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Doug Wimbish de Living Colour: “Gracias a CM Punk la gente volvió a saber de nosotros”

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Living Colour ha desarrollado una carrera muy fructífera gracias a su combinación de diferentes estilos, además de una que otra canción sonando regularmente en varias plataformas, lo que ha permitido a la banda mantenerse vigentes desde su creación en 1984. Ahora, con un nuevo álbum de estudio bajo el brazo, “Shade” (2017), la banda regresará a Santiago para presentarse el próximo 15 de mayo en Cúpula Multiespacio, donde, además de presentar su nuevo trabajo, interpretarán una selección de lo más destacado dentro de su catálogo.

Bajo ese contexto, conversamos con Doug Wimbish, bajista de la banda, quien se tomó el tiempo para relatarnos el trabajo detrás de su último disco, la importancia del guitarrista Robert Johnson en su música, la exposición masiva que experimentaron gracias al ex luchador de WWE, CM Punk, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Partamos hablando de “Shade”, el primer álbum de Living Colour en ocho años. ¿Qué los motivó a entrar al estudio nuevamente?

El proceso detrás de este disco comenzó con la planificación de cómo queríamos hacerlo, y eso se originó en el concierto de aniversario de Robert Johnson, donde se celebraron los 100 años desde su nacimiento. Nos pidieron ser parte de este evento, que se realizó en el Apollo Theater y, mientras preparábamos el show, escogimos la canción “Preachin’ Blues”, la que fue recibida con gran entusiasmo por los asistentes. Luego de eso nos preguntamos cómo sería hacer un álbum de blues con nuestra propia interpretación del género, y así buscar el lado artístico y desarmar el ADN del blues, resolviendo cómo influye en los géneros modernos como el rap, rock, country, dance, funk, reggae, lo que sea, donde todos tienen algo del blues. Eso fue todo un desafío.

¿Cómo desarrollaron ese concepto?

Comenzamos a pensar cómo podíamos conectar todo eso en un disco y mezclar nuestro mundo musical, ya que nos gusta el hip hop, jazz, entre otros estilos como banda, y nos divertimos tocando cosas diferentes. Lo principal era ver cómo podíamos deconstruir el blues y, a la vez, unir todas esas piezas que le entregan a tantos estilos en términos de letras, arte, estilo, e incluso estructuras. Quisimos intentar eso, y creo que lo logramos.

¿Sientes quizás que esto fue como un “segundo aire” en términos creativos?

Fue interesante porque nos llegó de golpe. A veces las cosas sólo pasan, no estás preparado para ello, pero la idea persiste y ahí empiezas a preguntarte cómo puedes hacerlo. Eso hicimos con “Shade”, y la clave de todo eso fue traer gente que nos ayudara a darle forma al disco. Uno de ellos fue Andre Betts, un buen amigo mío. Andre y yo trabajamos con Madonna, e incluso con otros artistas antes de unirme a Living Colour, por lo que pensé que sería una buena idea traerlo a él para que nos ayudara a alcanzar la meta de grabar un álbum como este. En resumidas cuentas, la misión era tomar los códigos del blues y conjugarlos junto a los estilos musicales que habíamos estado escuchando por los últimos 40 años. Por supuesto, nos tomó un buen tiempo lograrlo, necesitábamos dilucidar bien cómo rendir homenaje a la música con la que crecimos.

De hecho, en el álbum hay covers de Robert Johnson, Marvin Gaye y The Notorious B.I.G., por lo que asumo que ellos influenciaron en tu carrera como músico. ¿Las canciones que versionaron han sido importantes en tu vida?

Sí, hay cosas que creces escuchándolas, pero cuando te haces viejo vuelves a revisitarlas y analizarlas de otra forma, entiendes mucho más el concepto que cuando eras joven. De niño solía escuchar lo que me gustaba, principalmente motown y cosas que sonaban por la radio AM, mi oído se fue formando con la música popular como Sly & The Family Stone y todos esos artistas que se hicieron populares en los setenta. A medida que envejeces te interesas por el sentido artístico, y así descubres cosas incluso de antes que nacieras, o también aquellas a las que no les pusiste atención en su momento. Ahora con Living Colour probablemente los cuatro tuvimos el mismo crecimiento musical, aunque todos tenemos diferentes raíces, pero al final todo se termina conectando. Es como lo que hablé sobre la misión del álbum; creo que en estas tres canciones que me mencionas es donde más se nota esa conexión de distintos estilos mediante el blues.

Son versiones con un toque propio, realmente son canciones que tienen una estructura muy interesante dependiendo de su contexto.

Así es. Tenemos a “Preachin’ Blues” de Robert Johnson, que es una canción de blues, “Inner City Blues” de Marvin Gaye, que viene de fines de los sesenta y principios de los setenta. Finalmente, tienes “Who Shot Ya?” de The Notorious B.I.G., que es de fines de los ochenta o principios de los noventa. Tres artistas diferentes que tienen algo en común: la necesidad de comunicar un mensaje. Había letras que hablaban de las cosas que vivían, de sus problemas, la visión del mundo, la vida de la calle, entre otras cosas. Todos son poetas, documentaban la información de la vida que vivían, no es algo que leas en artículos, es algo que tienes la oportunidad de oír desde sus protagonistas. Si te fijas, los tres murieron a causa de la violencia desmedida de las armas. Si hacíamos un disco de blues, había que hablar de cosas reales, ellos no la tuvieron fácil en los inicios. A pesar de que gente como Marvin Gaye haya gozado de mayor libertad de expresión, las voces de la cultura afroamericana no estaban siendo tomadas en cuenta, y recién con Malcolm X hubo un representante para la comunidad negra. Biggie, en cambio, hablaba de la realidad de Nueva York en plena epidemia del crack, cómo tenías que sobrevivir y cómo costaba salir adelante. Vimos todo esto y quisimos representar la historia de estos tres personajes.

¿Consideras que influenciaron de igual manera en tus compañeros?

Absolutamente. Todas estas canciones surgieron desde conversaciones que tuvimos en el estudio. “Who Shot Ya?”, surgió por Corey (Glover, vocalista); él creció en Brooklyn y suele recitar las rimas de Biggie cuando comenzamos el ensayo. Un día nuestro productor lo vio y nos preguntó por qué no hacíamos una versión de The Notorious B.I.G., lo que nos pareció interesante para el proyecto. Lo de Robert Johson fue por el homenaje donde tocamos. Lo mismo con “Inner City Blues”, que la toqué en un homenaje a Marvin Gaye donde participé junto a Corey. Luego, en un show que hicimos con Living Colour en Washington, hice un solo de bajo donde tocaba la canción, a la banda le gustó y decidió ponerla en el disco también. Sé que la creación del disco es una larga historia, sólo te estoy contando un poco de lo que pasó. Ahora sabes cómo logramos todo esto, cómo pudimos emitir el mensaje de estos artistas a través del tiempo.

Debo decirte que tengo mucho respeto por lo que hicieron con este álbum, es un disco muy bueno, lo he escuchado mucho desde que salió. Espero que podamos escuchar mucho de este álbum cuando toquen aquí.

Muchas gracias por eso. Fue un trabajo duro, pero trajo sus recompensas.

Doug, quiero preguntarte algo completamente diferente. Es sobre la vez en WrestleMania 29, donde tocaron “Cult of Personality” como la entrada de CM Punk. Quiero saber cómo pasó todo eso, cómo llegaron a ser parte de un show de WWE.

Eso fue gracias a Phil (Brooks, nombre real de CM Punk), él era un fan de Living Colour en su juventud. Solía jugar béisbol en Chicago y, mientras practicaban, sonaba mucho “Cult Of Personality” y eso lo llenaba de energía. Eso fue una inspiración para él de manera personal porque, digamos las cosas como son, CM Punk no es el típico luchador, no es grande ni musculoso ni nada de eso, solía hacer mucho Backyard Wrestling cuando niño, lo que es básicamente poner un colchón en el patio y golpearte con tus amigos, lo que es básicamente imitar la lucha libre (risas). Él nunca fue el prototipo de luchador que tú ves en televisión, pero era tan bueno, que terminó siendo campeón mundial. Así que, cuando era campeón de WWE, luchó insistentemente para que esta fuera su canción de entrada, y tengo entendido que nunca había pasado que un luchador usara una canción de una banda. No estoy muy seguro, pero creo que toda la música es creada por ellos mismos.

Estás en lo correcto, recién ahora se está utilizando una canción externa para un luchador, “Bad Reputation” de Joan Jett como entrada de Ronda Rousey, pero CM Punk fue el primero en hacer eso.

Claro, fue un precedente, el insistió e insistió hasta que logró que “Cult Of Personality” fuera su canción, y eso permitió que comenzáramos las conversaciones con WWE. Tocar allí nos abrió muchas puertas, fue como una nueva luz para la banda y que la gente supiera que aún estábamos activos. Gracias a CM Punk la gente volvió a saber de nosotros. La canción había salido en algunos videojuegos, como “Grand Theft Auto: San Andreas” o “Guitar Hero 3”, eso nos ayudó un poco a elevar nuestro estatus, pero cuando llegó CM Punk como campeón usando esa canción, fue una ayuda enorme. Lo otro es que WrestleMania fue realizado en Nueva York ese año, como tres años atrás, por lo que Phil pidió que tocáramos la canción en su entrada.

De hecho, fue hace cinco años, en 2013.

Si, tienes razón, fue en 2013. Justo ahora estoy mirando un regalo que te dan cuando participas del show, te entregan un pequeño trofeo y claramente dice “7 de abril de 2013, MetLife Stadium”. Lo que hacen es sacar las cuerdas del ring cuando termina el show y cortan pequeños trozos que los ponen en tu galvano junto a una placa con la fecha. Esa oportunidad se la agradecemos totalmente a CM Punk, él fue quien hizo eso por nosotros y no podemos estar más agradecidos por esa oportunidad. MetLife Stadium es uno de los estadios más grandes del país; de hecho, ese evento fue el con mayor asistencia hasta la fecha, donde hubo casi 100 mil personas.

Si, el próximo año se realizará WrestleMania 35 en el mismo estadio. Es curioso pensar esto, pero esa fue la última lucha de CM Punk en un WrestleMania.

Sí, es una lástima, él ya estaba un poco viejo y cansado luego de tantos años. Phil no es de esos tipos grandes. Cuando lo conocimos sólo estuvimos un momento con él porque fue antes de su lucha, pero hace un tiempo vino a un show de nosotros en Chicago y conversé más con él, yo lo miraba y pensaba: “¡Es un tipo común y corriente!” (risas). Prácticamente es de estatura media, es increíble que pueda levantar gente y hacer todas esas cosas en el ring. Él creyó cien por ciento en nosotros, eso es muy valorable, esa canción fue una gran inspiración para él y estamos muy felices por eso.

Bueno, Doug, lamentablemente se nos acaba el tiempo. Quiero pedirte si puedes enviar un mensaje a todos quienes esperan por Living Colour en Santiago.

Quiero decirle a la buena gente de Santiago de Chile que estamos muy agradecidos por todo el amor que le han dado a la banda por todos estos años, estamos felices por ver a tantos fans que han crecido con nuestra música y que están introduciendo a Living Colour a las nuevas generaciones. Gracias por apoyarnos y por favor apoyen a toda la música, porque es muy importante que las artes sean apoyadas. Estoy expectante por volver a Santiago, he estado con Living Colour y con otras bandas también. Vayan, lo pasarán bien, no los decepcionaremos, tenemos un gran disco recién lanzado. Escuchen “Shade”, espero que les guste. Eso es todo, cuídense mucho y ¡nos vemos el show!

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Entrevistas

Doug Martsch de Built To Spill: “La industria discográfica está muerta”

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Doug Martsch

Queda muy poco para una nueva versión del festival Fauna Primavera, donde se producirá uno de los debuts más interesantes que tendremos este año. Hablamos de Built To Spill, banda seminal del movimiento indie durante los noventa, quienes, bajo la tutela de su líder Doug Martsch, han ido desarrollando un sonido gestado por las guitarras sucias y los intensos momentos de improvisación que se producen en el escenario. Con ocho álbumes de estudio a la fecha, la banda promete arrasar con todo a su paso cuando se tomen el Fauna Primavera Stage a las 15:10 de la tarde el próximo 10 de noviembre en Espacio Broadway, repasando su discografía ante quienes esperan por su arribo.

Como previa a su presentación, conversamos por teléfono con Doug Martsch, quien nos platicó sobre diversos temas en relación a la banda, como el aniversario de su álbum “Keep It Like A Secret” (1999), su relación con el sello Warner Bros., sus formas de trabajo a la hora de componer música, su opinión sobre la industria discográfica, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos íntegramente a continuación.

Doug, quiero que comencemos hablando de esta visita a Sudamérica. Estarán tocando en algunos festivales, además de algunos shows en solitario. ¿Qué se siente llegar por primera vez hasta un lugar tan lejano con tu música?

Estoy muy entusiasmado, nunca he ido a Sudamérica antes. No iremos a tocar tanto como nos gustaría, pero aun así estoy muy contento de ir por fin.

El próximo año tocarán algunas fechas para celebrar los 20 años de “Keep It Like A Secret” (1999). ¿Sienten que esta gira por Sudamérica será una especie de precalentamiento para lo que se viene en 2019?

No, los shows de allá serán shows comunes de nosotros, tocaremos canciones de todos nuestros álbumes.

He estado mirando los setlists de la gira y cambian bastante. ¿Cómo deciden lo que tocarán cada noche?

Cuando nos vamos de gira, ensayamos, por lo que no tenemos claro que canciones haremos. Los setlists se van armando con todo lo que preparamos, ya sabes, vamos rotando las canciones, cambiándolas de orden, explorando nuestras opciones cada noche. Siempre trato de darles un cambio a las canciones, extendiéndolas o tocándolas en un tempo diferente, son ideas que tengo en la cabeza u otras veces sólo porque siento que suena mejor, la idea es que sea fluido.

¿Los escribes en papel o van viendo en el escenario lo que tocarán?

Siempre los escribo, así todos estamos preparados para el show.

Quiero que hablemos del álbum “Keep It Like A Secret”. Entiendo que fue un proceso colaborativo entre todos los miembros de ese tiempo. ¿Cómo diste con las ideas que expresaste en ese disco?

Fue una mezcla de lo que tenía y lo que la banda fue creando mientras improvisábamos. Hicimos mucha improvisación mientras nos reuníamos a ensayar y desde ahí fueron saliendo cosas muy interesantes. Cuando todos se iban a casa, iba escuchando lo que habíamos creado y así lo integraba a lo que yo tenía preparado.

¿Esa es tu forma de componer o prefieres hacerlo por tu cuenta y luego mostrarle las ideas al resto?

Es algo que va y viene, dependiendo de cuál es la situación. Después de ese disco hicimos “Ancient Melodies Of The Future” (2001), donde yo lo hice todo y luego lo mostré para que lo grabáramos.En el álbum anterior a “Keep It Like A Secret”, “Perfect From Now On” (1997), también fue así. Luego, en “You In Reverse” (2006), volvimos al proceso colaborativo, incluso mucho más que la vez anterior. Y en “There Is No Enemy” (2009) de nuevo me encargué de todo basándome en las improvisaciones, lo mismo para “Untethered Moon” (2015), por ende, siempre es algo que va cambiando.

Sé que con cada disco intentas cambiar la alineación de la banda. ¿Es eso algo intencional para mantener la música en evolución?

Sí, eso también va dependiendo de la situación. Cuando comenzó la banda lo fuimos haciendo, pero en “Perfect From Now On” me gustó mucho lo que hicimos y quise seguir explorando esa colaboración, por eso la banda se mantuvo durante un tiempo. Después han ido pasando muchas formaciones por distintos intervalos de tiempo; recientemente dejé de tocar con quienes me acompañaron en el último disco, por ejemplo.

El último álbum fue en 2015, ¿tienes planes para uno nuevo a futuro?

Tengo algunas canciones que ya compuse, espero comenzar a grabar el próximo año, tal vez.

Hace poco se marcharon de Warner Bros. Records, terminando una relación de más de 20 años. ¿Por qué lo hicieron?

Bueno, nuestro contrato terminó, quedamos libres para irnos. Ellos querían firmarnos de nuevo, pero les mostramos lo que teníamos ganas de hacer y nunca nos respondieron, así que nada que hacer, optamos por seguir nuestro camino.

¿Querían irse de todas formas antes de que terminara el contrato?

No, realmente. Creo que hace 10 o 15 años debimos hacerlo, pero todo se fue dando bien. Hubo un momento en que quisieron renegociar, no sabía bien qué hacer y seguimos con ellos, pero estábamos felices porque podíamos hacer lo que queríamos, lanzábamos nuestros discos sin problemas. Quizás no habría sido la decisión más inteligente irnos a otra disquera, habríamos tenido complicaciones de dinero para hacer nuestros discos, a pesar de que nunca vendimos tantos la verdad; toda la industria discográfica está muerta, así que en el fondo no importa mucho. La mayoría de nuestro dinero lo ganamos gracias a las giras.

¿Qué opinas de la industria discográfica en estos días?

No le presto mucha atención a eso, pero obviamente en un tiempo nadie comprará discos, ya que ahora puedes escuchar todo en streaming. Creo que la industria discográfica está muerta.

¿No crees que este renacimiento del vinilo quizás está haciendo que la gente compre discos de nuevo?

No, eso es algo para niños ricos y súper fanáticos, no creo que traiga muchos beneficios para los artistas. Eso se terminará en un abrir y cerrar de ojos.

Tienes un gran punto con eso, ya que los discos son muy caros de todas formas. Quizás tienes razón en que sólo los súper fanáticos compran los discos en formato físico.

Exacto, y ni siquiera los escuchan. Siguen escuchando las canciones en streaming, mientras tienen una pieza de merchandising, pero es una buena forma de apoyar a las bandas. De cierta forma, las personas que crecieron con una banda sienten una especie de obligación en comprar los discos y apoyar a sus artistas, ya que comprenden el hecho de que la industria está completamente en descenso. Aman su arte y por eso quieren ayudarlos.

Los discos de hecho vienen con una tarjeta para descargarlo en formato digital.

Claro, en el fondo siguen escuchándolo de manera digital.

Hablando de tu experiencia personal: ¿es bueno o malo que una banda trabaje con una gran empresa discográfica?

Bueno, desde mi experiencia fue algo bueno. Como dije, quizás haber sido un poco más inteligentes y pacientes nos habría permitido lograr lo mismo o más en un sello independiente, o incluso por nuestra propia cuenta, pero no lo sé. No soy muy experto en ninguna de estas cosas, sólo hablo del lado artístico, nunca le presté atención a la parte comercial, dejaba que ellos se encargaran de todo mientras yo solamente jugaba básquetbol o hacía cualquier cosa en mis tiempos que no componía (risas). La verdad no sabría decir si es bueno o malo.

Estuve viendo tu perfil de Twitter y me llamó mucho la atención las cosas que posteas. ¿Son ideas que se te vienen a la mente o fragmentos de letras que estás escribiendo?

Nunca he visto mi perfil de Twitter, con eso te digo todo (risas). Contraté a una persona para que se encargue de eso, postee cuando tenemos shows y todo ese tipo de cosas. No debería haber nada más aparte de eso.

De hecho, te iba a preguntar más sobre eso porque son cosas bien abstractas.

Entiendo, tengo a una persona haciendo eso, yo solamente le dije: “Haz lo que creas conveniente” (risas). No sé qué pueda estar haciendo, ¿qué tal son las cosas que pone, te gustan?

Sí. De hecho, son palabras muy especiales. No sé si las tengo por aquí, déjame revisar.

Está bien, échales un ojo, quiero saber lo que dice (risas).

Sí, claro. Hay una del 19 de julio que dice: “Jesús odiaría lo que hicimos con este planeta”.

Oh, sí (risas). Eso es un poco en broma, es de una canción de reggae que hicimos, habla sobre la guerra de Irak, es una canción de protesta. Es como todas estas personas cristianas que apoyan la guerra y se supone que siguen a Jesús, pero adelante, vamos con otra más (risas).

Me gusta mucho la última, es del 14 de septiembre, y dice: “Si hay una palabra para ti, no significa nada”.

Ok, eso es algo que escribió mi esposa (risas).

De acuerdo, Doug, pasemos a otro tema. Has citado muchas influencias para tu música, ¿hay algún disco que haya cambiado tu vida?

Sí, hay varios. Mientras crecí escuchaba la radio todo el tiempo, durante los setenta y ochenta, pero me fui formando más cuando era adolescente. R.E.M. surgió en esos tiempos, ahí escuchaba cosas que no estaban en la radio. David Bowie me marcó mucho también, y en especial me interesé en Dinosaur Jr. y Butthole Surfers, No puedo recordar algún álbum en específico, pero creo que el “You’re Living All Over Me” (1987) de Dinosaur Jr. fue el disco que más influenció en mí durante mi proceso más transformativo.

De hecho, en Santiago tocarán en el mismo festival que Dinosaur Jr. en 2012.

¡Oh, genial! Es una gran coincidencia.

Bueno, Doug, se nos acaba el tiempo. ¿Te gustaría enviarle un mensaje a la gente de Chile?

Sólo quiero decirles que estoy esperando para verlos a todos. ¡Nos vemos en el festival, muchas gracias por tu tiempo!

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