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Death From Above 1979 Death From Above 1979

Entrevistas

Death From Above 1979: “Este disco marca el inicio de una nueva forma de hacer las cosas”

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Is 4 Lovers” es el nombre del nuevo álbum de Death From Above 1979, banda que se ha caracterizado por el particular sonido que logran con tan solo dos componentes: el bajista Jesse F. Keeler y el baterista Sebastien Grainger. Con este nuevo trabajo, el conjunto tomó la difícil misión de hacer todo por su cuenta, abordando la producción de una manera más personal y colaborativa entre ambos, lo que ellos mismos han descrito como una prueba de su complicidad a la hora de tocar.

Con motivo del recién estrenado LP es que conversamos con ambos músicos a la distancia, en una entrevista donde nos relataron el proceso detrás de este disco, su experiencia con la pandemia, la manera en que trabajan sin un productor y, sobre todo, lo orgullosos que están con el resultado final de esta obra. Todo esto, y más, lo dejamos a continuación.

Hola, chicos, ¿cómo están? ¿Cómo han estado durante estos días tan duros, extraños y difíciles en todo el mundo?

Jesse: La verdad es que he estado genial (risas).

Sebastien: Si, yo también (risas).

¿Han tenido cuarentenas últimamente?

JS: No, yo vivo en una zona campestre de Canadá, así que nunca he sentido tanto las cuarentenas, no hubo un momento en que nos afectara acá, pero sé que en las ciudades ha sido diferente. Acá no debo esforzarme por estar dos metros alejado de la gente, más bien tengo que perseguir a alguien para tener una persona cerca (risas). No veo gente muy seguido por acá. Escucho algunos autos durante el día, pero aparte de eso, no hay nada más.

Oh, bien, comprendo. ¿Qué tal tú, Sebastien?

 Estoy en una situación similar, pero no tan alejada. Cuando empezó esto estaba viviendo en Los Angeles, donde todo se volvió progresivamente más desafiante, se sentía que el futuro sería oscuro y desconocido. Todo era muy incierto, así que nos mudamos con mi familia de regreso a Canadá y luego nos fuimos a un lugar alejado de la ciudad, parecido a lo de Jesse. No estamos en la ciudad ahora; a pesar de que lo llaman una pandemia global, para mí en realidad es una pandemia urbana, principalmente porque ahí es donde se concentra la gente. Somos afortunados de vivir en un país con mucho espacio abierto, ya sabes, Canadá es literalmente un espacio abierto (risas), a excepción de algunas ciudades. Si estás dispuesto a no tener acceso a expresos de 5 dólares, podrías vivir en lugares muy bonitos.

Genial. Sin duda suena como lugares muy tranquilos para vivir.

JS: Sólo para darte una idea del espacio, tengo 12 hectáreas en mi propiedad y en un lugar hay una isla que nadie ha ingresado jamás. Nunca nadie la ha visitado. Una vez intenté ir persiguiendo un castor en el invierno, pero me devolví, preferí dejar que se fuera. Está totalmente inmaculada, está intacta desde siempre prácticamente, antes de que existiera la gente. Así es Canadá (risas).

Chicos, quiero pasar a su nuevo álbum, publicado recientemente el 26 de marzo. ¿Qué nos pueden contar sobre “Is 4 Lovers”?

SB: Bueno, decidimos hacer el álbum por nuestra cuenta. Poco después de que publicamos nuestro álbum anterior, “Outrage! Is Now” (2017), decidimos que era el momento para ser más independientes en la forma que hacíamos música, así que, cuando decidimos que haríamos un nuevo LP, recién habíamos cambiado de sello discográfico y lo vimos como una buena oportunidad para hacer un montón de cambios. Uno de esos fue ver cómo nos resultaría hacer algo completamente por nuestra cuenta.

¿Cuánto de aprendizaje en la carrera hubo durante el proceso? ¿Qué lo hizo tan diferente al desarrollo de sus tres anteriores álbumes?

SB: Renté un pequeño estudio en Los Angeles y lo llené con mis equipos, luego Jesse vino y estuvimos algo así como cinco semanas haciendo algo nuevo cada día. Estábamos ensimismados haciendo esta música, fue diferente a los últimos discos donde hicimos demos, nos pasábamos ideas de ida y vuelta, y hubo un montón de trabajo de cada uno por su cuenta. Hicimos un poco de eso para este disco, pero decidimos desecharlo y empezar desde cero en el estudio los dos juntos, tratar de capturar esa energía. En vez de crear demos, queríamos tocar música en un entorno adecuado como el estudio, capturar esos momentos. Este es un disco que refleja esos momentos, la música que escuchas en el disco es prácticamente el fruto de un aprendizaje, tiene la energía de ser una música joven. Esa música fue trabajada para convertirse en canciones, con letras y melodías, eso también fue algo inmediato. Había momentos en que, tan pronto como surgía la melodía, la letra y todo lo demás nacía a continuación. Eso es lo que se escucha en este disco, no quisimos rehacer nada para que se sintiera lo más integro posible a la experiencia que tuvimos trabajando juntos.

Está más que claro que se siente una complicidad y libertad diferente trabajando solamente ustedes, independiente de que el productor sea de confianza.

SB: Si, esta vez no hubo nadie diciéndonos que arregláramos algo, tuvimos la oportunidad de mantener todo muy enérgicamente. En nuestro anterior álbum trabajamos con Eric Valentine, que es alguien muy técnico, un productor increíble y una gran persona para trabajar, quien se encargaba de cada detalle. Había ocasiones en que yo cantaba algo y, si estaba entre notas o un poco diferente del resto de elementos, él buscaba el ajuste hasta que quedara perfecto. Me preguntaba: “¿Qué nota estás cantando?”, y yo le decía que no sabía (risas). Eran procesos con mucha deconstrucción y reconstrucción de las canciones que, para este disco, fue distinto.

El sonido de la banda es un aspecto importante, así que quién mejor que ustedes dos para comprenderlo en su forma esencial. ¿Hubo conexión en el sentido del resultado final que ambos esperaban con este disco?

SB: Para mí si suena bien. Hubo pocas ocasiones en este disco en que Jesse y yo no estuviéramos de acuerdo. Lo mismo con su estilo de tocar el bajo, no hubo momentos en que no me gustara algo o quisiera modificarlo. Algunas veces los productores querrán probar diferentes notas, cosas así, a veces usan ProTools para editar las notas y que queden puestas en el punto exacto, en cambio aquí es la banda tocando y yo cantando sobre eso. Es un enfoque mucho más natural.

JS: Podría sonar divertido decirlo, pero es lo que es: este es el sonido de nuestra banda. Se ve muy seguido eso de que, cuando las personas hacen discos, básicamente editan todo hasta la perfección absoluta, lo que para mí no tiene mucho sentido. No estamos tratando de hacer una fotografía o una pintura impresionista, ese es el concepto principal de nuestra banda; usamos las menores piezas posibles para hacer nuestro sonido como lo queremos. No tengo una respuesta diferente a la de Sebastien en esta pregunta, lo que es probablemente algo bueno.

Están los dos en la misma página.

Ambos: ¡Absolutamente!

JS: Este álbum es el sonido de ambos haciendo nuestras canciones juntos. Es la falta de todos esos pasos y esa microedición, cambios, poner cosas en distintos lugares; que no estén presentes esos elementos hace que el disco sea más real para nosotros. Sé que esto no se trata de nosotros, pero sé de productores que han tomado canciones donde cambian cada detalle hasta transformarla en algo completamente distinto, con un sentimiento diferente y lo hacen con un computador, con eso pueden cambiar todo. Cuando pienso en ello, no puedo siquiera imaginar cómo sería si estuviéramos en esas circunstancias. Sería muy extraño tocar la canción, ya que nunca lo hiciste de esa forma, es casi como estar tocando un cover, no es tu creación. Este disco es exactamente el polo opuesto de eso, eso es nuestra banda.

Muy bien. He leído que la canción…

SB: Quiero decir algo en defensa del estilo de producción que describe Jesse. Está claro que algunas bandas necesitan eso, esa especie de control y todo eso. A veces en las bandas hay un miembro que tiene la visión de cómo conducir todo, mientras que en otras hay una visión colectiva, pero necesitan a alguien que los conduzca hacia alguna dirección sobre cómo grabar o producir la música. Hay muchas formas de enfocar un proyecto. Ambos somos productores y hemos hecho discos y canciones para otras personas, hemos trabajado en muchas cosas todo este tiempo, pero nunca usamos esas habilidades en nuestro propio proyecto hasta ahora.

Perfecto. Volviendo a la pregunta, entiendo que “One + One”, primer single de este álbum, es una especie de secuela de “Romantic Rights”, uno de los primeros singles de Death From Above 1979. ¿Ven este LP como el final de una “primera era” luego de cuatro discos?

SB: Personalmente, no lo había pensado de esa manera, pero cuando estábamos haciendo este disco, más bien cuando lo estábamos terminando, pensé que es como el principio o el final de algo, tenía esa sensación cuando terminamos. Todavía no sé si es lo uno o lo otro, pero es un sentimiento que está.

JS: Yo creo que es el inicio de algo.

SB: Oh, ¿en serio?

JS: Creo que este es el inicio de la próxima fase, pero realmente es porque hacer todo por nuestra cuenta es un ejercicio que queríamos intentar hace muchos años. Al principio obviamente no teníamos la experticia, no sabíamos cómo, pero ahora lo sabemos, y tomar esa responsabilidad para hacerlo funcionar, lograr que suene bien y que ambos estemos conformes con el resultado, abre una puerta para salir del ciclo de buscar un productor, dedicar cierto tiempo solamente para hacer una cosa y cambiar la forma en que las hacemos. A veces pasa que los sellos dicen “Bien, ¿tienen más canciones?”, y es como ¡vaya, hubo mucho trabajo tratando de hacer funcionar estas canciones y no es suficiente! Así que es como “No, no tenemos más, tomó mucho tiempo hacer todo esto”. Es bueno saber que ahora no tenemos que hacerlo de esa forma, y este disco es una evidencia de que nuestras ideas funcionan, ya no tenemos que pensar de esa manera. Cuando pienso en nuestra banda y nuestro futuro, todas esas cosas son parte del pasado. Así que, para mí, es definitivamente el inicio de algo.

Podemos dejarlo en que es un inicio y un final

JS(Risas) Volviendo a ese punto, este disco definitivamente marca el final de la forma en que trabajamos antes, así como el inicio de una nueva forma de hacer las cosas.

SB: También hay cierta energía de los inicios. Hubo un momento cuando Jesse y yo vivíamos juntos, hace muchos años en 2000 o 2001, grababa en mi habitación con una 4-track, tenía la batería en mi habitación y grababa ahí mismo. En cierto punto logré finalmente que la batería sonara como yo quería, y estaba muy emocionado de escuchar cómo sonaba en una grabación que hice. Probablemente fueron unos 30 segundos, pero lo escuchaba una y otra vez. Ese entusiasmo fue lo que me llevó hasta este disco, quería volver a sentir cómo algo tan genial salía de los parlantes, y que eso era algo que tú mismo hiciste. Claramente es el final, pero también lo miro como el inicio, porque me recuerda a ese entusiasmo de antaño al momento de crear.

Bueno, chicos, lamentablemente se nos acabó el tiempo destinado para la entrevista. Les agradezco por conversar con nosotros.

JS: Oh, qué lástima.

Espero que nos podamos ver algún día, sería genial que visitaran Chile cuando todo esto pase. ¡Cuídense mucho!

SB: Nos encantaría ir, sería genial.

JS: Gracias por todo. ¡Adiós!

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Entrevistas

Phil Collen de Def Leppard: “Siempre hemos querido ser como Queen”

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Phil Collen de Def Leppard

Los dos años y medio que lleva la pandemia, han sido el escenario propicio para que muchos artistas pasen su tiempo en el estudio componiendo música, ante la ausencia de giras y grandes eventos. Ahora, con un regreso de aquellas actividades, muchas bandas están saliendo a la carretera con nuevos discos bajo el brazo y, a la vez, viviendo una especie de segundo aire en sus carreras. Pareciera que ese es el caso de Def Leppard, ya que la agrupación trabajó en secreto y a la distancia durante la pandemia “Diamond Star Halos”, álbum de estudio número 12 y sucesor de su trabajo homónimo de 2015, llegando literalmente en un momento en que nadie esperaba un nuevo larga duración por parte de los ingleses.

El trabajo a la distancia y la manera más relajada de componer canciones fue lo que motivó a la agrupación a desarrollar un disco que, en sus propias palabras, no estaba planificado, resultando en un sonido espontáneo y refrescante, con momentos que capturan su sonido característico, pero, a la vez, llevando sus composiciones hasta otras latitudes. Bajo el contexto de este LP es que conversamos con Phil Collen, histórico guitarrista de la agrupación, que se tomó un tiempo para abordar el proceso de composición de este disco, sus pasatiempos durante la pandemia, su preparación para la próxima mega gira junto a Mötley Crüe, su inspiración en el trabajo de Queen, los recuerdos de su primer y único show en Chile, entre otros temas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Phil, ¿cómo estás?

Estoy genial. ¿Cómo estás tú?

Muy bien, también. Es genial que estemos hablando, quisiera partir preguntándote por los preparativos para el “The Stadium Tour” con Mötley Crüe. ¿Cómo va eso?

Fue muy raro comenzar a prepararnos porque no hemos tocado juntos por un largo tiempo, obviamente. Ni siquiera grabamos en el mismo espacio para este disco, así que fue realmente hermoso poder tocar juntos nuevamente y cantar entre todos, ya sabes, extrañaba mucho esa armonía que logramos con nuestras voces. Estamos listos, practicamos algunas de las nuevas canciones y suenan genial, así que estamos más que preparados. Lo estábamos hace dos años y medio, también (risas).

Genial. Obviamente esta entrevista es sobre el nuevo álbum de la banda, “Diamond Star Halos”, así que quisiera preguntarte un poco sobre el proceso de este disco y su creación durante la pandemia.

Sí, siento que fue mejor hacerlo de esta forma. Cuando estás en un estudio no logras sacar todas tus ideas a flote, en cambio, de esta forma estás mucho más inspirado. Fue principalmente Joe y yo componiendo las canciones juntos; terminamos algunas solamente enviándonos ideas y eso no lo logras en un estudio, donde tienes que esperar que otras personas terminen su parte. Me pasaba mucho eso, a veces grababa mis voces y me faltaba la guitarra, tenía que apurarme, en cambio de esta forma no debí preocuparme de eso. Era como si las canciones se componían solas, no había que forzarlas ni nada. Prefiero este método; de hecho, es mucho mejor, las voces suenan mejor, tocamos mejor, es un proceso mucho más relajado y te permite conservar energías también, lo que es muy importante.

Sí, tengo entendido que este álbum no estaba planeado. Primero trabajarían en un par de canciones, pero luego terminaron siendo más. ¿Decidieron hacer un álbum por la comodidad al trabajar de esta forma o solamente se dejaron llevar?

Lo hicimos por las razones correctas, porque queríamos hacer las canciones que queríamos hacer, digamos. No fue algo así como “tenemos que hacer un disco, pongámonos a componer”, sino que algo más divertido y natural. Siento que dejamos de lado el aspecto de los negocios y nos concentramos más en la libertad creativa, estábamos muy inspirados. Es así como debería ser siempre, creo que trabajamos de una manera más enfocada que cuando vamos al estudio.

Vi en una entrevista que Joe (Elliott, vocalista) te mandaba los tracks y tú los veías al despertar en la mañana, por la diferencia horaria entre ambos. Ahí trabajabas en ellos, se los enviabas de vuelta y él hacía lo mismo. ¿Cuál fue para ti la mejor parte de trabajar con este método?

El hecho de poder hacer otras cosas, de no estar concentrado todo el tiempo en el trabajo. Vivo a unos 15 minutos de la playa, así que durante la cuarentena me levantaba muy temprano e iba a nadar al mar, esta forma de trabajar te permite hacer otras cosas. Tengo un hijo de cuatro años recién cumplidos, así que pude estar más tiempo con él, llevarlo al parque y hacer cosas que no podría disfrutar normalmente. Cuando estás en una situación de trabajar en el estudio, ese tipo de entorno no te permite hacer otras cosas, sólo piensas en eso y no hay más, en cambio ahora podía tomar recesos para leer algo, salir un rato, hacer lo que sea, y eso definitivamente te inspira más.

Quiero que hablemos un poco de la promoción de este disco. Hicieron una página web con las cartas de tarot y estos mensajes de parte de cada uno de los integrantes. ¿Cómo surgió esta idea?

Joe quería incorporar estos conceptos de tatuajes y cartas de tarot, lo que funcionó muy bien con la compañía discográfica y el trabajo con ellos. Alguien del sello sugirió a Joe hacer este tipo de cosas y fuimos discutiendo ideas de ida y vuelta, mientras más pensábamos en esto iban saliendo mejores ideas. En cuanto al marketing, también funcionó muy bien, hay un montón de cosas ocultas que todavía no entiendo bien qué significan, pero seguramente representan ciertas cosas de ciertas canciones (risas). Es algo genial, especialmente para el vinilo: puedes abrirlo y ver todo este arte con un montón de cosas escondidas por ahí, y es genial.

Revisé la página y no entendía cómo funcionaba la verdad, pero elegí tu carta, tú hiciste mi lectura o algo así. La frase que dices es “la verdad comienza a brillar”. ¿Cuál es el significado de eso para ti?

Oh, esa debe ser una línea de alguna letra, ni siquiera recuerdo en qué canción sale para serte sincero. Como dije, hay muchas cosas que todavía estoy descifrando (risas).

Phil, sobre las canciones del álbum quisiera preguntarte por tu favorita, o en la que más te divertiste tocándola o componiéndola.

Todas las canciones en realidad, aunque obviamente hay algunas que me gustan mucho, como “Gimme A Kiss”, es tremenda. Lo que se escucha son el demo de las guitarras, por eso tiene esa vibra tan cruda que me encanta. De hecho, en “Kick” también suenan los demos que grabé. Ambas tienen un tipo de energía diferente, prefiero ese tipo de canciones, especialmente cuando estás en una banda de rock.

El disco tiene un sonido muy ligado a los 70, principalmente a la escena glam rock de la época. ¿Esto fue intencional o algo inevitable debido a sus influencias musicales?

No fue planificado para nada, se dio de esta forma, lo que es genial. Ni siquiera nos dimos cuenta de que tantas canciones estuvieran relacionadas al sonido de ese período en el tiempo hasta mucho después, donde definitivamente notamos que había una tendencia. Por eso lo llamamos “Diamond Star Halos”, es una línea en una canción de T. Rex.

Oh, sí, sabía eso. Hay un momento muy especial en el disco, puntualmente en las canciones “Liquid Dust”, “U Rok Mi” y “Goodbye For Good This Time”, donde la banda suena muy inspirada, manteniendo su sonido característico, pero sonando muy experimentales. ¿Cómo lograron eso estando tan lejos entre ustedes al momento de componer las canciones?

Creo que la idea viene del hecho que siempre hemos querido ser como Queen, quienes suenan completamente así. Freddie Mercury puede hacer una canción como “Bohemian Rhapsody”, pero Brian May te entrega “We Will Rock You”, que son muy diferentes entre sí, pero que igualmente suenan como Queen. “Another One Bites The Dust” fue hecha por John Deacon, o “Radio Ga Ga” por Roger Taylor, y todas suenan como Queen, tienen una identidad muy individual cada una. En el caso de “U Rok Mi” y “Liquid Dust”, yo compuse esas canciones y Joe lo hizo con “Goodbye For Good This Time” y “Angels”, pero cuando los demás interpretan sus partes es cuando se transforma en una canción de Def Leppard. Esto es algo muy inspirado por Queen, es algo que ellos siempre hacen, es algo que tratamos de hacer siempre. Puedes componer algo con una idea muy rara en la cabeza y sólo cuando los demás la tocan se transforma en una canción de Def Leppard. Es algo que pasa también con las canciones donde participa Alison Krauss y canta junto a Joe, sigue sonando como nosotros. Es algo diferente, pero seguimos siendo nosotros.

Phil, esta pregunta es un poco rara, pero necesito hacerla. Cuando el sello me envió el link para escuchar el disco anticipadamente, llamó mucho mi atención el momento en que termina “Goodbye For Good This Time” y empieza “All We Need”. Cuando noté esa transición, realmente sentí como si la primera fuera el final de un lado en un vinilo y la siguiente el inicio de otro…

(Interrumpe) Oh, qué bueno que mencionas esto (risas).

Luego fui a revisar la tienda online de Def Leppard y me enteré de que efectivamente es así, “Goodbye…” cierra el lado B del primer vinilo y “All We Need” da inicio al lado C en el segundo vinilo. ¿Se preocuparon de armar una secuencia especial pensando en el vinilo cuando prepararon el tracklist? Pregunto porque me parece muy curioso, considerando que hoy casi todo se escucha en streaming, o CD también.

Lo hicimos, de hecho. Sabemos que la mayoría lo escuchará en streaming, pero nos enfocamos en el arte del vinilo que para nosotros era muy importante, además de que es nuestro primer álbum doble en ese sentido. Al momento de preparar el tracklist revisamos qué canciones abrían y cerraban cada lado del vinilo, así que es algo que conversamos mucho en este disco. Si lo pienso, nunca habíamos hecho esto antes, así que es genial que te dieras cuenta de eso porque definitivamente formó parte del proceso de creación del disco (risas).

Phil, mencionaste que Alison Krauss trabajó con ustedes en este disco. Entiendo que Robert Plant fue quien les sugirió su participación, ¿no es así? ¿Cómo fue trabajar con ella en el álbum?

No, no fue así. Robert ha grabado con Alison, lanzaron hace poco un álbum y también tienen una gira, pero fue que un día Joe y Robert estaban hablando de sus equipos de fútbol, Sheffield United y Wolverhampton Wanderers, ahí fue que Robert le preguntó a Joe en qué estaba y le comentó que estábamos grabando. Él sabía que Alison es una gran fan de la banda desde hace 30 años, así que de seguro le gustaría escuchar algo de lo que estábamos haciendo, pero Joe le dijo si no sería mejor si cantaba algo con nosotros, y así fue como empezó todo. Le enviamos algunas ideas y ella cantó estas dos canciones, fue algo que se dio muy naturalmente, terminamos de componer y ella después hizo sus partes para que quedara lista.

Entonces no es como que estaban buscando una voz femenina para estas canciones y él les sugiriera que podrían grabar con ella.

No, para nada. Solamente fue algo que se dio casualmente desde una conversación sobre fútbol. Algo muy raro la verdad (risas).

Phil, han pasado más de dos años desde que estamos en esta pandemia, pero ahora todo vuelve poco a poco a la normalidad. ¿Qué tan diferente ha sido prepararse para salir de gira luego de tanto tiempo en casa?

Empecé a prepararme para esto hace seis meses, he estado ejercitando, practicando canto, cantando con la guitarra puesta mientras estoy de pie, cosas así. Lo primero que me pasó fue que el hombro me dolía mucho al estar parado por dos horas tocando la guitarra, lo que es normal, pero ahora estoy más preparado. Comenzamos hace meses a ensayar también, así que va todo marchando bien para salir de gira.

En casi todas las entrevistas que he hecho durante la pandemia, casi todos los entrevistados dicen que dejaron de tocar un tiempo mientras estaban en cuarentena, pero eso, a la vez, les permitió inspirarse después para componer música. ¿Es algo que te pasó a ti o siempre estuviste componiendo y tocando en casa?

Fue lo contrario, de hecho. Con la pandemia empecé a escuchar más música y tocar mucho más, me adentré en muchos períodos y, aunque prefiero escuchar música en vinilo, es muy conveniente meterte a tu teléfono y escribir lo que quieras, lo que sea, y aparecerá música. Ya sea Miles Davis, Stevie Wonder, AC/DC, lo que sea, puedes buscarlo y estará ahí. Estuve completamente inspirado por un montón de música, me sentía muy inspirado a aprender y tocar todo el tiempo.

Phil, hablemos del show de Def Leppard en Santiago. Se cumplirán cinco años desde aquel momento y quisiera saber qué recuerdas de ese día.

Recuerdo que fue el mejor show que hicimos en Sudamérica, el que tuvo la mejor reacción de la gente sin duda, y eso que hacía mucho frio y había una lluvia torrencial. Pero eso no importó mucho, fue un ambiente muy cálido y pasional, yo miraba atónito al público en el estadio y pensaba que era algo maravilloso. Se supone que tocaríamos con Aerosmith, quienes no pudieron ir por una emergencia médica, pero el hecho de que cerráramos fue genial. Aproveché de caminar un poco por Santiago y ver los edificios, su cultura y su gente fue algo muy bonito. No puedo esperar a estar de nuevo allá.

Hubo una gran energía ese día. Yo estaba en la zona de prensa arriba y veía a la gente mojándose en la cancha, pero siempre gritando, cantando y saltando. Estaban encantados de ver a la banda por fin.

Sí, era una energía tremenda. Fue muy contagiosa.

¿Habrá alguna posibilidad de verlos nuevamente por acá?

Sí, totalmente. Estos meses haremos un recorrido por Norteamérica, tocando en Estados Unidos y Canadá, el próximo año iremos a Europa en el verano y en algún momento del año tenemos que ir a Sudamérica, luego Japón, Australia y Nueva Zelanda. No sé exactamente en qué momento iremos, pero es algo seguro, definitivamente estaremos de nuevo por allá.

Eso sería en 2023, ¿no es así? ¿Vendrían solos con su nuevo disco, o quieren traer la gira con Mötley Crüe a la región?

Sí, de ambas formas en realidad. Nos están pidiendo que extendamos esta gira para allá, así que tenemos que ver cómo funciona para mantenerla durante todo este tiempo. Habrá que ver qué pasa, es algo que aún se debe resolver.

Ahora que mencionas esto, el show en Santiago fue el primero de ustedes acá. ¿Cómo es que en todos estos años nadie les hizo una oferta para venir?

Tenían que invitarnos, y los promotores al parecer no estaban interesados. Recuerdo que tocamos en Rio y en Argentina, eso fue en 1997, pero fueron shows en lugares muy pequeños, prácticamente en clubes. Si no íbamos a hacer un tour grande no valía mucho la pena, por lo que teníamos que esperar que nos invitaran a algo más grande, como lo fue aquella vez que estuvimos allá.

Muy bien, Phil, se nos acaba el tiempo. Te agradezco esta entrevista y te doy mis felicitaciones por su nuevo disco, lograron un trabajo muy variado y de mucha calidad. Espero tener la oportunidad de escuchar el vinilo y descubrir todas esas cosas que me comentaste.

Fue un placer, muchas gracias a ti. Si llegas a descubrir todas esas cosas, por favor házmelo saber, ni siquiera yo logro dar con todas aún (risas). Cuídate mucho, nos veremos en alguna oportunidad.

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