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Devin Townsend: “Soy el mismo idiota de siempre, pero ahora conozco mis límites”

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Clasificado por muchos como un “genio demente”, el canadiense Devin Townsend, aterrizará por primera vez en Sudamérica y, de forma exclusiva, a Chile para entregar un show de lujo para todos los aficionados a la vertiente más experimental y vanguardista del metal. The Metal Fest cerrará sus dos estruendosas jornadas con el show de Devin Townsend Project, espectáculo único en su especie y una cita imperdible para este 2013. En HumoNegro hemos tenido el privilegio de conversar con el virtuoso músico, quien nos contó sobre las maquinaciones que se están desarrollando en su maravilloso y retorcido mundo musical, además de los preparativos que está realizando para su concierto el próximo domingo 14 de abril en el Movistar Arena.

¿Cuáles son tus expectativas para tu primera visita a Sudamérica? En especial porque es la única presentación que realizarán en el continente y será en Chile. ¿Qué esperas de éste show y del público chileno?

No lo sé, de verdad que no lo sé, y me lo han preguntado en todas las entrevistas. No sé qué esperar realmente. Sé que estamos cerrando la noche del domingo, así que no puede ser que la gente no sepa lo que hago; puede haber gente que piensa que va a escuchar a Strapping Young Lad, cuando no va a ser así. El asunto puede tomar muchas direcciones. Lo mío va por el lado de que vengo haciendo esto hace muchos años y nunca había tenido la oportunidad de ir a Chile o a Sudamérica, así que espero que esta experiencia se convierta en una presentación entre ambos, que idealmente pudiera convertirse en una relación entre la banda y el público chileno. Esto es sólo un apretón de manos, veremos qué es lo que pasa.

Exacto, porque mi pregunta iba dirigida al hecho de que en Chile no estamos muy acostumbrados al tipo de metal que tú haces. En su mayoría, son los clásicos como Iron Maiden o Metallica los que despiertan las pasiones del público local, por lo que mi pregunta iba hacía ese lado, ya que tu música puede sonar bastante bizarra para los metaleros más ortodoxos.

(Risas) Estoy de acuerdo, y esa es la cuestión, el concierto puede ser de dos formas. La primera: el público entra en el juego, y la segunda: miles de chilenos rascándose la cabeza. Pero creo que lo que hago es “buena mierda”, entretenida y pesada, puede que no sea pesada como Morbid Angel, pero hay elementos míos que nadie más tiene, y uno de ellos es que quiero pasarlo bien y quiero hacerlo pesado, así que habrá gente diciendo: “¿Qué mierda es esto?”, y otra: “Oye, esto es un gran cambio”.

Tanto la crítica como los fanáticos te han denominado como un genio de la música contemporánea. ¿Cómo te sientes con este apelativo? ¿Te acomoda o te molesta?

No me importa, no cambia lo que hago. Yo creo que soy un maldito idiota, es difícil para mí cambiar eso, la gente puede llamarme como quiera, pero estoy más confundido ahora que como nunca lo he estado. Entonces, ¿qué es lo que hago? Yo creo que debo seguir haciendo lo que salga naturalmente, a algunos les gustará, otros lo odiaran, pero lo importante para mí es seguir haciéndolo.

De entre el sinnúmero de colaboraciones que has realizado con otros músicos, ¿existe algún sueño imposible que quieres realizar? ¿Quizás con algún músico muerto?

Mi sueño sería poder tocar el bajo con gente que me caiga bien (risas). No, pero en serio, con mi música sólo hago lo que quiero. No veo la música o las colaboraciones de ese modo, porque de pronto hay gente que dice: “Tocaría junto a Jimi Hendrix”, pero ¿qué pasa si Jimi Hendrix resulta ser un idiota? Yo quiero pasar tiempo con la gente que me gusta, independiente de la relevancia musical que tengan.

Justamente, para tu último disco, “Epicloud”, volviste a colaborar con Anneke van Giersbergen, cantaste con la que pareces tener mucho fiato. Para esta ocasión, ¿cuál fue la principal diferencia de esta colaboración con la que realizaron previamente en “Addicted” (2009)?

La principal diferencia es que ya no somos un par de extraños. Ahora, sabía qué esperar de su voz, de nuestra relación y eso lo hizo mucho más natural para mí. En “Addicted” había mucha más experimentación y con “Epicloud” tenía una visión muy distinta, ya sabía hacia donde quería ir, le daba instrucciones sobre lo que sentía y sabía lo que ella podía realizar en cada una de las canciones. Esta vez estuvo todo mucho más enfocado que en “Addicted”.

“Epicloud” es un disco bastante más liviano que el resto de tu discografía, pero sé que con tu proyecto solista estás llevando a cabo la secuela de la ópera rock “Ziltoid”, que por lo visto, se viene bastante más potente que tus últimos trabajos, incluso, perturbador. ¿Podrías contarnos un poco de ese proyecto?

Lo cierto es que todavía estoy tratando de averiguarlo, hay cosas que pueden ser, otras que no. Todavía estoy esclareciendo la dirección en la que va a ir. Pero debo decir que, para muchas personas, “Epicloud” es mucho más perturbador que Morbid Angel, porque es muy positivo y a muchas personas no les gusta escuchar eso. Para mí tiene poco que ver con lo que la gente quiere o no quiere escuchar, es lo que yo quiero o no escuchar. Mis razones para discernir entre eso, son independientes a las opiniones de la gente, no me importa que la gente quiera que haga death metal, si no quiero hacer death metal, no lo haré, tan simple como eso. Y más allá de eso, ¿por qué la gente querría que uno hiciera algo en lo que no tiene puesto su corazón? No tiene sentido para mí. La música se trata de conectarse con otro ser humano, y si tu conexión está basada en mentir a la gente, entonces anda a tocar con Beyoncé. Yo hago lo que hago y mi música será lo que será, por mis intereses.

En 2008 hiciste el anuncio de que dejarías las drogas, el alcohol e incluso el tabaco, declarando que te causaban problemas para descubrir tu propósito como músico. A cinco años de este estado de sobriedad, ¿crees que has podido dilucidar de mejor manera tu propósito musical?

Creo que nunca terminaré de descubrirlo, pero encontré mi dirección estilística, hacia el lugar al que estoy enfocado. Como resultado del cambio de mi estilo de vida estoy avanzando en una dirección concreta, y sí, funciona para mí, creo que es la dirección que debo seguir. Qué música sale de ahí, qué estilo sale de ahí, qué cambio salen de ahí, todas esas cosas están en el aire, nunca se sabe qué pasará, pero mientras este apuntando hacia el lugar indicado, debo seguir caminando.

¿Existe realmente una gran diferencia entre el estilo de vida que llevabas hace unos años y el que llevas hoy en día?

Bueno, en alguno puntos, pero sigo siendo el mismo idiota de siempre, pero ahora soy capaz de saber exactamente cuáles son mis límites, sé que si hago tal cosa me llevará por un buen o un mal camino, pero estoy en ese punto. Sigo pensando como solía hacerlo, pero ahora existen diferentes influencias y estilos de escritura.

Está claro que el foco de tu presentación en Chile estará puesto en “Epicloud”. ¿Qué más podemos esperar de tu show? Supongo que “Vampira” formará parte del set.

Sí, sí, claro. No toco nada de Strapping Young Lad, pero podrán escuchar lo mejor de mi discografía como solista, de hecho, con todas las entrevistas que he dado en este día, me he podido hacer una mejor idea de qué es lo que puedo ir a presentarles, así que pueden esperar algo pesado y divertido.

Tomando en cuenta que muchos de tus fanáticos hubiesen preferido un debut íntimo antes que un evento masivo, ¿podría ser posible un regreso a corto plazo?

Seguro. Yo no tomo las decisiones de dónde tendremos que tocar, esas instrucciones las manejan los managers y los encargados de los festivales que pudieron concretar mi primer concierto en Chile. Si fuera por mí, tocaría donde sea, siempre manteniendo la idea de que quiero entretener a la gente. Creo que, aunque este sea un show masivo, muchos se van a sorprender al encontrarse con una experiencia bastante intima.

Devin, estamos llegando al final de la entrevista y me gustaría pedirte que, como despedida, pudieras enviar un mensaje a tus fanáticos chilenos.

Quiero decirles que me encanta hacer música, a veces fracaso y a veces triunfo, pero a estas alturas no temo en arriesgarme. Espero que mi experiencia en Sudamérica, con este show, pueda entregarle una oportunidad a la audiencia de decidir si existirá o no la posibilidad de un regreso. Amo la música y estar alrededor de gente agradable, así que creo que juntos, podemos pasarlo bien. Espero que les guste y que nos llevemos bien. Este es un apretón de manos previo a grandes cosas.

Por Sebastián Zumelzu

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Phil Collen de Def Leppard: “Siempre hemos querido ser como Queen”

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Phil Collen de Def Leppard

Los dos años y medio que lleva la pandemia, han sido el escenario propicio para que muchos artistas pasen su tiempo en el estudio componiendo música, ante la ausencia de giras y grandes eventos. Ahora, con un regreso de aquellas actividades, muchas bandas están saliendo a la carretera con nuevos discos bajo el brazo y, a la vez, viviendo una especie de segundo aire en sus carreras. Pareciera que ese es el caso de Def Leppard, ya que la agrupación trabajó en secreto y a la distancia durante la pandemia “Diamond Star Halos”, álbum de estudio número 12 y sucesor de su trabajo homónimo de 2015, llegando literalmente en un momento en que nadie esperaba un nuevo larga duración por parte de los ingleses.

El trabajo a la distancia y la manera más relajada de componer canciones fue lo que motivó a la agrupación a desarrollar un disco que, en sus propias palabras, no estaba planificado, resultando en un sonido espontáneo y refrescante, con momentos que capturan su sonido característico, pero, a la vez, llevando sus composiciones hasta otras latitudes. Bajo el contexto de este LP es que conversamos con Phil Collen, histórico guitarrista de la agrupación, que se tomó un tiempo para abordar el proceso de composición de este disco, sus pasatiempos durante la pandemia, su preparación para la próxima mega gira junto a Mötley Crüe, su inspiración en el trabajo de Queen, los recuerdos de su primer y único show en Chile, entre otros temas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Phil, ¿cómo estás?

Estoy genial. ¿Cómo estás tú?

Muy bien, también. Es genial que estemos hablando, quisiera partir preguntándote por los preparativos para el “The Stadium Tour” con Mötley Crüe. ¿Cómo va eso?

Fue muy raro comenzar a prepararnos porque no hemos tocado juntos por un largo tiempo, obviamente. Ni siquiera grabamos en el mismo espacio para este disco, así que fue realmente hermoso poder tocar juntos nuevamente y cantar entre todos, ya sabes, extrañaba mucho esa armonía que logramos con nuestras voces. Estamos listos, practicamos algunas de las nuevas canciones y suenan genial, así que estamos más que preparados. Lo estábamos hace dos años y medio, también (risas).

Genial. Obviamente esta entrevista es sobre el nuevo álbum de la banda, “Diamond Star Halos”, así que quisiera preguntarte un poco sobre el proceso de este disco y su creación durante la pandemia.

Sí, siento que fue mejor hacerlo de esta forma. Cuando estás en un estudio no logras sacar todas tus ideas a flote, en cambio, de esta forma estás mucho más inspirado. Fue principalmente Joe y yo componiendo las canciones juntos; terminamos algunas solamente enviándonos ideas y eso no lo logras en un estudio, donde tienes que esperar que otras personas terminen su parte. Me pasaba mucho eso, a veces grababa mis voces y me faltaba la guitarra, tenía que apurarme, en cambio de esta forma no debí preocuparme de eso. Era como si las canciones se componían solas, no había que forzarlas ni nada. Prefiero este método; de hecho, es mucho mejor, las voces suenan mejor, tocamos mejor, es un proceso mucho más relajado y te permite conservar energías también, lo que es muy importante.

Sí, tengo entendido que este álbum no estaba planeado. Primero trabajarían en un par de canciones, pero luego terminaron siendo más. ¿Decidieron hacer un álbum por la comodidad al trabajar de esta forma o solamente se dejaron llevar?

Lo hicimos por las razones correctas, porque queríamos hacer las canciones que queríamos hacer, digamos. No fue algo así como “tenemos que hacer un disco, pongámonos a componer”, sino que algo más divertido y natural. Siento que dejamos de lado el aspecto de los negocios y nos concentramos más en la libertad creativa, estábamos muy inspirados. Es así como debería ser siempre, creo que trabajamos de una manera más enfocada que cuando vamos al estudio.

Vi en una entrevista que Joe (Elliott, vocalista) te mandaba los tracks y tú los veías al despertar en la mañana, por la diferencia horaria entre ambos. Ahí trabajabas en ellos, se los enviabas de vuelta y él hacía lo mismo. ¿Cuál fue para ti la mejor parte de trabajar con este método?

El hecho de poder hacer otras cosas, de no estar concentrado todo el tiempo en el trabajo. Vivo a unos 15 minutos de la playa, así que durante la cuarentena me levantaba muy temprano e iba a nadar al mar, esta forma de trabajar te permite hacer otras cosas. Tengo un hijo de cuatro años recién cumplidos, así que pude estar más tiempo con él, llevarlo al parque y hacer cosas que no podría disfrutar normalmente. Cuando estás en una situación de trabajar en el estudio, ese tipo de entorno no te permite hacer otras cosas, sólo piensas en eso y no hay más, en cambio ahora podía tomar recesos para leer algo, salir un rato, hacer lo que sea, y eso definitivamente te inspira más.

Quiero que hablemos un poco de la promoción de este disco. Hicieron una página web con las cartas de tarot y estos mensajes de parte de cada uno de los integrantes. ¿Cómo surgió esta idea?

Joe quería incorporar estos conceptos de tatuajes y cartas de tarot, lo que funcionó muy bien con la compañía discográfica y el trabajo con ellos. Alguien del sello sugirió a Joe hacer este tipo de cosas y fuimos discutiendo ideas de ida y vuelta, mientras más pensábamos en esto iban saliendo mejores ideas. En cuanto al marketing, también funcionó muy bien, hay un montón de cosas ocultas que todavía no entiendo bien qué significan, pero seguramente representan ciertas cosas de ciertas canciones (risas). Es algo genial, especialmente para el vinilo: puedes abrirlo y ver todo este arte con un montón de cosas escondidas por ahí, y es genial.

Revisé la página y no entendía cómo funcionaba la verdad, pero elegí tu carta, tú hiciste mi lectura o algo así. La frase que dices es “la verdad comienza a brillar”. ¿Cuál es el significado de eso para ti?

Oh, esa debe ser una línea de alguna letra, ni siquiera recuerdo en qué canción sale para serte sincero. Como dije, hay muchas cosas que todavía estoy descifrando (risas).

Phil, sobre las canciones del álbum quisiera preguntarte por tu favorita, o en la que más te divertiste tocándola o componiéndola.

Todas las canciones en realidad, aunque obviamente hay algunas que me gustan mucho, como “Gimme A Kiss”, es tremenda. Lo que se escucha son el demo de las guitarras, por eso tiene esa vibra tan cruda que me encanta. De hecho, en “Kick” también suenan los demos que grabé. Ambas tienen un tipo de energía diferente, prefiero ese tipo de canciones, especialmente cuando estás en una banda de rock.

El disco tiene un sonido muy ligado a los 70, principalmente a la escena glam rock de la época. ¿Esto fue intencional o algo inevitable debido a sus influencias musicales?

No fue planificado para nada, se dio de esta forma, lo que es genial. Ni siquiera nos dimos cuenta de que tantas canciones estuvieran relacionadas al sonido de ese período en el tiempo hasta mucho después, donde definitivamente notamos que había una tendencia. Por eso lo llamamos “Diamond Star Halos”, es una línea en una canción de T. Rex.

Oh, sí, sabía eso. Hay un momento muy especial en el disco, puntualmente en las canciones “Liquid Dust”, “U Rok Mi” y “Goodbye For Good This Time”, donde la banda suena muy inspirada, manteniendo su sonido característico, pero sonando muy experimentales. ¿Cómo lograron eso estando tan lejos entre ustedes al momento de componer las canciones?

Creo que la idea viene del hecho que siempre hemos querido ser como Queen, quienes suenan completamente así. Freddie Mercury puede hacer una canción como “Bohemian Rhapsody”, pero Brian May te entrega “We Will Rock You”, que son muy diferentes entre sí, pero que igualmente suenan como Queen. “Another One Bites The Dust” fue hecha por John Deacon, o “Radio Ga Ga” por Roger Taylor, y todas suenan como Queen, tienen una identidad muy individual cada una. En el caso de “U Rok Mi” y “Liquid Dust”, yo compuse esas canciones y Joe lo hizo con “Goodbye For Good This Time” y “Angels”, pero cuando los demás interpretan sus partes es cuando se transforma en una canción de Def Leppard. Esto es algo muy inspirado por Queen, es algo que ellos siempre hacen, es algo que tratamos de hacer siempre. Puedes componer algo con una idea muy rara en la cabeza y sólo cuando los demás la tocan se transforma en una canción de Def Leppard. Es algo que pasa también con las canciones donde participa Alison Krauss y canta junto a Joe, sigue sonando como nosotros. Es algo diferente, pero seguimos siendo nosotros.

Phil, esta pregunta es un poco rara, pero necesito hacerla. Cuando el sello me envió el link para escuchar el disco anticipadamente, llamó mucho mi atención el momento en que termina “Goodbye For Good This Time” y empieza “All We Need”. Cuando noté esa transición, realmente sentí como si la primera fuera el final de un lado en un vinilo y la siguiente el inicio de otro…

(Interrumpe) Oh, qué bueno que mencionas esto (risas).

Luego fui a revisar la tienda online de Def Leppard y me enteré de que efectivamente es así, “Goodbye…” cierra el lado B del primer vinilo y “All We Need” da inicio al lado C en el segundo vinilo. ¿Se preocuparon de armar una secuencia especial pensando en el vinilo cuando prepararon el tracklist? Pregunto porque me parece muy curioso, considerando que hoy casi todo se escucha en streaming, o CD también.

Lo hicimos, de hecho. Sabemos que la mayoría lo escuchará en streaming, pero nos enfocamos en el arte del vinilo que para nosotros era muy importante, además de que es nuestro primer álbum doble en ese sentido. Al momento de preparar el tracklist revisamos qué canciones abrían y cerraban cada lado del vinilo, así que es algo que conversamos mucho en este disco. Si lo pienso, nunca habíamos hecho esto antes, así que es genial que te dieras cuenta de eso porque definitivamente formó parte del proceso de creación del disco (risas).

Phil, mencionaste que Alison Krauss trabajó con ustedes en este disco. Entiendo que Robert Plant fue quien les sugirió su participación, ¿no es así? ¿Cómo fue trabajar con ella en el álbum?

No, no fue así. Robert ha grabado con Alison, lanzaron hace poco un álbum y también tienen una gira, pero fue que un día Joe y Robert estaban hablando de sus equipos de fútbol, Sheffield United y Wolverhampton Wanderers, ahí fue que Robert le preguntó a Joe en qué estaba y le comentó que estábamos grabando. Él sabía que Alison es una gran fan de la banda desde hace 30 años, así que de seguro le gustaría escuchar algo de lo que estábamos haciendo, pero Joe le dijo si no sería mejor si cantaba algo con nosotros, y así fue como empezó todo. Le enviamos algunas ideas y ella cantó estas dos canciones, fue algo que se dio muy naturalmente, terminamos de componer y ella después hizo sus partes para que quedara lista.

Entonces no es como que estaban buscando una voz femenina para estas canciones y él les sugiriera que podrían grabar con ella.

No, para nada. Solamente fue algo que se dio casualmente desde una conversación sobre fútbol. Algo muy raro la verdad (risas).

Phil, han pasado más de dos años desde que estamos en esta pandemia, pero ahora todo vuelve poco a poco a la normalidad. ¿Qué tan diferente ha sido prepararse para salir de gira luego de tanto tiempo en casa?

Empecé a prepararme para esto hace seis meses, he estado ejercitando, practicando canto, cantando con la guitarra puesta mientras estoy de pie, cosas así. Lo primero que me pasó fue que el hombro me dolía mucho al estar parado por dos horas tocando la guitarra, lo que es normal, pero ahora estoy más preparado. Comenzamos hace meses a ensayar también, así que va todo marchando bien para salir de gira.

En casi todas las entrevistas que he hecho durante la pandemia, casi todos los entrevistados dicen que dejaron de tocar un tiempo mientras estaban en cuarentena, pero eso, a la vez, les permitió inspirarse después para componer música. ¿Es algo que te pasó a ti o siempre estuviste componiendo y tocando en casa?

Fue lo contrario, de hecho. Con la pandemia empecé a escuchar más música y tocar mucho más, me adentré en muchos períodos y, aunque prefiero escuchar música en vinilo, es muy conveniente meterte a tu teléfono y escribir lo que quieras, lo que sea, y aparecerá música. Ya sea Miles Davis, Stevie Wonder, AC/DC, lo que sea, puedes buscarlo y estará ahí. Estuve completamente inspirado por un montón de música, me sentía muy inspirado a aprender y tocar todo el tiempo.

Phil, hablemos del show de Def Leppard en Santiago. Se cumplirán cinco años desde aquel momento y quisiera saber qué recuerdas de ese día.

Recuerdo que fue el mejor show que hicimos en Sudamérica, el que tuvo la mejor reacción de la gente sin duda, y eso que hacía mucho frio y había una lluvia torrencial. Pero eso no importó mucho, fue un ambiente muy cálido y pasional, yo miraba atónito al público en el estadio y pensaba que era algo maravilloso. Se supone que tocaríamos con Aerosmith, quienes no pudieron ir por una emergencia médica, pero el hecho de que cerráramos fue genial. Aproveché de caminar un poco por Santiago y ver los edificios, su cultura y su gente fue algo muy bonito. No puedo esperar a estar de nuevo allá.

Hubo una gran energía ese día. Yo estaba en la zona de prensa arriba y veía a la gente mojándose en la cancha, pero siempre gritando, cantando y saltando. Estaban encantados de ver a la banda por fin.

Sí, era una energía tremenda. Fue muy contagiosa.

¿Habrá alguna posibilidad de verlos nuevamente por acá?

Sí, totalmente. Estos meses haremos un recorrido por Norteamérica, tocando en Estados Unidos y Canadá, el próximo año iremos a Europa en el verano y en algún momento del año tenemos que ir a Sudamérica, luego Japón, Australia y Nueva Zelanda. No sé exactamente en qué momento iremos, pero es algo seguro, definitivamente estaremos de nuevo por allá.

Eso sería en 2023, ¿no es así? ¿Vendrían solos con su nuevo disco, o quieren traer la gira con Mötley Crüe a la región?

Sí, de ambas formas en realidad. Nos están pidiendo que extendamos esta gira para allá, así que tenemos que ver cómo funciona para mantenerla durante todo este tiempo. Habrá que ver qué pasa, es algo que aún se debe resolver.

Ahora que mencionas esto, el show en Santiago fue el primero de ustedes acá. ¿Cómo es que en todos estos años nadie les hizo una oferta para venir?

Tenían que invitarnos, y los promotores al parecer no estaban interesados. Recuerdo que tocamos en Rio y en Argentina, eso fue en 1997, pero fueron shows en lugares muy pequeños, prácticamente en clubes. Si no íbamos a hacer un tour grande no valía mucho la pena, por lo que teníamos que esperar que nos invitaran a algo más grande, como lo fue aquella vez que estuvimos allá.

Muy bien, Phil, se nos acaba el tiempo. Te agradezco esta entrevista y te doy mis felicitaciones por su nuevo disco, lograron un trabajo muy variado y de mucha calidad. Espero tener la oportunidad de escuchar el vinilo y descubrir todas esas cosas que me comentaste.

Fue un placer, muchas gracias a ti. Si llegas a descubrir todas esas cosas, por favor házmelo saber, ni siquiera yo logro dar con todas aún (risas). Cuídate mucho, nos veremos en alguna oportunidad.

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