Conéctate a nuestras redes
Depeche Mode Depeche Mode

Artículos

Depeche Mode: Construyendo Un Legado

Publicado

en

Dieciocho de junio de 1988, Rose Bowl, Pasadena. Depeche Mode acaba de finalizar el último concierto de la gira “Music For The Masses”, que terminaría por confirmar la conquista de Estados Unidos por parte de la banda. Dave Gahan camina en silencio hacia los vestidores, toma asiento y se echa a llorar. Sin embargo, al contrario de lo que uno podría suponer, no llora de alegría, está angustiado, lo atormenta la idea de que, sin importar lo que suceda en el futuro, nada podrá ser más grande que lo que acaban de vivir. En definitiva, siente que han llegado al final del camino, ¿qué más podrían conseguir? En tan sólo ocho años el conjunto había pasado de ser un desconocido cuarteto de música electrónica situado en Basildon, Inglaterra, a transformarse en uno de los actos más grandes del Reino Unido, capaz de atravesar el Atlántico e imponer con éxito sus términos artísticos en un país ajeno y en una época donde el público masivo todavía estaba empezando a familiarizarse con el rock electrónico y el synth pop.

Lo logrado hasta 1988 no había sido fácil. La salida de Vince Clarke (Yazoo, Erasure) del conjunto tras sólo un álbum de estudio (y un single de proporciones como “Just Can’t Get Enough”) dejó a la banda sin un líder, obligándolos a redistribuir roles y a iniciar una búsqueda sonora que les permitiera seguir cultivando el estilo que los definía, sin sonar a una copia de lo que habían hecho con Clarke. Inicialmente decidieron no sumar integrantes, aventurándose en un segundo álbum que, si bien no logró mayor reconocimiento, sirvió para que Martin Gore se adueñara de la composición. Esto, y la posterior llegada de Alan Wilder, marcarían el inicio de un lúcido período de producción musical que, luego de tres discos de contundente synth pop industrial, los dejaría posicionados como estandartes del movimiento. Singles como “People Are People”, “Master And Servant”, “Blasphemous Rumours” y “Black Celebration” probaron que la banda no sólo era capaz de facturar éxitos, sino que además podía ser desafiante en las letras, lo que les daba una profundidad que la mayor parte de sus pares no tenía.

El paso siguiente era conquistar el mercado de Estados Unidos. En la misma dinámica “The Joshua Tree” (1987) – “Rattle And Hum” (1988) de U2, el cuarteto de Basildon facturó el combo “Music For The Masses” (1987) – “101” (1989). Embarcados en una gira sin precedentes, estrenando una novedosa propuesta visual a cargo del fotógrafo holandés Anton Corbijn, y con una nueva lista de éxitos bajo el brazo liderada por “Strangelove”, “Behind The Wheel” y “Never Let Me Down Again”, decidieron ir por el premio mayor. Pretender llenar el estadio Rose Bowl era una apuesta del tipo todo o nada; o se consagraban como uno de los grandes o quedaban relegados a ser un aspirante más. El documental “101” (1989) a cargo del cineasta D.A Pennebaker, retrata parte de los entretelones que rodearon el concierto, y la verdad es que basta con ver sólo unos minutos para darse cuenta de que a esas alturas el grupo no tenía mucho que probar: sin notarlo, se habían transformado en algo que ni ellos habían anticipado. En ese momento, era difícil imaginar lo que estaba por venir, pero, si hasta entonces había sido difícil, lo que los noventa traería para Depeche Mode sería aún más desafiante.

Acostumbrados a recoger ideas sin perder de vista lo que pasaba a su alrededor, la banda decidió aventurarse y renovar su sonido, otorgándole a la guitarra eléctrica un nivel de protagonismo que, hasta acá, nunca había tenido en su paleta sonora. El resultado fue una interesante mezcla de rock electrónico y alternativo que terminó conquistando a todos los que hasta ese momento no habían puesto los oídos en el cuarteto. Los himnos a los que darían vida “Violator” (1990) y “Songs Of Faith And Devotion” (1993) no sólo pasarían a formar parte del catálogo obligatorio del conjunto, sino que, además, se alzarían como el soundtrack definitivo de millones de individuos en todo el planeta. Por desgracia, el éxito alcanzado estuvo acompañado de un nivel de descontrol tan desproporcionado, que hacia el final del “Devotional/Exotic Tour” la banda tendría que lidiar con un Dave Gahan absolutamente perdido en la heroína y un Alan Wilder que, hastiado por la dinámica del cuarteto, decidió dar un paso al costado. Había sido demasiado.

“It’s No Good” sería el track encargado de comenzar a escribir el capítulo más complejo para el conjunto. Recuperar la brillantez musical alcanzada entre 1987 y 1993 evitando los excesos que habían puesto en riesgo la continuidad del grupo, terminó siendo un reto de proporciones siderales. Recién con “Playing The Angel” (2005) el conjunto sería capaz de volver a entregar una propuesta consistente y regular. Fletcher, Gahan y Gore han vuelto a enfocarse únicamente en la música, poniendo paulatinamente a la electrónica una vez más como su musa favorita, en un ciclo que sistemáticamente los ha llevado de regreso a la primera mitad de su carrera. Los cortes de impacto mundial han seguido llegando (“Precious”, “Wrong” y “Heaven” son maravillosos ejemplos de esto), sin embargo, en esta última década el foco de la banda ha estado puesto en facturar álbumes coherentes más que en anotar nuevos hits. En esta línea, “Spirit” (2017) viene a coronar un período musical sólido, con un trio maduro y comprometido, capaz incluso de aventurarse a explorar un terreno lírico de abierto contenido social.

Con casi cuarenta años de carrera, el otrora cuarteto de Basildon ha recorrido el camino de los grandes, atravesando épocas de éxito rotundo y otras de franca desorientación. Sin embargo, si hay algo que ha hecho única a la banda, ha sido la convicción a la hora de defender sus principios. Martin Gore sería claro al decir “somos una banda de música electrónica que usa guitarras, no una banda de rock que utiliza la electrónica”. Y, si bien es cierto, han explorado distintos matices en su sonido, la verdad es que nunca han perdido su identidad.

De esta forma han acercado la música electrónica al más diverso de los públicos (incluso a aquellos que creen no escuchar este tipo de música), convirtiendo su catálogo en un glosario de alcance universal. La cantidad y diversidad de artistas que han sentido la necesidad de homenajear al conjunto versionando sus composiciones es sólo una prueba más de ello (Marilyn Manson, Johnny Cash, HIM y Rammstein son algunos ejemplos). Cuando Gahan lloraba atormentado en Pasadena, lo que no sabía es que treinta años después seguirían construyendo un legado que, a día de hoy, los ha convertido en una de esas bandas imposibles de ignorar.

Publicidad
Clic para comentar

Responder

Artículos

Chilenos en Lollapalooza 2020, Parte 2: Consolidando escenas

Publicado

en

Lollapalooza Chile

Aunque Lollapalooza Chile 2020 tiene más de cien artistas en total, la mayoría se fija en los cabezas de cartel, en esos nombres que tal vez no vendrán nunca más y que se presentan como oportunidades únicas. Pero también existe una miríada de actos chilenos que complementan la parrilla de forma precisa. Una apuesta por nombres emergentes en lo urbano, mezclado con artistas ya consolidados en el rock o en el indie, el festival que se desarrollará entre el 27 y el 29 de marzo en el Parque O’Higgins tiene múltiples colores, de los cuales te mostramos algunos tonos a continuación:

  • Para leer la primera parte de este artículo, con seis nombres más, entre los que se encuentran Pánico, Camila Moreno o Inti-Illimani & Quilapayún, haz clic AQUÍ.

Saiko

Tal vez la banda chilena más importante que faltaba que debutara en el escenario de Lollapalooza Chile, Saiko no sólo entera una carrera de más de dos décadas llena de éxitos, sino que también lo hace con una solidez escénica que viene de la experiencia y de la confianza que tiene la actual formación: una especie de dream team de la música chilena. A la voz inconfundible de Denisse Malebrán y el bajo de Luciano Rojas, se suma en batería el ex La Ley Mauricio Clavería, además el arreglista, productor y multiinstrumentista Martín D’Alesio.

Luego de muchos movimientos, la banda parece estar en un punto de madurez y tranquilidad que en vivo consigue mezclar efectivamente los éxitos de sus primeros discos (principalmente “Informe Saiko” de 1999 y “Las Horas” de 2004) con los tracks más nuevos, como “Fluvial” (hecho en colaboración con Sebastián Gallardo de We Are The Grand) o “Sabes”. Pop, rock, intensidad, dulzura, convicción y un carácter pionero en la música chilena, hacen de Saiko la última gran banda nacional vigente que debía debutar en el escenario del Parque O’Higgins.

Alain Johannes Trio (performs “Euphoria Morning”)

A estas alturas no debiéramos entregar credenciales de quién es Alain Johannes, pero no es malo recordar una que otra. Por ejemplo, que junto con Natasha Shneider fueron quienes produjeron el álbum solista debut de Chris Cornell, “Euphoria Morning”. Este álbum, salido en septiembre de 1999, tendrá un nuevo giro en el escenario de Lollapalooza Chile 2020, protagonizando lo que será el retorno de Johannes al festival, en formato trío, con los hermanos Cote Foncea (Lucybell, Dracma) y Felo Foncea (De Kiruza).

Johannes muchas veces ha comentado la cercanía que tenía con Chris Cornell y cuán importante fue para todos quienes participaron el hecho de grabar “Euphoria Morning”, un disco que, además de su carga emocional, posee melodías que distanciaron al vocalista de lo que hizo en Soundgarden, llevándolo a un rock más profundo, de texturas más ricas, mucho más parecido a lo que Alain y Natasha cultivaban en Eleven. Y es precisamente ese tipo de sonido el que será evocado en un show único con Johannes y los hermanos Foncea, que son prenda de garantía al momento de sonar en vivo.

Fernando Milagros

Luego de experimentar con múltiples recursos sonoros, pareciera que en “Serpiente” –disco que editó en 2019– Fernando Milagros volvió a la guitarra como muleta única, siendo las seis cuerdas y la garganta del cantautor lo que domina las melodías propuestas en los nueve tracks del sólido y cálido LP.

Esa cercanía orgánica es toda una novedad para el artista que en “Nuevo Sol” (2014) o “Milagros” (2017) tuvo en los trazos electrónicos un complemento clave. También es ese tono más ligado a lo psicodélico, con percusiones orgánicas y bajos más profundos como elementos que terminan de cuajar la mezcla, el que sonará en Lollapalooza Chile, con un músico que vuelve a sus raíces, pero con las enseñanzas marcadas en canciones más directas y llenas de detalles por descubrir ahí donde es más difícil: escondidas a simple vista.

Yorka

Las hermanas Pastenes son un halo de luz y de fuerza en el escenario nacional, haciendo un pop sofisticado, juguetón y bello, pero no por ello menos potente. En eso ayudan mucho las voces de Daniela y Yorka, quienes se apoyan y generan sensaciones de alto impacto, cantando sobre temas variados, con canciones que en el contexto de la protesta social han encontrado más oídos y más lecturas.

Esto también se relaciona al trabajo que ellas han hecho en terreno, con Yorka –quien es profesora– haciendo clases de canto en múltiples contextos, acercando la música a distintos territorios. “La Canción Es Protesta” es una de las mejores composiciones surgidas tras el estallido social, vinculando el sonido del canto nuevo con un pop del siglo XXI, y es ese tipo de conexiones lo que convierte a Yorka en un proyecto relevante, precioso de descubrir y atemporal en su sonido, en su mejor momento.

Slowkiss

La mezcla que hace Slowkiss podría ser un desastre si sólo se ve lo que hay en el papel. Pop, shoegaze, punk, elementos góticos incluso, pueden parecer cosas que en la mezcla podrían perder algo, pero el cuarteto chileno logra mostrar todas sus facetas, en una propuesta que, luego de mucho trabajo y convicción, es parte de los sucesos imperdibles del rock chileno en el último tiempo.

Aunque la masculinidad frágil haga que algunos le enrostren su pasado como parte de Supernova a Elisa Montes, lo que consigue la formación que la tiene a ella, Natalia Diaz, Andie Borie y Ricardo Pozo no pierde el tiempo en el pasado, y entrega rock directo como el que inunda “Patio 29”, el disco que lanzaron en agosto pasado y que será la columna vertebral de lo que promete ser una vibrante presentación en Lollapalooza Chile 2020.

Catana

Una de las voces más interesantes y versátiles dentro de la escena urbana, Catana ganó notoriedad con su mixtape “Qween C” en 2018, un trabajo que dejaba en claro cómo la intérprete podía rapear, cantar, trapear y también mezclar estilos en su voz. Con líricas afiladas, la artista también ha explorado en notas más sostenidas, en el R&B y en más recovecos musicales con colaboraciones múltiples.

“CA” es el último single editado por Catana, que muestra el camino reflexivo, pero lleno de reafirmación, que la tiene como uno de los nombres a seguir no sólo en la música chilena, sino que en la esfera latina. Tal vez porque, en medio de solistas que se ponen al centro como objeto de escrutinio, una voz que observa al resto con la confianza y el carisma que tiene Catana no sólo resulta algo lleno de novedad, sino también ocupa espacios que estaban ahí, a la espera de un talento como el de la oriunda de Cerro Navia, que llegará a Lollapalooza Chile a confirmar las sospechas que hay sobre uno de los secretos mejor guardados del rap chileno.

Seguir Leyendo

Podcast Cine E36

Publicidad

Podcast Música E36

Facebook

Discos

The Ghost Inside The Ghost Inside
DiscosHace 1 día

The Ghost Inside – “The Ghost Inside”

Uno de los aspectos fundamentales de la vida es su fragilidad, el nulo poder que tenemos para impedir que un...

To Love Is To Live To Love Is To Live
DiscosHace 2 días

Jehnny Beth – “To Love Is To Live”

Cuando David Bowie murió, su legado fue ampliamente discutido y considerado, en especial desde la coincidencia de “Blackstar” (2016) y...

Splinters From An Ever-Changing Face Splinters From An Ever-Changing Face
DiscosHace 3 días

END – “Splinters From An Ever-Changing Face”

El término “supergrupo” suele aplicarse a un nuevo proyecto conformado por miembros de otras bandas activas, o que cesaron su...

The Prettiest Curse The Prettiest Curse
DiscosHace 1 semana

Hinds – “The Prettiest Curse”

Llevar las influencias musicales en la manga puede resultar en molestas comparaciones. En el caso de Hinds, la sombra de...

Shadow Of Life Shadow Of Life
DiscosHace 1 semana

Umbra Vitae – “Shadow Of Life”

La vida es un camino de luces y sombras, donde aquellos pasajes más lúgubres suelen verse desde una óptica negativa...

Muzz Muzz
DiscosHace 1 semana

Muzz – “Muzz”

Proyecto paralelo y superbanda fueron las credenciales para mostrar al mundo a Muzz. El trío liderado por Paul Banks, y...

Stare Into Death And Be Still Stare Into Death And Be Still
DiscosHace 2 semanas

Ulcerate – “Stare Into Death And Be Still”

Desde su concepción, el death metal como subgénero ha sido llevado a experimentación, con muchas agrupaciones que han acoplado este...

Italian Ice Italian Ice
DiscosHace 2 semanas

Nicole Atkins – “Italian Ice”

Los efectos del Covid-19 en la industria musical se han presentado en múltiples formas: cancelaciones de festivales, conciertos o álbumes...

RTJ4 RTJ4
DiscosHace 2 semanas

Run The Jewels – “RTJ4”

Cuando Killer Mike habla de un hombre negro que está siendo asfixiado en “walking in the snow”, no se sabe...

Petals For Armor Petals For Armor
DiscosHace 3 semanas

Hayley Williams – “Petals For Armor”

¿Qué puede salir de una mente agobiada? La pregunta es sencilla si solamente se mira desde una vereda superficial y...

Publicidad
Publicidad

Más vistas