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Damo Suzuki: “Mucha gente no es capaz de encontrar algo nuevo”

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A días del Festival En Órbita, que en su segunda edición se realizará en el Planetario de la Universidad de Santiago el próximo 16 de diciembre, lo claro es que este será un evento que traerá múltiples propuestas artísticas, para las cuales es necesario tener oídos abiertos y dejarse llevar por la experiencia.

Damo Suzuki, quien se hiciera conocido por ser parte por un breve tiempo de Can, ha vivido mucho, y dentro de toda su espiritualidad entiende que la música es un vehículo, un mensaje, pero no termina en sí misma. Por eso, en esta entrevista nos invita a disfrutar de lo que pasa delante de los ojos, a buscar en el interior y a nutrirnos de lo que está en el presente, sin mirar atrás (y no preguntarle sobre Can).

Nos interesa mucho verte de nuevo con Damo Suzuki’s Network, y por eso es que lo primero que necesitamos saber es cuánto control tienes sobre este tipo de experiencia. ¿Qué cosas se quedan contigo tras uno de estos shows?

Es bueno estar aquí, y esta vez tengo algunos días para conocer más Chile. La última vez sólo estuve veinticuatro horas. ¿Control? No sé a lo que te refieres. No es la idea. Simplemente me gusta tener la mejor música cada vez, e incluso que se me haga imposible comparar una vez con otra. Si entrego mi cien por ciento cada vez, soy feliz con eso.

Has dicho en repetidas ocasiones que no perteneces a ninguna iglesia, pero sí a la Biblia. ¿Qué crees que se puede lograr con ese libro? ¿Alguno de esos sentimientos se traspasan a la música?

Hay muchas cosas asociadas a la vida tradicional en las que la gente cree demasiado y no se preocupan de sus raíces. Especialmente ahora, el poder de los medios, los periódicos y los canales es enorme. Sobre la Biblia, si la lees (ni siquiera los cristianos hacen eso) sabes la verdad, que esas iglesias y organizaciones están andando de forma totalmente equivocada. Y la verdad es que yo hago música que sea refrescante, orgánica, no comercial, desnuda.

Ahora vivimos en una era donde la voz está siendo vista como un dispositivo, no sólo como un atributo del intérprete. Dado que eres reconocido por el uso de tu voz, ¿qué horizontes crees que puedes alcanzar como creador e intérprete?

La música en sí misma es un mensaje, entonces las palabras no son tan importantes. Si hay una lírica bonita, no cabe en la interpretación, ¿Cuál es su significado? Para mí la música que hago expresa cómo estoy viviendo y con mi actitud como base. Eso está antes de que la música siquiera exista.

Cuando la gente ve tus peticiones, piensan a veces que eres “raro” o “específico”, pero podemos verlo como un testamento de una ética de trabajo. ¿Cuáles son tus estándares? ¿Cuán importante es esto para ti como persona y artista?

No estoy interesado en hacer música, yo creo tiempo y espacio en el momento con la audiencia y compartimos energía. Simplemente quiero generar una plataforma única e irrepetible. De alguna manera, el artista le roba tiempo a la gente. Si yo hurto su tiempo, no quiero representar aquello. Me da lástima. Por eso hacemos que los componentes de la música sean duraderos, resistentes y apasionados.

Todo el mundo gusta de preguntarte por Can, pero eso pasó hace décadas. ¿Por qué crees que la gente se queda en el pasado? ¿Por qué se repiten esas dudas y te piden tanto esas historias?

Sí, mucha gente es, como se podría decir, sentimental, o no son capaces de encontrar algo nuevo. Sabes bien que estuve con Can sólo tres años, menos del cinco por ciento de mi vida, y fui alguien que trabajó en ello de forma temporal, entonces no me interesa hablar o tocar nada de ese período.

En estos tiempos la gente vive los shows con otros estímulos. Hay teléfonos, personas conversando, y otros escuchan. ¿Qué crees que pasa ahí? ¿Te afecta?

¿Por qué debiera importarme? La gente tiene sus propios asuntos, y si la música es muy buena, son ellos quienes se están perdiendo una parte maravillosa de sus vidas. No tengo responsabilidad en el resto. Puedes crear música con teléfonos, hablar con gente, y para mí es simpático tener situaciones que cambien, porque yo creo con eso.

Finalmente, ¿qué te interesa en estos días? En la vida, en lo cotidiano, no sólo en la música. ¿Hay algo que creas que debes alcanzar para sentirte pleno? ¿Puede ser feliz la gente? Suena como una tarea gigante, pero pareces tener una sabiduría que puede responder a esto.

Estoy interesado en muchas cosas. Tuve una enfermedad muy fuerte por tres años y medio, y aprendí muchísimo en ese período. Todo es posible, depende de cuánta energía pongas en ello, y el resultado no es lo más importante, sino que es el momento de procesarlo, ese instante en que las energías fluyen. La gente puede ser feliz, primero, si encuentra la vía hacia Dios y, en segundo lugar, si se encuentra a sí misma y cree en su propio poder, lo usa para cosas positivas y comparte esa energía con otras personas.

Muchas gracias, Damo. Esperamos verte en Chile.

Gracias a ti. ¡Nos vemos en unas semanas! ¡Energía!

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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