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Daniel Cavanagh: “Hacer algo por mi cuenta y no debatirlo con nadie fue algo nuevo”

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La necesidad de avanzar, dejar el pasado atrás y enfrentar de alguna forma los tiempos difíciles, es una característica vital a la hora de pasar por un proceso de sanación. De entre todas las formas para conseguirlo, probablemente no exista mejor método que la música, ya que con su profundidad e intensidad puede hacer que los momentos más oscuros posibles se transforme en arte. Daniel Cavanagh, hombre de las guitarras en Anathema, bien sabe de eso gracias al hecho de que su álbum, “Monochrome” (2017), refleja la manera en que el músico enfrenta sus fantasmas del pasado, despertando un instinto creativo que lo llevó a sacar un álbum sólo meses después de haber lanzado “The Optimist” (2017) junto a la banda mencionada anteriormente.

Ahora Cavanagh regresará a nuestro país para presentarse por primera vez en formato solista, trayendo su gira el próximo 10 de mayo en el Teatro Nescafé de las Artes. Como antesala a ese concierto, conversamos con Daniel sobre su disco, sus planes a futuro como solista, su show en Santiago, entre otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Primero, felicitaciones por “Monochrome”, es un álbum muy bueno, muy introspectivo y quizás hasta un poco oscuro. ¿De dónde vinieron las letras?

Diría que desde el mismo lugar de siempre, vienen del corazón, ya sabes. Si me preguntas sobre asuntos personales, es una situación más compleja; estuve reflexionando sobre algunos momentos duros, malos recuerdos, tristeza. Cualquier situación que me haya marcado será algo de lo que compondré una canción. Diría que mis canciones siempre son personales, de una manera verdadera y honesta, así es como debe ser la música.

¿Crees que la música sea un método de sanación para superar el pasado?

No lo sé. Siempre hago música, por lo que no sé cómo sería recurrir a ella en esa manera, no sé si me entiendes. Creo que es una buena forma de avanzar, de ayudarte a superar las cosas, de ser creativo y lograr nuevas cosas. Sobre qué tanto cura el pasado, no estoy muy seguro de eso. Es una buena teoría lo que me dices, creo que debe ser algo muy terapéutico, pero no sé qué tanto pueda sanar porque aún estoy muy jodido (risas).

Este álbum fue lanzado sólo tres meses después del último disco de Anathema. Teniendo tan buena recepción con la banda, ¿por qué quisiste hacer un disco por tu cuenta casi inmediatamente después?

Bueno, lo hice antes de que compusiéramos “The Optimist”, pero me gusta estar ocupado, además de que tenía algunas canciones que Anathema probablemente no haría, y no tendríamos mucho espacio para incluir en un disco todas esas canciones que compuse. La opción fue grabar esas canciones y guardarlas en mi computador, así nadie las escucharía. Básicamente, tomé una decisión bien simple: mantenerme ocupado y grabar las canciones que la banda no quería tocar, eso es todo, fue tan simple como eso. No había un gran plan o la necesidad de desmarcarme de la banda, todo lo contrario, fue muy bueno grabar solo y hacer las cosas más fáciles porque no tenías que generar debate con nadie en torno a las decisiones. No había necesidad de alejarme, sólo que las canciones estaban en el computador y seguirían ahí a menos de que las grabara, tan sencillo como eso.

¿Cuál fue la diferencia entre el trabajo detrás de este disco en comparación a cuando grabas junto a Anathema?

La principal diferencia es que canto las canciones que escribo, eso es lo primero, porque en Anathema son Lee Douglas y mi hermano Vincent quienes cantan la mayoría del material, pero a mí me gusta cantar mi propio material, así que eso hice. Lo otro es lo que comenté antes, que no tengo que debatir cada 10 minutos por cada decisión musical que se quiera hacer: si quiero algo, lo hago y ya, si me arrepiento, lo vuelvo a su forma original sin tener que dar explicaciones a nadie, es mucho más simple. Pero también disfruto la vida de grupo, se pasa muy bien, especialmente con John Douglas (baterista de Anathema), es muy divertido trabajar con él y me gusta también la química que se produce, a pesar de que algunas veces el llevar una banda se puede transformar en un dolor de cabeza, igualmente me gusta hacerlo, todavía lo disfruto. La experiencia de hacer algo por mi cuenta y no debatir nada con nadie fue algo nuevo, aunque no es necesariamente el futuro para mí, me gustan los dos caminos: la banda y mi carrera solista.

Hablando de la banda, ¿cómo crees que han logrado mantenerse juntos después de más de 25 años tocando?

Creo que es el no desmotivarse, es una forma de vida para nosotros, es lo que escogimos para ganarnos la vida. Si fuésemos multimillonarios, quizás hubiésemos tenido la oportunidad de hacer algo diferente, pero en nuestro caso no tuvimos mucha opción de ser algo “normal”. Todo se disfruta mucho, es algo que extrañaríamos si no lo hacemos. Si Anathema no existiera, estoy seguro de que todos lo extrañaríamos, pero hay muchas cosas positivas, es nuestro destino y nuestra manera de vivir la vida, una expresión artística con mis amigos, y eso me gusta mucho.

Quiero que hablemos de las colaboradoras de este álbum: Anneke Van Giersbergen y Anna Phoebe. ¿Por qué quisiste trabajar con ellas?

Anneke es una elección obvia, somos amigos desde hace muchos años e hicimos muchas giras juntos, además del álbum en vivo, por lo que obviamente la escogería. Necesitaba una voz femenina en el álbum y ella era la más indicada para preguntarle, felizmente aceptó y lo hizo muy bien, como es costumbre. En cuanto a Anna Phoebe, es alguien a quien conocí en la última gira acústica de Anathema, en 2015, un poco antes de grabar mi álbum solista. Me alegro de haber trabajado con ella, es una muy buena violinista, se le da muy bien la improvisación, tiene un buen oído y puede dominar muy bien las texturas en sus notas, me gusta la forma en que toca y fue una buena opción, realmente marca la diferencia. Estoy muy feliz de haberla conocido y que pudiera tocar en el álbum porque sonó increíble.

Estuve escuchando tu álbum “Memory And Meaning” (2015), donde versionaste una selección de canciones de distintos artistas. ¿Fueron composiciones importantes para ti o más bien tenías el deseo de tocarlas?

Sí, hay canciones que son importantes, pero también hay otras que están porque soy capaz de cantarlas. Hay muchas canciones que amo, pero que no puedo interpretarlas, no tengo un rango vocal muy amplio, es más bien un tono medio, quizás algo de tenor, pero básicamente son canciones que me gustan, otras que toco en vivo o que aprendí cuando era joven, artistas que respeto y admiro. Fue algo muy sencillo de hacer y terminó dándose muy bien, me gusta mucho ese álbum.

Pasemos al show en Santiago. ¿Qué veremos durante tu presentación?

Todo es alrededor de la guitarra. Tengo una guitarra que puede sonar como muchas guitarras, también puede sonar como una batería, un bajo o un teclado, ya que hago todos esos efectos con un pedal de loops y mi ingenio al tocar. Se ve como un hombre con una guitarra, pero puede ser mucho más que eso, puedo sonar como un montón de cosas diferentes, pero soy sólo yo. Tocaré canciones de Anathema, de mi álbum “Monochrome” y mi carrera solista, además de algunos covers, lo mezclo todo en mi setlist. De hecho, siempre comienzo con “Springfield”, donde hago que se sientan muchas guitarras sonando. Estoy seguro de que lo disfrutarán, me gusta el hecho de que la gente se pueda sentar y disfrutar la música, las melodías, todo eso.

Anathema es obviamente una banda eléctrica, mientras que tu material solista va por la vereda acústica. ¿Hay algo que quizás te gustaría probar a futuro? ¿Un álbum de metal más extremo u orientado al rock más clásico, tal vez?

Yo creo que es más bien lo que a ti te gustaría que yo hiciera (risas).

Oh, de acuerdo, esa es una pregunta compleja.

Si me preguntas por géneros en específico, es porque estás deseando que yo toque algo así. Es una pregunta honesta, qué es lo que te gustaría.

No lo había pensado de esa manera, estoy sorprendido por eso (risas).

Es curioso, porque la manera en que me lo preguntas significa que algo en ti desea ese material de mi parte.

Para serte honesto, me gustaría escuchar un disco orientado al black metal, eso se te daría bien.

¿Anathema tocando black metal? (risas)

No Anathema, me refiero a ti como solista. Escucharte haciendo ese sonido oscuro y más crudo del black metal sería interesante.

Creo que pensaré en eso (risas).

Muy bien, espero que lo consideres. Continuando con la entrevista, Anathema es una banda muy querida en Santiago, por lo que quisiera saber cómo describirías el apoyo que el público chileno le ha entregado a la banda.

Obviamente son geniales. He tocado con Anneke y con Anathema, y siempre es una gran audiencia, ruidosa y muy apasionada, espero que sea lo mismo de nuevo. La verdad es que no sé cómo será esta vez porque voy como solista, será mi primera vez de esa forma. No sé cuanta gente irá, espero que salga todo bien, además de que soy muy divertido en mis monólogos, creo que se reirán mucho (risas).

Para terminar, ¿te gustaría decirle algo a tus fans en Santiago?

Si, espero que la gente esté motivada para ir al show. La verdad es que no sé cuanta gente podría ir, pero espero verlos ahí. Se divertirán mucho y no los decepcionaré. Crearemos una atmósfera honesta de entretención en torno a la música, ¡así que nos vemos en el show!

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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