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Entrevista a Gerald Casale y Mark Mothersbaugh de Devo

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Lo que para muchos era un sueño lejos de hacerse realidad, se concretará –¡por fin!- el próximo 4 y 6 de diciembre, cuando la legendaria agrupación norteamericana, Devo, haga su debut en el país. Lejanos están sus años de gloria en los ochenta, pero el legado sigue más vivo que nunca, y más allá de las canciones, la estética y vanguardista propuesta del grupo, se han convertido en un verdadero icono de la música popular, capaz de influenciar a músicos tan venerados como Maynard James Keenan de Tool, o a Trey Spruance, una de las tres cabezas maestras detrás de Mr. Bungle.

Devo llegará a RockOut Fest como uno de los cabeza de cartel, y en HumoNegro tuvimos la oportunidad de conversar con dos de sus miembros fundadores, Gerald Casale y Mark Mothersbaugh, quienes nos pudieron contar un poco más de sus anticipados conciertos en la capital, la decisión del grupo de seguir adelante luego de la trágica muerte de Bob Casale, entre otros temas, siempre en el particular estilo de Devo.

Hola, amigos, ¿cómo va todo? Supe que hace poco estuvieron realizando una gira por los Estados Unidos, donde estuvieron tocando temas de sus primeros años como banda, y que bautizaron como “Hardcore Devo” ¿Cómo les fue con eso?

Gerald Casale: Estamos muy bien por acá, y sí, estuvimos haciendo ese tour con canciones que escribimos entre los años 1974 y 1977, antes de que fuéramos conocidos o tuviéramos un trato con alguna disquera.

Mark Mothersbaugh: Las grabamos de forma muy precaria, y hace poco surgió la idea de rescatarlas y traerlas a la vida. Hicimos unos cuantos shows y grabamos un concierto en video.

¿Y cómo respondieron los fanáticos a estas canciones?

MM: La gente estaba sorprendida, porque todas las canciones son tan experimentales y primitivas, que se emocionaron mucho al encontrarse algo tan diferente a lo que puedes escuchar hoy en día, algo que de verdad proponía un arte puro.

¿Y podremos escuchar alguna de estas canciones en su show en Chile?

MM: Tocaremos un par de esas canciones, pero la verdad es que estamos concentrados en un repertorio que pueda mostrar todo lo que hemos hecho en nuestra carrera, un viaje desde el inicio hasta la actualidad de la banda.

Hablando de sus conciertos en Chile, ¿por qué se tardaron tanto en llegar a nuestro país?

GC: La verdad es que no tengo una respuesta. Recuerdo que la primera vez que recibimos una oferta para ir a Chile fue el año 2007, pero no pudimos hacer el concierto por unos problemas de traslado del equipamiento desde Brasil, y desde que eso pasó, para RockOut es la primera vez que nos han vuelto a hacer una oferta.

¿En serio? Es una pena, porque en el país hay una buena cantidad de fanáticos que llevan esperando desde hace mucho.

GC: Bueno, aquí estamos, finalmente. (Risas)

Yendo a un tema más delicado: el año pasado Devo sufrió la pérdida de Bob Casale. Más allá de los sentimientos personales, ¿cómo ha sido el trabajo dentro de la banda desde la partida de Bob?

GC: Muy triste, ni siquiera he podido eliminar su número telefónico de mi celular esperando que algún día pueda hablar con él sobre alguna sugerencia para una canción.

MM: Yo todavía tengo sus mensajes en mi celular.

¿Y cómo se dieron fuerzas como banda para tomar la decisión de seguir adelante?

MM: Nos hicimos la idea de dar el paso. Dicen que un buen soldado sigue la lucha de sus compañeros caídos. Bob fue un gran tipo y las cosas que hizo para la banda fueron espectaculares. Josh Hager ha estado cubriendo su lugar, y tenemos que decir que se ha aprendido las partes de Bob a la perfección.

Hablando sobre el futuro de la banda, el último disco oficial que sacaron fue “Something For Everybody” (2010), pero desde ahí no hemos podido escuchar material original. ¿Han pensado en hacer nueva música?

GC: No lo sé, en realidad; no tendría por qué ser un álbum. Creo que la idea de sacar un disco en estos tiempos está obsoleta. Creo que sería más interesante conectar la idea con otro tipo de arte o concepto, quizás crear un nuevo objeto tecnológico, un juguete, o algo. Eso sería definitivamente más interesante que sacar un disco, pero ahora, en el corto plazo, no sabemos qué haremos.

En cuanto a su participación en RockOut Fest, estarán presentándose junto a una gran cantidad de bandas cuyos fanáticos, por temas de edad, no pudieron conocer a Devo en plena gloria. ¿Qué sienten al ser uno de los cabeza de cartel del festival y presentarse frente a ese tipo de público?

MM: Bueno, ¿qué te puedo decir? Somos “Los gloriosos caídos del new wave” (risas).

GC: Somos los vejetes que les enseñamos a los niños cómo se deben hacer las cosas, así que no será un problema para nosotros el tocar frente a ellos, todo lo contrario. (Risas)

Sabemos que Devo ha influenciado a una gran cantidad de músicos y bandas contemporáneas, pero ¿Devo ha descubierto en alguna banda contemporánea algún sonido que los inspire?

GC: La verdad es que es difícil, muy difícil. Bueno, escucho algunas cosas, porque uno las escucha simplemente, y de repente encontramos algo que es interesante. Me parece que lo que pasan hoy por la radio no es interesante (Mark replica las palabras de Gerald desde atrás), parece que hay un gran filtro que lo homogeniza y trivializa todo, en una estupidez de una sola dimensión. Es muy difícil encontrar algo rescatable hoy en día.

¿Tienen planeado shows diferentes para las dos noches en que se presentarán en Chile?

GC: Un poco, más que nada en la forma en que se vivirán ambos shows. Al estar en un espacio abierto, el concierto será totalmente distinto al que haremos en un lugar cerrado. Incluso si mantenemos muchas de las canciones, ambos conciertos tendrán una energía muy distinta. Ahora, en un festival siempre se depende del tiempo que te den y todo va más aprisa, por lo que en un show en solitario, donde la gente sólo va a ver a Devo, el público obtiene (pausa) más.

¿Qué esperan de la audiencia chilena para su debut?

MM: No lo sabemos, pero la idea nos emociona tanto, que no tenemos ninguna predisposición a nada, hay que ver qué es lo que ocurre. Podríamos decir que somos unos “Chile Virgins” (sic) (Risas).

Por último, ¿algún mensaje que deseen enviar a sus fanáticos chilenos y a nuestros lectores?

GC: Les decimos a todas las personas de Chile y el mundo que lean HunoNe… HugroN… que lean su revista (risas), y que si alguno de ellos planea levantar una nueva nación de la que nos guste su política e ideales, Devo les va a hacer un himno nacional, gratis.

Por Sebastián Zumelzu

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2 Comentarios

2 Comments

  1. Ronald

    27-Nov-2014 en 5:06 pm

    Años esperando, en realidad toda una vida, muy buena entrevista

  2. Aner Landeros

    28-Nov-2014 en 11:01 am

    A N S I O S O………!!!!!!!!!!!!!!!!!!

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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