Conéctate a nuestras redes
Doug Wimbish Doug Wimbish

Entrevistas

Doug Wimbish de Living Colour: “Gracias a CM Punk la gente volvió a saber de nosotros”

Publicado

en

Living Colour ha desarrollado una carrera muy fructífera gracias a su combinación de diferentes estilos, además de una que otra canción sonando regularmente en varias plataformas, lo que ha permitido a la banda mantenerse vigentes desde su creación en 1984. Ahora, con un nuevo álbum de estudio bajo el brazo, “Shade” (2017), la banda regresará a Santiago para presentarse el próximo 15 de mayo en Cúpula Multiespacio, donde, además de presentar su nuevo trabajo, interpretarán una selección de lo más destacado dentro de su catálogo.

Bajo ese contexto, conversamos con Doug Wimbish, bajista de la banda, quien se tomó el tiempo para relatarnos el trabajo detrás de su último disco, la importancia del guitarrista Robert Johnson en su música, la exposición masiva que experimentaron gracias al ex luchador de WWE, CM Punk, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Partamos hablando de “Shade”, el primer álbum de Living Colour en ocho años. ¿Qué los motivó a entrar al estudio nuevamente?

El proceso detrás de este disco comenzó con la planificación de cómo queríamos hacerlo, y eso se originó en el concierto de aniversario de Robert Johnson, donde se celebraron los 100 años desde su nacimiento. Nos pidieron ser parte de este evento, que se realizó en el Apollo Theater y, mientras preparábamos el show, escogimos la canción “Preachin’ Blues”, la que fue recibida con gran entusiasmo por los asistentes. Luego de eso nos preguntamos cómo sería hacer un álbum de blues con nuestra propia interpretación del género, y así buscar el lado artístico y desarmar el ADN del blues, resolviendo cómo influye en los géneros modernos como el rap, rock, country, dance, funk, reggae, lo que sea, donde todos tienen algo del blues. Eso fue todo un desafío.

¿Cómo desarrollaron ese concepto?

Comenzamos a pensar cómo podíamos conectar todo eso en un disco y mezclar nuestro mundo musical, ya que nos gusta el hip hop, jazz, entre otros estilos como banda, y nos divertimos tocando cosas diferentes. Lo principal era ver cómo podíamos deconstruir el blues y, a la vez, unir todas esas piezas que le entregan a tantos estilos en términos de letras, arte, estilo, e incluso estructuras. Quisimos intentar eso, y creo que lo logramos.

¿Sientes quizás que esto fue como un “segundo aire” en términos creativos?

Fue interesante porque nos llegó de golpe. A veces las cosas sólo pasan, no estás preparado para ello, pero la idea persiste y ahí empiezas a preguntarte cómo puedes hacerlo. Eso hicimos con “Shade”, y la clave de todo eso fue traer gente que nos ayudara a darle forma al disco. Uno de ellos fue Andre Betts, un buen amigo mío. Andre y yo trabajamos con Madonna, e incluso con otros artistas antes de unirme a Living Colour, por lo que pensé que sería una buena idea traerlo a él para que nos ayudara a alcanzar la meta de grabar un álbum como este. En resumidas cuentas, la misión era tomar los códigos del blues y conjugarlos junto a los estilos musicales que habíamos estado escuchando por los últimos 40 años. Por supuesto, nos tomó un buen tiempo lograrlo, necesitábamos dilucidar bien cómo rendir homenaje a la música con la que crecimos.

De hecho, en el álbum hay covers de Robert Johnson, Marvin Gaye y The Notorious B.I.G., por lo que asumo que ellos influenciaron en tu carrera como músico. ¿Las canciones que versionaron han sido importantes en tu vida?

Sí, hay cosas que creces escuchándolas, pero cuando te haces viejo vuelves a revisitarlas y analizarlas de otra forma, entiendes mucho más el concepto que cuando eras joven. De niño solía escuchar lo que me gustaba, principalmente motown y cosas que sonaban por la radio AM, mi oído se fue formando con la música popular como Sly & The Family Stone y todos esos artistas que se hicieron populares en los setenta. A medida que envejeces te interesas por el sentido artístico, y así descubres cosas incluso de antes que nacieras, o también aquellas a las que no les pusiste atención en su momento. Ahora con Living Colour probablemente los cuatro tuvimos el mismo crecimiento musical, aunque todos tenemos diferentes raíces, pero al final todo se termina conectando. Es como lo que hablé sobre la misión del álbum; creo que en estas tres canciones que me mencionas es donde más se nota esa conexión de distintos estilos mediante el blues.

Son versiones con un toque propio, realmente son canciones que tienen una estructura muy interesante dependiendo de su contexto.

Así es. Tenemos a “Preachin’ Blues” de Robert Johnson, que es una canción de blues, “Inner City Blues” de Marvin Gaye, que viene de fines de los sesenta y principios de los setenta. Finalmente, tienes “Who Shot Ya?” de The Notorious B.I.G., que es de fines de los ochenta o principios de los noventa. Tres artistas diferentes que tienen algo en común: la necesidad de comunicar un mensaje. Había letras que hablaban de las cosas que vivían, de sus problemas, la visión del mundo, la vida de la calle, entre otras cosas. Todos son poetas, documentaban la información de la vida que vivían, no es algo que leas en artículos, es algo que tienes la oportunidad de oír desde sus protagonistas. Si te fijas, los tres murieron a causa de la violencia desmedida de las armas. Si hacíamos un disco de blues, había que hablar de cosas reales, ellos no la tuvieron fácil en los inicios. A pesar de que gente como Marvin Gaye haya gozado de mayor libertad de expresión, las voces de la cultura afroamericana no estaban siendo tomadas en cuenta, y recién con Malcolm X hubo un representante para la comunidad negra. Biggie, en cambio, hablaba de la realidad de Nueva York en plena epidemia del crack, cómo tenías que sobrevivir y cómo costaba salir adelante. Vimos todo esto y quisimos representar la historia de estos tres personajes.

¿Consideras que influenciaron de igual manera en tus compañeros?

Absolutamente. Todas estas canciones surgieron desde conversaciones que tuvimos en el estudio. “Who Shot Ya?”, surgió por Corey (Glover, vocalista); él creció en Brooklyn y suele recitar las rimas de Biggie cuando comenzamos el ensayo. Un día nuestro productor lo vio y nos preguntó por qué no hacíamos una versión de The Notorious B.I.G., lo que nos pareció interesante para el proyecto. Lo de Robert Johson fue por el homenaje donde tocamos. Lo mismo con “Inner City Blues”, que la toqué en un homenaje a Marvin Gaye donde participé junto a Corey. Luego, en un show que hicimos con Living Colour en Washington, hice un solo de bajo donde tocaba la canción, a la banda le gustó y decidió ponerla en el disco también. Sé que la creación del disco es una larga historia, sólo te estoy contando un poco de lo que pasó. Ahora sabes cómo logramos todo esto, cómo pudimos emitir el mensaje de estos artistas a través del tiempo.

Debo decirte que tengo mucho respeto por lo que hicieron con este álbum, es un disco muy bueno, lo he escuchado mucho desde que salió. Espero que podamos escuchar mucho de este álbum cuando toquen aquí.

Muchas gracias por eso. Fue un trabajo duro, pero trajo sus recompensas.

Doug, quiero preguntarte algo completamente diferente. Es sobre la vez en WrestleMania 29, donde tocaron “Cult of Personality” como la entrada de CM Punk. Quiero saber cómo pasó todo eso, cómo llegaron a ser parte de un show de WWE.

Eso fue gracias a Phil (Brooks, nombre real de CM Punk), él era un fan de Living Colour en su juventud. Solía jugar béisbol en Chicago y, mientras practicaban, sonaba mucho “Cult Of Personality” y eso lo llenaba de energía. Eso fue una inspiración para él de manera personal porque, digamos las cosas como son, CM Punk no es el típico luchador, no es grande ni musculoso ni nada de eso, solía hacer mucho Backyard Wrestling cuando niño, lo que es básicamente poner un colchón en el patio y golpearte con tus amigos, lo que es básicamente imitar la lucha libre (risas). Él nunca fue el prototipo de luchador que tú ves en televisión, pero era tan bueno, que terminó siendo campeón mundial. Así que, cuando era campeón de WWE, luchó insistentemente para que esta fuera su canción de entrada, y tengo entendido que nunca había pasado que un luchador usara una canción de una banda. No estoy muy seguro, pero creo que toda la música es creada por ellos mismos.

Estás en lo correcto, recién ahora se está utilizando una canción externa para un luchador, “Bad Reputation” de Joan Jett como entrada de Ronda Rousey, pero CM Punk fue el primero en hacer eso.

Claro, fue un precedente, el insistió e insistió hasta que logró que “Cult Of Personality” fuera su canción, y eso permitió que comenzáramos las conversaciones con WWE. Tocar allí nos abrió muchas puertas, fue como una nueva luz para la banda y que la gente supiera que aún estábamos activos. Gracias a CM Punk la gente volvió a saber de nosotros. La canción había salido en algunos videojuegos, como “Grand Theft Auto: San Andreas” o “Guitar Hero 3”, eso nos ayudó un poco a elevar nuestro estatus, pero cuando llegó CM Punk como campeón usando esa canción, fue una ayuda enorme. Lo otro es que WrestleMania fue realizado en Nueva York ese año, como tres años atrás, por lo que Phil pidió que tocáramos la canción en su entrada.

De hecho, fue hace cinco años, en 2013.

Si, tienes razón, fue en 2013. Justo ahora estoy mirando un regalo que te dan cuando participas del show, te entregan un pequeño trofeo y claramente dice “7 de abril de 2013, MetLife Stadium”. Lo que hacen es sacar las cuerdas del ring cuando termina el show y cortan pequeños trozos que los ponen en tu galvano junto a una placa con la fecha. Esa oportunidad se la agradecemos totalmente a CM Punk, él fue quien hizo eso por nosotros y no podemos estar más agradecidos por esa oportunidad. MetLife Stadium es uno de los estadios más grandes del país; de hecho, ese evento fue el con mayor asistencia hasta la fecha, donde hubo casi 100 mil personas.

Si, el próximo año se realizará WrestleMania 35 en el mismo estadio. Es curioso pensar esto, pero esa fue la última lucha de CM Punk en un WrestleMania.

Sí, es una lástima, él ya estaba un poco viejo y cansado luego de tantos años. Phil no es de esos tipos grandes. Cuando lo conocimos sólo estuvimos un momento con él porque fue antes de su lucha, pero hace un tiempo vino a un show de nosotros en Chicago y conversé más con él, yo lo miraba y pensaba: “¡Es un tipo común y corriente!” (risas). Prácticamente es de estatura media, es increíble que pueda levantar gente y hacer todas esas cosas en el ring. Él creyó cien por ciento en nosotros, eso es muy valorable, esa canción fue una gran inspiración para él y estamos muy felices por eso.

Bueno, Doug, lamentablemente se nos acaba el tiempo. Quiero pedirte si puedes enviar un mensaje a todos quienes esperan por Living Colour en Santiago.

Quiero decirle a la buena gente de Santiago de Chile que estamos muy agradecidos por todo el amor que le han dado a la banda por todos estos años, estamos felices por ver a tantos fans que han crecido con nuestra música y que están introduciendo a Living Colour a las nuevas generaciones. Gracias por apoyarnos y por favor apoyen a toda la música, porque es muy importante que las artes sean apoyadas. Estoy expectante por volver a Santiago, he estado con Living Colour y con otras bandas también. Vayan, lo pasarán bien, no los decepcionaremos, tenemos un gran disco recién lanzado. Escuchen “Shade”, espero que les guste. Eso es todo, cuídense mucho y ¡nos vemos el show!

Publicidad
Clic para comentar

Responder

Entrevistas

Dylan Baldi de Cloud Nothings: “Somos una banda sencilla”

Publicado

en

Se acerca el debut en nuestro país de Cloud Nothings, banda que llegará hasta el escenario del Bar Loreto el próximo 6 de abril con una gira que los tiene en plena promoción de “Last Building Burning”, su último trabajo de estudio, lanzado en 2018.

La banda ha ganado notorio reconocimiento desde su formación en 2009, recopilando una serie de críticas favorables en cada uno de sus cinco trabajos de estudio, especialmente las placas “Attack On Memory” (2012) y “Life Without Sound” (2017), piezas fundamentales dentro de su catálogo. Ahora, en plena celebración de sus diez años, Cloud Nothings parece tener una claridad de qué es lo que pretende hacer y, por supuesto, cómo lo debe hacer, llegando en el que sin duda podemos catalogar como el mejor momento de su carrera.

Previo a su presentación, conversamos con su vocalista, Dylan Baldi, quien nos relató sobre el proceso detrás de su último LP, sus métodos de trabajo para cada tipo de contexto en términos de grabación, sus expectativas del público local y su álbum colaborativo con Wavves, entre otros temas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Comencemos hablando sobre el último LP de la banda, “Last Building Burning” (2018). ¿Qué puedes contarnos sobre el proceso creativo detrás de este disco?

Este álbum surgió desde el deseo de querer explorar cómo generar un sentido de energía casi físico sólo usando el sonido. Empecé a interesarme mucho en hacer música que fuera intensa y que fluyera de tal forma, que se sintiera como algo tangible cuando la escuchas, es como algo que te empuja y te mueve.

Entiendo que este disco fue grabado en ocho días, ¿fue por una inspiración del momento o porque sentían algún tipo de presión para terminarlo?

Ocho días se ve como un período largo, honestamente (risas). La verdad es que simplemente trabajamos muy rápido; somos una banda sencilla, que no necesita mucho en términos de producción. Mientras sepamos cómo tocar nuestras canciones, los discos se grabarán al ritmo correcto.

Temáticamente, ¿de qué se trata este álbum?

Bueno, cada canción es sobre su propio tema. El álbum es generalmente sobre tratar de comprender cómo dejar que las cosas nuevas convivan pasivamente con las más antiguas, ya sea que esas cosas sean literalmente edificios, emociones, gente, cualquier cosa, la verdad. El conflicto entre lo viejo y lo nuevo es muy interesante para mí.

Estuve viendo unos videos que compartiste sobre una banda japonesa que hace covers de Cloud Nothings, tocando canciones que usualmente ustedes no tocan en vivo. ¿Cómo es que encontraste a estos chicos y cuál es tu opinión sobre ellos?

No puedo recordar cómo lo encontré, pero es realmente loco (risas). No entiendo el contexto de por qué ellos están tocando esas canciones, ni nada de lo que están haciendo, pero hay gente que corea cada palabra. Nunca imaginé que algún día tendríamos a cualquier otra banda tocando nuestras canciones, interpretando un repertorio de ellas. Especialmente de un lugar tan lejano como Japón, ¡es realmente loco!

Este será el debut de la banda en Chile. ¿Qué esperas sobre el público?

No tengo idea sobre qué esperar. No conozco nadie que haya tocado alguna vez en Chile. Tengo la misión de llevar el reporte a mis amigos para que sepan cómo es el público de allá (risas).

En 2012 lanzaron “Live At The Grog Shop”, su único registro oficial en vivo hasta la fecha. ¿Cómo es que intentan capturar la energía de un show dentro de un álbum?

Creo que el disco suena como basura, de hecho. Es sólo una grabación desde la mesa de sonido que guardamos de un show en Cleveland. Es más, siento que nuestro nuevo disco suena mucho más “en vivo” que ese lanzamiento.

Llevando ese ejercicio hacia un disco: ¿cuál crees que es la clave para que la gente sienta la intensidad de la banda tocando en el estudio cuando escuchan un álbum?

Creo que la clave es sólo asegurarse de que tocas realmente bien cuando estás grabando. Si estamos grabando en nuestro peak más intenso, la energía seguirá fluyendo a través de este sin importar cuán malo sea el álbum. Por suerte, hemos sido lo suficientemente afortunados de trabajar con ingenieros muy talentosos, así que nuestros discos tienden a sonar muy bien en adición a la energía que transmiten.

Cloud Nothings

 

Sé que twitteas un montón. ¿Qué tan importante son las redes sociales para la banda?

Yo sólo uso Twitter porque mi novia se enoja conmigo cuando dejo de hacerlo, ya que a ella le encanta twittear. Siendo que esta banda estaría exactamente donde está ahora incluso sin las redes sociales, ya que no les he prestado atención en meses, y aun así todo se siente exactamente igual para mí.

En 2015 lanzaron “No Life For Me”, un álbum colaborativo con la banda Wavves. ¿Cómo surgió esa idea?

Wavves se acercó y nos preguntó si queríamos hacer algo con ellos, a lo que accedimos. Fue muy divertido hacer esa colaboración, ya que una de nuestras primeras giras la hicimos junto a ellos en 2011. Me gusta el álbum que hicimos, creo que hay algunas canciones realmente buenas en él.

Bueno, eso es todo, Dylan. ¿Le enviarías un mensaje a los fanáticos de Cloud Nothings en Chile?

¡Estamos ansiosos por tocar y verlos a todos en Santiago! Por favor, conversemos en el lugar del show y cuéntenos qué deberíamos hacer mientras estamos en su ciudad. Jamás imaginé que llegaríamos hasta allá, así que realmente no sé mucho sobre Chile. ¡Nos vemos!

Seguir Leyendo
Publicidad

Facebook

Discos

DiscosHace 2 semanas

The Claypool Lennon Delirium – “South Of Reality”

Demás está decir que los álbumes colaborativos entre dos o más artistas son generalmente obras que gozan de cierto pie...

La Voz de los 80 La Voz de los 80
DiscosHace 3 meses

El Álbum Esencial: “La Voz de los ’80” de Los Prisioneros

Jorge González dijo una vez que el primer disco de una banda toma mucho tiempo porque el proceso parte desde...

Back Your Head Off, Dog Back Your Head Off, Dog
DiscosHace 10 meses

Hop Along – “Bark Your Head Off, Dog”

Desde hace no mucho, ha circulado la noticia de que las mujeres están siendo quienes dan la cara por esta...

Down Below Down Below
DiscosHace 10 meses

Tribulation – “Down Below”

Dentro del espectro de lo que se entiende como “metal extremo”, la evolución general en cada subgénero ha ido apuntando...

Resistance Is Futile Resistance Is Futile
DiscosHace 10 meses

Manic Street Preachers – “Resistance Is Futile”

El consenso general en torno a cada trabajo de Manic Street Preachers siempre ronda en torno a cuánto se acercan...

ØMNI ØMNI
DiscosHace 10 meses

Angra – “ØMNI”

Hay bandas que recaen eternamente en lo genérico y no experimentan más allá de los materiales básicos que les ha...

The Sciences The Sciences
DiscosHace 10 meses

Sleep – “The Sciences”

La carrera de Sleep dista mucho de ser una historia típica en el mundo del rock, factor que pudo haber...

Tranquility Base Hotel & Casino Tranquility Base Hotel & Casino
DiscosHace 10 meses

Arctic Monkeys – “Tranquility Base Hotel & Casino”

Un hype autogenerado en prensa y fanáticos por igual mantuvo las miradas del mundo en “Tranquility Base Hotel & Casino”,...

Songs Of Price Songs Of Price
DiscosHace 10 meses

Shame – “Songs Of Praise”

Pocas veces tenemos la fortuna de presenciar el nacimiento de una gran banda de la mano de su primer larga...

New Material New Material
DiscosHace 10 meses

Preoccupations – “New Material”

Para quienes puedan estar perdidos dentro del siempre caótico panorama del rock contemporáneo, probablemente sonará desconocido el nombre de Preoccupations....

Publicidad
Publicidad

Más vistas