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Los 20 mejores discos de 2012

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El equipo de colaboradores de HumoNegro se dio a la tarea de escuchar los discos lanzados en 2012 y analizarlos con la mayor objetividad posible. Nos demoramos, es cierto, pero quisimos ser muy rigurosos y, además, ser justos con los lanzamientos de fin del año pasado.

El proceso implicó seleccionar –de un gran número de álbumes- cincuenta trabajos pre-finalistas; luego se votó con un sistema de puntajes, y se llegó al resultado final con estos primeros 20. A continuación, el listado ordenado del 20 al 1, cada uno argumentando su sitial en esta selección. También añadimos una mención honrosa para discos que, por puntaje, no lograron entrar al ránking, pero que consideramos necesario, al menos, incluirlos por su legado intrínseco. Esperamos que les guste, y si no es así, ojalá genere un debate con bases y fundamentos.

 

WRECKING BALL20)

Bruce Springsteen

“Wrecking Ball”

Este disco marca el retorno de Bruce “The Boss” Springsteen a los lugares de privilegio en las listas especializadas alrededor del mundo, y la clave de su éxito radica principalmente en el fuerte contenido político y social de su música. Si bien es cierto no estamos en presencia del mejor álbum del nativo de Nueva Jersey, sí podemos aseverar que esta nueva placa representa el renacer de uno de los grandes ídolos norteamericanos, incorporando a su estilo clásico algunos matices de sonido pop, con abundante presencia de efectos y samples. Quizás en una primera revisión el cambio podría parecer demasiado drástico, pero a la larga termina por transformarse en una de las piezas destacadas dentro de la fructífera discografía del artista.

 

YELLOW AND GREEN19)

Baroness

“Yellow & Green”

Si te dicen que este disco es de metal, es difícil que lo creas. La paleta de estilos que manejan los norteamericanos de Baroness es tan amplia y el cuidado con las canciones es tanto, que el tránsito desde la potencia de un riff furioso hacia la belleza de un sonido más ambiental, ni se nota. Además, nunca es fácil mantener de tal forma la coherencia en un disco doble con tanto aplomo.

 

FREAK PUKE18)

The Melvins

“Freak Puke”

Buzz Osbourne hace gala de su poder de reinvención musical con la última entrega de The Melvins, ahora en formato “Lite”, junto a los músicos Dale Crover y Trevor Dunn, despachándose un disco que contiene el factor enigmático característico de los norteamericanos, plasmado en melodías rockeras y bluseras, que terminan por conformar una escucha “amigable” para los recién iniciados en el universo mutante de The Melvins.

 

BLOOM17)

Beach House

“Bloom”

Cuando tu música es “bonita”, mucha gente echa todo lo que haces a un mismo depósito. Eso es lo que a muchos les pasa con Beach House, lo que les impidió notar la audacia y fortaleza de “Bloom”.  El cuarto álbum de los de Baltimore es más potente, más emotivo y más profundo en la dinámica del dream pop de Victoria Legrand y Alex Scally. En este caso, las guitarras cíclicas de Scally y los teclados de Victoria, consiguen hurgar en las emociones sin dejar de lado la belleza de su sonido. “Myth”, “Wild”, “Lazuli”, “Troublemaker” o “On The Sea”, son ejemplos del crecimiento de una banda que se expande pese a seguir una misma senda sonora. El mejor ejemplo de reinvención sin renunciar a la propia esencia.

 

SHIELDS16)

Grizzly Bear

“Shields”

Las texturas dominan el sobresaliente cuarto álbum de los de Brooklyn, que antes se habían caracterizado por una cuidada estética instrumental, la cual matizan en “Shields” con sólidas composiciones, sin abandonar la vocación pop ambiental que había acompañado sus anteriores registros. Con un sonido un poco más sucio, como en la notable “Yet Again”, Grizzly Bear golpea la mesa y deja muy claro que ahora lo importante son las canciones, y vaya manera de hacerlo ver con diez tracks en sintonía, pero llenos de diferencias, y con las ambiciones un poco más controladas, sabiendo que la música debe hablar por sí misma.

OCEANIA15)

The Smashing Pumpkins

“Oceania

Ya no es la misma banda que en su época dorada, pero Billy Corgan se ha encargado de mantener con vida al estandarte de The Smashing Pumpkins, esta vez, entregando el LP que ha retornado al sonido que los hizo famosos, con un disco que no deja de lado las ambiciones del calvo líder, pero que ha logrado dar en el gusto a los fanáticos más acérrimos que pudieron volver a sentir la esencia de la calabaza como no lo hacían desde los ’90.

 

Django Django14)

Django Django

“Django Django”

Uno de los debut más sorprendentes del año, y ciertamente más aclamado. Los escoceses de Django Django ofrecen arty rock plagado de sonidos africanos, psicodelia, y electrónica. Fusión musical, world music, y electropop sintetizados en los singles “Waveforms”, “Hail Bop”, “Storm” y la sorprendente “Default”.

 

 

All We Love We Leave Behind13)

Converge

“All We Love We Leave Behind”

El regreso de los muchachos de Massachusetts, tras “Axe To Fall” (2009), sigue pavimentando la historia de un género que la banda definió hace más de dos décadas. Mezcla de noise, metal y hardcore punk, en “All We Love We Leave Behind”, Converge continua siendo la mejor versión de sí mismo: desesperación, caos, intensidad y desesperanza; traducida a la voz de Jacob Bannon.

 

Blues Funeral12)

Mark Lanegan

“Blues Funeral”

Mark Lanegan, una de las leyendas de la época del grunge, volvió a las pistas en solitario luego de ocho años, con su séptimo álbum “Blues Funeral”. Un disco con un clima más electrónico. La sensibilidad de un artista que por años ha sido reconocido como un tipo rudo, envuelto por letras de profundo amor, pero siempre con ese tinte tenebroso. Por “Blues Funeral”, pudimos ver a Lanegan en vivo en Santiago el 2012. Un disco complejo y de diversas aristas.

 

Clockwork Angels11)

Rush

“Clockwork Angels

La principal razón por la cual Rush sigue cautivando y sorprendiendo a sus fanáticos tras veinte álbumes de estudio en el cuerpo, es la honestidad con que afrontan el proceso de plasmar en un disco su forma más íntima de percibir y vivir la música. “Clockwork Angels”, a pesar de fundamentarse sobre la impronta característica del trío canadiense, deja la agradable sensación de moverse sobre matices totalmente renovados. Un disco más melódico que su predecesor, pero que no abandona su tendencia al hard rock progresivo, tornándose fácilmente digerible al hacernos partícipe de un viaje conceptual plagado de misticismo y sensibilidad.

 

House Of Gold And Bones, Part 110)

Stone Sour

“House Of Gold And Bones, Part 1”

No son muchos los artistas que se atreven a mezclar varios estilos dentro de un mismo álbum, y es precisamente este atrevimiento el que encumbra a esta placa como una de las más destacadas del año, logrando la mixtura perfecta de canciones potentes y rockeras, con melodías sensibles y pausadas. No sería para nada arriesgado afirmar que este trabajo es el más completo de toda la discografía de los oriundos de Iowa.

 

I BET ON SKY9)

Dinosaur Jr.

“I Bet on Sky”

Que difícil debe resultar mantenerse vigente durante tantos años de trayectoria sin tener que transar la esencia, y es precisamente en este contexto que radica la importancia del último álbum de Dinosaur Jr., quienes no han sucumbido a la tentación de reinventarse, muy por el contrario, se mantienen firme en su convicción de hacer cada vez más propio el estilo noise rock que tan buenos dividendos les dio en la década de los ochenta. Con “I Bet On Sky”, el trío norteamericano ratifica que la fórmula clásica, estructurada en base a secuencias potentes y llenas de distorsión, nunca pasara de moda.

 

SWING LO MAGELLAN8)

Dirty Projectors

“Swing Lo Magellan”

Si bien David Longstreth había armado grandiosos álbumes con sus Dirty Projectors, ninguno tenía la intención de llegar a un público masivo, o por lo menos eso era lo que más se le criticaba. Pero 2012 trajo novedades. Angel Deradoorian no participó de la grabación del sexto álbum de la banda, y luego “Swing Lo Magellan” sale a la luz y resulta ser el más accesible de todos los que hayan sacado antes. El acercamiento al pop es evidente, pero también la mantención de una forma de sonar, con percusiones llenas de matices y voces al borde de la perfección armónica.

 

TEMPLARS IN SACRED BLOOD7)

John Zorn

“Templars: In Sacred Blood”

El nuevo disco de Moonchild, el proyecto dirigido por John Zorn e interpretado por Mike Patton, Trevor Dunn, Joey Baron y John Medeski, se instala como uno de los lanzamientos más relevantes de 2012, entregando un disco que nos instala en la época de los Caballeros Templarios, en un recorrido oscuro y grandilocuente, donde destaca el gran desempeño vocal de Mike Patton, capaz de sorprender a propios y extraños, en un álbum donde la imaginería de John Zorn logra traspasar el plano musical, recreando imágenes que van de lo épico, a lo siniestro.

 

jackwhite_blunderbuss6)

Jack White

“Blunderbuss”

Jack White se atrevió por primera vez a firmar un trabajo completamente en solitario luego de su exitoso paso por The White Stripes, The Raconteurs y The Dead Weather. Con “Blunderbuss”, el oriundo de Michigan demuestra que su capacidad compositiva es aún fértil, y valiéndose de sonidos clásicos de blues, rock, y folk, nos entrega un disco bastante completo, que nos traslada a una cantina del viejo oeste americano, con momentos cumbres con la radial “Love Interruption” o remezones garage con “Freedon At 21”, para terminar con la emoción y sentimiento de “On And On And On”.

 

HEAVEN5)

The Walkmen

“Heaven”

Ya lo decía Bastián García en su review del show de los neoyorkinos en la ex Oz, Hamilton Leithauser destila sudor y elegancia en su interpretación. El resto de la banda también deja todo en escena sin perder el sonido rockero potente y depurado que ha evolucionado, igual que ellos mismos. Más de una década en la escena se notan y las experiencias de vida se traspasan a un álbum que tiene sus mejores momentos en la delicadeza de los matices (como en la sobrecogedora “We Can’t Be Beat”) o en la crudeza de la potencia (“Heartbreaker”, “The Love You Love”). “Heaven” es un testimonio de la madurez de un grupo de amigos que ahora son una familia y en cómo esa consistencia es capaz de traspasarse a un sonido único y particular.

 

LONERISM4)

Tame Impala

“Lonerism”

Con “Innerspeaker” (2010) irrumpieron en grande, pero su reinvención del rock psicodélico de inicios de los ‘70 podía llegar más lejos y así fue. En “Lonerism”, Kevin Parker –compositor de todas las canciones y quien toca todos los instrumentos en el disco- denota su voracidad por lograr retratar a su modo una época pasada como pocos lo logran: con verdadera identidad. No sólo regaron de reminiscencias nostálgicas sus canciones, sino que también lo hicieron con mayor audacia y sentido de álbum. “Lonerism” es un viaje sonoro como pocos, desde la intro con “Be Above It” hasta los dos minutos finales de fanfarria de “Sun’s Coming Up”, pasando por singles innegables como “Elephant”, canciones elegantes y complejas como “Apocalypse Dreams” o delicias como “Feels Like We Only Go Backwards”.

 

CELEBRATION ROCK3)

Japandroids

“Celebration Rock”

En el mundo de hoy el rock es algo cada vez más difuso. Los estilos se mezclan y la pureza es símbolo de conservadurismo, pero a los estadounidenses de Japandroids esto no les interesa, y siguiendo un patrón claro (discos de 8 canciones y alrededor de 35 minutos de duración) han armado su camino a punta de una guitarra, una batería y una actitud rockera sin parafernalias fingidas. “Celebration Rock” es la consolidación de su propuesta, en un álbum que a través de tracks como “Fire’s Highway” o el gran single “The House That Heaven Built”, llevan un sonido que con simpleza arma melodías fuertes, que tienen el puntal de su crecimiento en las sutilezas.

 

THE IDLER WHEEL2)

Fiona Apple

“The Idler Wheel Is Wiser Than The Driver Of The Screw And Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do”

De la nada se supo que trabajaba en un disco y que lo sacaría a mediados de año. Sale y, lejos de la sobreproducción de “Extraordinary Machine” (2005), Fiona logra un álbum completamente acústico que suena con más matices que ningún otro que haya hecho. Con piano, guitarra y percusiones consiguió un sonido limpio, donde las composiciones son potentes, inteligentes y llenas de sangre. Partiendo con la sensible “Every Single Night” y terminando con la tribal “Hot Knife”, el trayecto es análogo, incluso con una pausa en la mitad del disco, como escuchando un vinilo. “Left Alone” es una muestra tremenda de su registro vocal, mientras que “Anything We Want” debe ser la canción más positiva compuesta por la neoyorkina. Todo un lujo que reafirma que ningún avance tecnológico es más potente en la creación artística que la creatividad humana.

 

IN OUR HEADS1)

Hot Chip

“In Our Heads”

Ningún disco capturó mejor el pop bailable en 2012 que este, no por lo innovador o lo popular del registro. Tampoco por trabajar con David Guetta o tener un video viral con el “paso del caballo”. Lo de Hot Chip es simplemente calidad y un balance preciso entre lo lúdico y lo sencillo. Las letras en “In Our Heads” muchas veces parecen simples, pero es parte de la necesidad de los ingleses de dejar en claro que se puede estar triste, abandonado, hiperventilado o feliz, pero que al final, en una pista de baile o en un escenario, todos pueden ser parecidos. “Flutes” y “Always Been Your Love” son los extremos de un disco pop que, como pocos, se hace respetar track por track.

Menciones Honrosas

NoctourniquetResulta innegable que para poder evaluar la calidad de un álbum se debe analizar la placa como un todo, más que centrar la revisión en cada una de las piezas que lo componen, sin embargo, tampoco se puede obviar la importancia que tiene el single, ya sea a modo de carta de presentación, como también de incentivo para escuchar el resto del disco, y es precisamente de este punto que adolecen los últimos trabajos de los tejanos de The Mars Volta y del legendario Slash, con “Noctourniquet” y APOCALYPTIC LOVEApocalyptic Love”, respectivamente, álbumes que a pesar de reflejar una positiva evolución respecto a sus predecesores y estar muy bien estructurados desde el punto de vista técnico, no cuentan con esas gemas que trascienden un disco y que en cierta forma identifican a un artista. Este elemento conspira en contra de estos dos grandes trabajos, siendo quizás la única razón por la cual no ocupan un lugar dentro de lo más destacado del año. Otros de los grandes ausentes en el ranking, son KOI NO YOKANDeftones y Soundgarden. Los primeros, con su “Koi No Yokan”, logran expandir lo presentado en el excelente “Diamond Eyes” (2010), despachándose un disco remarcable, pero con la sensación de ser un trabajo continuista, por lo que la “novedad” de propuesta y sonido que significó la llegada de su sexto larga duración, no es la misma con este nuevo disco, y aunque es un gran trabajo, no alcanzó la puntuación necesaria para ocupar un lugar en nuestro ranking. Soundgarden por su parte, regresó a las KING ANIMALpistas luego de 16 años de silencio discográfico, con su sexta placa que lleva por nombre “King Animal”. No se puede negar que el retorno suena sólido y posee el sello inconfundible de los norteamericanos, pero pudo haber sido mucho más, y Soundgarden se queda fuera del ranking a la espera de que esta reunión madure y nos entregue el trabajo que haga justicia al nombre de la banda y su legado.

Por Manuel Toledo-CamposSebastián ZumelzuGustavo InzunzaPamela CortésJulio Ortúzar y Bastián García. Ahora más peleados que antes.

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Rompan Todo: La Historia del Rock en América Latina

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Rompan Todo

Abarcar un territorio desde las manifestaciones artísticas es un desafío gigante. De las dificultades de ese proceso no se ha librado “Rompan Todoː La Historia del Rock en América Latina”, un ambicioso proyecto impulsado por Nicolás Entel, Picky Talarico, Iván Entel y el músico y productor Gustavo Santaolalla, que en seis episodios (totalizando casi cinco horas de contenido) va entregando cronológicamente énfasis sobre momentos claves para el rock en este continente.

La crítica ha sido dispar, con algunos alabando el esfuerzo o agradeciendo las emociones que gatilla esta sucesión de escenas, y otros apuntando a lo que falta y, más aún, a quiénes faltan y de dónde son. Una persecución que pone la lupa en personajes y países ausentes, en una dinámica que, en el juego de inclusión y exclusión que implica necesariamente el acto de editar un producto audiovisual, resulta invariablemente fútil. Una obra de este carácter debe ser mirada con la perspectiva que se intenta entregar, que es mostrar la evolución histórica del rock en Latinoamérica, y ahí hay un concepto clave: evolución. Pero en “Rompan Todo” hay una disparidad importante respecto al avance mostrado, ya sea en los conceptos o en el espíritu que los más de cien entrevistados entregan en sus declaraciones.

La miniserie documental es como una mesa coja que jamás logra un equilibrio en lo que ella misma quiere mostrar, situación generada por los dos hemisferios que pujan por ser el centro de la atención. Por un lado, está el mercado más grande en términos numéricos, el mexicano, donde el éxito es cuantioso cuando existe, y por otro está el argentino, que no es tan vasto en ventas o población, pero que con el correr de los capítulos tiene otro tipo de éxito, uno más importante. En México los sucesos siempre van en una lógica que se va repitiendo: se habla de políticos corruptos, de cómo los músicos tratan de preservar una identidad mexicana, y cómo alguien encontró algo nuevo para ser éxito con las masas. Desde esa triada, este polo no evoluciona. Las consignas se repiten, cansinamente, y la complacencia con este mercado tan enorme es tal, que este es el único territorio donde la mayoría de los entrevistados tiene impacto local y no continental. Café Tacvba, Molotov o Maná escapan a ello, pero el resto del tiempo –que no es poco– la cantidad de referentes parece tan ajeno al hemisferio sur, que distrae.

En este lado del continente la reflexión es mayor, y también lo son las terribles circunstancias de dictaduras y asesinato de artistas. Es cierto que Argentina ocupa la mayor parte del tiempo, pero su gravitación en el escenario internacional es justificada en el relato, incluso con la presentación de figuras claves que emigraron desde el país trasandino para innovar en el resto de Latinoamérica. Ahí existe un énfasis de evolución entre la colaboración y la intención de influir en el crecimiento musical de bandas de muchos países. Además, la carga de figuras que cruzan las décadas, como Charly García o Gustavo Cerati, es importante y se va ahondando en el camino. No es una consigna al aire con alguien diciendo que es talentoso: eso se ve y se siente en el relato audiovisual.

En medio, casi como transiciones, están los casos de otros países, con figuras como Los Prisioneros, La Vela Puerca, Los Saicos o Aterciopelados, pero son minutos frente a las horas dedicadas a México y Argentina, donde la disposición ágil de escenas permite entender el frenesí del choque entre las ganas de hacer música y decir algo, y las dificultades que ponen las situaciones particulares en cada uno de los países. Por ello es tan impactante la gravitación por lugares comunes que sobresalen desde el lado mexicano del montaje, en contraposición a la épica más profunda que emana desde Buenos Aires. Es cosa de ver la comparación más fallida: Maná y Soda Stereo. A Maná incluso se le transforma en chiste, pero se justifica con el éxito; en cambio en Soda Stereo es la calidad lo que se pone como factor fundamental. El cuidado entre unos y otros es diferente, incluso cuando el objetivo de plantear figuras masivas de cada país parece ser el mismo.

Un problema grave es la inequidad de género, que apenas es tocada por Andrea Echeverri en frases sentidas donde habla de las dificultades de ser la única mujer por mucho tiempo en el rock colombiano, mientras Héctor Buitrago se ríe, como bajándole el perfil. Las mujeres en el relato pueden ser contadas con los dedos de las manos, y su lugar es terciario. Sólo un montaje cerca del final, donde se muestran muchas más figuras, da a entender que podría existir una nueva temporada o serie sobre ellas. Eso sería muy bueno, pero al menos en estos seis episodios esa es la verdadera deuda pendiente, más que países o nombres en particular.

Un detalle final viene de los dos entes más reflexivos de la serie completa. David Byrne es (casi) el único hablante anglosajón del documental y, sin embargo, sus declaraciones son más elocuentes y las que mejor resumen el panorama general del continente completo. Son los únicos espacios de unión real, junto con Soda Stereo y Gustavo Santaolalla, productor ejecutivo y piedra angular de múltiples escenas y discos fundamentales (y el más mencionado en la serie), desde Molotov hasta León Gieco, pasando por Jorge González, Julieta Venegas o La Vela Puerca. La presencia de Santaolalla es clave, pero el montaje descuida el equilibrio, generando un ruido innecesario que enloda al otro personaje que es capaz de trazar las líneas transversales de una historia que, fuera de esos dichos, se queda en polos separados, con evoluciones dispares. No hay que desconocer el trabajo arduo tras una miniserie como “Rompan Todo”, pero también vale la pena tener perspectiva respecto a cómo se aprovechan estos, los exiguos espacios que tiene la música en la plataforma que sea.


Título Original: Rompan Todoː La Historia del Rock en América Latina

Director: Picky Talarico

Duración: 295 minutos

Año: 2020

Plataforma: Netflix


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