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Alex Scally de Beach House: “Nosotros nunca evolucionamos a propósito”

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La capacidad de generar ambientes y utilizar su música como un vehículo hacia nuevos mundos es algo que Beach House domina a la perfección. Con una considerable trayectoria a cuestas, el dúo compuesto por Victoria Legrand y Alex Scally acaba de lanzar un excelente nuevo álbum de estudio, titulado “7” (2018), que ingresó rápidamente a las listas en torno a lo más destacado del año. Con un sonido de carácter violento e inspirador, los oriundos de Baltimore no escatimaron en creatividad para entregar su propia visión de la sociedad actual, una que, de cierta forma, nos pega a todos por igual.

Sacar un tremendo disco de estudio como este fue motivo más que suficiente para sentarnos al teléfono y conversar brevemente con Alex, quien se tomó el tiempo para respondernos algunas preguntas en torno al concepto detrás del álbum, los mensajes de su portada, el proceso creativo de esta obra, entre otras cosas, en una entrevista que HumoNegro pone a tu disposición.

Alex, partamos hablando de “7”, el excelente último álbum de la banda. Tengo entendido que el caos general del mundo en la actualidad fue una de las fuentes de inspiración principales para hacer este disco. ¿Qué puedes comentarnos sobre el concepto general de esta obra?

Bueno, no creo que necesariamente haya un concepto. Para que lo fuera, tendría que ser algo presente desde el inicio, y este disco no es precisamente “The Dark Side Of The Moon” (Pink Floyd, 1973), pero siento que como banda siempre estamos tratando de ser un espejo de la realidad, procesar lo que pasa en el mundo y reflejar lo que tenemos alrededor, de cierta forma. Es un filtro que nuestros cerebros crean, si lo llevamos al caos social, es nuestra forma de verlo. Creo que todos coincidimos en que los últimos años del mundo han sido muy locos social y políticamente hablando. Nosotros sólo usamos nuestro espejo, no es un disco político ni nada de eso, nos referimos a eso porque es una fuerza muy perversa actualmente, tiene el poder para cambiar el orden natural de todo el planeta, no es cualquier cosa. En fin, eso es lo que expresamos con el disco. Por cierto, creo que esta es la primera vez que hago una entrevista con alguien de Colombia.

Te llamo desde Chile.

¿Eres de Chile? ¡Vaya, me dieron la información equivocada! (risas).

No hay problema (risas). Continuemos: una de las mejores cosas dentro de la música de Beach House es que siempre están evolucionando su sonido. ¿Crees que esto es algo importante a la hora de hacer un nuevo disco?

Creo que lo único importante cuando haces un álbum es cuán emocionado estás por lo que haces. Nosotros nunca evolucionamos a propósito, para nosotros eso es algo que pasa naturalmente; algunas personas lo hacen, pero creo que todos trabajamos de manera diferente. No hacemos nada intencionalmente, solo nos enfocamos en estar emocionados e inspirados cuando componemos un disco; si no sientes ninguna de esas dos emociones, es mejor que no hagas nada.

¿Hay algo que hayan descubierto de ustedes mismos mientras hacían este disco?

Creo que una de las cosas que descubrimos es cuánto podemos realizar por nuestra cuenta, porque hicimos un pequeño estudio casero para grabar, eso nos hizo sentir muy entusiasmados y empoderados. Cuando eres joven nunca te das cuenta de cuántas cosas puedes hacer por las tuyas, pero a medida que envejeces lo vas notando y te vas sintiendo entusiasmado por hacer cosas que nunca habías intentado. Aquí sentimos que podemos hacer un álbum donde queramos.

Me llama mucho la atención la portada del disco, ¿qué representa la imagen?

A ver, cómo explico esto. ¿Has visto las portadas traseras de los VHS, donde tienen todas esas imágenes de acción de la película, y todo eso? Siento que la caratula representa eso, tratamos de capturar todos los momentos relevantes en el álbum, toda la energía y misticismo presente. Hay distintos patrones, estilos, ciudades, lo que sea; quisimos tomar todas esas pequeñas imágenes, crear una historia y mezclarlas de una forma violenta. ¿Tiene sentido lo que dije? (risas)

Sí, creo que hace sentido. Alex, has dicho en muchas ocasiones que la tensión es lo que les permite crear algo especial cuando componen música, ¿podríamos llevar esa afirmación también a la hora de tocar en vivo?

Sí, siempre intentamos dejarnos llevar. Siempre queremos crear mundos juntos, eso aplica para todo lo que hacemos musicalmente.

En 2015 lanzaron dos álbumes de estudio, “Depression Cherry” y “Thank Your Lucky Stars”. ¿Cuál fue el motivo detrás de eso?

Bueno, pasamos mucho tiempo en el estudio y teníamos una cierta cantidad de tiempo para hacer nuestro álbum. Al terminarlo, aún nos quedaban como tres o cuatro meses de plazo y, al estar pasando por un período muy creativo, teníamos mucho material preparado, por lo que ese segundo grupo de canciones terminó convirtiéndose en otro disco más. En vez de forzar las canciones y prepararlas, las liberamos tal como surgieron, eso se siente más natural. No creo que sean canciones sin terminar, no quisimos tenerlas guardadas por años y lanzarlas como un disco, hacer la gira, entrevistas y todo lo demás, queríamos que fuera un disco que se publicara y nada más. No hay presión sobre ese disco, esa era la idea.

Alex, se nos acaba el tiempo, así que quiero terminar con la pregunta clásica: ¿tendremos la oportunidad de ver a Beach House en Chile nuevamente?

Si, lo pasamos fantástico cuando estuvimos allá, fue maravilloso. Si encontramos una forma de que funcione una gira en Sudamérica, por supuesto estaremos allá, esa es nuestra intención. Esperamos que este nuevo ciclo de conciertos pueda llegar hasta ustedes.

Bien, esas son buenas noticias. Muchas gracias por tu tiempo, Alex, esperamos verlos pronto en nuestro país.

Muchas gracias a ti por el interés, discúlpenme por haber conversado tan brevemente con ustedes. ¡Cuídense y nos vemos!

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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