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Mejores discos internacionales 2020 Mejores discos internacionales 2020

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Mejores discos internacionales 2020

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Se termina un año extraño, vertiginoso en todo sentido, pero que, pese a cualquier adversidad, supo mantener una chispa de esperanza a través de uno de los principales motores de emociones que tenemos como seres humanos: la música. Cuando la pandemia borró la música en vivo sin previa advertencia, la sensación de incertidumbre respecto al futuro de los artistas discográficamente hablando fue algo que poco a poco logró derribarse, gracias a una serie de trabajos destacados que fueron apareciendo en el camino, donde un elemento común se logró identificar en cada larga duración, independiente de su estilo musical o país de origen. Todos, de alguna u otra forma, abordaron procesos y temáticas desde una mirada más humana y reflexiva, muy a tono con el mismo ejercicio contemplativo de la realidad y el entorno que cada uno ha atravesado este año.

Fueron muchos los artistas que este año entregaron obras donde las emociones humanas se expresaron mediante la música, logrando trabajos que trascienden la experiencia de escuchar un disco a mantener un análisis interior. Desde el reflexivo confinamiento al que invita Nine Inch Nails con su “Ghosts V-VI”, la dura mirada de Run The Jewels con “RTJ4”, el siempre presente mensaje de unidad de IDLES con “Ultra Mono”, la revolución sonora de Code Orange y “Underneath”, hasta la genialidad de Fiona Apple con su magistral regreso en “Fetch The Bolt Cutters”, todos estos discos comparten el deseo de avanzar hacia un panorama más positivo, ya sea artístico o humano. Ahora que estamos finalizando un año sin terminar del todo este complejo período pandémico, la música más que nunca se transforma en el acompañamiento perfecto para seguir avanzando.

Para el desarrollo de esta lista se consideraron discos que fueron publicados entre el día viernes 6 de diciembre de 2019 y el viernes 27 de noviembre de 2020, con el equipo de HumoNegro ejerciendo un riguroso proceso de escucha y calificación de aquellos trabajos, los que finalmente derivaron en esta lista con los 50 más destacados de este año. Sin más introducción, y esperando que este artículo sirva como una guía a los trabajos más importantes de este año, a continuación los dejamos con nuestra lista de mejores discos internacionales 2020.

  • Si quieres escuchar los álbumes, haz clic en la imagen de cada uno.

“SAWAYAMA”

Rina Sawayama

Ambiciones colosales y sin límites son las que inundan el primer LP de Rina Sawayama. Una obra monumental en su vastedad, y también desde los choques de estilos cuyas huellas conforman un álbum listo para ser descubierto. Con alma pop, Rina va probando desde nü metal hasta soul, pasando por R&B, orquesta, sintetizadores y más, cantando del consumismo, de lo político en la reivindicación de la identidad individual o de cómo la amistad permite evitar caer en el egoísmo capitalista y desesperanzado. “SAWAYAMA” es pop, pero su actitud y fuerza son universales. Con canciones pegajosas y corajudas, la invitación es a leer entre líneas y, por qué no, a bailar como si nadie estuviera mirando.


“Brave Faces Everyone”

Spanish Love Songs

Hay discos que golpean desde todas las direcciones, que agarran el malestar y la rabia de una generación completa para escupirnos en la cara un trabajo excepcional y profundamente honesto. “Brave Faces Everyone” cumple todas esas premisas. Y es que el tercer larga duración de los siempre pasionales Spanish Love Songs utiliza el desamor, la hostilidad social y las injusticias del mundo para encontrar la mejor versión de ellos mismos, logrando revalidarse como una de las bandas que mejor ha entendido el emo en los últimos años. El resultado es un disco creado a corazón abierto, cargado de guitarras intensas que suenan especialmente urgentes en este año tan atípico y complejo.


“Every Bad”

Porridge Radio

El nuevo disco de Porridge Radio es un tanque de oxígeno para la camada indie rock británica, ya que confirma que el cuarteto de Brighton es una banda en plena ebullición y que su líder, Dana Margolin, puede convertirse en una de las grandes compositoras de su generación. El segundo LP de las inglesas es un trabajo que destaca por una descarada actitud post adolescente, la que se refleja en la intensidad de su instrumentalización y cómo esta camufla el desgano de su propuesta. Lo anterior no quiere decir que sus piezas sean flojas, sino que logran transmitir a la perfección el sentimiento generalizado que hay en la juventud actual: querer comerse al mundo, pero sabiendo que el mundo es quien los devora.


“Rejoice”

Tony Allen & Hugh Masekela

Uno de los golpes más duros de este 2020 no tuvo nada que ver con la pandemia: en abril de este año maldito, el gran Tony Allen dejó este mundo para transformarse en polvo cósmico. Aun así, el baterista nigeriano dejó como último testimonio “Rejoice”, un disco que ve la luz gracias al trabajo arqueológico del productor Nick Gold, quien rescató unas grabaciones de 2010 en las que el hombre encargado de las percusiones en Afrika ’70 se juntó con Hugh Masekala, otro mito de la escena, para armar el esqueleto de este trabajo que destaca por su sonido afrobeat y swing-jazz, fusionando a la perfección la sensibilidad de ambas leyendas. Un cierre hermoso y fraternal para una historia única.


“Been Around”

A Girl Called Eddy

Tras largos 16 años, el proyecto de Erin Moran vuelve con un álbum cargado al pop, y una muestra más sentimental y orgánica. Con sus guiños a unos Carpenters modernos –o más acorde a nuestros tiempos, como Weyes Blood–, A Girl Called Eddy asoma en esa línea incorporando guitarras, con una estructura más de pop de autor, emotiva, pero dinámica; con vientos y pincelazos de country, soul y jazz. Versátil, pero no sobrecargado; sencillo y atractivo. “Been Around” no siente el paso del tiempo, sino que se fortalece gracias a los elementos que es capaz de mezclar. Si bien, A Girl Called Eddy es un proyecto esporádico y de nicho, bien vale la pena esperar por un trabajo que no se llena de adornos, sino que trabaja la simpleza.


“God Has Nothing To Do With This Leave Him Out Of It”

Backxwash

Ashanti Mutinta ya tenía un tiempo vestida de figura promisoria, sin embargo, nada hacía presagiar que este sería el año en que finalmente “Backxwash” terminaría por salir del circuito under para arrasar con todo. Los veintidós minutos de este trabajo son una verdadera aplanadora. La claridad en el concepto, el fantástico uso de los samples (con Black Sabbath y Led Zeppelin incluidos) y la maravillosa fusión de horrorcore con el más crudo, directo y contundente rap, hacen de este álbum un capítulo imperdible. Este es de esos discos que obligan a volver a escucharlos, básicamente porque hay tantas cosas pasando en un período tan corto de tiempo, que es casi imposible pretender atraparlo todo en una sola una vuelta.


“Deep Down Happy”

Sports Team

El debut de los británicos parece sacado de otra época. En un año marcado por la desgracia, el sexteto se despacha un álbum que en lo musical es ridículamente melódico y contagioso, mientras que en las letras juega a reírse de todo lo posible sin perder nunca el ritmo. Sin duda, emparentados con el sonido inglés de fines de los noventa y comienzos de siglo, la propuesta del conjunto apuesta todo a la contagiosidad de sus ganchos y al innegable carisma de Alex Rice en los vocales, que, como buen inglés, en más de un momento rememora el hiperquinético estilo de Mick Jagger. Cautivadores y tremendamente entretenidos, “Sports Team” llega a darle luz a una escena por momentos excesivamente cargada a las sombras.


“Straight Songs Of Sorrow”

Mark Lanegan

Pocas veces se ha visto a Mark Lanegan tan reflexivo como en este trabajo, el que recoge inspiración (y sirve como una especie de banda sonora) en “Sing Backwards And Weep”, memorias de su vida también publicadas en 2020. Esta obra aborda desde una mirada introspectiva los pasajes más recónditos de la vida de Lanegan, tanto personal como musicalmente, ya que, si bien las letras se encargan de repasar sin tapujos algunos episodios de su agitada vida, el aspecto musical también desarrolla un repaso por los diversos estilos que el solista ha abordado en su discografía. Crudo, escalofriante y complejo, un hombre mirándose al espejo y relatando en primera persona los ángeles y demonios de su paso por este mundo.


“Petals For Armor”

Hayley Williams

Tomando un aventurado salto hacia una carrera solista, la frontwoman de Paramore no escatima en creatividad y honestidad, con un disco que captura la esencia principal de su voz y la especial manera de interpretar que tiene en el escenario. Muy en la línea del polarizado último LP de su banda principal, el debut solista de Williams recoge un puñado de todas las influencias musicales de su vida para transformar en arte todos los malos pensamientos de un período tan oscuro como la depresión, mediante un ejercicio catártico que se rige por el deseo de volver a florecer y comprender la importancia del autocuidado, algo que nunca está demás en un mundo tan deprimente como en el que vivimos actualmente.


“The Archer”

Alexandra Savior

El crecimiento artístico de Alexandra Savior fue una de las primeras sorpresas que entregó el año. En su segundo disco, la originaria de Portland se desprende de la tutoría de Alex Turner para tomar las riendas de un trabajo donde ella es la mente protagonista, tanto del repertorio como de su intención estética. Con canciones que se sitúan en la nostalgia y los sentimientos agridulces de las relaciones amorosas, Savior compone relatos que cargan con una impronta íntima, todos sutilmente acompañados por la calidez de su voz y una instrumentación igualmente plácida, aportando coherencia a un trabajo que fluye con suavidad. Con una atracción hipnótica, “The Archer” es un pie firme en su naciente carrera.

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Rompan Todo: La Historia del Rock en América Latina

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Rompan Todo

Abarcar un territorio desde las manifestaciones artísticas es un desafío gigante. De las dificultades de ese proceso no se ha librado “Rompan Todoː La Historia del Rock en América Latina”, un ambicioso proyecto impulsado por Nicolás Entel, Picky Talarico, Iván Entel y el músico y productor Gustavo Santaolalla, que en seis episodios (totalizando casi cinco horas de contenido) va entregando cronológicamente énfasis sobre momentos claves para el rock en este continente.

La crítica ha sido dispar, con algunos alabando el esfuerzo o agradeciendo las emociones que gatilla esta sucesión de escenas, y otros apuntando a lo que falta y, más aún, a quiénes faltan y de dónde son. Una persecución que pone la lupa en personajes y países ausentes, en una dinámica que, en el juego de inclusión y exclusión que implica necesariamente el acto de editar un producto audiovisual, resulta invariablemente fútil. Una obra de este carácter debe ser mirada con la perspectiva que se intenta entregar, que es mostrar la evolución histórica del rock en Latinoamérica, y ahí hay un concepto clave: evolución. Pero en “Rompan Todo” hay una disparidad importante respecto al avance mostrado, ya sea en los conceptos o en el espíritu que los más de cien entrevistados entregan en sus declaraciones.

La miniserie documental es como una mesa coja que jamás logra un equilibrio en lo que ella misma quiere mostrar, situación generada por los dos hemisferios que pujan por ser el centro de la atención. Por un lado, está el mercado más grande en términos numéricos, el mexicano, donde el éxito es cuantioso cuando existe, y por otro está el argentino, que no es tan vasto en ventas o población, pero que con el correr de los capítulos tiene otro tipo de éxito, uno más importante. En México los sucesos siempre van en una lógica que se va repitiendo: se habla de políticos corruptos, de cómo los músicos tratan de preservar una identidad mexicana, y cómo alguien encontró algo nuevo para ser éxito con las masas. Desde esa triada, este polo no evoluciona. Las consignas se repiten, cansinamente, y la complacencia con este mercado tan enorme es tal, que este es el único territorio donde la mayoría de los entrevistados tiene impacto local y no continental. Café Tacvba, Molotov o Maná escapan a ello, pero el resto del tiempo –que no es poco– la cantidad de referentes parece tan ajeno al hemisferio sur, que distrae.

En este lado del continente la reflexión es mayor, y también lo son las terribles circunstancias de dictaduras y asesinato de artistas. Es cierto que Argentina ocupa la mayor parte del tiempo, pero su gravitación en el escenario internacional es justificada en el relato, incluso con la presentación de figuras claves que emigraron desde el país trasandino para innovar en el resto de Latinoamérica. Ahí existe un énfasis de evolución entre la colaboración y la intención de influir en el crecimiento musical de bandas de muchos países. Además, la carga de figuras que cruzan las décadas, como Charly García o Gustavo Cerati, es importante y se va ahondando en el camino. No es una consigna al aire con alguien diciendo que es talentoso: eso se ve y se siente en el relato audiovisual.

En medio, casi como transiciones, están los casos de otros países, con figuras como Los Prisioneros, La Vela Puerca, Los Saicos o Aterciopelados, pero son minutos frente a las horas dedicadas a México y Argentina, donde la disposición ágil de escenas permite entender el frenesí del choque entre las ganas de hacer música y decir algo, y las dificultades que ponen las situaciones particulares en cada uno de los países. Por ello es tan impactante la gravitación por lugares comunes que sobresalen desde el lado mexicano del montaje, en contraposición a la épica más profunda que emana desde Buenos Aires. Es cosa de ver la comparación más fallida: Maná y Soda Stereo. A Maná incluso se le transforma en chiste, pero se justifica con el éxito; en cambio en Soda Stereo es la calidad lo que se pone como factor fundamental. El cuidado entre unos y otros es diferente, incluso cuando el objetivo de plantear figuras masivas de cada país parece ser el mismo.

Un problema grave es la inequidad de género, que apenas es tocada por Andrea Echeverri en frases sentidas donde habla de las dificultades de ser la única mujer por mucho tiempo en el rock colombiano, mientras Héctor Buitrago se ríe, como bajándole el perfil. Las mujeres en el relato pueden ser contadas con los dedos de las manos, y su lugar es terciario. Sólo un montaje cerca del final, donde se muestran muchas más figuras, da a entender que podría existir una nueva temporada o serie sobre ellas. Eso sería muy bueno, pero al menos en estos seis episodios esa es la verdadera deuda pendiente, más que países o nombres en particular.

Un detalle final viene de los dos entes más reflexivos de la serie completa. David Byrne es (casi) el único hablante anglosajón del documental y, sin embargo, sus declaraciones son más elocuentes y las que mejor resumen el panorama general del continente completo. Son los únicos espacios de unión real, junto con Soda Stereo y Gustavo Santaolalla, productor ejecutivo y piedra angular de múltiples escenas y discos fundamentales (y el más mencionado en la serie), desde Molotov hasta León Gieco, pasando por Jorge González, Julieta Venegas o La Vela Puerca. La presencia de Santaolalla es clave, pero el montaje descuida el equilibrio, generando un ruido innecesario que enloda al otro personaje que es capaz de trazar las líneas transversales de una historia que, fuera de esos dichos, se queda en polos separados, con evoluciones dispares. No hay que desconocer el trabajo arduo tras una miniserie como “Rompan Todo”, pero también vale la pena tener perspectiva respecto a cómo se aprovechan estos, los exiguos espacios que tiene la música en la plataforma que sea.


Título Original: Rompan Todoː La Historia del Rock en América Latina

Director: Picky Talarico

Duración: 295 minutos

Año: 2020

Plataforma: Netflix


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