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Christofer Johnsson de Therion: “Jamás vendí mi alma para ser más exitoso”

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Hace rato que quedó claro que el trabajo de la escena sueca, en cuanto a metal se refiere, ha sido una de los más innovadores y fructíferos dentro del panorama mundial. Dentro de todos los exponentes, Therion destaca como uno de los primeros en fusionar lo más oscuro y extremo del género con arreglos sinfónicos, fórmula que más adelante sería todo un éxito.

De los inicios y la actualidad, hablamos con Christofer Johnsson, miembro fundador que se adentró en las causas de su vigencia y en los factores que han influido en el desarrollo del arte de la banda.

En sólo un par de años más, Therion cumplirá 30 años de carrera, ¿cómo describirías el actual momento de la banda, en términos creativos y en relación a la motivación artística?

Tocar es más divertido que nunca, esa es la parte buena. Nos sentimos muy bien, así que esperamos cumplir aparte de 30, al menos unos 20 años más. Ha sido todo un viaje musical muy largo, donde ni siquiera empezamos como una banda de death metal, lo nuestro era el heavy y el thrash metal, pero evolucionamos hacia el death e incorporamos elementos sinfónicos, música folklórica y así nos transformamos en algo diferente otra vez. Lo entretenido es que Therion fue mi primera banda, nunca tuve otra: cuando tenía 15 años, apenas llevaba tres meses tocando mi instrumento, momento en que fundé el conjunto. Todos los que empiezan bandas han tenido una o dos antes de la agrupación con la que lograron ser exitosos, así que resulta muy impresionante que aquella banda de mierda (risas) que fundé en 1987, cuando apenas podía tocar guitarra, sea aún mi banda.

La mayor parte de la crítica y los fans etiquetaron la música de los comienzos de Therion simplemente como death metal, lo cual considero mezquino, debido a la cantidad de elementos extra que se encuentran en la propuesta de esa época, entre 1985 y 1991. Sin embargo, “Theli” (1996) es diferente en comparación a sus predecesores. ¿Qué recuerdas de ese proceso creativo y qué te hizo dar ese giro?

No creo que haya sido un cambio tan radical en cuanto a la música, sólo la voz cambió bastante. Si tomas las canciones de “Lepaca Kliffoth” (1995) y les agregas voces líricas, la gente habría dicho “oh, el cambio más grande fue  ‘Lepaca Kliffoth’”; con “Symphony Masses (Ho Drakon Ho Megas)”, nuestro tercer álbum, podrías arreglar las canciones de otra manera y la gente habría dicho “oh, este es el momento en que el estilo de Therion cambió”. La gente es muy sensible respecto al “maquillaje”, a cómo vistes a la canción, cómo les haces los arreglos. En el primer disco éramos totalmente una banda de death metal, no hay dudas respecto a eso, pero incluso en ésa época teníamos riffs poco ortodoxos para el estilo, como “Megalomania”, que posee influencias del trabajo de Jimi Hendrix. Hay acordes mayores en algunas partes que de alguna manera resultaban extraños para el estilo, pero, claro, principalmente era un disco de death metal, que a la vez era muy original para la época, porque tal vez la gente podría decir que no lo es debido a que hoy ya todo es muy diverso y colorido, sin embargo, cabe mencionar que en esos días el death era un estilo muy conservador, así que para los estándares del 1991 ese primer trabajo fue muy original, de hecho. El siguiente LP, “Beyond Sanctorum” de 1992, estaba lleno de muchos elementos que eran muy lejanos al death: usamos arreglos de teclado melódicos que ninguna otra banda utilizó en esos días, tal vez hoy sí, pero no antes. Diría que un tercio de ese disco podría contener voces líricas y la gente decidiría si es un estilo u otro, pero la mayor parte de la identidad de Therion es el death metal, indudablemente. En nuestra tercera obra diría que ocurrió el cambio más grande, y se debió a que los miembros antiguos abandonaron la banda y ellos siempre me ponían límites diciendo “esto muy extraño” o “mejor repitamos esto o aquello”. Cuando se fueron –lo cual me entristeció mucho porque me gustaba la relación que teníamos y quería que se quedaran en la banda, pero por diferentes razones se marcharon- quedé solo por completo, pero me conseguí una nueva alineación. Entonces, la parte buena fue que empecé a usar todas esas ideas raras que ellos rechazaron. Así que ese fue para mí el momento del verdadero cambio.

Considerando los días cuando recién eran Blitzkrieg, ¿cómo describirías los sentimientos que tienes sobre el hecho que tu banda aún continúa y están más fuertes que nunca casi treinta años después?

Es increíble y muy extraño que hayamos llegado a alguna parte con nuestra primera banda. En esos grupos nadie sabe cómo tocar y suenas como la mierda, luego se separan y tú formas una agrupación nueva que suena un poco mejor, después pasa lo mismo, llegas a otra, hasta que en algún punto llegas a un conjunto que consigue éxito, si es que eso ocurre. Cuando formamos Blitzkrieg sonábamos más que horrible y nuestra única ambición era aprender a tocar los instrumentos, ni siquiera pensábamos en grabar un demo, sólo queríamos tener algunas canciones propias para ensayar, sólo queríamos tocar música. Así que pasamos de tener esas bajas expectativas, a tener una banda que ha vendido más de un millón de discos y ha tocado en unos cincuenta países por casi treinta años. Es algo espectacular que nunca pensé en conseguir, a pesar de que, claro, en algún lugar de mi cabeza estaba el sueño de convertirme en un músico exitoso y girar por el mundo, aunque era poco realista porque apenas podía tocar mi instrumento. Un año después de eso grabamos un demo, y cuando eso sucede, luego quieres hacer un álbum, después de eso sueñas con hacer giras y ya después tu sueño es vivir de la música. Cada vez pones la vara más alto.

En el álbum “Vovin” (1998) todo parecía calzar justo en su lugar en el momento indicado y preciso para la banda, porque se vendió bien, sobre todo en Europa. ¿Por qué crees que le fue tan  bien a ese disco?

Porque su producción fue impecable y las canciones fueron más accesibles, no comerciales, sino más ambles. Son más fáciles de asimilar. Si lo comparas con “Theli” y con las canciones más antiguas, estas eran más complejas, tenían más secciones. “Vovin”, por su parte, era más melódico y más directo, no diría comercial así como apto para radiodifusión. Aun así, canciones como las de la trilogía “Draconian”, en especial “Morning Star” y “Black Diamonds”, tenían estructuras muy complejas en sus coros que se asemejan a un réquiem o a la música clásica, pero igual son amigables; hasta tu madre podría disfrutar el disco si lo escucha. Esa época fue cuando explotó también la “tendencia sinfónica”, donde Nightwish ayudó a ese estallido y lo convirtió en algo muy grande. Mucha gente compraba el último álbum de la banda más reconocida de ese momento, entonces nosotros también les vendimos muchos discos a esas personas que quizá no eran seguidores de Therion, sólo eran el “metalero promedio” que compra lo que sea popular en el instante, y como nuestro trabajo salió justo en ese momento, obtuvo buenas ventas. Fue un período muy interesante, porque tuve que tomar la decisión de si nos convertíamos en algo parecido a  Nightwish si hacíamos otro álbum igual de accesible, si poníamos a una chica bonita como cara visible de la banda y así grabar muchos videos, lo que nos habría convertido en una banda aún más famosa. Sin embargo, quería hacer algo distinto, así que “Deggial” (2000) fue absolutamente lo opuesto: tiene canciones más largas con partes complejas, como “Via Nocturna…”, que creo es el mejor ejemplo. Tenía sólo canciones fuertes, pero no “hits” como de los que tomarías para hacer un videoclip. No eran temas que la gente silbaría en el auto camino al trabajo o a la casa. Creo que realmente tomé la decisión correcta, así que después de eso hicimos “Secret Of The Runes” (2001), que es aún más complejo con sus voces suecas y sus arreglos, donde no hubo guturales y sólo hubo voces limpias de canto lírico; disco que para el sello fue aún más difícil de vender. Insisto en que hicimos lo correcto, además de que siempre he hecho lo que he querido en la música. Los primeros cuatro trabajos de Therion se vendieron muy mal, sobre todo los tres del comienzo porque el cuarto vendió un poco más, sin embargo, jamás me rendí ni vendí mi alma para ser más exitoso comercialmente, a pesar de que no mejoraban las ventas álbum tras álbum; siempre continué haciendo la música en la que yo creía. Vender mi alma cuando llegó el éxito habría sido lo más fácil, creo que es común cruzar esa línea porque, claro, llega el dinero, la fama y el reconocimiento, pero yo sentí que tenía que probarme a mí mismo en ese punto, porque por su parte el sello presionaba para que hiciera otro “Vovin”, lo que no ocurrió porque finalmente hice lo que yo quise, aunque fuera difícil de vender. Así que me siento muy orgulloso, porque creo que esa es una de las razones principales por la que Therion ha estado vivo y activo por estos casi treinta años. Siempre que hacemos un disco nuevo y tocamos esas nuevas canciones, la gente está interesada realmente en escuchar esos nuevos temas en vivo, porque si nos comparas con bandas clásicas como Motörhead o Saxon, te darás cuenta que nadie quiere oír sus composiciones nuevas de los últimos 20 años y todos quieren escuchar su material clásico de los años ochenta. Es por eso que me siento feliz de que hemos mantenido nuestra creatividad intacta, lo que nos permite hacer discos interesantes todavía.

Considerando la situación actual de la industria musical, ¿qué tan duro ha sido para ustedes asimilar las nuevas reglas del juego?

Nos ha ido bien, de hecho, porque somos una banda antigua. Si tienes 14 discos y lanzas el número 15, en general los seguidores comprarán ese trabajo nuevo para tener la colección completa. La diferencia ocurre cuando tienes esos 15 discos, y nuevos seguidores jóvenes descubren tu banda; sabes que no hay forma de que ellos compren la discografía completa porque la escuchan en Spotify o en algún otro streaming, o derechamente la descargan. Para los antiguos, como nosotros, no es muy distinto como sí lo es para los artistas jóvenes que la tienen mucho más difícil. La verdad es que nos va bien, aunque reconozco que es más complicado que antes, pero nunca a un nivel catastrófico: la gente aún compra nuestros discos y asisten a nuestros shows, así que no es un problema en realidad.

Therion ha dado 9 conciertos en Chile, ¿cómo describirías la relación que la banda tiene con nuestro país?

Creo que es un país muy organizado dentro de América Latina. Cuando giras por Latinoamérica te enamoras de los conciertos porque son muy cálidos y emotivos, especialmente porque la gente ama cantar, y que lo hagan junto a nosotros es fantástico. En el caso de Chile, en comparación al resto del continente y al mundo en general, sabemos que habrá menos inconvenientes técnicos, es más fácil tocar ahí, por lo tanto nosotros y nuestro equipo lo aprecia mucho, nos gusta mucho tocar en su país.

¿Qué pueden esperar los seguidores chilenos de este nuevo formato acústico que presenciarán en esta nueva visita, y cuáles son tus expectativas al respecto?

Hicimos un show acústico de manera profesional en Colombia antes, en el último tour, y obtuvo una muy buena reacción de la gente y nos divertimos mucho haciéndolo, por lo tanto, espero una reacción similar esta vez en Chile. Además les recuerdo que jamás hemos hecho algo como esto hasta ahora, un tour completamente acústico, en nuestros primeros 28 años de carrera, así que esta es toda una oportunidad. Quizá no existan otros 28 años más, así que estoy seguro que la gente lo apreciará como tal.

Estoy seguro de que así será. Gracias por tu tiempo y disposición, Christofer.

De nada y gracias a ustedes también por interesarse en Therion y en el metal. Cuídense, sigan así, y también muchas gracias a nuestros seguidores chilenos por todos estos años de apoyo.

Por Hans Oyarzún

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Phil Collen de Def Leppard: “Siempre hemos querido ser como Queen”

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Phil Collen de Def Leppard

Los dos años y medio que lleva la pandemia, han sido el escenario propicio para que muchos artistas pasen su tiempo en el estudio componiendo música, ante la ausencia de giras y grandes eventos. Ahora, con un regreso de aquellas actividades, muchas bandas están saliendo a la carretera con nuevos discos bajo el brazo y, a la vez, viviendo una especie de segundo aire en sus carreras. Pareciera que ese es el caso de Def Leppard, ya que la agrupación trabajó en secreto y a la distancia durante la pandemia “Diamond Star Halos”, álbum de estudio número 12 y sucesor de su trabajo homónimo de 2015, llegando literalmente en un momento en que nadie esperaba un nuevo larga duración por parte de los ingleses.

El trabajo a la distancia y la manera más relajada de componer canciones fue lo que motivó a la agrupación a desarrollar un disco que, en sus propias palabras, no estaba planificado, resultando en un sonido espontáneo y refrescante, con momentos que capturan su sonido característico, pero, a la vez, llevando sus composiciones hasta otras latitudes. Bajo el contexto de este LP es que conversamos con Phil Collen, histórico guitarrista de la agrupación, que se tomó un tiempo para abordar el proceso de composición de este disco, sus pasatiempos durante la pandemia, su preparación para la próxima mega gira junto a Mötley Crüe, su inspiración en el trabajo de Queen, los recuerdos de su primer y único show en Chile, entre otros temas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Phil, ¿cómo estás?

Estoy genial. ¿Cómo estás tú?

Muy bien, también. Es genial que estemos hablando, quisiera partir preguntándote por los preparativos para el “The Stadium Tour” con Mötley Crüe. ¿Cómo va eso?

Fue muy raro comenzar a prepararnos porque no hemos tocado juntos por un largo tiempo, obviamente. Ni siquiera grabamos en el mismo espacio para este disco, así que fue realmente hermoso poder tocar juntos nuevamente y cantar entre todos, ya sabes, extrañaba mucho esa armonía que logramos con nuestras voces. Estamos listos, practicamos algunas de las nuevas canciones y suenan genial, así que estamos más que preparados. Lo estábamos hace dos años y medio, también (risas).

Genial. Obviamente esta entrevista es sobre el nuevo álbum de la banda, “Diamond Star Halos”, así que quisiera preguntarte un poco sobre el proceso de este disco y su creación durante la pandemia.

Sí, siento que fue mejor hacerlo de esta forma. Cuando estás en un estudio no logras sacar todas tus ideas a flote, en cambio, de esta forma estás mucho más inspirado. Fue principalmente Joe y yo componiendo las canciones juntos; terminamos algunas solamente enviándonos ideas y eso no lo logras en un estudio, donde tienes que esperar que otras personas terminen su parte. Me pasaba mucho eso, a veces grababa mis voces y me faltaba la guitarra, tenía que apurarme, en cambio de esta forma no debí preocuparme de eso. Era como si las canciones se componían solas, no había que forzarlas ni nada. Prefiero este método; de hecho, es mucho mejor, las voces suenan mejor, tocamos mejor, es un proceso mucho más relajado y te permite conservar energías también, lo que es muy importante.

Sí, tengo entendido que este álbum no estaba planeado. Primero trabajarían en un par de canciones, pero luego terminaron siendo más. ¿Decidieron hacer un álbum por la comodidad al trabajar de esta forma o solamente se dejaron llevar?

Lo hicimos por las razones correctas, porque queríamos hacer las canciones que queríamos hacer, digamos. No fue algo así como “tenemos que hacer un disco, pongámonos a componer”, sino que algo más divertido y natural. Siento que dejamos de lado el aspecto de los negocios y nos concentramos más en la libertad creativa, estábamos muy inspirados. Es así como debería ser siempre, creo que trabajamos de una manera más enfocada que cuando vamos al estudio.

Vi en una entrevista que Joe (Elliott, vocalista) te mandaba los tracks y tú los veías al despertar en la mañana, por la diferencia horaria entre ambos. Ahí trabajabas en ellos, se los enviabas de vuelta y él hacía lo mismo. ¿Cuál fue para ti la mejor parte de trabajar con este método?

El hecho de poder hacer otras cosas, de no estar concentrado todo el tiempo en el trabajo. Vivo a unos 15 minutos de la playa, así que durante la cuarentena me levantaba muy temprano e iba a nadar al mar, esta forma de trabajar te permite hacer otras cosas. Tengo un hijo de cuatro años recién cumplidos, así que pude estar más tiempo con él, llevarlo al parque y hacer cosas que no podría disfrutar normalmente. Cuando estás en una situación de trabajar en el estudio, ese tipo de entorno no te permite hacer otras cosas, sólo piensas en eso y no hay más, en cambio ahora podía tomar recesos para leer algo, salir un rato, hacer lo que sea, y eso definitivamente te inspira más.

Quiero que hablemos un poco de la promoción de este disco. Hicieron una página web con las cartas de tarot y estos mensajes de parte de cada uno de los integrantes. ¿Cómo surgió esta idea?

Joe quería incorporar estos conceptos de tatuajes y cartas de tarot, lo que funcionó muy bien con la compañía discográfica y el trabajo con ellos. Alguien del sello sugirió a Joe hacer este tipo de cosas y fuimos discutiendo ideas de ida y vuelta, mientras más pensábamos en esto iban saliendo mejores ideas. En cuanto al marketing, también funcionó muy bien, hay un montón de cosas ocultas que todavía no entiendo bien qué significan, pero seguramente representan ciertas cosas de ciertas canciones (risas). Es algo genial, especialmente para el vinilo: puedes abrirlo y ver todo este arte con un montón de cosas escondidas por ahí, y es genial.

Revisé la página y no entendía cómo funcionaba la verdad, pero elegí tu carta, tú hiciste mi lectura o algo así. La frase que dices es “la verdad comienza a brillar”. ¿Cuál es el significado de eso para ti?

Oh, esa debe ser una línea de alguna letra, ni siquiera recuerdo en qué canción sale para serte sincero. Como dije, hay muchas cosas que todavía estoy descifrando (risas).

Phil, sobre las canciones del álbum quisiera preguntarte por tu favorita, o en la que más te divertiste tocándola o componiéndola.

Todas las canciones en realidad, aunque obviamente hay algunas que me gustan mucho, como “Gimme A Kiss”, es tremenda. Lo que se escucha son el demo de las guitarras, por eso tiene esa vibra tan cruda que me encanta. De hecho, en “Kick” también suenan los demos que grabé. Ambas tienen un tipo de energía diferente, prefiero ese tipo de canciones, especialmente cuando estás en una banda de rock.

El disco tiene un sonido muy ligado a los 70, principalmente a la escena glam rock de la época. ¿Esto fue intencional o algo inevitable debido a sus influencias musicales?

No fue planificado para nada, se dio de esta forma, lo que es genial. Ni siquiera nos dimos cuenta de que tantas canciones estuvieran relacionadas al sonido de ese período en el tiempo hasta mucho después, donde definitivamente notamos que había una tendencia. Por eso lo llamamos “Diamond Star Halos”, es una línea en una canción de T. Rex.

Oh, sí, sabía eso. Hay un momento muy especial en el disco, puntualmente en las canciones “Liquid Dust”, “U Rok Mi” y “Goodbye For Good This Time”, donde la banda suena muy inspirada, manteniendo su sonido característico, pero sonando muy experimentales. ¿Cómo lograron eso estando tan lejos entre ustedes al momento de componer las canciones?

Creo que la idea viene del hecho que siempre hemos querido ser como Queen, quienes suenan completamente así. Freddie Mercury puede hacer una canción como “Bohemian Rhapsody”, pero Brian May te entrega “We Will Rock You”, que son muy diferentes entre sí, pero que igualmente suenan como Queen. “Another One Bites The Dust” fue hecha por John Deacon, o “Radio Ga Ga” por Roger Taylor, y todas suenan como Queen, tienen una identidad muy individual cada una. En el caso de “U Rok Mi” y “Liquid Dust”, yo compuse esas canciones y Joe lo hizo con “Goodbye For Good This Time” y “Angels”, pero cuando los demás interpretan sus partes es cuando se transforma en una canción de Def Leppard. Esto es algo muy inspirado por Queen, es algo que ellos siempre hacen, es algo que tratamos de hacer siempre. Puedes componer algo con una idea muy rara en la cabeza y sólo cuando los demás la tocan se transforma en una canción de Def Leppard. Es algo que pasa también con las canciones donde participa Alison Krauss y canta junto a Joe, sigue sonando como nosotros. Es algo diferente, pero seguimos siendo nosotros.

Phil, esta pregunta es un poco rara, pero necesito hacerla. Cuando el sello me envió el link para escuchar el disco anticipadamente, llamó mucho mi atención el momento en que termina “Goodbye For Good This Time” y empieza “All We Need”. Cuando noté esa transición, realmente sentí como si la primera fuera el final de un lado en un vinilo y la siguiente el inicio de otro…

(Interrumpe) Oh, qué bueno que mencionas esto (risas).

Luego fui a revisar la tienda online de Def Leppard y me enteré de que efectivamente es así, “Goodbye…” cierra el lado B del primer vinilo y “All We Need” da inicio al lado C en el segundo vinilo. ¿Se preocuparon de armar una secuencia especial pensando en el vinilo cuando prepararon el tracklist? Pregunto porque me parece muy curioso, considerando que hoy casi todo se escucha en streaming, o CD también.

Lo hicimos, de hecho. Sabemos que la mayoría lo escuchará en streaming, pero nos enfocamos en el arte del vinilo que para nosotros era muy importante, además de que es nuestro primer álbum doble en ese sentido. Al momento de preparar el tracklist revisamos qué canciones abrían y cerraban cada lado del vinilo, así que es algo que conversamos mucho en este disco. Si lo pienso, nunca habíamos hecho esto antes, así que es genial que te dieras cuenta de eso porque definitivamente formó parte del proceso de creación del disco (risas).

Phil, mencionaste que Alison Krauss trabajó con ustedes en este disco. Entiendo que Robert Plant fue quien les sugirió su participación, ¿no es así? ¿Cómo fue trabajar con ella en el álbum?

No, no fue así. Robert ha grabado con Alison, lanzaron hace poco un álbum y también tienen una gira, pero fue que un día Joe y Robert estaban hablando de sus equipos de fútbol, Sheffield United y Wolverhampton Wanderers, ahí fue que Robert le preguntó a Joe en qué estaba y le comentó que estábamos grabando. Él sabía que Alison es una gran fan de la banda desde hace 30 años, así que de seguro le gustaría escuchar algo de lo que estábamos haciendo, pero Joe le dijo si no sería mejor si cantaba algo con nosotros, y así fue como empezó todo. Le enviamos algunas ideas y ella cantó estas dos canciones, fue algo que se dio muy naturalmente, terminamos de componer y ella después hizo sus partes para que quedara lista.

Entonces no es como que estaban buscando una voz femenina para estas canciones y él les sugiriera que podrían grabar con ella.

No, para nada. Solamente fue algo que se dio casualmente desde una conversación sobre fútbol. Algo muy raro la verdad (risas).

Phil, han pasado más de dos años desde que estamos en esta pandemia, pero ahora todo vuelve poco a poco a la normalidad. ¿Qué tan diferente ha sido prepararse para salir de gira luego de tanto tiempo en casa?

Empecé a prepararme para esto hace seis meses, he estado ejercitando, practicando canto, cantando con la guitarra puesta mientras estoy de pie, cosas así. Lo primero que me pasó fue que el hombro me dolía mucho al estar parado por dos horas tocando la guitarra, lo que es normal, pero ahora estoy más preparado. Comenzamos hace meses a ensayar también, así que va todo marchando bien para salir de gira.

En casi todas las entrevistas que he hecho durante la pandemia, casi todos los entrevistados dicen que dejaron de tocar un tiempo mientras estaban en cuarentena, pero eso, a la vez, les permitió inspirarse después para componer música. ¿Es algo que te pasó a ti o siempre estuviste componiendo y tocando en casa?

Fue lo contrario, de hecho. Con la pandemia empecé a escuchar más música y tocar mucho más, me adentré en muchos períodos y, aunque prefiero escuchar música en vinilo, es muy conveniente meterte a tu teléfono y escribir lo que quieras, lo que sea, y aparecerá música. Ya sea Miles Davis, Stevie Wonder, AC/DC, lo que sea, puedes buscarlo y estará ahí. Estuve completamente inspirado por un montón de música, me sentía muy inspirado a aprender y tocar todo el tiempo.

Phil, hablemos del show de Def Leppard en Santiago. Se cumplirán cinco años desde aquel momento y quisiera saber qué recuerdas de ese día.

Recuerdo que fue el mejor show que hicimos en Sudamérica, el que tuvo la mejor reacción de la gente sin duda, y eso que hacía mucho frio y había una lluvia torrencial. Pero eso no importó mucho, fue un ambiente muy cálido y pasional, yo miraba atónito al público en el estadio y pensaba que era algo maravilloso. Se supone que tocaríamos con Aerosmith, quienes no pudieron ir por una emergencia médica, pero el hecho de que cerráramos fue genial. Aproveché de caminar un poco por Santiago y ver los edificios, su cultura y su gente fue algo muy bonito. No puedo esperar a estar de nuevo allá.

Hubo una gran energía ese día. Yo estaba en la zona de prensa arriba y veía a la gente mojándose en la cancha, pero siempre gritando, cantando y saltando. Estaban encantados de ver a la banda por fin.

Sí, era una energía tremenda. Fue muy contagiosa.

¿Habrá alguna posibilidad de verlos nuevamente por acá?

Sí, totalmente. Estos meses haremos un recorrido por Norteamérica, tocando en Estados Unidos y Canadá, el próximo año iremos a Europa en el verano y en algún momento del año tenemos que ir a Sudamérica, luego Japón, Australia y Nueva Zelanda. No sé exactamente en qué momento iremos, pero es algo seguro, definitivamente estaremos de nuevo por allá.

Eso sería en 2023, ¿no es así? ¿Vendrían solos con su nuevo disco, o quieren traer la gira con Mötley Crüe a la región?

Sí, de ambas formas en realidad. Nos están pidiendo que extendamos esta gira para allá, así que tenemos que ver cómo funciona para mantenerla durante todo este tiempo. Habrá que ver qué pasa, es algo que aún se debe resolver.

Ahora que mencionas esto, el show en Santiago fue el primero de ustedes acá. ¿Cómo es que en todos estos años nadie les hizo una oferta para venir?

Tenían que invitarnos, y los promotores al parecer no estaban interesados. Recuerdo que tocamos en Rio y en Argentina, eso fue en 1997, pero fueron shows en lugares muy pequeños, prácticamente en clubes. Si no íbamos a hacer un tour grande no valía mucho la pena, por lo que teníamos que esperar que nos invitaran a algo más grande, como lo fue aquella vez que estuvimos allá.

Muy bien, Phil, se nos acaba el tiempo. Te agradezco esta entrevista y te doy mis felicitaciones por su nuevo disco, lograron un trabajo muy variado y de mucha calidad. Espero tener la oportunidad de escuchar el vinilo y descubrir todas esas cosas que me comentaste.

Fue un placer, muchas gracias a ti. Si llegas a descubrir todas esas cosas, por favor házmelo saber, ni siquiera yo logro dar con todas aún (risas). Cuídate mucho, nos veremos en alguna oportunidad.

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