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Alexis Marshall de Daughters: “Al final de cada show siento que he muerto”

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En la antesala de su ansiado debut en Chile en el marco del certamen LeRock Fest, que se realizará en 11 de mayo en Matucana 100Alexis Marshall, vocalista y miembro fundador de Daughters, se tomó una pausa en la gira que están realizando por el viejo continente para conversar con nosotros acerca del laureado nuevo disco de su banda, “You Won’t Get What You Want” (2018), las experiencias que han vivido junto al éxito de este y detalles de lo que será su primera actuación en tierras chilenas.

Un gusto, Alexis. Sé que están en medio de una exhaustiva gira por Europa. ¿Qué podrías contarnos sobre esta serie de shows que han realizado hasta ahora?

Muy bien. En esta oportunidad hemos tenido experiencias muy distintas a las de veces anteriores, y creo que cada show que hemos hecho últimamente ha sido distinto a lo que hacíamos antes. También hemos tenido más tiempo a nuestra disposición para hacer otras cosas, como visitar lugares históricos. Ha sido genial.

Revisando las fechas del tour, hay muchos shows que tienen sus entradas agotadas. ¿Esperaban esta recepción de la gente cuando comenzaron la gira?

No, pero la verdad es que tratamos de no esperar nada porque nunca sabemos qué es lo que pasará. Sí están las esperanzas de que todo salga genial. Ahora sacamos un nuevo disco y nos propusimos salir a tocar, pero nunca nos esperamos que iba a haber tal nivel de demanda. Hemos podido visitar lugares en los que nunca habíamos estado y es más de lo que habíamos anticipado, y eso es algo bueno.

Me imagino que mucha de esta demanda se debe a su último disco, el cual ha sido posicionado como número uno en varias listas de lo mejor del año pasado. ¿Alguna vez imaginaron que tendría ese nivel de repercusión?

No, no lo esperábamos. Nunca habíamos tenido eso antes, de estar en listas y todo eso. Es un buen cambio, pero no lo esperamos. Hoy lo estamos disfrutando, pero independiente de todo, lo nuestro es hacer canciones y salir a tocarlas, y si alguien quiere escucharlas, depende de cada persona si quiere hacerlo o no.

Para serte sincero, conocí a la banda con este álbum, y cuando los escuché mi primera impresión fue “esto es como Swans, pero en esteroides”. Parecía la banda sonora de una pesadilla, y con cada escucha más cosas he podido descubrir. ¿Podrías contarnos de dónde vino la inspiración para crear estas canciones?

Pensé en muchas bandas sonoras de películas y creo que eso se refleja en la música. Mi acercamiento a la composición ha sido el mismo que he tenido siempre. Más allá de lo que puede ser, siendo un grupo que vivimos tan lejos los unos de los otros, pudimos discutir ideas libremente y tuvimos muchos intercambios de correos y mensajes en el proceso. Al vivir en lugares distintos y sin poder juntarnos a ensayar, era fácil olvidarnos que estábamos en una banda, incluso que estábamos haciendo un álbum. Pero pudimos sortear la distancia y crear algo bueno.

Teniendo en cuenta que el álbum se escucha tan afiatado y sólido, podría considerarse un verdadero logro haberlo gestado de la manera en que lo hicieron.

No fue fácil, y ojalá no tengamos que volver a hacerlo así. Creo que a ninguno de nosotros nos gustaría volver a tener que trabajar de esa manera, pero sólo podemos hacer lo que podemos hacer, y si así tocan las cosas, lo haremos lo mejor posible. Me gusta pensar que pasamos la parte más difícil y que de ahora en adelante las cosas serán más sencillas. O eso espero.

Recuerdo leer una entrevista que diste hace un tiempo, donde resumes el nuevo disco de la siguiente manera: “Estamos viviendo el fin de los tiempos y escribimos EL disco del fin de los tiempos”. ¿Podrías darnos más detalles de esa definición?

Bueno, política y socialmente existe un clima de tensión literal y metafísica. Queríamos escribir un disco que no discuta un tema político o ideológico explícitamente, ya que nosotros no tenemos una agenda que queramos empujar. Creo que pudimos encapsular el estado emocional que la gente tiene cuando ve las noticias o cuando tiene una experiencia horrible con alguien. Hay mucha ansiedad, incertidumbre, frustración, miedo y rabia en estas canciones, no hay conclusiones ni soluciones. Todos estamos pasando por esto, esperando que las cosas mejoren. Y en el sentido de “el fin de los tiempos” también está la sensación de que estamos todos jodidos y este lugar se va a secar en cualquier momento y el planeta se transformará en un maldito desierto. Quizás la manifestación más grande de esto es la canción “Guest House”, donde el final es inminente y está viniendo, no sólo en un plano personal, sino que todos y todo lo que tenemos se va a acabar. Quién sabe cuándo, pero todo es temporal, por lo menos desde el punto de vista por el que nos gusta verlo. Creamos estructuras y legados artísticos –lo que sea que eso signifique–, formamos lazos familiares, pero todo es temporal, absolutamente todo. Existe un punto en que nada va a importar y no está muy lejos.

Con respecto a la canción que mencionaste, “Guest House”, que es la que cierra el registro, al escucharla no sólo me queda una sensación de desesperanza y desolación, sino que también de pánico y desesperación. ¿Crees que vamos en una caída en picada o existe una posibilidad de redención?

Hay cosas que se pueden hacer, pero no se harán, nadie las hará. Es difícil para mí conciliar estas ideas porque tengo dos hijos y tengo que aceptar que creé sus vidas, y procurar que en los años que les queda por vivir exista aire limpio para que respiren y agua limpia para que beban. No quiero pensar sobre estas cosas, pero es difícil.

Tomando en cuenta la evolución musical que han tenido durante su carrera, cuando se escucha su discografía se puede apreciar que en los primeros discos primaban los gritos y riffs más directos, en cambio ahora las cosas son más densas, sombrías y aterradoras. Tú juegas el papel más de un narrador, lo que da un tono más siniestro a todo.

Definitivamente ahora existe una sensación más cinematográfica en comparación a lo que hacíamos antes. Creo que hicimos un gran trabajo con este disco, estamos muy satisfechos con él. Para mí es una progresión natural de las cosas, vamos en la dirección en la que teníamos que ir, sin forzar nada o crear un producto para vender al resto. Nosotros no hacemos cosas como esas. Creo que hemos podido madurar como artistas. Y, bueno, Nick siempre está componiendo y yo, dependiendo de mi estado de ánimo, me pongo a escribir letras. Podemos no estar en el mismo lugar, pero cuando mi trabajo con el suyo se juntan, son capaces de crear algo que habla por sí mismo. Es difícil tener a cuatro personas distintas con ideas distintas en una misma banda, tratar de llegar a un pensamiento único o idea, pero diría que, en esta oportunidad, nuestro trabajo estuvo destinado a ser más oscuro y perturbador, sin ser necesariamente conscientes de que iba a resultar así.

Si bien, has dicho en otras entrevistas que en este disco juegas el papel de un narrador que cuenta una historia que no necesariamente representa tus propias sensaciones o pensamientos, existe una canción en el disco llamada “The Reason They Hate Me”, donde lanzas unos dardos contra los periodistas musicales. Teniendo en cuenta este conflicto, en estos momentos existe una proliferación de críticos no tradicionales que realizan su trabajo en internet, tales como el youtuber Anthony Fantano, quienes, a día de hoy, tienen una influencia mucho mayor en el público que la de los medios tradicionales, grabando videos desde su habitación. ¿Qué opinas de este fenómeno?

Bueno, primero que todo, quiero aclarar que no tengo un conflicto con el periodismo musical como un todo. Es un caso puntual de una publicación que habló mal de nosotros, pero en estos tiempos existe un acceso mucho más fácil a la información, a la música y al arte en general, lo que es bueno, pero al mismo tiempo se hace difícil encontrar buen arte porque cualquiera tiene el espacio para crear y dar su opinión al respecto. No estoy diciendo que eso sea malo, cada uno puede expresar lo que quiera de lo que escucha, el problema es que existe gente que se dedica a esto y son muy malos en su trabajo. Nosotros estamos en una buena posición ahora porque venimos trabajando desde hace veinte años. Nos hicimos mejores, pero fue un camino difícil. Sin embargo, existe esta gente que hace mal periodismo musical, que se levanta de su cama y se pone a escribir mierda sobre tu trabajo y luego vuelve a su vida normal sin considerar la historia de vida que hay detrás del artista que están criticando. Hay mucha mierda que no tiene que estar porque hay gente que no da cuenta de lo que cuesta hacerlo en realidad, de cuánto pierdes de ti mismo para formar parte de esto.

Discutiendo con amigos, hablamos sobre “sufrir por arte”, que puede sonar como un cliché, pero hay una parte de mí que piensa que es necesario sufrir para entender lo importante que es tener a gente que te escuche, que no es lo mismo que decirle a la gente cómo deben sentirse sobre algo que escuchan, que es lo que hacen muchos periodistas y críticos en general, haciendo que la gente deje de reflexionar y empiecen a repetir sus opiniones. En eso se han convertido. Pero ahí tienes a gente como Fantano, y lo que me gusta de él es que no le dice a la gente lo que debe sentir, sino que te da los datos duros y deja que la gente se haga una opinión propia. Y eso es algo parecido a lo que hacemos nosotros. Yo no ando diciéndole a la gente sobre el significado de lo que estoy escribiendo ni de cómo deberían sentirse al escucharlo, sino que queda en ellos el cómo interpretarlo. Creo que eso es algo que todos los artistas deberíamos hacer, ya que cuando creas algo y lo muestras al resto, deja de ser tuyo y pasa a ser de los demás.

Hoy el querer crear algo hermoso o abominable ha sido reemplazado por la necesidad de que tu opinión, tu arte, tu creación, reciba el máximo de atención y elogios posible. Todos tenemos la capacidad de ser creativos, pero no todos seremos buenos o geniales en ello. Si eres adolescente triste y quieres escribir mala poesía en tu cuaderno, está bien para expresarte, pero no porque hayas escrito un montón de poemas de mierda significa que sea bueno y que todo el mundo debería leerlos. Me ha pasado al revisar cosas que escribí en el pasado, las leía y me decía a mí mismo: “¿En qué mierda estaba pensando? Esto es terrible”. En retrospectiva te das cuenta de ese tipo de cosas, pero qué se le va a hacer, sólo hay que crear y esperar lo mejor.

Hablando de “sufrir por el arte”, he revisado varias presentaciones en vivo de la banda, y la energía e intensidad que derrochan es tremenda. ¿Cómo lo haces para mantener ese nivel de performance y no morir en el intento?

Al final de cada show siento que he muerto. No sé cómo lo hacemos, sólo disfruto actuar y me emociona mucho el poder hacerlo. Hay noches que son tremendas y haces un par de cosas estúpidas, es parte de ello, pero antes de haber podido aprender a cantar bien y llamarme un cantante, yo hacía performances desde la adolescencia, como cuando cantaba en bandas punk. Yo no podía cantar bien, pero podía actuar, así que siempre eso ha venido antes de las capacidades técnicas y vocales. Eso se ha quedado conmigo, creo que me he vuelto bueno en ello y he seguido haciéndolo. No se siente forzado, y no hay día en donde el flujo de emociones y la energía de la noche no me motiven a actuar. Apreció mucho salir al escenario y actuar como un tonto. Para mí es más que cantar una canción, es algo físico que me conecta con la gente.

Hace unos días, Ipecac Recordings celebró veinte años de historia. Ustedes lanzaron su último álbum bajo este sello. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con ellos?

Es genial. Se nos dio la oportunidad de hacer lo que fuera que quisiéramos hacer, con la sensación de que no le debíamos nada a nadie. No tuvimos que rendir cuentas a nadie, simplemente creyeron en lo que estábamos haciendo. Ellos tienen un gran catálogo y se preocupan de las personas con quien están trabajando. No son de esos sellos donde te dicen que debes sacar un single y que te van a mostrar en un lugar en el que no quieres estar.  Con Ipecac es para dónde quieres ir y ellos irán contigo. ¡Es genial! Hay una libertad que necesitábamos, porque no podíamos estar supeditados a alguien más. Queríamos trabajar a nuestra manera y hacer lo que queríamos hacer, y en Ipecac fueron un gran apoyo y entusiasmo en ese sentido. Además, yo escuchaba Faith No More desde que era un puto niño, así que es genial estar con ellos.

Cuando hicieron el anuncio para venir a Chile, para muchos acá fue una verdadera sorpresa, ya que pensábamos que una banda como Daughters jamás pasaría por nuestro país. Quizás por el alto precio de traerlos o porque simplemente no tenían idea de nuestra existencia. ¿Cómo se gestó esta visita?

La verdad es que sólo recibimos un correo de nuestro agente que decía que existía una oferta para ir a tocar a Chile y si queríamos hacerlo. Toda la banda dijo que sí inmediatamente, y esa es la historia. Últimamente hemos tenido muchas ofertas para ir a tocar a lugares en los que nunca hemos estado antes, tales como Santiago o Sao Paulo. Hemos tenido también la oportunidad de tocar en Rusia, y a fin de año tenemos un show programado para Noruega y Polonia. Es algo muy emocionante. Una vez que recibimos el llamado, vemos el tema de los costos y el financiamiento de los pasajes, porque no somos una banda cara, pero sí tenemos que asegurarnos que nadie pierda dinero cuando vaya a tocar a algún lugar. Para todos esto es un trabajo, y si no hace el suficiente dinero para vivir, no puedes seguir con ese trabajo. De eso se trata, y sobre Chile, estoy muy feliz de que podamos ir a tocar para ustedes.

¿Planean visitar más países de la región o sólo harán estas dos fechas?

Sólo tenemos estas dos fechas por ahora, pero ojalá en el futuro podamos preparar algo más amplio. Recibimos muchos mensajes del tipo “Vengan a Australia” o “Vengan a tal lugar”. La otra vez nos llegó un mensaje desde India, y de inmediato fui donde nuestro agente a preguntar si era posible. Muchos quieren vernos y es genial. Si podemos, iremos y tocaremos. No sé qué más hacer con mi tiempo. Esta banda nos está llevando a lugares y para nosotros, que crecimos en pobreza, en malos barrios, surgiendo como sea, el hecho de que tocar música nos esté llevando a conocer países y culturas increíbles es algo que nunca imaginamos, y es muy emocionante. Estoy muy agradecido de todo esto.

Según un comunicado que lanzaron por sus redes sociales, Samuel Walker, bajista de la banda, estará ausente durante parte del tour. ¿Eso incluye su show en Chile?

Sí. Cuando comenzamos a tocar algunos shows por Estados Unidos eran sólo un par de semanas en un lugar y luego en otro, pero cuando lanzamos el álbum y las cosas se empezaron a mover, nos dimos cuenta que requeriríamos mucho más tiempo del que teníamos contemplado para dedicarnos a esto. Sam tiene un trabajo que le gusta y no quiere dejar, tiene su casa, está casado y con un bebé en camino, por lo que necesitaba quedarse. Para todos es distinto. Con mi pareja tenemos nuestros hijos, nunca he tenido otro trabajo aparte de este, así que tomamos esta oportunidad y fuimos con ella. Todos tenemos diferentes prioridades, nadie está enojado con nadie y lo extrañamos mucho, pero así es la vida. Hay que tomar decisiones y ver qué es lo mejor para cada uno.

Sobre tu otro proyecto musical, Fucking Invincible, ¿existe la posibilidad de escuchar nueva música?

No, creo que ya estamos. Todos tenemos otras cosas que hacer, vivimos en lugares distintos, tenemos otras bandas y proyectos. Ha habido algunas invitaciones para volver a tocar, pero la verdad es que ahora no tengo tiempo para eso. Pero fue una etapa divertida. Cuando paré de tocar con Daughters por un tiempo, con Fucking Invincible volví a hacer shows en garajes, en sótanos, en livings de casas y en otros lugares raros donde no había tocado hace mucho tiempo y fue muy divertido. No había presión, nos era muy fácil escribir música y lo pasamos muy bien.

Para los fanáticos que asistirán al show que harán en Santiago, ¿qué pueden esperar de su actuación?

Vamos a ir a tocas algunas canciones, a interpretarlas, y quién sabe qué más ocurra. Las expectativas suelen ser autocomplacientes, en parte por eso nombramos al disco “You Won’t Get What You Want”, porque quizás vayas por algo que crees que vas a recibir, algo que haga algo para ti, pero al final todo se va a la mierda. Sólo vengan a tener una experiencia y lo pasaremos muy bien.

Foto gentileza de Alexander Schelldorf

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Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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