracias por la entrevista y felicitaciones por el disco, está realmente genial.

Sí, muchas gracias. Me siento muy honrado de que eligieran “Joy As An Act Of Resistance” como álbum del año, y ahora álbum de la década. Es un honor increíble. Me hace querer ir a Chile tan pronto como ahora mismo; si pudiéramos ir esta noche, iríamos esta noche. Estaremos allá, no se preocupen.

Bueno, siempre reviso los sets en festivales en YouTube y, cuando veo al público, pienso en que ustedes nunca jamás han visto un público como el de Santiago, se los prometo (risas).

Muy bien, estoy listo.

Bueno, Mark, espero que puedan venir a tocar acá. Cuídate mucho.

Muchas gracias, cuídate mucho. Adiós.

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