Conéctate a nuestras redes
Depeche Mode Depeche Mode

Artículos

Depeche Mode: Construyendo Un Legado

Publicado

en

Dieciocho de junio de 1988, Rose Bowl, Pasadena. Depeche Mode acaba de finalizar el último concierto de la gira “Music For The Masses”, que terminaría por confirmar la conquista de Estados Unidos por parte de la banda. Dave Gahan camina en silencio hacia los vestidores, toma asiento y se echa a llorar. Sin embargo, al contrario de lo que uno podría suponer, no llora de alegría, está angustiado, lo atormenta la idea de que, sin importar lo que suceda en el futuro, nada podrá ser más grande que lo que acaban de vivir. En definitiva, siente que han llegado al final del camino, ¿qué más podrían conseguir? En tan sólo ocho años el conjunto había pasado de ser un desconocido cuarteto de música electrónica situado en Basildon, Inglaterra, a transformarse en uno de los actos más grandes del Reino Unido, capaz de atravesar el Atlántico e imponer con éxito sus términos artísticos en un país ajeno y en una época donde el público masivo todavía estaba empezando a familiarizarse con el rock electrónico y el synth pop.

Lo logrado hasta 1988 no había sido fácil. La salida de Vince Clarke (Yazoo, Erasure) del conjunto tras sólo un álbum de estudio (y un single de proporciones como “Just Can’t Get Enough”) dejó a la banda sin un líder, obligándolos a redistribuir roles y a iniciar una búsqueda sonora que les permitiera seguir cultivando el estilo que los definía, sin sonar a una copia de lo que habían hecho con Clarke. Inicialmente decidieron no sumar integrantes, aventurándose en un segundo álbum que, si bien no logró mayor reconocimiento, sirvió para que Martin Gore se adueñara de la composición. Esto, y la posterior llegada de Alan Wilder, marcarían el inicio de un lúcido período de producción musical que, luego de tres discos de contundente synth pop industrial, los dejaría posicionados como estandartes del movimiento. Singles como “People Are People”, “Master And Servant”, “Blasphemous Rumours” y “Black Celebration” probaron que la banda no sólo era capaz de facturar éxitos, sino que además podía ser desafiante en las letras, lo que les daba una profundidad que la mayor parte de sus pares no tenía.

El paso siguiente era conquistar el mercado de Estados Unidos. En la misma dinámica “The Joshua Tree” (1987) – “Rattle And Hum” (1988) de U2, el cuarteto de Basildon facturó el combo “Music For The Masses” (1987) – “101” (1989). Embarcados en una gira sin precedentes, estrenando una novedosa propuesta visual a cargo del fotógrafo holandés Anton Corbijn, y con una nueva lista de éxitos bajo el brazo liderada por “Strangelove”, “Behind The Wheel” y “Never Let Me Down Again”, decidieron ir por el premio mayor. Pretender llenar el estadio Rose Bowl era una apuesta del tipo todo o nada; o se consagraban como uno de los grandes o quedaban relegados a ser un aspirante más. El documental “101” (1989) a cargo del cineasta D.A Pennebaker, retrata parte de los entretelones que rodearon el concierto, y la verdad es que basta con ver sólo unos minutos para darse cuenta de que a esas alturas el grupo no tenía mucho que probar: sin notarlo, se habían transformado en algo que ni ellos habían anticipado. En ese momento, era difícil imaginar lo que estaba por venir, pero, si hasta entonces había sido difícil, lo que los noventa traería para Depeche Mode sería aún más desafiante.

Acostumbrados a recoger ideas sin perder de vista lo que pasaba a su alrededor, la banda decidió aventurarse y renovar su sonido, otorgándole a la guitarra eléctrica un nivel de protagonismo que, hasta acá, nunca había tenido en su paleta sonora. El resultado fue una interesante mezcla de rock electrónico y alternativo que terminó conquistando a todos los que hasta ese momento no habían puesto los oídos en el cuarteto. Los himnos a los que darían vida “Violator” (1990) y “Songs Of Faith And Devotion” (1993) no sólo pasarían a formar parte del catálogo obligatorio del conjunto, sino que, además, se alzarían como el soundtrack definitivo de millones de individuos en todo el planeta. Por desgracia, el éxito alcanzado estuvo acompañado de un nivel de descontrol tan desproporcionado, que hacia el final del “Devotional/Exotic Tour” la banda tendría que lidiar con un Dave Gahan absolutamente perdido en la heroína y un Alan Wilder que, hastiado por la dinámica del cuarteto, decidió dar un paso al costado. Había sido demasiado.

“It’s No Good” sería el track encargado de comenzar a escribir el capítulo más complejo para el conjunto. Recuperar la brillantez musical alcanzada entre 1987 y 1993 evitando los excesos que habían puesto en riesgo la continuidad del grupo, terminó siendo un reto de proporciones siderales. Recién con “Playing The Angel” (2005) el conjunto sería capaz de volver a entregar una propuesta consistente y regular. Fletcher, Gahan y Gore han vuelto a enfocarse únicamente en la música, poniendo paulatinamente a la electrónica una vez más como su musa favorita, en un ciclo que sistemáticamente los ha llevado de regreso a la primera mitad de su carrera. Los cortes de impacto mundial han seguido llegando (“Precious”, “Wrong” y “Heaven” son maravillosos ejemplos de esto), sin embargo, en esta última década el foco de la banda ha estado puesto en facturar álbumes coherentes más que en anotar nuevos hits. En esta línea, “Spirit” (2017) viene a coronar un período musical sólido, con un trio maduro y comprometido, capaz incluso de aventurarse a explorar un terreno lírico de abierto contenido social.

Con casi cuarenta años de carrera, el otrora cuarteto de Basildon ha recorrido el camino de los grandes, atravesando épocas de éxito rotundo y otras de franca desorientación. Sin embargo, si hay algo que ha hecho única a la banda, ha sido la convicción a la hora de defender sus principios. Martin Gore sería claro al decir “somos una banda de música electrónica que usa guitarras, no una banda de rock que utiliza la electrónica”. Y, si bien es cierto, han explorado distintos matices en su sonido, la verdad es que nunca han perdido su identidad.

De esta forma han acercado la música electrónica al más diverso de los públicos (incluso a aquellos que creen no escuchar este tipo de música), convirtiendo su catálogo en un glosario de alcance universal. La cantidad y diversidad de artistas que han sentido la necesidad de homenajear al conjunto versionando sus composiciones es sólo una prueba más de ello (Marilyn Manson, Johnny Cash, HIM y Rammstein son algunos ejemplos). Cuando Gahan lloraba atormentado en Pasadena, lo que no sabía es que treinta años después seguirían construyendo un legado que, a día de hoy, los ha convertido en una de esas bandas imposibles de ignorar.

Publicidad
Clic para comentar

Responder

Artículos

Discos chilenos destacados 2020

Publicado

en

Discos chilenos destacados 2020
Anterior1 de 5
Usa tus teclas ← → para navegar el artículo

Este pudo ser un año sin ningún lanzamiento y eso podría haber sido lo más justo del mundo. 2020 estuvo marcado por la crisis político-social en nuestro país, y luego por una crisis sanitaria-cultural a nivel mundial por la pandemia. La música en vivo se apagó casi por completo por la imposibilidad de tener masas de gente en conjunto en el mismo espacio, y con ello la principal fuente de ingresos de la industria musical también ha dejado a miles de trabajadores de la música en la cuerda floja. Pero en vez de silencio, son muchas voces las que se han alzado, en múltiples estilos y mensajes, y la música ha sonado fuerte, claro y ha servido para demostrar el valor de las artes y cultura en un contexto de adversidades e incertidumbres. Allí, las y los músicos chilenos han colaborado, dialogado y generado instancias para mantener la presión sobre las autoridades para que se hagan cargo de la crítica situación, pero también han brillado en materia de creación, generando una gran cantidad de material valioso, en diferentes géneros.

Muchos EPs han formado parte de los proyectos surgidos, incluso con la motivación de la pandemia. Quizás es ese aislamiento forzado el que también ha hecho que la mayoría de los proyectos que destacamos en este listado 2020 de HumoNegro sean, justamente, trabajos surgidos desde una labor solista (Alexander Quinteros, Chini.png, Rubio, Nico Carreño, Cevladé) y además con mucha sensibilidad reflexiva. En tanto, encontramos bandas que se consolidan (Alectrofobia, Adelaida, Niños del Cerro) y otras que sorprenden, pese a sus ya sólidas trayectorias (Cómo Asesinar A Felipes, Yajaira, Poema Arcanus).

La creación artística siempre es esperanza y brillo, y en medio de incertidumbres que nublan el rumbo, esperamos que estos discos que seleccionamos entreguen al menos parte del retrato de un año donde todo fue más difícil, pero donde, aun así, hubo luces y sonidos. Desde HumoNegro, un reconocimiento para las y los compositores e intérpretes que mantienen viva la música chilena. Aquí, en orden alfabético por banda, nuestra humilde selección de EPs y LPs destacados 2020.

Link a los streamings de cada álbum pinchando en las imágenes.


“Animita”

Adelaida

Tras el éxito de “Paraíso” (2017), Adelaida no se durmió en los laureles y comenzó el proceso de creación de su cuarto disco, uno que llegó este 2020 y trajo consigo nuevas texturas para la banda de Valparaíso. “Animita” es un trabajo enérgico y honesto, donde el trío compuesto por Jurel Sónico, Naty Lane y Lele Holzapfel sigue buscando su fórmula definitiva, jugándosela con varias sorpresas a las que no nos tenían acostumbrados, pero sin perder su esencia. El LP, que nació como una ofrenda a Émile Dubois, personaje emblemático de la cultura popular porteña, se posiciona como uno de los grandes registros del año. Tal como grita Naty Lane en “Kraken”: “¡Es un ruido necesario!”.


“Era Luz”

Alectrofobia

https://open.spotify.com/album/0d8R4U0j0ZemcWxkHL0Yb5

La escena del rock “a secas” parece estacionada en los clichés en todo el mundo, y por eso es interesante cuando una banda intentar refrescar el sonido y las ideas. Alectrofobia ha marcado los últimos años del rock chileno con su vocación por un sonido de calidad internacional, y desde ahí ha construido canciones que, sin estacionarse en una sola vereda sónica, transmiten potencia y mensaje. “Era Luz” es un álbum donde la calidad de grabación, mezcla y masterización se suman a la intención de cantar y contar sobre las crisis que ocurren en nuestro país. Desde el punk rock hasta el hard rock, pasando por americana o post grunge, Alectrofobia crea grandes canciones en un disco que consolida sus fortalezas.


“2020”

Alexander Quinteros

La cuarentena ha sido un espacio de aislamiento, pero también de contención y otro tipo de creatividad. Alexander Quinteros trabajó en confinamiento un disco lleno de ambientes y atmósferas dignas de retratar este año, al que coherentemente nombró “2020”. Tracks breves, pero completos en su composición, con arreglos precisos, a los que ni siquiera el truco innecesario del “audio 8D” les quita la capacidad de enfocar –mediante emociones y gradientes– el año más difícil para mucha gente. Quinteros se la juega por lo instrumental y conceptual, y en una temporada donde el tiempo parece líquido y las consignas gritadas parecen desvanecerse, “2020” dibuja un borroso pero fidedigno documento de la pandemia.


“Rfd2”

Cevladé

La censura tapa la boca, pero también genera reacciones. Cevladé se vio en la necesidad de responder a la censura a “Requiem For A Drink” (2012), motivada por la alta rotación de su tema “El Lamento del Pueblo” tras el estallido. Tras bajar el disco de las plataformas, el artista tomó desafío de contar de nuevo la historia de Mario De La Milnova y “La Orden RFD”. “Rfd2” es una especie de continuación y remasterización del disco censurado. Nuevos bríos, interpretaciones más crudas, una producción más clara, pero también más densa y oscura, caminan un trayecto aparentemente conocido con nuevos ojos, líricas y con la rabia renovada. Un rescate de la propia historia, convertida en declaración.


“CTRL+Z”

Chini.png

En el computador, el comando CTRL+Z se encarga de deshacer algo, de convertirlo en un paso en falso y olvidarlo. En un EP, Chini.png lo convierte en un código para presentarse como solista, y también para acompañar, reflexionar y hacer catarsis. Amores, países, movimientos sociales y mitologías se cruzan en cuatro canciones que, pese a derivar en un trabajo corto en duración, termina pegando duro en las sensaciones que libera. Chini Ayarza arma un vehículo de empatía y de identidad, más aún que en Chini & The Technicians, poniéndola al servicio de una atmósfera de esperanza y desilusión, profunda y terrible, adentrándose en sucesos e ideas a las cuales cualquiera querría aplicarle “CTRL+Z”.

Anterior1 de 5
Usa tus teclas ← → para navegar el artículo

Seguir Leyendo

Podcast Cine E36

Publicidad

Podcast Música E36

Facebook

Discos

EVEN IN EXILE EVEN IN EXILE
DiscosHace 1 mes

James Dean Bradfield – “EVEN IN EXILE”

A veces pareciera que la figura de Víctor Jara irrumpe mucho más potentemente en el extranjero que en nuestro país,...

POWER UP POWER UP
DiscosHace 1 mes

AC/DC – “POWER UP”

El 19 de febrero de 1980 falleció Bon Scott, segundo vocalista de la banda de hard rock AC/DC. En la...

CYR CYR
DiscosHace 1 mes

The Smashing Pumpkins – “CYR”

Retomando un formato doble, que no le veíamos desde el reconocido “Mellon Collie And The Infinite Sadness” (1995), The Smashing...

Letter To You Letter To You
DiscosHace 2 meses

Bruce Springsteen – “Letter To You”

A través de su carrera, Bruce Springsteen ha musicalizado la juventud de múltiples generaciones. Los clásicos solos de saxo, su...

Canciones Para El Siglo XXI Canciones Para El Siglo XXI
DiscosHace 2 meses

Poder Fantasma – “Canciones Para El Siglo XXI”

Tierra fértil para el pop ha sido nuestro país. Con una rica tradición y un variado catálogo a punta de...

Atlas Vending Atlas Vending
DiscosHace 2 meses

METZ – “Atlas Vending”

Luego de haber publicado el compilatorio “Automat” en 2019, el trío canadiense METZ tenía a todos muy atentos por un...

Endless Twilight Of Codependent Love Endless Twilight Of Codependent Love
DiscosHace 2 meses

Sólstafir – “Endless Twilight Of Codependent Love”

Últimamente, la casa discográfica francesa Season Of Mist ha estado pendiente de lo que ocurre en Islandia en términos musicales....

Post Human: Survival Horror Post Human: Survival Horror
DiscosHace 2 meses

Bring Me The Horizon – “Post Human: Survival Horror”

La emergencia sanitaria por el Covid-19 ha sido uno de los sucesos que más ha afectado al ambiente artístico. Lo...

Song Machine, Season One: Strange Timez Song Machine, Season One: Strange Timez
DiscosHace 2 meses

Gorillaz – “Song Machine, Season One: Strange Timez”

Lo de Gorillaz siempre ha tenido que ver con dar vida a un espacio donde las cosas pueden ser llevadas...

Vökudraumsins Fangi Vökudraumsins Fangi
DiscosHace 2 meses

Auðn – “Vökudraumsins Fangi”

Islandia es tierra mágica en cuanto a creación artística. Con una población que bordea los 400 mil habitantes y paisajes...

Publicidad
Publicidad

Más vistas