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Depeche Mode: Construyendo Un Legado

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Dieciocho de junio de 1988, Rose Bowl, Pasadena. Depeche Mode acaba de finalizar el último concierto de la gira “Music For The Masses”, que terminaría por confirmar la conquista de Estados Unidos por parte de la banda. Dave Gahan camina en silencio hacia los vestidores, toma asiento y se echa a llorar. Sin embargo, al contrario de lo que uno podría suponer, no llora de alegría, está angustiado, lo atormenta la idea de que, sin importar lo que suceda en el futuro, nada podrá ser más grande que lo que acaban de vivir. En definitiva, siente que han llegado al final del camino, ¿qué más podrían conseguir? En tan sólo ocho años el conjunto había pasado de ser un desconocido cuarteto de música electrónica situado en Basildon, Inglaterra, a transformarse en uno de los actos más grandes del Reino Unido, capaz de atravesar el Atlántico e imponer con éxito sus términos artísticos en un país ajeno y en una época donde el público masivo todavía estaba empezando a familiarizarse con el rock electrónico y el synth pop.

Lo logrado hasta 1988 no había sido fácil. La salida de Vince Clarke (Yazoo, Erasure) del conjunto tras sólo un álbum de estudio (y un single de proporciones como “Just Can’t Get Enough”) dejó a la banda sin un líder, obligándolos a redistribuir roles y a iniciar una búsqueda sonora que les permitiera seguir cultivando el estilo que los definía, sin sonar a una copia de lo que habían hecho con Clarke. Inicialmente decidieron no sumar integrantes, aventurándose en un segundo álbum que, si bien no logró mayor reconocimiento, sirvió para que Martin Gore se adueñara de la composición. Esto, y la posterior llegada de Alan Wilder, marcarían el inicio de un lúcido período de producción musical que, luego de tres discos de contundente synth pop industrial, los dejaría posicionados como estandartes del movimiento. Singles como “People Are People”, “Master And Servant”, “Blasphemous Rumours” y “Black Celebration” probaron que la banda no sólo era capaz de facturar éxitos, sino que además podía ser desafiante en las letras, lo que les daba una profundidad que la mayor parte de sus pares no tenía.

El paso siguiente era conquistar el mercado de Estados Unidos. En la misma dinámica “The Joshua Tree” (1987) – “Rattle And Hum” (1988) de U2, el cuarteto de Basildon facturó el combo “Music For The Masses” (1987) – “101” (1989). Embarcados en una gira sin precedentes, estrenando una novedosa propuesta visual a cargo del fotógrafo holandés Anton Corbijn, y con una nueva lista de éxitos bajo el brazo liderada por “Strangelove”, “Behind The Wheel” y “Never Let Me Down Again”, decidieron ir por el premio mayor. Pretender llenar el estadio Rose Bowl era una apuesta del tipo todo o nada; o se consagraban como uno de los grandes o quedaban relegados a ser un aspirante más. El documental “101” (1989) a cargo del cineasta D.A Pennebaker, retrata parte de los entretelones que rodearon el concierto, y la verdad es que basta con ver sólo unos minutos para darse cuenta de que a esas alturas el grupo no tenía mucho que probar: sin notarlo, se habían transformado en algo que ni ellos habían anticipado. En ese momento, era difícil imaginar lo que estaba por venir, pero, si hasta entonces había sido difícil, lo que los noventa traería para Depeche Mode sería aún más desafiante.

Acostumbrados a recoger ideas sin perder de vista lo que pasaba a su alrededor, la banda decidió aventurarse y renovar su sonido, otorgándole a la guitarra eléctrica un nivel de protagonismo que, hasta acá, nunca había tenido en su paleta sonora. El resultado fue una interesante mezcla de rock electrónico y alternativo que terminó conquistando a todos los que hasta ese momento no habían puesto los oídos en el cuarteto. Los himnos a los que darían vida “Violator” (1990) y “Songs Of Faith And Devotion” (1993) no sólo pasarían a formar parte del catálogo obligatorio del conjunto, sino que, además, se alzarían como el soundtrack definitivo de millones de individuos en todo el planeta. Por desgracia, el éxito alcanzado estuvo acompañado de un nivel de descontrol tan desproporcionado, que hacia el final del “Devotional/Exotic Tour” la banda tendría que lidiar con un Dave Gahan absolutamente perdido en la heroína y un Alan Wilder que, hastiado por la dinámica del cuarteto, decidió dar un paso al costado. Había sido demasiado.

“It’s No Good” sería el track encargado de comenzar a escribir el capítulo más complejo para el conjunto. Recuperar la brillantez musical alcanzada entre 1987 y 1993 evitando los excesos que habían puesto en riesgo la continuidad del grupo, terminó siendo un reto de proporciones siderales. Recién con “Playing The Angel” (2005) el conjunto sería capaz de volver a entregar una propuesta consistente y regular. Fletcher, Gahan y Gore han vuelto a enfocarse únicamente en la música, poniendo paulatinamente a la electrónica una vez más como su musa favorita, en un ciclo que sistemáticamente los ha llevado de regreso a la primera mitad de su carrera. Los cortes de impacto mundial han seguido llegando (“Precious”, “Wrong” y “Heaven” son maravillosos ejemplos de esto), sin embargo, en esta última década el foco de la banda ha estado puesto en facturar álbumes coherentes más que en anotar nuevos hits. En esta línea, “Spirit” (2017) viene a coronar un período musical sólido, con un trio maduro y comprometido, capaz incluso de aventurarse a explorar un terreno lírico de abierto contenido social.

Con casi cuarenta años de carrera, el otrora cuarteto de Basildon ha recorrido el camino de los grandes, atravesando épocas de éxito rotundo y otras de franca desorientación. Sin embargo, si hay algo que ha hecho única a la banda, ha sido la convicción a la hora de defender sus principios. Martin Gore sería claro al decir “somos una banda de música electrónica que usa guitarras, no una banda de rock que utiliza la electrónica”. Y, si bien es cierto, han explorado distintos matices en su sonido, la verdad es que nunca han perdido su identidad.

De esta forma han acercado la música electrónica al más diverso de los públicos (incluso a aquellos que creen no escuchar este tipo de música), convirtiendo su catálogo en un glosario de alcance universal. La cantidad y diversidad de artistas que han sentido la necesidad de homenajear al conjunto versionando sus composiciones es sólo una prueba más de ello (Marilyn Manson, Johnny Cash, HIM y Rammstein son algunos ejemplos). Cuando Gahan lloraba atormentado en Pasadena, lo que no sabía es que treinta años después seguirían construyendo un legado que, a día de hoy, los ha convertido en una de esas bandas imposibles de ignorar.

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Muse y los detalles de su extravagante retorno a Chile

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Simulation Theory

Altas expectativas ha generado el regreso de Muse a nuestro país. El trío británico, teloneado por Kaiser Chiefs, se presentará el próximo domingo 13 de octubre en la Pista Atlética del Estadio Nacional, mostrando un imperdible despliegue de tecnología, virtuosismo y pomposidad. Una presentación aclamada tanto por la crítica como por los fanáticos de la banda a nivel mundial, y que debe ser desglosada para apreciar y conocer su complejidad y magnificencia.

A pesar de que los europeos tocaron en el Estadio Nacional en 2011 como teloneros de U2, es la primera vez en que se presentan en un recinto abierto con show propio. Lo anterior se debe a que las dimensiones de ciertos elementos hacen imposible la realización del evento en un espacio cerrado, como el hecho de que contará con la impresionante cantidad de 248 luces robóticas encargadas de crear el ambiente sci-fi que se busca. Otro ejemplo claro de esto es la pantalla LED que mide 17 por 5 metros; su gran tamaño le asegura a los asistentes una excelente visualización desde cualquier sector de la Pista Atlética. Finalmente, otro elemento que destaca en la apuesta de la gira es la pasarela. La estructura de 28 metros de largo se transforma en escenario durante todo el concierto, dejando atrás la jerarquía de la plataforma central al incluir al público en la dinámica y creando un especial lazo con ellos durante toda la experiencia.

La tecnología y el amor a la cultura pop del pasado son indudablemente conceptos clave en este tour. Ello no solamente se grafica en un evidente montaje de técnica, vestimentas futuristas con colores neón, lentes LED y aparataje robótico, sino que también en los guiños a la ciencia ficción nostálgica de los 80 y 90. A lo largo del show, el grupo rinde homenaje en forma constante a icónicos exponentes del séptimo arte, tales como “Terminator”, “Alien” y “Back To The Future” –la que incluso inspiró el clip de la canción “Pressure”, perteneciente al último disco–. La tónica se mantiene con Murph, mascota de la banda. Dicho robot se creó en base a “Creator”, personaje del videoclip del tema “The Dark Side” y fue bautizado como tributo al inconfundible Murphy de “Robocop”. El androide, pieza central del show, mide 16 metros de alto y se roba la película gracias a su tamaño y rol interactivo.

Por último, el amor a David Byrne y sus espectáculos son la última oda rendida a los clásicos en esta travesía, con bailarinas que salen a escena realizando coreografías simples que evocan las presentaciones en vivo del líder de Talking Heads. Además del toque estético y art pop de tal intervención, las féminas aportan teniendo un activo rol en el manejo de ciertos efectos especiales, lo que reafirma el acento futurista que los ingleses han puesto en su vuelta a los escenarios.

Sin duda, la gira que trae a Muse por cuarta vez a Chile, llamada “Simulation Theory”, destaca por su puesta en escena y su dinámica con el público. Gracias a ella, la crítica internacional ha llenado de elogios a la banda, catalogándola como una de las mejores para ver en vivo. El tour, que comenzó el 22 de febrero en Houston y concluye el próximo 15 de octubre en Lima, siendo Chile su penúltima parada, cuenta hasta con un dato freak aportado por su vocalista, Matthew Bellamy. El otrora líder del grupo ostenta el récord Guinness de la mayor cantidad de guitarras rotas en un periplo, con nada más ni nada menos que 140 ejemplares destruidos. En resumen, la cita promete ser tanto hipnotizante como obligatoria para aquellos que disfrutan de la poderosa mezcla de potencia e innovación.

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