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Adam Carson de AFI: “Este nuevo disco fue una forma desafiante de hacer las cosas”

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Una de las constantes tendencias que se dio al inicio de la pandemia fue el hecho de que las bandas no sólo pausaran sus actividades en vivo, sino que también lo hicieran con sus lanzamientos discográficos. Bajo ese escenario se vio AFI ad portas de publicar “Bodies”, su álbum de estudio número 11, pactado originalmente para 2020. Tras la espera, con una pandemia que no se va nunca, la banda finalmente decidió publicar el disco el pasado 11 de junio de 2021, entregando así al mundo un álbum que se caracteriza por mantener la dinámica y energía que el conjunto a cargo de Davey Havok ha presentado durante su carrera.

El lanzamiento de este disco fue motivo suficiente para sentarnos a conversar con Adam Carson, baterista y único integrante desde 1991 en la banda junto a Havok, para analizar distintos puntos de la composición del álbum, su forma de tocar, la vida en pandemia como padre de familia, sus recuerdos del debut de la banda en Chile, y mucho más, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola Adam, te habla Manuel desde Chile. ¿Cómo estás?

Hola, Manuel. Muy bien, ¿y tú?

Muy bien, gracias. Quisiera partir preguntando, por supuesto, cómo te has sentido durante este período de pandemia. ¿Qué tal todo por allá?

Estoy muy bien, soy un afortunado de poder decir eso. El último año y medio ha sido aterrador, obviamente, y mucha gente ha estado sufriendo alrededor del mundo, por lo que agradezco que mi familia y yo estemos sanos y salvos. Siento que ha sido un período en que sólo tenemos que sentarnos a esperar, ser responsables y no salir a ningún lado. Creo que hay algo de luz al final del túnel, pero sé también que hay muchos países que todavía lo están pasando mal, por lo que no es tiempo de celebrar todavía. Dentro de todo, me siento afortunado de que mi familia y yo estemos bien.

¿Cuál fue tu pasatiempo principal durante estos meses?

Bueno, la verdad es que no he hecho mucho (risas). Obviamente hay cosas que hacer, pero hemos estado ocupados, ya que mi esposa y yo tuvimos un bebé recientemente.

Oh, ¡felicitaciones!

¡Muchas gracias! Tenemos también una niña de cuatro años, por lo que no es como que tengamos tiempo libre para hacer cosas. Realmente envidio a la gente que ha tenido tiempo durante la cuarentena para escribir una novela o concentrarse en algún pasatiempo, hacer todo lo que siempre quisieron hacer. Digamos que hemos pasado la pandemia cambiando pañales y criando a una niña de cuatro años, en eso se va la vida (risas).

Recuerdo un live que hiciste por el Instagram de la banda, donde se escucha a tu hija de fondo tocando la batería, ¿has intentado enseñarle algo?

Oh, sí. Ella tiene una pequeña batería que le gusta andar golpeando por toda la casa, a veces toco con ella, pero no es que sepa tocar correctamente porque es muy pequeña aún. Bueno, no quiero decir que haya una forma correcta o incorrecta de tocar porque eso no existe en la música, pero a ella sólo le gusta hacer ruido (risas). Soy muy cuidadoso de no presionarla en nada, la música debe ser algo que descubras, disfrutes y aprecies, en el momento en que agregas algún tipo de estructura, enseñas que hay un aspecto teórico y todo eso, de cierta forma le quita un poco la diversión. De igual forma estoy muy feliz de que ella disfrute haciendo ruido por la casa.

Adam, pasemos a la música. “Bodies” fue publicado en junio de este año, pero entiendo que ya estaba totalmente listo antes de la pandemia.

Así es, lo teníamos completamente terminado y listo para ser publicado, pero decidimos esperar simplemente.

¿Cómo ejecutaron el proceso durante su composición?

Es curioso porque, independiente de que hicimos este álbum antes de la cuarentena y de que no pudiéramos reunirnos ni trabajar todos juntos en la misma habitación, de igual manera fue un trabajo por separado, lo que es diferente de otros discos de la banda. Normalmente, Davey (Havok, vocalista) y Jade (Puget, guitarrista) harían la composición inicial para crear la melodía y la estructura para presentarle a la banda, luego trabajaríamos juntos para pulir las canciones y luego tener algo concreto para ir al estudio y grabarlas, pero este álbum se construyó en torno a los demos.

Entiendo que cada uno grabó por separado, ¿no es así?

Jade y Davey estructuraron las canciones para luego grabarlas y enviárselas al resto. En este caso, aprendí las canciones por mi cuenta y pude tomar algunas decisiones creativas para aplicarlas en ellas, luego fui al estudio, reemplacé las baterías programadas del demo con mi interpretación y luego se las envié a Hunter (Burgan, bajista), quien atravesó el mismo proceso de analizarlas y crear sus partes en los demos. Luego los chicos nuevamente le aplicaron ajustes, y así fue construyéndose hasta que tuvimos este disco completo y listo para publicarse, sin necesariamente estar todos juntos. Fue una forma desafiante de hacer las cosas y, si me hicieras elegir, habría preferido estar todos juntos tocando, quizás, pero así es como se dio. La tecnología permitió lograr esto y de todas maneras obtuvimos un buen resultado.

¿Quién tomó la decisión de no publicar el disco? ¿Fue algo que discutieron con la banda o el sello se los pidió?

Fue una decisión de la banda. Siempre hemos publicado discos para luego salir de gira y tocar las canciones para la gente, es la forma en que nos gusta compartir nuestra música. Cuando sacamos un disco generalmente tocamos casi de inmediato, así compartimos el entusiasmo de la gente de haber escuchado el disco y a la siguiente semana ya estar escuchando esas canciones interpretadas en vivo. Eso es algo importante para nosotros, somos una banda que ama tocar en vivo.

El timing fue casi perfecto porque ni siquiera se alcanzó a anunciar, así que no fue necesario postergarlo de alguna manera.

De haber seguido el plan original, el disco habría salido justo en el punto álgido de la pandemia, cuando de pronto nos dimos cuenta de que muchas cosas no eran tan importantes como parecían. Creo que el mundo colectivamente comenzó a darse cuenta de lo que es verdaderamente importante, todo era acerca de sobrevivir y protegernos unos a otros, comprender qué es lo que está correcto durante esta pandemia. Es raro cuando el mundo piensa de manera colectiva, y eso se dio de alguna manera, por lo que no se sentía correcto publicarlo. Además que sabíamos que no podríamos hacer shows, así que era mejor esperar. Quisimos esperar que pasara la pandemia, pero no hacía más que empeorar, así que pensamos que era mejor publicarlo y así fue como salió.

Algo que me llamó mucho la atención de este disco es que publicaron casi todas las canciones como adelantos. ¿Por qué lo lanzaron de esa forma?

Actualmente, cada vez que sale un disco, hay como unos días de entusiasmo en internet, pero luego eso se termina de repente. Es interesante porque nadie recibe su música desde el mismo lugar, no existe un solo lugar donde la gente pueda acceder a ella, sino que lo hacen a través de distintas plataformas. Ya no se escucha la radio de la misma manera, en la televisión no se pasan videoclips, es un mundo distinto, por lo que la vida de un nuevo disco es muy corta. La gente sigue escuchándolo, obviamente, pero es un período muy breve en el que es “lo nuevo” de lo que la gente está hablando.

Bajo ese contexto tiene sentido, se le da una longevidad más consistente.

Disfrutamos construir este disco y anticiparlo con canciones cada cierto tiempo, eso permitió que ese entusiasmo e interés en la banda se mantuviera, y puedes mantener la atención de la gente por más tiempo. Admito que con este disco nos pasamos un poco: cuando salió, finalmente había sólo unas dos canciones que la gente no conocía (risas), pero creo que lo más importante es que fueron varios meses en que los fans de AFI tuvieron ese sentimiento de comunidad, donde pudieron comentar y conversar sobre cada canción puntualmente. Eso es lo bueno de tener una comunidad de fanáticos tan leal, después de todo este tiempo siguen apoyándonos.

Ya que mencionaste a los fans, hablemos del show que tuvieron en Lollapalooza Chile 2014. Lo recuerdo como una de las presentaciones más increíbles en la historia del festival, la gente en las primeras filas lloraba y cantaba a todo pulmón, había una energía tremenda en el ambiente de verlos tocar por primera vez en Chile. ¿Qué recuerdas de ese día en particular? 

Recuerdo ese show muy bien; estaba muy entusiasmado de estar en Sudamérica, en Chile sobre todo, que fue nuestro primer show. Era la primera vez que llegábamos a esa parte del continente, y era un lugar que quería visitar toda mi vida, estaba maravillado, pero a la vez muy nervioso al no saber qué esperar, ya que era un festival muy grande. Eran unas 10 mil o 15 mil personas esperándonos y no sabía si eran asistentes curiosos o realmente fanáticos nuestros, pero cuando empezamos a tocar el publico se volvió loco. Tengo videos de ese show que miro de vez en cuando, era nuestro primer show en Sudamérica y fue muy genial. Fue como un alivio inmediato saber que eran realmente nuestros fans y no gente que solamente vería un par de canciones para luego irse a otro escenario (risas). Se dio una química increíble, respondieron excelente tanto al material antiguo como al nuevo, fue fantástico.

Adam, se nos acaba el tiempo, pero quiero volver a “Bodies” antes de terminar. Dijiste que aplicaste tus propias decisiones creativas a los demos que te enviaron los chicos, y me hace sentido porque siento que la batería es el núcleo central del disco. Te escuchas muy concentrado dándole una atmósfera general a todas las canciones, casi como si fuera el corazón de todo el relato. ¿Cuál fue el enfoque que le diste a las partes de tu instrumento en el disco?

Oh, muchas gracias. Es una pregunta difícil, no lo tengo bien claro porque fueron decisiones que tomé de manera individual por cada canción. Había decisiones que estaban tomadas antes de que recibiera las canciones. Hay algunas donde la batería era bien desafiante, así que no quise modificarlo mucho por mi cuenta; como baterista intento no llevarme la atención, sino que ser un sustento de la canción. Jade, por su parte, tenía un demo donde había un solo de batería de tres minutos y medio, era “Twisted Tongues” si no me equivoco. Yo estaba en plan de “de acuerdo, lo haré” (risas), pero sí siento que este disco es un trabajo bien orientado en la batería, estoy agradecido de que la gente lo note. Tienes razón en ese sentido, de que la batería es la columna vertebral en varias canciones, así que estoy feliz de haber hecho mi parte.

Muchas gracias por tu tiempo, Adam, y felicitaciones por el disco y por tu familia. Espero verte con la banda tocando nuevamente en Chile el día que pase toda esta pandemia. Cuídate mucho.

Estaré encantado de volver a Chile, espero poder verlos nuevamente. Ojalá se pueda concretar en un futuro. ¡Nos vemos!

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Entrevistas

Ken Casey de Dropkick Murphys: “Hay muchas cosas pasando en el mundo que no nos permiten quedarnos en silencio”

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Dentro de todas las influencias para la carrera de Dropkick Murphys, la obra de Woody Guthrie ha sido una de las más importantes para el conjunto oriundo de Massachusetts, por lo que la continua relación de respeto y preservación de su legado tiene un nuevo capítulo con el álbum “This Machine Still Kills Fascists”, donde ponen música a una serie de letras nunca utilizadas del compositor norteamericano ícono de la canción de protesta antifascista en el movimiento del folk. Es así como, mediante 10 tracks, la agrupación lleva las palabras de protesta y justicia de Guthrie a un nuevo terreno, con invitados como Nikki Lane y Evan Felker, siempre respetando la inédita obra del intérprete de “This Land Is Your Land”.

Debido al lanzamiento de este trabajo es que Ken Casey, vocalista principal de la banda, se sentó unos minutos a conversar con nosotros sobre este nuevo disco, el legado del artista y la influencia en la música de Dropkick Murphys; la idea original que dio pie a este álbum, su relación con la familia Guthrie, la creación del hit “I’m Shipping Up To Boston” y su visión del creciente fascismo en Estados Unidos, entre otros temas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Ken, ¿cómo estás?

Muy bien, estamos totalmente enfocados y entusiasmados por nuestro nuevo álbum que acaba de ser publicado.

Quiero hablar varias cosas sobre “This Machine Still Kills Fascists”. El título sin duda es una continuación del mensaje de Woody Guthrie, por lo que quiero que nos cuentes cómo nació la idea de crear este disco.

Primero conocimos a la familia Guthrie hace 20 años, debido a que el nieto de Woody, Cole Quest, quien en esos años era un adolescente fanático del punk, le contó a su madre Nora Guthrie sobre nosotros. Ella era la persona encargada de los archivos de Woody, además de las letras inéditas que nunca fueron publicadas, y se enteró de nuestra música porque él le dijo que éramos una banda que cantaba sobre las mismas cosas. Eso derivó en que Nora nos invitara a conversar y mostrarnos las letras. Luego sugirió que hiciéramos la interpretación musical de ellas, lo que es uno de los honores más grandes que hemos tenido como banda.

Para este álbum comenzaron a tener un enfoque más acústico en sus canciones. ¿Por qué optaron por esa configuración en vez del sonido característico de la banda en todos sus discos?

Sólo porque queríamos tocar las canciones siendo respetuosos con el período histórico en que fueron escritas, el estilo y sonido de la época. Obviamente, no es de la forma exacta en que Woody Guthrie lo habría hecho, aún sonamos como Dropkick Murphys, pero queríamos ser lo más respetuosos posibles con la forma en que él habría querido que sonaran. Junto con eso, luego de 26 años como banda siempre es divertido hacer cosas nuevas.

Sí. De hecho, durante la gira “This Machine…Theater Tour”, tocarán el álbum completo. ¿Pretenden mezclar este trabajo con canciones de su catálogo en este estilo para cada presentación?

Oh, sí, totalmente. Como son solamente 10 canciones en el álbum, probablemente haremos unas 15 de nuestro material antiguo, las cambiamos bastante para adaptarlas al show. Canciones como “I’m Shipping Up To Boston” o “Rose Tattoo” ahora tienen armónica y una vibra más de americana. Trabajamos bastante para hacer que las canciones coincidieran con el espíritu y el sonido de este disco.

¿Y qué hay de manera inversa? ¿Transformarán las canciones nuevas al formato eléctrico para shows en festivales y otros contextos?

También (risas). Hemos tocado varias de las canciones nuevas en formato eléctrico durante las pruebas de sonido y suenan muy bien, como por ejemplo “All You Fonies”, entre otras. De hecho, durante nuestra reciente gira europea tocamos “Two 6’s Upside Down” de manera acústica, pero igual en medio del set con las otras canciones, pensamos que tiene una fuerza para mantenerse ahí. Sin duda que incorporaremos algunas de las canciones cuando volvamos a hacer shows de manera más normal, como festivales y esas cosas.

Ken, al momento del anuncio de este álbum, llamaste a Woody “el punk original”. ¿Podrías ahondar en esa afirmación y contarnos sobre la influencia que su trabajo ha tenido en tu carrera como artista?

Lo veo a él como el punk original porque siempre he pensado que el punk se trata más de ser un rebelde e ir contra la corriente, de no tener miedo de hablar contra el poder. Otra de las características que le atribuyo al punk es la de no poner el éxito comercial sobre tu mensaje, ya sabes, siento que la misión de Woody en la música no era ser un ídolo pop, sino que de pasar su mensaje y verdaderamente comunicar lo que dicen sus canciones. Esa siempre fue su prioridad. Y cuando crecí, me di cuenta de que muchos de mis ídolos, como Joe Strummer o Bruce Springsteen, siempre han hablado de Woody Guthrie como una de sus principales influencias. Eso tuvo un gran impacto en mí, que mis ídolos musicales lo consideren a él como su ídolo.

¿Sientes que la banda tiene una responsabilidad especial de llevar el mensaje de Woody a las nuevas generaciones?

Definitivamente siento esa responsabilidad, sobre todo en el contexto político actual en Estados Unidos. La situación con Donald Trump y sus seguidores tiene muchos de los patrones que algunas dictaduras y regímenes fascistas tuvieron en el pasado, como atacar a la prensa, cuestionar su credibilidad, hacer que la gente no confíe en el resultado de las elecciones, poner en duda la democracia, armar teorías conspirativas, incluso tomar el control a la fuerza, lo que intentaron el pasado 6 de enero. Siento que es muy importante que cantemos canciones con este mensaje. Hay muchas cosas pasando en el mundo que no nos permiten quedarnos en silencio, como la distribución de la riqueza, corporaciones como Amazon que hacen y hacen dinero para sus dueños, pero los trabajadores apenas tienen lo mínimo. Woody luchó por la solidaridad con los trabajadores y un trato más justo para ellos, tenemos que hacer lo mismo.

Sí, es como si su mensaje estuviera más presente que nunca en el contexto actual. De hecho, personalmente me enteré del trabajo de Woody hace unos dos o tres años, ya que al ser de Chile no estaba tan familiarizado con su obra. Me sorprendió mucho lo contestatario que fue para su época, de verdad que abogó por muchas cosas de una manera muy decidida.

Claro que sí. Pienso que a cualquier músico le gustaría saber que su música resiste el paso del tiempo, pero cuando se trata de estos temas, estoy seguro de que Woody no estaría muy contento. Es una pena que estos temas sigan siendo tan relevantes como cuando él cantaba de ellos.

Siento que cada músico, cuya obra aborda estos tópicos, pasa por lo mismo. Canciones que se escribieron hace muchos años y todavía siguen teniendo el mismo significado, debido a que las cosas no cambian mucho. Es algo muy triste, si lo pensamos.

Muy triste, es algo a lo que debemos hacer frente.

Otra de las canciones de Dropkick Murphys que tiene letras de Woody Guthrie es “I’m Shipping Up To Boston”, sin duda una canción masivamente popular en muchas plataformas distintas. ¿Cómo se han tomado la enorme recepción de la gente?

Ha sido increíble, esa letra fue lo primero que trabajamos cuando nos conocimos con la familia Guthrie hace ya 20 años. De hecho, teníamos la música lista cuando vimos la letra y se nos ocurrió que calzaba perfecto, además de que mencionara a Boston era una señal de que iba a funcionar. Para serte sincero, no hablamos demasiado de que es una letra de Woody, nuestros acérrimos lo saben, pero para el resto es una sorpresa porque lo ven como un compositor más serio, aunque también es capaz de hacer canciones más relajadas y divertidas como esta. Quizás la escribió para pasar el rato, no lo sé, siempre he querido saber qué pasaba por su cabeza al hacer una canción como esta, pero es irónico que nunca la haya grabado y nosotros hayamos tenido la oportunidad de hacerlo. Es increíble todo lo que ha pasado con esa canción y su popularidad.

Ken, este álbum tomó a los fans de la banda por sorpresa, sobre todo porque su anterior álbum, “Turn Up That Dial” es de 2021. Hablando de ese trabajo, ¿cómo sientes que la gente ha recibido las canciones nuevas en los shows?

Ha sido buena, por suerte. Lamentablemente, no teníamos el feedback inmediato cuando lo publicamos debido a la pandemia y la falta de shows, pero ahora que las tocamos durante el verano europeo fue genial ver cómo la gente coreaba todas las canciones como si existieran hace años. Es un sentimiento increíble. Siento que el álbum fue muy apreciado por la gente al entregarles un momento feliz y optimista, que es algo que todos necesitábamos durante un período tan oscuro como la pandemia, ya que han sido unos años muy, muy, muy oscuros en todo el mundo.

Sí, son tiempos muy oscuros. Ken, muchas gracias por la entrevista, se nos acaba el tiempo, por lo que quiero pedirte si puedes enviar un saludo a los fans de la banda en Chile.

Tocar en Chile es muy entretenido, la pasión y energía es tremenda. Los fans inundan el lugar con su voz cantando cada canción y es muy bonito para nosotros que pase eso. No puedo esperar por regresar y tocar para ustedes de nuevo, los extrañamos mucho.

Excelente, Ken. Que estés muy bien.

Igualmente, amigo. ¡Nos vemos!

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