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Death From Above 1979 Death From Above 1979

Entrevistas

Death From Above 1979: “Este disco marca el inicio de una nueva forma de hacer las cosas”

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Is 4 Lovers” es el nombre del nuevo álbum de Death From Above 1979, banda que se ha caracterizado por el particular sonido que logran con tan solo dos componentes: el bajista Jesse F. Keeler y el baterista Sebastien Grainger. Con este nuevo trabajo, el conjunto tomó la difícil misión de hacer todo por su cuenta, abordando la producción de una manera más personal y colaborativa entre ambos, lo que ellos mismos han descrito como una prueba de su complicidad a la hora de tocar.

Con motivo del recién estrenado LP es que conversamos con ambos músicos a la distancia, en una entrevista donde nos relataron el proceso detrás de este disco, su experiencia con la pandemia, la manera en que trabajan sin un productor y, sobre todo, lo orgullosos que están con el resultado final de esta obra. Todo esto, y más, lo dejamos a continuación.

Hola, chicos, ¿cómo están? ¿Cómo han estado durante estos días tan duros, extraños y difíciles en todo el mundo?

Jesse: La verdad es que he estado genial (risas).

Sebastien: Si, yo también (risas).

¿Han tenido cuarentenas últimamente?

JS: No, yo vivo en una zona campestre de Canadá, así que nunca he sentido tanto las cuarentenas, no hubo un momento en que nos afectara acá, pero sé que en las ciudades ha sido diferente. Acá no debo esforzarme por estar dos metros alejado de la gente, más bien tengo que perseguir a alguien para tener una persona cerca (risas). No veo gente muy seguido por acá. Escucho algunos autos durante el día, pero aparte de eso, no hay nada más.

Oh, bien, comprendo. ¿Qué tal tú, Sebastien?

 Estoy en una situación similar, pero no tan alejada. Cuando empezó esto estaba viviendo en Los Angeles, donde todo se volvió progresivamente más desafiante, se sentía que el futuro sería oscuro y desconocido. Todo era muy incierto, así que nos mudamos con mi familia de regreso a Canadá y luego nos fuimos a un lugar alejado de la ciudad, parecido a lo de Jesse. No estamos en la ciudad ahora; a pesar de que lo llaman una pandemia global, para mí en realidad es una pandemia urbana, principalmente porque ahí es donde se concentra la gente. Somos afortunados de vivir en un país con mucho espacio abierto, ya sabes, Canadá es literalmente un espacio abierto (risas), a excepción de algunas ciudades. Si estás dispuesto a no tener acceso a expresos de 5 dólares, podrías vivir en lugares muy bonitos.

Genial. Sin duda suena como lugares muy tranquilos para vivir.

JS: Sólo para darte una idea del espacio, tengo 12 hectáreas en mi propiedad y en un lugar hay una isla que nadie ha ingresado jamás. Nunca nadie la ha visitado. Una vez intenté ir persiguiendo un castor en el invierno, pero me devolví, preferí dejar que se fuera. Está totalmente inmaculada, está intacta desde siempre prácticamente, antes de que existiera la gente. Así es Canadá (risas).

Chicos, quiero pasar a su nuevo álbum, publicado recientemente el 26 de marzo. ¿Qué nos pueden contar sobre “Is 4 Lovers”?

SB: Bueno, decidimos hacer el álbum por nuestra cuenta. Poco después de que publicamos nuestro álbum anterior, “Outrage! Is Now” (2017), decidimos que era el momento para ser más independientes en la forma que hacíamos música, así que, cuando decidimos que haríamos un nuevo LP, recién habíamos cambiado de sello discográfico y lo vimos como una buena oportunidad para hacer un montón de cambios. Uno de esos fue ver cómo nos resultaría hacer algo completamente por nuestra cuenta.

¿Cuánto de aprendizaje en la carrera hubo durante el proceso? ¿Qué lo hizo tan diferente al desarrollo de sus tres anteriores álbumes?

SB: Renté un pequeño estudio en Los Angeles y lo llené con mis equipos, luego Jesse vino y estuvimos algo así como cinco semanas haciendo algo nuevo cada día. Estábamos ensimismados haciendo esta música, fue diferente a los últimos discos donde hicimos demos, nos pasábamos ideas de ida y vuelta, y hubo un montón de trabajo de cada uno por su cuenta. Hicimos un poco de eso para este disco, pero decidimos desecharlo y empezar desde cero en el estudio los dos juntos, tratar de capturar esa energía. En vez de crear demos, queríamos tocar música en un entorno adecuado como el estudio, capturar esos momentos. Este es un disco que refleja esos momentos, la música que escuchas en el disco es prácticamente el fruto de un aprendizaje, tiene la energía de ser una música joven. Esa música fue trabajada para convertirse en canciones, con letras y melodías, eso también fue algo inmediato. Había momentos en que, tan pronto como surgía la melodía, la letra y todo lo demás nacía a continuación. Eso es lo que se escucha en este disco, no quisimos rehacer nada para que se sintiera lo más integro posible a la experiencia que tuvimos trabajando juntos.

Está más que claro que se siente una complicidad y libertad diferente trabajando solamente ustedes, independiente de que el productor sea de confianza.

SB: Si, esta vez no hubo nadie diciéndonos que arregláramos algo, tuvimos la oportunidad de mantener todo muy enérgicamente. En nuestro anterior álbum trabajamos con Eric Valentine, que es alguien muy técnico, un productor increíble y una gran persona para trabajar, quien se encargaba de cada detalle. Había ocasiones en que yo cantaba algo y, si estaba entre notas o un poco diferente del resto de elementos, él buscaba el ajuste hasta que quedara perfecto. Me preguntaba: “¿Qué nota estás cantando?”, y yo le decía que no sabía (risas). Eran procesos con mucha deconstrucción y reconstrucción de las canciones que, para este disco, fue distinto.

El sonido de la banda es un aspecto importante, así que quién mejor que ustedes dos para comprenderlo en su forma esencial. ¿Hubo conexión en el sentido del resultado final que ambos esperaban con este disco?

SB: Para mí si suena bien. Hubo pocas ocasiones en este disco en que Jesse y yo no estuviéramos de acuerdo. Lo mismo con su estilo de tocar el bajo, no hubo momentos en que no me gustara algo o quisiera modificarlo. Algunas veces los productores querrán probar diferentes notas, cosas así, a veces usan ProTools para editar las notas y que queden puestas en el punto exacto, en cambio aquí es la banda tocando y yo cantando sobre eso. Es un enfoque mucho más natural.

JS: Podría sonar divertido decirlo, pero es lo que es: este es el sonido de nuestra banda. Se ve muy seguido eso de que, cuando las personas hacen discos, básicamente editan todo hasta la perfección absoluta, lo que para mí no tiene mucho sentido. No estamos tratando de hacer una fotografía o una pintura impresionista, ese es el concepto principal de nuestra banda; usamos las menores piezas posibles para hacer nuestro sonido como lo queremos. No tengo una respuesta diferente a la de Sebastien en esta pregunta, lo que es probablemente algo bueno.

Están los dos en la misma página.

Ambos: ¡Absolutamente!

JS: Este álbum es el sonido de ambos haciendo nuestras canciones juntos. Es la falta de todos esos pasos y esa microedición, cambios, poner cosas en distintos lugares; que no estén presentes esos elementos hace que el disco sea más real para nosotros. Sé que esto no se trata de nosotros, pero sé de productores que han tomado canciones donde cambian cada detalle hasta transformarla en algo completamente distinto, con un sentimiento diferente y lo hacen con un computador, con eso pueden cambiar todo. Cuando pienso en ello, no puedo siquiera imaginar cómo sería si estuviéramos en esas circunstancias. Sería muy extraño tocar la canción, ya que nunca lo hiciste de esa forma, es casi como estar tocando un cover, no es tu creación. Este disco es exactamente el polo opuesto de eso, eso es nuestra banda.

Muy bien. He leído que la canción…

SB: Quiero decir algo en defensa del estilo de producción que describe Jesse. Está claro que algunas bandas necesitan eso, esa especie de control y todo eso. A veces en las bandas hay un miembro que tiene la visión de cómo conducir todo, mientras que en otras hay una visión colectiva, pero necesitan a alguien que los conduzca hacia alguna dirección sobre cómo grabar o producir la música. Hay muchas formas de enfocar un proyecto. Ambos somos productores y hemos hecho discos y canciones para otras personas, hemos trabajado en muchas cosas todo este tiempo, pero nunca usamos esas habilidades en nuestro propio proyecto hasta ahora.

Perfecto. Volviendo a la pregunta, entiendo que “One + One”, primer single de este álbum, es una especie de secuela de “Romantic Rights”, uno de los primeros singles de Death From Above 1979. ¿Ven este LP como el final de una “primera era” luego de cuatro discos?

SB: Personalmente, no lo había pensado de esa manera, pero cuando estábamos haciendo este disco, más bien cuando lo estábamos terminando, pensé que es como el principio o el final de algo, tenía esa sensación cuando terminamos. Todavía no sé si es lo uno o lo otro, pero es un sentimiento que está.

JS: Yo creo que es el inicio de algo.

SB: Oh, ¿en serio?

JS: Creo que este es el inicio de la próxima fase, pero realmente es porque hacer todo por nuestra cuenta es un ejercicio que queríamos intentar hace muchos años. Al principio obviamente no teníamos la experticia, no sabíamos cómo, pero ahora lo sabemos, y tomar esa responsabilidad para hacerlo funcionar, lograr que suene bien y que ambos estemos conformes con el resultado, abre una puerta para salir del ciclo de buscar un productor, dedicar cierto tiempo solamente para hacer una cosa y cambiar la forma en que las hacemos. A veces pasa que los sellos dicen “Bien, ¿tienen más canciones?”, y es como ¡vaya, hubo mucho trabajo tratando de hacer funcionar estas canciones y no es suficiente! Así que es como “No, no tenemos más, tomó mucho tiempo hacer todo esto”. Es bueno saber que ahora no tenemos que hacerlo de esa forma, y este disco es una evidencia de que nuestras ideas funcionan, ya no tenemos que pensar de esa manera. Cuando pienso en nuestra banda y nuestro futuro, todas esas cosas son parte del pasado. Así que, para mí, es definitivamente el inicio de algo.

Podemos dejarlo en que es un inicio y un final

JS(Risas) Volviendo a ese punto, este disco definitivamente marca el final de la forma en que trabajamos antes, así como el inicio de una nueva forma de hacer las cosas.

SB: También hay cierta energía de los inicios. Hubo un momento cuando Jesse y yo vivíamos juntos, hace muchos años en 2000 o 2001, grababa en mi habitación con una 4-track, tenía la batería en mi habitación y grababa ahí mismo. En cierto punto logré finalmente que la batería sonara como yo quería, y estaba muy emocionado de escuchar cómo sonaba en una grabación que hice. Probablemente fueron unos 30 segundos, pero lo escuchaba una y otra vez. Ese entusiasmo fue lo que me llevó hasta este disco, quería volver a sentir cómo algo tan genial salía de los parlantes, y que eso era algo que tú mismo hiciste. Claramente es el final, pero también lo miro como el inicio, porque me recuerda a ese entusiasmo de antaño al momento de crear.

Bueno, chicos, lamentablemente se nos acabó el tiempo destinado para la entrevista. Les agradezco por conversar con nosotros.

JS: Oh, qué lástima.

Espero que nos podamos ver algún día, sería genial que visitaran Chile cuando todo esto pase. ¡Cuídense mucho!

SB: Nos encantaría ir, sería genial.

JS: Gracias por todo. ¡Adiós!

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Entrevistas

Tomas Lindberg de At The Gates: “El arte nace de nuevo cuando el receptor lo decodifica”

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Tomas Lindberg

Ser una de las bandas más influyentes de su género es un apelativo que muchas veces, sobre todo en el metal más extremo, viene acompañado de un misticismo casi underground, donde pareciera que sólo pocos conocen de su nombre. Si bien, en el caso de At The Gates su historia no fue del todo así, la banda ha sido referencia obligatoria en lo que respecta al death metal en variadas ocasiones, siendo señalados como pioneros en el sonido más melódico de la escena de Gotemburgo. Puede que otros se lleven las luces, pero el conjunto lo tiene claro a la hora de pensar de manera aterrizada en cómo desarrollar su arte y mostrar su música al mundo.

Con esa misma lucidez de la realidad, es que el conjunto sueco se prepara para publicar su álbum “The Nightmare Of Being” el próximo 2 de julio, por lo que el séptimo larga duración de su carrera era la instancia ideal para conversar con Tomas Lindberg, vocalista de la banda, quien nos adentró un poco en su mirada sobre el mundo y la música, todo con la misma naturaleza honesta y consciente que se han encargado de impregnar en su música. Detalles de su nuevo disco, su inspiración en la literatura filosófica, los venideros treinta años de su trabajo debut, el desarrollo de su reunión y posterior álbum de regreso en 2014, entre otros temas, conversamos con el frontman en una entrevista que te dejamos a continuación.

Gracias por darte el tiempo para conversar con nosotros, Tomas. ¿Cómo has estado en estos locos dos años que hemos tenido?

Todo va bien por ahora. De hecho, acabo de recibir mi primera dosis de la vacuna hace unos días (risas). Las cosas finalmente parecen verse un poco mejor, ha sido un período muy loco como tú dices, supongo que para todos ha sido igual. Hemos tenido la suerte de no perder a ningún cercano por el Covid, y también afortunadamente la pandemia llegó durante el período de composición de nuestro nuevo disco y no durante la gira de promoción. Probablemente hemos tenido días mucho menos complejos que en gran parte del mundo, así que eso lo agradezco.

El 2 de julio será el lanzamiento de “The Nightmare Of Being”, próximo disco de At The Gates. ¿Qué nos puedes comentar de este nuevo trabajo?

Giramos mucho con el último disco, así que, luego de terminar el tour, recién el año pasado nos metimos directo al proceso de composición. Teníamos algunas ideas y demos flotando con anticipación, el concepto del disco estaba claro, pero luego apareció esta pandemia y básicamente nos dio más tiempo para enfocarnos en el proceso de composición y en la grabación, lo que es algo que quizás benefició al disco porque es más texturizado, con capas. Es un álbum mucho más grande que el anterior y fue muy divertido componer este disco. Creativamente hablando, fue muy desafiante, pero nos gustan los desafíos (risas).

En el comunicado de prensa para el anuncio del disco, dijiste que este es un trabajo “oscuro, pero no negativo”. ¿Cuál es la diferencia específica que hicieron entre esos dos conceptos?

La oscuridad que intentamos reflejar tiene que ver con el lado emocional de la música, la melancolía, la desesperación, ese tipo de ideas. Todos esos sentimientos no pueden existir sin la esperanza, por lo que ahí se remarca esa diferencia que me preguntas, con eso es como se desencadenan esas emociones. Es un álbum sobre el pesimismo, pero no es pesimista, eso es lo principal.

¿Pero tiene un enfoque pesimista más progresivo en la música y las letras, o era un concepto base desde donde surgieron las canciones?

Si, creo que la idea que tuvimos, al menos para mí, fue de ir a través del proceso de aprender sobre la filosofía pesimista al mismo tiempo en que escribía las letras para el álbum, por lo que podríamos decir que muestro mi proceso de aprendizaje al oyente. No es como educarlos, porque no creo que una banda deba hacer eso, sino más bien como dar a conocer algunas ideas de lo que aprendí, y hablar sobre ellas. No en el sentido de “esta es la única forma de ver la vida”, más bien como “estas son ideas muy interesantes, ¿qué piensan ustedes sobre eso?”. La idea de este disco es que se pueda dar esa conversación con quien lo escuche.

Pese a que nadie está tocando en la actualidad, evidentemente saldrán de gira con este disco en algún momento. ¿Cómo crees que se adaptará el nuevo material con los clásicos que están presentes en el repertorio?

Este es un disco donde tenemos lo que llamo “canciones de audífonos” (risas). Hay muchas canciones que podrían adaptarse naturalmente con el material antiguo, pero también otras que son más desafiantes para el oyente, depende más del contexto donde toquemos. Si estamos junto a otras bandas y nos toca un set de 40 minutos o algo así, probablemente nos enfoquemos en las canciones más agresivas del disco. Pero si es en un show como cabezas de cartel, de unos 90 minutos, ahí tendríamos una secuencia de tiempo para pasar por los distintos aspectos de la banda, tener una sección con un estado más melancólico, y luego de eso golpear con canciones más pesadas. Se da un show más dinámico de esa forma.

El próximo año se cumplirán tres décadas de “The Red In The Sky Is Ours”, el álbum debut de la banda. ¿Tienen o tenían algo preparado para celebrarlo?

Bueno, debo ser sincero: nos dimos cuenta hace muy poco que se cumplirán treinta años de eso. Estábamos tan enfocados el año pasado con el aniversario 25 de “Slaughter Of The Soul” (1995), que se supone que tocaríamos sets especiales de ese álbum en 2020. Esos shows no se cancelaron, y los tuvimos que posponer, así que ahora tocaremos shows por los 27 años de “Slaughter Of The Soul” (risas). Pero ya que “The Red In The Sky Is Ours” tendrá 30 años al mismo tiempo, hay posibilidad de que toquemos algunas canciones que nos parecen interesantes de ese disco. Lo hemos hecho en otras ocasiones también. Algunas canciones de ese disco son más difíciles de tocar en vivo porque fueron compuestas por unos jóvenes más odiosos y pretenciosos, y ya no somos esos jóvenes (risas), así que es muy difícil recrear la misma atmósfera. Por otro lado, hay canciones que tienen un sentimiento más fácil de incorporar en el show, así que quién sabe.

Ya que mencionas eso, creo que en ciertos aspectos se nota el hecho de que el primer disco tiene influencias netamente musicales, mientras que en el material actual incorporan influencias más filosóficas ¿no es así?

Sí, diferencias hay, pero en los primeros días de nuestra carrera igual tenía ideas filosóficas de hacia dónde queríamos llevar la música y las letras, aunque no tenía mucho conocimiento en aquel entonces (risas), era más de expresar cómo me sentía en ese momento. Ahora leo mucho durante el período de composición de las letras, tener claro que las líricas tengan un sustento teórico, ya que ahora sé mucho más de los temas sobre los que estoy cantando y eso, de hecho, lo hace más importante, más honesto. Cuando expreso lo que canto, mi forma de ser ahora es más honesta, creo que esa es la diferencia principal. At The Gates es mucho más importante para nosotros ahora que cuando teníamos veinte.

Sé que eres profesor de Ciencias Sociales. ¿Cómo ha sido esa experiencia de trabajar en algo alejado de la música?

Ha sido genial, realmente. Siempre hemos tenido esta idea con At The Gates de que nunca dejaríamos que la banda sea nuestra principal fuente de ingresos, siempre hemos sido bien aterrizados. Una parte de esa idea es nuestro deseo de estar más en contacto con el mundo real, o algo así, no estar distantes de la sociedad. Mientras que, por la otra vereda, sentimos que hay cierto riesgo cuando vives de tu música o tu arte, al punto que podrías llegar a acomodar ciertas cosas para que lo que hagas venda mucho más y así puedas tener mucho más dinero. No queríamos arriesgar eso, básicamente es como un pasatiempo que amamos; ponemos todas nuestras emociones y creatividad en ello, no necesitamos vivir de esto, por lo tanto, podemos hacer música más interesante de esta forma.

Eso es algo que le pasa mucho a las bandas, estadounidenses especialmente. La mayoría de los grupos europeos siempre se mantiene en un estándar de calidad. Ustedes, por ejemplo, así como otras bandas, no transan eso. Es contrario a lo que he visto en muchos ejemplos en la escena norteamericana, hay bandas que sacrifican esa calidad con el objetivo de vender más, así como otras que empiezan con la meta de ser ricos y famosos, perdiendo el foco de lo que quieres expresar como artista.

Sí, cuando partimos con At The Gates, por ejemplo, nuestra meta era poder grabar un demo y ser reseñados por algún fanzine underground de metal, ese era nuestro principal objetivo, mucho más que ser famosos. Así que, cuando lo logramos, ­–que fue casi inmediatamente– sentimos todo lo que vino después como un bonus, lo que es tremendo. Estamos felices de estar donde estamos; si tenemos que tocar en recintos pequeños o grandes, no importa en lo absoluto, amamos hacer esto.

Ya que hablamos de esto, ¿qué consejo le darías a los jóvenes que empiezan en la música y que estén leyendo esta entrevista?

Creo que lo más importante tiene que ver con lo que dijiste: debes pensar primero por qué quieres hacer música. Si es porque quieres acceso gratis a cerveza o que te sigan las mujeres, está bien supongo (risas), si sientes que esa es tu meta está bien. Pero si quieres decir algo con tu música, deseas trabajar duro y no estás tan preocupado de ser famoso, mucho mejor. Simplemente piensen en metas sencillas, cumplan esos objetivos primero. Si quieres lanzar un 7 pulgadas por tu cuenta, puedes enfocarte en cumplirlo, hazlo de manera honesta y sé fiel a tus principios para luego pasar a la siguiente etapa. No trabajen pensando en llegar a un sello grande y convertirse en los próximos Slayer inmediatamente porque, si lo hacen así, estarán enfocados en las razones incorrectas.

Esa es la diferencia entre fama y reconocimiento. Creo que eso es lo esencial.

Totalmente, eso es lo principal.

Mirando en retrospectiva tu trayectoria en la música durante todos estos años, ¿hay algo de lo que estés especialmente orgulloso?

He sido muy afortunado, he logrado muchas cosas que nunca pensé que lograríamos con la banda. Creo que lo más difícil que hemos hecho, y que no pensé que lograríamos, fue poder publicar “At War With Reality” (2014), nuestro álbum de regreso. Fue algo muy muy difícil de hacer, era una idea “sin fines de lucro” (risas). En ese punto de nuestra carrera no habíamos hecho un disco en mucho tiempo, pero queríamos desarrollar nuestra creatividad todos juntos, por eso decidimos hacerlo, las expectativas eran muy altas para todos. Ahora, años después, cuando tocamos canciones de ese disco, todas son muy bien recibidas en vivo y eso nos sorprende, estamos agradecidos de que tuviera la recepción que tuvo. Para nosotros fue como que logramos componer y grabar algo que la gente igualmente sintió que era At The Gates, incluso cuando habían pasado tantos años desde nuestra separación. Fue un gran logro para mí, estoy muy orgulloso de eso.

Recuerdo que, cuando salió ese disco, fue como una gran declaración de “hemos vuelto”, le dio a la reunión un sentido más real. Hizo entender que, más que un ejercicio de nostalgia, era retomar el camino creativo.

Absolutamente, fue algo que se fue dando de manera natural.

Siguiendo en ese período, ¿por qué decidieron retomar la banda después de tantos años sin tocar juntos?

Para la primera reunión, cuando sólo tocamos las canciones clásicas en vivo, fue una propuesta de Anders (Björler, guitarrista) porque él abandonó la banda en 1996, así que quizás se sintió un poco culpable y quería retomar el contacto (risas). Tuvimos varias reuniones para ver cómo lo haríamos, todos tenían algo que decir y fue un proceso muy democrático, todos se escucharon y respetaron las opiniones del otro. Luego de que hicimos la gira de Norteamérica y Europa primero, luego la gente quería la gira en Sudamérica y Australia y, bueno, los shows siguieron por más tiempo. Llegó un punto en que Anders dijo: “¿Saben? No podemos seguir haciéndolo de esta forma, sería tonto seguir si no publicamos algo nuevo”. Pasó que había compuesto algunas canciones, nos preguntó si queríamos oírlas, a lo que todos accedimos, creo que la primera canción que nos mostró fue “The Book Of Sand”, e inmediatamente me encantó. Le dije a Anders que era muy fresca y enérgica, realmente sentí que podíamos lograr un disco, así que decidimos seguir componiendo, pero sin contarle nada a nadie hasta que tuviéramos que grabar el disco (risas).

¿Por qué optaron mantener ese secretismo?

Porque no queríamos tener ningún tipo de presión externa. Quizás eran sólo unas cinco personas las que sabían, aparte de nosotros. Fue un proceso muy extraño y que de seguro tomó a todos por sorpresa cuando el disco estaba completado. Me alegro de que haya sido así. Como dije, hacer ese disco es una de las cosas por las que estoy más orgulloso.

 

Tomas, quiero que volvamos al nuevo disco, ya que hay algo que no te pregunté hace un rato. Cuando los fans escuchen este trabajo, ¿cómo te gustaría que abordaran la nueva música de la banda?

Quiero que recreen la música y las letras por su cuenta. No quiero decirles cómo se deberían sentir, sólo espero la predisposición a un álbum que es muy desafiante, que toma trabajo, quizás deban escucharlo unas diez veces para ir comprendiendo sobre qué trata. Espero que lo reciban con la mente abierta, dejar fluir las emociones, es muy interesante ver cómo la gente reaccionará al disco, estamos expectantes. Realmente creo que el arte nace de nuevo cuando el receptor lo decodifica. Nuestra idea es que este álbum cree una especie de nuevo mundo al que puedan adentrarse y descubrir cosas. Para eso, tienen que darle algunas escuchas antes de comprenderlo, creo yo (risas).

Bueno, Tomas, esa fue la última pregunta. Para terminar, ¿te gustaría enviar un mensaje a los fans de At The Gates en Chile?

Nos encantaría volver. Cada vez que hemos estado en Chile nos han recibido muy bien, el cariño que nos entregan es inmenso. Todavía se me eriza la piel al recordar la primera vez que tocamos allá, no estábamos listos para eso (risas). Fue una locura, la emoción de los fans es muy importante para nosotros. Tenemos algunos amigos en Chile, así que hemos podido conocer algo de un país tan hermoso como el suyo. Volveremos allá, definitivamente. Si tenemos una gira, es obvio que pasaremos por Chile.

Muy bien, Tomas. Muchas gracias por tu tiempo.

Muchas gracias a ti, fue una gran entrevista. ¡Espero verte algún día en Chile!

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