Conéctate a nuestras redes
Mejores discos internacionales 2020 Mejores discos internacionales 2020

Columnas

Mejores discos internacionales 2020

Publicado

en

Usa tus teclas ← → para navegar el artículo

“All Thoughts Fly”

Anna Von Hausswolff

Mediante un escalofriante y sublime sonido, la artista sueca desarma el pop gótico de sus trabajos anteriores para destilarlo hasta su forma más esencial, entregando una sobrecogedora y oscura obra que se refuerza íntegramente en el órgano, creando una amplia gama de paisajes sonoros salidos directamente desde lo más recóndito de la niebla, como unas melodías buscando su lugar en esta apagada realidad. Siempre con la impronta melancólica de la compositora, “All Thoughts Fly” empuja mucho más allá sus atributos como intérprete, endureciendo un poco más ese sonido que ya es característico de Anna Von Hausswolff, pero que, sin la presencia de su voz, se vuelve en una experiencia mucho más intensa y abrasiva.


“To Love Is To Live”

Jehnny Beth

La líder de Savages se lanza en solitario con un trabajo oscuro y experimental. Lejos de las comparaciones con su formato banda, Jehnny Beth abraza una onda más tradicional, acercándose al new wave y manteniendo un sonido más crudo y denso. Dentro de ese panorama pantanoso, “To Love Is To Live” explora temáticas relacionadas a problemáticas actuales, abordando con rabia la masculinidad o el amor. Más allá de su propuesta lírica y teórica, el disco avanza de manera sólida en cuanto al sonido, pero carece de matices que lo hagan marcar la diferencia. Sin embargo, la virtud está precisamente en lo más experimental, donde es posible encontrar guiños al jazz o al trip hop, bajos penetrantes y la energía y vigor característica de Beth.


“Folklore”

Taylor Swift

Se habló del disco “indie” de Taylor Swift, pero la estructura de las composiciones y la forma de enfrentar los fraseos por parte de la cantautora no era tan diferente a su obra anterior. Entonces, ¿por qué ahora es más fácil acercarse a sus canciones llenas de dolor, adolescencias y desamor? Tras la rabia por las movidas mafiosas de Scooter Braun con su música, Swift cada vez ha develado más de sí misma, realmente, en su forma de valorar la composición y la obra musical, y también el acto de experimentar. En medio de la cuarentena, esas canciones que pimponeó con Aaron Dessner (The National) y Jack Antonoff dan con un tono y espíritu perfectos para estos tiempos de distancias y soledades forzadas.


“Untitled (Rise)”

SAULT

Con una apuesta musical que juega a la fusión de neo soul, funk y afrobeat, el cuarto larga duración del colectivo británico se caracteriza básicamente por no bajar nunca el ritmo, haciendo gala de una base percusiva abiertamente adictiva. Sin embargo, donde el conjunto realmente hace la diferencia es en su avasalladora y valiente apuesta lírica, que se aventura sin contemplaciones a levantar un manifiesto contra la vergonzosamente vigente discriminación racial. Provocadores en cada canción, pero además inteligentes en la entrega, este álbum no pierde el tiempo hablando de odio, sino que se dedica a promover el orgullo y empoderamiento de las víctimas. Sin duda, un llamado necesario, pero además cautivador.


“The Night Chancers”

Baxter Dury

La decadencia muchas veces se asocia a lo poco pulcro, a un velo de nostalgia, y a misterio sin asidero, pero en el sexto disco de Baxter Dury la decadencia suena bien, serena y con mucha onda. Claro, la perspectiva no es desde un observador externo, sino desde el sujeto que lucha, narra desde sus zapatos y reflexiona sobre los pasos dados entre polvo, camas revueltas y humo de cigarrillos ajenos. Además de un sonido exquisito, que recuerda a referentes franceses, las líricas se encargan de contar historias con hidalguía y moral propia. Baxter se atavía de recuerdos presentes y una sensualidad desde los ecos de la genuina admiración por aquellos de los que nadie canta y nadie parece escuchar.


“Women In Music Pt. III”

HAIM

Este 2020 las hermanas Haim lograron encontrar la fórmula perfecta para el rock pop que llevaban cocinando desde que irrumpieron en la escena, hace ya ocho años. “Women In Music Pt. III” es un trabajo luminoso y pegadizo, donde las californianas consiguieron explotar su comercialidad sin perder una cuota de cuidado artístico, retratando de una manera fresca y moderna a Los Angeles, ciudad donde creció la banda y con la cual ya queda demostrado que tienen una gran sensibilidad. Tras un segundo disco que no convenció totalmente a la crítica, la agrupación familiar logra dar un portazo a las dudas, demostrando que tienen mucho por aportar al sonido pop de la costa oeste.


“Notre-Dame-Des-Sept-Douleurs”

Klô Pelgag

En un amplio esfuerzo de pomposidad, el tercer álbum de Klô Pelgag se construye como una obra cuya belleza es absoluta y variopinta. Desde las melodías luminosas hasta sus arreglos más sombríos, la artista canadiense pone en valor cada una de las emociones que recorren su trabajo, pintando un abanico poético y multicolor. Mediante recursos dispares, como el theremín, los arreglos de cuerdas y sintetizadores, este trabajo se sitúa en múltiples escenarios, cuya esencia inapelable es la cálida textura que ofrece la voz francoparlante, junto a un refinado sentido del pop, abarcando lo barroco y la chanson. Generando una sensación suave y prolongada, “Notre-Dame-Des-Sept-Douleurs” cautiva y entremezcla los sentidos.


“Róisín Machine”

Róisín Murphy

Pensar en el disco homenajeando al disco, es un proyecto que Róisín Murphy tenía en movimiento lento pero seguro hace más de una década. Un álbum que se siente vivo, con transiciones precisas entre los diferentes tracks, con singles desarrollados de forma que se adecúen a esta maquinaria, y con un pop tan vanguardista como revisionista. Estos son elementos que configuran un buen trabajo, pero la interpretación e inventiva de Murphy lleva todo al siguiente nivel. Bailar es algo que se ve como ligero, opcional, pero tras meses de encierro, discos como “Róisín Machine” son los que muestran lo fundamental que es aquello, y lo espiritual y compleja que puede ser la atmósfera del trance del movimiento.


“Lament”

Touché Amoré

A cuatro años de “Stage Four” (2016), Touché Amoré vuelve a remecer emociones. En su quinto álbum, los californianos logran hacer carne aquellas letras cargadas de una mirada agridulce respecto a la vida, sin esquivar aquellos momentos trágicos, pero cubriéndolos con un manto de pasión en cada alarido pronunciado por Jeremy Bolm. Tomando la intensidad de los sentimientos como motor creativo, la banda atraviesa por distintos niveles que entregan cierto grado de matices en la propuesta, ya sea acercándose o tomando distancia de la estridencia. En un trabajo que los muestra sólidos y capaces de explorar en la variedad, Touché Amoré nos recuerda la fuerza que transmite la música cuando viene de las vísceras y el corazón.


“Flowers Of Evil”

Ulver

Lo de Ulver es simplemente tremendo. El proyecto del músico y productor Kristoffer Rygg tiene la capacidad de reinventarse y mostrar sonidos completamente diferentes en cada trabajo, y lo que vemos en “Flowers Of Evil” demuestra esa capacidad de seguir adelante y hacer la música que quiere hacer. Un salto sonoro que trasciende convencionalidades e invita a través de melodías pegajosas y melancólicas a envolverse por los sonidos mediante tramos hipnóticos, una atmósfera intensa y un sintetizador que es pieza clave para desarrollar esta arista diferente de los noruegos. Un elegante synth pop que, pese a lo colorido y elegante, no deja de tener el aura oscura característica del conjunto.

Usa tus teclas ← → para navegar el artículo

Publicidad
Clic para comentar

Responder

Columnas

Rompan Todo: La Historia del Rock en América Latina

Publicado

en

Rompan Todo

Abarcar un territorio desde las manifestaciones artísticas es un desafío gigante. De las dificultades de ese proceso no se ha librado “Rompan Todoː La Historia del Rock en América Latina”, un ambicioso proyecto impulsado por Nicolás Entel, Picky Talarico, Iván Entel y el músico y productor Gustavo Santaolalla, que en seis episodios (totalizando casi cinco horas de contenido) va entregando cronológicamente énfasis sobre momentos claves para el rock en este continente.

La crítica ha sido dispar, con algunos alabando el esfuerzo o agradeciendo las emociones que gatilla esta sucesión de escenas, y otros apuntando a lo que falta y, más aún, a quiénes faltan y de dónde son. Una persecución que pone la lupa en personajes y países ausentes, en una dinámica que, en el juego de inclusión y exclusión que implica necesariamente el acto de editar un producto audiovisual, resulta invariablemente fútil. Una obra de este carácter debe ser mirada con la perspectiva que se intenta entregar, que es mostrar la evolución histórica del rock en Latinoamérica, y ahí hay un concepto clave: evolución. Pero en “Rompan Todo” hay una disparidad importante respecto al avance mostrado, ya sea en los conceptos o en el espíritu que los más de cien entrevistados entregan en sus declaraciones.

La miniserie documental es como una mesa coja que jamás logra un equilibrio en lo que ella misma quiere mostrar, situación generada por los dos hemisferios que pujan por ser el centro de la atención. Por un lado, está el mercado más grande en términos numéricos, el mexicano, donde el éxito es cuantioso cuando existe, y por otro está el argentino, que no es tan vasto en ventas o población, pero que con el correr de los capítulos tiene otro tipo de éxito, uno más importante. En México los sucesos siempre van en una lógica que se va repitiendo: se habla de políticos corruptos, de cómo los músicos tratan de preservar una identidad mexicana, y cómo alguien encontró algo nuevo para ser éxito con las masas. Desde esa triada, este polo no evoluciona. Las consignas se repiten, cansinamente, y la complacencia con este mercado tan enorme es tal, que este es el único territorio donde la mayoría de los entrevistados tiene impacto local y no continental. Café Tacvba, Molotov o Maná escapan a ello, pero el resto del tiempo –que no es poco– la cantidad de referentes parece tan ajeno al hemisferio sur, que distrae.

En este lado del continente la reflexión es mayor, y también lo son las terribles circunstancias de dictaduras y asesinato de artistas. Es cierto que Argentina ocupa la mayor parte del tiempo, pero su gravitación en el escenario internacional es justificada en el relato, incluso con la presentación de figuras claves que emigraron desde el país trasandino para innovar en el resto de Latinoamérica. Ahí existe un énfasis de evolución entre la colaboración y la intención de influir en el crecimiento musical de bandas de muchos países. Además, la carga de figuras que cruzan las décadas, como Charly García o Gustavo Cerati, es importante y se va ahondando en el camino. No es una consigna al aire con alguien diciendo que es talentoso: eso se ve y se siente en el relato audiovisual.

En medio, casi como transiciones, están los casos de otros países, con figuras como Los Prisioneros, La Vela Puerca, Los Saicos o Aterciopelados, pero son minutos frente a las horas dedicadas a México y Argentina, donde la disposición ágil de escenas permite entender el frenesí del choque entre las ganas de hacer música y decir algo, y las dificultades que ponen las situaciones particulares en cada uno de los países. Por ello es tan impactante la gravitación por lugares comunes que sobresalen desde el lado mexicano del montaje, en contraposición a la épica más profunda que emana desde Buenos Aires. Es cosa de ver la comparación más fallida: Maná y Soda Stereo. A Maná incluso se le transforma en chiste, pero se justifica con el éxito; en cambio en Soda Stereo es la calidad lo que se pone como factor fundamental. El cuidado entre unos y otros es diferente, incluso cuando el objetivo de plantear figuras masivas de cada país parece ser el mismo.

Un problema grave es la inequidad de género, que apenas es tocada por Andrea Echeverri en frases sentidas donde habla de las dificultades de ser la única mujer por mucho tiempo en el rock colombiano, mientras Héctor Buitrago se ríe, como bajándole el perfil. Las mujeres en el relato pueden ser contadas con los dedos de las manos, y su lugar es terciario. Sólo un montaje cerca del final, donde se muestran muchas más figuras, da a entender que podría existir una nueva temporada o serie sobre ellas. Eso sería muy bueno, pero al menos en estos seis episodios esa es la verdadera deuda pendiente, más que países o nombres en particular.

Un detalle final viene de los dos entes más reflexivos de la serie completa. David Byrne es (casi) el único hablante anglosajón del documental y, sin embargo, sus declaraciones son más elocuentes y las que mejor resumen el panorama general del continente completo. Son los únicos espacios de unión real, junto con Soda Stereo y Gustavo Santaolalla, productor ejecutivo y piedra angular de múltiples escenas y discos fundamentales (y el más mencionado en la serie), desde Molotov hasta León Gieco, pasando por Jorge González, Julieta Venegas o La Vela Puerca. La presencia de Santaolalla es clave, pero el montaje descuida el equilibrio, generando un ruido innecesario que enloda al otro personaje que es capaz de trazar las líneas transversales de una historia que, fuera de esos dichos, se queda en polos separados, con evoluciones dispares. No hay que desconocer el trabajo arduo tras una miniserie como “Rompan Todo”, pero también vale la pena tener perspectiva respecto a cómo se aprovechan estos, los exiguos espacios que tiene la música en la plataforma que sea.


Título Original: Rompan Todoː La Historia del Rock en América Latina

Director: Picky Talarico

Duración: 295 minutos

Año: 2020

Plataforma: Netflix


Seguir Leyendo

Podcast Cine E36

Publicidad

Podcast Música E36

Facebook

Discos

EVEN IN EXILE EVEN IN EXILE
DiscosHace 1 mes

James Dean Bradfield – “EVEN IN EXILE”

A veces pareciera que la figura de Víctor Jara irrumpe mucho más potentemente en el extranjero que en nuestro país,...

POWER UP POWER UP
DiscosHace 1 mes

AC/DC – “POWER UP”

El 19 de febrero de 1980 falleció Bon Scott, segundo vocalista de la banda de hard rock AC/DC. En la...

CYR CYR
DiscosHace 1 mes

The Smashing Pumpkins – “CYR”

Retomando un formato doble, que no le veíamos desde el reconocido “Mellon Collie And The Infinite Sadness” (1995), The Smashing...

Letter To You Letter To You
DiscosHace 2 meses

Bruce Springsteen – “Letter To You”

A través de su carrera, Bruce Springsteen ha musicalizado la juventud de múltiples generaciones. Los clásicos solos de saxo, su...

Canciones Para El Siglo XXI Canciones Para El Siglo XXI
DiscosHace 2 meses

Poder Fantasma – “Canciones Para El Siglo XXI”

Tierra fértil para el pop ha sido nuestro país. Con una rica tradición y un variado catálogo a punta de...

Atlas Vending Atlas Vending
DiscosHace 2 meses

METZ – “Atlas Vending”

Luego de haber publicado el compilatorio “Automat” en 2019, el trío canadiense METZ tenía a todos muy atentos por un...

Endless Twilight Of Codependent Love Endless Twilight Of Codependent Love
DiscosHace 2 meses

Sólstafir – “Endless Twilight Of Codependent Love”

Últimamente, la casa discográfica francesa Season Of Mist ha estado pendiente de lo que ocurre en Islandia en términos musicales....

Post Human: Survival Horror Post Human: Survival Horror
DiscosHace 2 meses

Bring Me The Horizon – “Post Human: Survival Horror”

La emergencia sanitaria por el Covid-19 ha sido uno de los sucesos que más ha afectado al ambiente artístico. Lo...

Song Machine, Season One: Strange Timez Song Machine, Season One: Strange Timez
DiscosHace 2 meses

Gorillaz – “Song Machine, Season One: Strange Timez”

Lo de Gorillaz siempre ha tenido que ver con dar vida a un espacio donde las cosas pueden ser llevadas...

Vökudraumsins Fangi Vökudraumsins Fangi
DiscosHace 2 meses

Auðn – “Vökudraumsins Fangi”

Islandia es tierra mágica en cuanto a creación artística. Con una población que bordea los 400 mil habitantes y paisajes...

Publicidad
Publicidad

Más vistas