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Christoph Lindemann de Kadavar: “Siempre estamos hambrientos por probar cosas que no hemos hecho”

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Fue en 2015 cuando los alemanes Kadavar deslumbraron en un concierto que fue su debut en nuestro país. Hoy, años después, regresarán para presentar “Rough Times” (2017), cuarto álbum de estudio de este potente trío que mezcla psicodelia, stoner y una vibra hard rock, lo que conlleva a un sonido con muchas variaciones durante su carrera. La cita será el próximo 25 de febrero en Espacio San Diego, donde prometen deslumbrar nuevamente a sus seguidores con toda la fuerza de su música, que rescata influencias de bandas icónicas como Black Sabbath o Blue Cheer.

Bajo la premisa anterior, conversamos con Christoph Lindemann, voz y guitarra de la banda, quien comentó sobre el proceso de creación de su último disco, las técnicas de grabación que la banda usa en estudio, los recuerdos de su debut en Chile, entre otras cosas, en esta entrevista que dejamos a continuación.

“Rough Times”, su último álbum, es un trabajo que tiene un espectro musical más amplio en comparación a los anteriores. ¿Cómo fue el proceso detrás de la creación de este disco?

Es un retroceso y un avance al mismo tiempo. Queríamos traer de vuelta la suciedad de nuestros primeros dos álbumes, pero también seguir potenciando el constante desarrollo que tiene el sonido de Kadavar. Nuestros gustos cambian y estamos siempre hambrientos por probar cosas que no hemos hecho. En el caso de “Rough Times”, producimos un montón de material cada uno por nuestra cuenta, lo que ayuda a diversificar las canciones. Varía de algo extremadamente pesado a los sonidos psicodélicos; tocamos lo que nos gusta, sin importar el estilo que sea.

Este álbum también es más pesado que los anteriores. ¿Es por lo que estuvieron escuchando mientras lo hacían?

He estado escuchando un montón de música heavy últimamente. Con “Rough Times” creo que rompimos el concepto de tener siempre un sonido básico a través del disco. Las canciones pesadas se hicieron más pesadas, pero hay muchas influencias diferentes para todas las canciones. Diría que dejamos que las canciones se diversifiquen más que antes.

¿El titulo tiene algo en común con el contexto actual del mundo? Estamos atravesando por tiempo muy duros actualmente.

Sí, tiene que ver con eso. Teníamos la sensación de que el álbum de alguna forma tiene esa perspectiva. Con toda la conveniencia y progreso que como sociedad podemos disfrutar, hay también un montón de cosas pasando, cosas aterradoras e irritantes.

Es sabido que en el estudio utilizan técnicas de producción conocidas como “hard panning”. ¿Puedes contarnos un poco más de eso?

Eso viene de los primeros tiempos del sonido estéreo, básicamente. Nadie tiene noción alguna del verdadero estéreo, y como puedes usar dos micrófonos para crear un sentimiento verdadero de estar en una habitación, sólo pones la batería a la izquierda porque de pronto eso fue posible. Si escuchas “Rubber Soul” (The Beatles, 1965) con audífonos, por ejemplo, esa sensación es muy obvia. Tus oídos suelen proyectar el sonido de manera balanceada, lo que suena muy extraño. Eso fue algo que quise probar, lo hice porque nadie más lo sigue haciendo, y suena de manera muy especial. Fue beneficioso para lograr el aura de lo-fi y esa vibra de fines de los sesenta.

En la actualidad estamos atravesando un “revival” del rock de los setenta, ya que hay una cantidad considerable de bandas, incluyendo a Kadavar, que tocan este tipo de música. ¿Por qué crees que esto esté pasando?

Las tendencias van y vienen de manera cíclica. Durante los sesenta y setenta la sustancia central del rock fue definida, dejando un impacto enorme en todos nosotros, incluso hasta el día de hoy. ¡La música de esa época es demasiado buena para morir! Necesita seguir fluyendo.

Sus videos musicales son siempre muy psicodélicos y artísticos. ¿Cómo se inspiran para hacer algo así?

No lo sé. Quizás hemos pasado demasiadas noches mirando todos estos videos oscuros que encuentras en YouTube (risas).

Tocaron en Santiago en 2015, ¿qué recuerdas de aquel show?

Fue el último show del tour, y mi cuerpo me dolía del exceso de fiesta y el poco dormir. Aun así, todos fueron tan amables que no me fue tan difícil levantar mi trasero por una última vez, ¡ya que fue un show increíble! (risas)

Para finalizar esta entrevista, ¿te gustaría mandar un mensaje a tus fans en Chile?

Estamos entusiasmados por estar de vuelta, así que espero que no nos hayan olvidado. ¡Espero que sea un gran show y muchas gracias a todos por el apoyo!

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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