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Patti Smith, una mujer trascendental

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Quién hubiese imaginado que el debut de Patti Smith en Chile estaría enmarcado en tiempos tan convulsionados. Desde mediados de octubre, el denominado estallido social se ha tomado los espacios públicos para exigir dignidad como demanda fundamental, luego de años sometidos a una normalidad impuesta. A poco tiempo de cumplirse un mes de movilizaciones, las calles dan cuenta de emocionantes muestras de apoyo mutuo, como también de los horrores cometidos por una autoridad necia e indolente.

En un contexto tan intenso, resulta difícil escribir desde la vitrina del “entretenimiento”. Sin embargo, en el caso del esperado debut de Smith la ebullición generalizada está lejos de ser contraproducente. La “madrina del punk” es de aquellas figuras que hacen música mediante una óptica militante y activista, pero también muy personal. Aprovechando las coincidencias, hoy se da la oportunidad perfecta para preguntarnos qué tan significativo es su visita, precisamente, en medio de un estallido social.

Luego de la multitudinaria convocatoria durante las protestas del 25 de octubre –que solamente en Plaza Italia registró una cifra histórica de un millón doscientas mil personas­–, los ojos del mundo se enteraron de lo que está ocurriendo en Chile; artistas de todo el mundo solidarizaron con la causa, enviando mensajes de aliento y solidaridad. Por su parte, Patti Smith compartía en su cuenta de Instagram lo siguiente: “Este es el reino del coraje, el reino de la convicción, el reino de la unidad. Un millón de personas en Santiago de Chile. Llamando a la igualdad. Pidiendo responsabilidad al gobierno. Llamando a un Chile tan unificado como ellos, tomándose las calles. Este es el reino de los ciudadanos activistas, quienes están siendo vistos y oídos por el mundo. Mostrándonos a todos cómo el pueblo tiene el poder”. La fuerza de aquellas palabras no son un hecho casual, sino que dan cuenta de un interés permanente por el empoderamiento social a lo largo de su carrera.

A principios de los 2000, Patti Smith participó activamente en la campaña de Ralph Nader, candidato presidencial por el Partido Verde de Estados Unidos. Por aquellos años, también realizó una ferviente oposición a la administración de George W. Bush, recorriendo el país en una serie de protestas en rechazo a la guerra de Irak. Dicho activismo cobra más sentido aún si consideramos su enorme importancia dentro del panorama estrictamente musical, donde se consigna como una de las mayores figuras del empoderamiento femenino en el rock, cobrando una trascendencia que abarca más de cuatro décadas de historia.

El puntapié de una carrera única comienza a sus 28 años. Patricia Lee Smith deja el anonimato con “Horses” (1975), una obra trascendental y rupturista en muchos aspectos. Partiendo por su icónica portada –del fotógrafo Robert Mapplethorpe–, Patti Smith quiebra los cánones de género tradicionales como su primer manifiesto. Mediante un retrato que juega con el androginismo, la artista declara su subversión a una escena rock dominada por hombres y relatos primordialmente machistas. Valiéndose de la poesía beat como principal herramienta, abre el álbum recitando: “Jesús murió por los pecados de alguien, pero no por los míos”; la osadía de sus palabras marca otro cambio de paradigma, el que se desprende de la mirada autocomplaciente de finales de los sesenta y abre un camino nuevo de manera imprevista. Debido a su carácter vanguardista, Patti Smith se gana el apodo de “madrina del punk”, participando activamente en el club CBGB, epicentro y caldo de cultivo de dicho movimiento.

Junto a su espíritu precursor, Patti Smith se caracteriza por transitar constantemente entre la música y la literatura. Siendo fanática de William Blake desde su adolescencia, Smith se ampara en la poesía como su primer territorio creativo. Autores tales como Sylvia Plath y Arthur Rimbaud complementan sus principales influencias literarias. En dicho terreno, la artista es una reconocida seguidora del trabajo de Roberto Bolaño; tanto así, que, junto a su debut en Santiago, participará en una cátedra en homenaje al novelista. En este espacio híbrido es que Patti Smith sigue la ruta de grandes cantautores norteamericanos, entre ellos Bob Dylan, con quien ha desarrollado una fuerte relación de admiración y amistad.

La cita de este 18 de noviembre en el Teatro Caupolicán ofrece la oportunidad de apreciar en carne viva la fuerza de una mujer trascendental en muchos niveles. Para quienes encontramos en la música el refugio e incentivo para resistir a tiempos desafortunados, las palabras de Patti Smith llegan en el momento preciso. Por mera casualidad, se da la ocasión para cobrar fuerzas y compartir con una artista que ha levantado la audacia como principio esencial para derribar paradigmas; una actitud que va en sintonía con el espíritu de una protesta que no pide permisos y exige cambios estructurales. No hay mejor ocasión que esta para el debut de la “madrina del punk”, en tiempos donde le mostramos al mundo cómo es que el pueblo tiene el poder.

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Rompan Todo: La Historia del Rock en América Latina

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Rompan Todo

Abarcar un territorio desde las manifestaciones artísticas es un desafío gigante. De las dificultades de ese proceso no se ha librado “Rompan Todoː La Historia del Rock en América Latina”, un ambicioso proyecto impulsado por Nicolás Entel, Picky Talarico, Iván Entel y el músico y productor Gustavo Santaolalla, que en seis episodios (totalizando casi cinco horas de contenido) va entregando cronológicamente énfasis sobre momentos claves para el rock en este continente.

La crítica ha sido dispar, con algunos alabando el esfuerzo o agradeciendo las emociones que gatilla esta sucesión de escenas, y otros apuntando a lo que falta y, más aún, a quiénes faltan y de dónde son. Una persecución que pone la lupa en personajes y países ausentes, en una dinámica que, en el juego de inclusión y exclusión que implica necesariamente el acto de editar un producto audiovisual, resulta invariablemente fútil. Una obra de este carácter debe ser mirada con la perspectiva que se intenta entregar, que es mostrar la evolución histórica del rock en Latinoamérica, y ahí hay un concepto clave: evolución. Pero en “Rompan Todo” hay una disparidad importante respecto al avance mostrado, ya sea en los conceptos o en el espíritu que los más de cien entrevistados entregan en sus declaraciones.

La miniserie documental es como una mesa coja que jamás logra un equilibrio en lo que ella misma quiere mostrar, situación generada por los dos hemisferios que pujan por ser el centro de la atención. Por un lado, está el mercado más grande en términos numéricos, el mexicano, donde el éxito es cuantioso cuando existe, y por otro está el argentino, que no es tan vasto en ventas o población, pero que con el correr de los capítulos tiene otro tipo de éxito, uno más importante. En México los sucesos siempre van en una lógica que se va repitiendo: se habla de políticos corruptos, de cómo los músicos tratan de preservar una identidad mexicana, y cómo alguien encontró algo nuevo para ser éxito con las masas. Desde esa triada, este polo no evoluciona. Las consignas se repiten, cansinamente, y la complacencia con este mercado tan enorme es tal, que este es el único territorio donde la mayoría de los entrevistados tiene impacto local y no continental. Café Tacvba, Molotov o Maná escapan a ello, pero el resto del tiempo –que no es poco– la cantidad de referentes parece tan ajeno al hemisferio sur, que distrae.

En este lado del continente la reflexión es mayor, y también lo son las terribles circunstancias de dictaduras y asesinato de artistas. Es cierto que Argentina ocupa la mayor parte del tiempo, pero su gravitación en el escenario internacional es justificada en el relato, incluso con la presentación de figuras claves que emigraron desde el país trasandino para innovar en el resto de Latinoamérica. Ahí existe un énfasis de evolución entre la colaboración y la intención de influir en el crecimiento musical de bandas de muchos países. Además, la carga de figuras que cruzan las décadas, como Charly García o Gustavo Cerati, es importante y se va ahondando en el camino. No es una consigna al aire con alguien diciendo que es talentoso: eso se ve y se siente en el relato audiovisual.

En medio, casi como transiciones, están los casos de otros países, con figuras como Los Prisioneros, La Vela Puerca, Los Saicos o Aterciopelados, pero son minutos frente a las horas dedicadas a México y Argentina, donde la disposición ágil de escenas permite entender el frenesí del choque entre las ganas de hacer música y decir algo, y las dificultades que ponen las situaciones particulares en cada uno de los países. Por ello es tan impactante la gravitación por lugares comunes que sobresalen desde el lado mexicano del montaje, en contraposición a la épica más profunda que emana desde Buenos Aires. Es cosa de ver la comparación más fallida: Maná y Soda Stereo. A Maná incluso se le transforma en chiste, pero se justifica con el éxito; en cambio en Soda Stereo es la calidad lo que se pone como factor fundamental. El cuidado entre unos y otros es diferente, incluso cuando el objetivo de plantear figuras masivas de cada país parece ser el mismo.

Un problema grave es la inequidad de género, que apenas es tocada por Andrea Echeverri en frases sentidas donde habla de las dificultades de ser la única mujer por mucho tiempo en el rock colombiano, mientras Héctor Buitrago se ríe, como bajándole el perfil. Las mujeres en el relato pueden ser contadas con los dedos de las manos, y su lugar es terciario. Sólo un montaje cerca del final, donde se muestran muchas más figuras, da a entender que podría existir una nueva temporada o serie sobre ellas. Eso sería muy bueno, pero al menos en estos seis episodios esa es la verdadera deuda pendiente, más que países o nombres en particular.

Un detalle final viene de los dos entes más reflexivos de la serie completa. David Byrne es (casi) el único hablante anglosajón del documental y, sin embargo, sus declaraciones son más elocuentes y las que mejor resumen el panorama general del continente completo. Son los únicos espacios de unión real, junto con Soda Stereo y Gustavo Santaolalla, productor ejecutivo y piedra angular de múltiples escenas y discos fundamentales (y el más mencionado en la serie), desde Molotov hasta León Gieco, pasando por Jorge González, Julieta Venegas o La Vela Puerca. La presencia de Santaolalla es clave, pero el montaje descuida el equilibrio, generando un ruido innecesario que enloda al otro personaje que es capaz de trazar las líneas transversales de una historia que, fuera de esos dichos, se queda en polos separados, con evoluciones dispares. No hay que desconocer el trabajo arduo tras una miniserie como “Rompan Todo”, pero también vale la pena tener perspectiva respecto a cómo se aprovechan estos, los exiguos espacios que tiene la música en la plataforma que sea.


Título Original: Rompan Todoː La Historia del Rock en América Latina

Director: Picky Talarico

Duración: 295 minutos

Año: 2020

Plataforma: Netflix


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