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Cevladé: “El arte debe conectarte con la gente, y eso es lo que hago yo”

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Sacó uno de los mejores discos de 2014, el que todavía no es lanzado. Cree que algo malo de la sociedad moderna es el individualismo rampante, pero rapea de lo que siente y ve en primera persona. Lleva más de una década de carrera, pero para muchos su nombre sigue siendo un misterio. Aquí la conversación que tuvimos con Cevladé, el rapero que hace rato está sacando la mejor música del género en nuestro país.

Ya van dos veces desde que me han servido chacareros sin ají. Dos veces”. El indignado Wladimir Espinoza camina por el Parque Bustamante comentando su almuerzo, mientras nos disponemos a conversar de su carrera y de su último disco, “La Casa de Astaire” (2014), uno de los mejores discos lanzados en Chile el pasado año. Wladimir es profesor, pero hace rato no ejerce como tal. Se dedica a la música y, más en específico, al rap bajo el nombre de Cevladé. Nos instalamos a hablar a la sombra de “La Casa De Astaire”, de la situación del rap, y del individualismo en la sociedad chilena de hoy.

El formato de “La Casa De Astaire” es muy interesante porque propone algo distinto para el rap. ¿Cómo se te ocurrió un disco con estas características?

-Nunca me propuse armar un disco de esas características. Simplemente se dio.

CEVLADE 01Cevladé explica que, hace unos tres años, unos amigos armaron una jornada de música en vivo, donde raperos tiraban líricas sobre lo que tocaban ciertos músicos. Ahí conoció a Cristóbal Massis, a Daniel y Gonzalo de Ladenegro4. “Siempre he sido muy estricto con el rap y la fusión, y esas huevadas a mí no me gustan mucho. A pesar de que me considero un tipo bien abierto de mente, en el rap soy bien purista”, enfatiza Wladimir. Pero cuando armó el lanzamiento de “Requiem For A Drink” (2012), nuevamente se juntó con Massis y su banda, “el show salió la raja y ahí se formó la onda para trabajar en el disco que hice ahora, pero nunca me senté y me dije ‘oye, ahora voy a hacer un disco con banda’, sino que naturalmente las canciones me fueron pidiendo cosas”.

Las líricas pueden tener otra vuelta, porque a veces el ánimo de la canción depende del sampler, y aquí podías manejar eso a voluntad. ¿Cómo grabaste el disco?

-El disco se construyó en capas. Por ejemplo, los temas partían de un loop y yo grababa las líricas completas sobre eso, y le pedía al tecladista Felipe que armara algo encima, y con eso algunas de mis líricas ya no servían, entonces tenía que rapear de nuevo, y con ese rapeo se me ocurría meter una parte en guitarra, y le decía a Daniel que grabara algo. Una capa sobre otra hasta el resultado final. Originalmente quería que fuera en vivo, pero por recursos, tiempo y creatividad se dio de forma súper solitaria y grabamos por partes. Luego la pega fue cortar, pegar, mezclar, y todo se convirtió en sampleos.

El arte del disco está dentro de un concepto, así como pasa con muchos de tus discos, donde siempre hay conceptos fuertes e intertextualidad.

-Me gusta hacer eso porque son cosas que la mayoría de la gente reconoce, o que debiera reconocer, entonces me salto la explicación de toda la idea sólo con mencionarla. Con esa idea puedo armar sensaciones o emociones distintas. Con esos guiños de intertextualidad enriqueces la obra, y evitas una explicación larga y latera. Con “Requiem For A Drink” te acuerdas del final de la película (“Requiem For A Dream” de Darren Aronofsky) con las amigas de Sara Goldfarb (Ellen Burstyn) abrazándose con una tristeza increíble. Está eso y la canción que es espeluznante. Ese ánimo ayuda a escuchar el disco, y el disco tiene un mensaje propio, entonces te contextualiza y te posiciona desde dónde escucharlo.

Aunque siempre hay conceptos, en tu música también hay mucha convicción.

-Para que una obra de arte sea convincente y provoque algo, primero debes ver que quien la interpreta sea genuino, real. Hay cosas que yo no entiendo que llaman arte. Ponen un bloque de cemento al medio de la calle y le llaman arte. Para mí eso es congestión vehicular (risas). Creo que el arte debe tener la función de conectar a las personas, de comunicar, y para eso uno tiene que abrir un poco la ventana de lo que le pasa. Eso es lo que yo hago. Claramente, hay límites de lo que uno expone y lo que cuenta, pero creo que nace de esta necesidad de comunicarse y de no sentirse tan solo.

CEVLADE 02Esta necesidad le queda clara a Cevladé con el contacto que tiene con sus fans. “La gente a veces se acerca o me escribe en el Facebook. Sienten que soy su amigo y me cuentan cosas terribles, historias familiares, porque se identifican y se genera un lazo. Yo siento lo que canto, o si no sería cantar por cantar, o por tener mina, o por ser famoso”, indica. Este contacto lo permiten las redes sociales, el principal espacio de difusión para el rap chileno, trabajando desde la independencia, donde el público, según indica el artista, “si les gusta algo te van a dar un like y van a ir a tu concierto. Si buscas en Facebook las fanpage de los artistas de moda y las de los raperos, la cantidad de likes de los raperos es mayor, porque es la plataforma que usamos para difundir nuestra música y estar en contacto con la gente. Además, te garantizo que un concierto de un artista de moda –no los consagrados, pero sí uno con rotación permanente- no llevará más que el de un rapero. Ese es el indicador que vale. No cuántos compran el disco, ven el video o cualquier cosa, sino el que va, el que quiere ir a compartir contigo, el que quiere canciones en vivo, el que paga la entrada, el que se arriesga a salir de su casa en la noche y no tener cómo regresar. Ese es el indicador que vale. Cuando tienes una fiesta que lleva a mil personas, es porque haces bien la pega“.

Muchas veces uno nota que no sólo expresas sentimientos, sino que también una crítica a los principios de mierda que sostienen la sociedad de hoy, como los raperos que se mueven a otros estilos para ganar plata.

Todo el mundo reclama por Penta, Dávalos, los pacos, y no diré que nadie protesta, pero en el día a día igual se cagan los unos a los otros. Viene la micro y la gente se empuja, o las viejas que corren para sentarse. Quieres que te atiendan a ti primero, y estás viviendo para ganar. Vivir no es pelear, pero aquí en Chile siempre pasa eso; es un principio que mueve a muchos con el yo por delante, o la familia, pero igual con el yo por delante. Yo sustento a mi familia, yo soy capaz. Las cosas no se tienen que tratar de uno mismo, y por eso yo rapeo… sobre mí mismo (risas). A mí me gustaría que la gente fuera feliz. De repente uno ve gente con trajes y pinta de exitosos y sabe que no son felices, porque viven para eso, trabajan para tener más plata, y los cabros chicos tienen problemas, y todo. Esa gente me da mucha pena.

Pasa mucho que gente cambia de género para que le vaya bien, más allá de las convicciones, y por eso es valorable lo que tú logras, manteniéndote, dando la pelea. Pero aún así se ve que hay muy pocos espacios para el rap en este caso, al menos a nivel masivo y en los medios más tradicionales.

-En mayo hay un evento para miles de personas, God Level Fest, Enfermos del Rap, Session Maestra, con 4.000 personas. No se dan los espacios para informar todo eso, y como raperos cachamos hace rato que eso no va a pasar y nos hicimos los espacios. Todos los cabros que conozco tienen tiendas, marcas de ropa. Algunos montaron productoras audiovisuales y les va la raja. Otros diseñan y todos trabajan vinculados al hip hop. Ya no necesitamos que venga alguien a enseñarnos algo desde una agencia de publicidad, porque los raperos son publicistas, tienen sus agencias. Ese espacio lo armamos. Mi generación golpeó puertas, pero ahora no: da lo mismo.

Es molesto el rollo de esas personas que se mueven del rap hacia otros géneros, que, para colmo, la gente los asocia como raperos.

-Además que, yo creo, igual debe existir el prejuicio de que los raperos son borrachos o marihuaneros. Huevones pencas, flojos, en las plazas. Más allá de eso, hay un prejuicio con la calidad musical, el no tener estudios; pensar que si alguien toca guitarra es músico, y que por buscar sampleos nosotros robamos música y es penca y no vale. El que samplea tiene conocimientos de música, y el que rapea debe tener harta disciplina. Los raperos que admiro y me gustan tienen un estudio de la rima, la métrica, las figuras literarias, y lo hacen sin saber qué son esas cosas, pero hay un estudio igual. No son estudios formales, no más.

¿Cuáles son los pasos a seguir para ti? Porque en septiembre fue el pre-lanzamiento de “La Casa de Astaire”, entonces, ¿qué pasa con el lanzamiento?

CEVLADE 03-Hay un detalle que resolver, porque quiero hacer una jornada con dos funciones. Será en la SCD de Vespucio el próximo 2 de mayo, y quiero resolver ese tema de la función doble para que vaya más gente. Sería bacán. La idea es armar dos fiestas para compartir con todos.

(ACÁ EL EVENTO EN FACEBOOK PARA ESE LANZAMIENTO)

Cevladé reconoce que en Chile la escena del rap es más fuerte que en el resto de Latinoamérica, pero el esfuerzo viene desde cada rapero. Él mismo debe enfrentar las dificultades económicas de jugársela por un producto elaborado y presentado con esmero, pero tras terminar la entrevista nos dirigimos al metro y Wladimir, Cevladé, el Cevla, va a continuar trabajando, con las convicciones claras y el rap por delante, aunque alguien nuevamente le sirva un chacarero sin ají o le ponga trabas para lograr sus objetivos musicales. Total, son gajes del oficio.

Por Manuel Toledo-Campos

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2 Comentarios

2 Comments

  1. Angel

    02-Abr-2015 en 10:54 pm

    Pedazo de entrevista, en mi corta vida e pasado por harto y la mayoria del tiempo junto a su musica, el meo artista y se nota que cada vez va aumentando el nivel.

  2. Daniela Bahamonde

    03-Abr-2015 en 7:42 am

    Me encanta este profe !!!! Jajajaja tan simpatico y transparente ! Siempre lo escucho cuando voy a trotar… Y lo sigo escuchando cuando llego a la casa si es que no se ha terminado el tema. En serio su musica es necesaria para mi alma. Excelente entrevista. Admiración es lo q siento, me inspira y me hace pensar… Eso me gusta. Felicidades.

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Ángel Mosqueda de Zoé: “Todos estamos aprendiendo y adaptándonos”

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Zoé

Si hablamos de rock alternativo latinoamericano, es imposible no mencionar a Zoé. La banda mexicana ha logrado posicionarse como un referente en el continente, e hitos como el MTV Unplugged de 2011 y un Grammy a Mejor Disco Alternativo Latino en 2019 lo reafirman.

Se esperaba que a estas alturas del año ya estuviese publicado su séptimo álbum, “Sonidos de Karmática Resonancia”, pero la pandemia lo impidió. Aun así, sus dos nuevos sencillos prometen un disco moderno y bailable, siguiendo la línea de su aclamado “Aztlán” (2018). Sobre estas canciones y la actualidad de la banda, conversamos con Ángel Mosqueda, su bajista.

Hola, Ángel, ¿cómo estás?

Hola, Aquiles, bien, ¿y tú?

Bien también, en casa, encerrado.

Está bien eso. Algo estamos aprendiendo todos, por lo menos una cosa.

Quiero comenzar preguntándote por los nuevos singles, “Fiebre” y “SKR”. El sonido se siente muy moderno, pero aun así tiene los elementos característicos de Zoé. ¿Esa dualidad será el estilo de este nuevo disco?

Sí, creo que va por ahí el sonido nuevo. Yo también veo que, aparte de lo futurista, hay algo medio retro, principalmente en “SKR”, donde el coro te lleva a los 70. Nos gusta mezclar esos dos mundos, así que hay un poco de psicodelia, un poco de retro y también futurismo. En las dos canciones los sintetizadores me parecen medio “Blade Runner”, medio Vangelis. Yo no sé si la gente está consiente, pero para mí parte esencial del sonido de Zoé son los sintetizadores, por lo que el resto siempre va variando, aunque estos se mantienen. Creo que lo dices muy bien: es una combinación retro-futuro y lo característico de Zoé.

Por lo que pude averiguar, la idea de “Fiebre” nació de ti. ¿Cómo fueron trabajándola hasta llegar a transformarla en una composición grupal?

Fue una maqueta que hice con Jesús, el tecladista. Tenía una armonía muy simple y era una idea muy Zoé, pero al momento de trabajarla con la banda cambió mucho. Eso es algo que pasa bastante, llegas con una idea y se va transformando. Fue interesante el trabajo porque tuvo una metamorfosis muy clara, de hecho, la idea original ya no se parece nada (risas), pero eso es lo encantador de la música y de tener una banda con tanta gente que tiene un ímpetu creativo. Me pone contento que las rolas agarren caminos diferentes.

En “Fiebre” se habla sobre la relación humano-tecnología, pero creo que también hay mucho de malestar social y del mundo convulsionado en el que vivimos, ¿va por ahí la temática de la letra?

Tal cual. La letra habla de una protesta a muchas actitudes que ha tomado la gente, no solo este año, sino en general. El efecto que tiene la tecnología en nosotros por un lado es excelente, porque es una herramienta increíble para hacer muchas cosas buenas, pero por otro es claro que te deshumaniza. Esa es la medula de la canción, combinada con ciertos pensamientos de protesta de León, de un control que existe y ha existido siempre. Por la situación que estamos viviendo hoy en día, la letra encaja perfecto, pero no fue hecha por la pandemia, simplemente era una canción de protesta y ahora nos damos cuenta de que también se relaciona con todo esto, lo cual está bien. A mí me gusta que la gente se sienta identificada y la canción siempre tuvo ese color de protesta en muchos sentidos.

Estos dos primeros adelantos están producidos por Craig Silvey, ¿estará de igual forma Phil Vinall en este nuevo disco?

Ya no estará en este disco como productor. La última producción que hizo Phil Vinall, nuestro productor en todos los discos anteriores y de toda la música de Zoé, fueron ocho temas en “Aztlán”. Excelente trabajo, como siempre, le estaré muy agradecido, pero para este disco decidimos probar nuevos territorios y en este caso el trabajo que estamos haciendo con Craig está muy bueno. Me parece que tiene mucha contundencia, además nos encontramos explorando nuevas cosas, sobre todo en las técnicas de grabación. El sonido está excelente, me parece muy, muy bueno. Estos dos temas que han salido suenan increíbles y estoy muy contento con las grabaciones, han salido muy fluidas, con muy buena onda.

Dentro del proceso de creación del disco, sin duda el confinamiento ha sido un tema. ¿Cómo se han adaptado los tiempos y ustedes mismos para poder llevarlo a cabo?

En enero tuvimos la oportunidad de avanzar con cuatro temas que ya están terminados, después de eso teníamos presupuestado regresar en marzo lo cual no pasó, entonces estamos poniéndonos de acuerdo en cuándo poder continuar con el disco. Queremos terminarlo juntos, por lo que apostamos a estar en octubre de nuevo en el estudio finalizando las seis canciones restantes, pero nada es seguro porque cada 15 días vamos ajustándonos a lo que va sucediendo.

¿Cómo ha estado conviviendo la industria mexicana con la crisis? Nosotros muchas veces la vemos como omnipresente en Latinoamérica, pero me imagino que esto también les ha afectado profundamente.

Sí, fuerte. Está pegándonos igual que como a todo el mundo, no se pueden hacer muchas cosas. Afortunadamente, han salido muchos lanzamientos. Hace un tiempo hablaba con Phil sobre ese tema, él cree que, cuando esto termine, todo el mundo sacará material nuevo y la industria se inundará de lanzamientos. Pero no sé, la verdad, todos estamos aprendiendo y adaptándonos.

Para terminar la entrevista, quiero preguntarte por el disco “Reversiones” (2020) y particularmente por la versión que hizo Mon Laferte de “Love”. ¿Qué te ha parecido y cómo es su relación con ella?

La versión me ha parecido excelente, muy dulce, increíble tener su voz y su versión en este proyecto. En cuanto a nuestra relación, yo no la conozco personalmente, pero León ha colaborado con ella en “Voluma” (2016) y en la gira de Soda Stereo del año pasado, por lo que tienen una relación más estrecha. La convocatoria fue más que nada por Universal, nuestro sello, quienes han estado a cargo de eso, y creo que lo han hecho genial.

Muchas gracias por darte el tiempo para conversar con HumoNegro, un abrazo.

Muchas gracias a ustedes y estamos en contacto, ojalá pronto estar por allá.

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