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Cevladé: “El arte debe conectarte con la gente, y eso es lo que hago yo”

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Sacó uno de los mejores discos de 2014, el que todavía no es lanzado. Cree que algo malo de la sociedad moderna es el individualismo rampante, pero rapea de lo que siente y ve en primera persona. Lleva más de una década de carrera, pero para muchos su nombre sigue siendo un misterio. Aquí la conversación que tuvimos con Cevladé, el rapero que hace rato está sacando la mejor música del género en nuestro país.

Ya van dos veces desde que me han servido chacareros sin ají. Dos veces”. El indignado Wladimir Espinoza camina por el Parque Bustamante comentando su almuerzo, mientras nos disponemos a conversar de su carrera y de su último disco, “La Casa de Astaire” (2014), uno de los mejores discos lanzados en Chile el pasado año. Wladimir es profesor, pero hace rato no ejerce como tal. Se dedica a la música y, más en específico, al rap bajo el nombre de Cevladé. Nos instalamos a hablar a la sombra de “La Casa De Astaire”, de la situación del rap, y del individualismo en la sociedad chilena de hoy.

El formato de “La Casa De Astaire” es muy interesante porque propone algo distinto para el rap. ¿Cómo se te ocurrió un disco con estas características?

-Nunca me propuse armar un disco de esas características. Simplemente se dio.

CEVLADE 01Cevladé explica que, hace unos tres años, unos amigos armaron una jornada de música en vivo, donde raperos tiraban líricas sobre lo que tocaban ciertos músicos. Ahí conoció a Cristóbal Massis, a Daniel y Gonzalo de Ladenegro4. “Siempre he sido muy estricto con el rap y la fusión, y esas huevadas a mí no me gustan mucho. A pesar de que me considero un tipo bien abierto de mente, en el rap soy bien purista”, enfatiza Wladimir. Pero cuando armó el lanzamiento de “Requiem For A Drink” (2012), nuevamente se juntó con Massis y su banda, “el show salió la raja y ahí se formó la onda para trabajar en el disco que hice ahora, pero nunca me senté y me dije ‘oye, ahora voy a hacer un disco con banda’, sino que naturalmente las canciones me fueron pidiendo cosas”.

Las líricas pueden tener otra vuelta, porque a veces el ánimo de la canción depende del sampler, y aquí podías manejar eso a voluntad. ¿Cómo grabaste el disco?

-El disco se construyó en capas. Por ejemplo, los temas partían de un loop y yo grababa las líricas completas sobre eso, y le pedía al tecladista Felipe que armara algo encima, y con eso algunas de mis líricas ya no servían, entonces tenía que rapear de nuevo, y con ese rapeo se me ocurría meter una parte en guitarra, y le decía a Daniel que grabara algo. Una capa sobre otra hasta el resultado final. Originalmente quería que fuera en vivo, pero por recursos, tiempo y creatividad se dio de forma súper solitaria y grabamos por partes. Luego la pega fue cortar, pegar, mezclar, y todo se convirtió en sampleos.

El arte del disco está dentro de un concepto, así como pasa con muchos de tus discos, donde siempre hay conceptos fuertes e intertextualidad.

-Me gusta hacer eso porque son cosas que la mayoría de la gente reconoce, o que debiera reconocer, entonces me salto la explicación de toda la idea sólo con mencionarla. Con esa idea puedo armar sensaciones o emociones distintas. Con esos guiños de intertextualidad enriqueces la obra, y evitas una explicación larga y latera. Con “Requiem For A Drink” te acuerdas del final de la película (“Requiem For A Dream” de Darren Aronofsky) con las amigas de Sara Goldfarb (Ellen Burstyn) abrazándose con una tristeza increíble. Está eso y la canción que es espeluznante. Ese ánimo ayuda a escuchar el disco, y el disco tiene un mensaje propio, entonces te contextualiza y te posiciona desde dónde escucharlo.

Aunque siempre hay conceptos, en tu música también hay mucha convicción.

-Para que una obra de arte sea convincente y provoque algo, primero debes ver que quien la interpreta sea genuino, real. Hay cosas que yo no entiendo que llaman arte. Ponen un bloque de cemento al medio de la calle y le llaman arte. Para mí eso es congestión vehicular (risas). Creo que el arte debe tener la función de conectar a las personas, de comunicar, y para eso uno tiene que abrir un poco la ventana de lo que le pasa. Eso es lo que yo hago. Claramente, hay límites de lo que uno expone y lo que cuenta, pero creo que nace de esta necesidad de comunicarse y de no sentirse tan solo.

CEVLADE 02Esta necesidad le queda clara a Cevladé con el contacto que tiene con sus fans. “La gente a veces se acerca o me escribe en el Facebook. Sienten que soy su amigo y me cuentan cosas terribles, historias familiares, porque se identifican y se genera un lazo. Yo siento lo que canto, o si no sería cantar por cantar, o por tener mina, o por ser famoso”, indica. Este contacto lo permiten las redes sociales, el principal espacio de difusión para el rap chileno, trabajando desde la independencia, donde el público, según indica el artista, “si les gusta algo te van a dar un like y van a ir a tu concierto. Si buscas en Facebook las fanpage de los artistas de moda y las de los raperos, la cantidad de likes de los raperos es mayor, porque es la plataforma que usamos para difundir nuestra música y estar en contacto con la gente. Además, te garantizo que un concierto de un artista de moda –no los consagrados, pero sí uno con rotación permanente- no llevará más que el de un rapero. Ese es el indicador que vale. No cuántos compran el disco, ven el video o cualquier cosa, sino el que va, el que quiere ir a compartir contigo, el que quiere canciones en vivo, el que paga la entrada, el que se arriesga a salir de su casa en la noche y no tener cómo regresar. Ese es el indicador que vale. Cuando tienes una fiesta que lleva a mil personas, es porque haces bien la pega“.

Muchas veces uno nota que no sólo expresas sentimientos, sino que también una crítica a los principios de mierda que sostienen la sociedad de hoy, como los raperos que se mueven a otros estilos para ganar plata.

Todo el mundo reclama por Penta, Dávalos, los pacos, y no diré que nadie protesta, pero en el día a día igual se cagan los unos a los otros. Viene la micro y la gente se empuja, o las viejas que corren para sentarse. Quieres que te atiendan a ti primero, y estás viviendo para ganar. Vivir no es pelear, pero aquí en Chile siempre pasa eso; es un principio que mueve a muchos con el yo por delante, o la familia, pero igual con el yo por delante. Yo sustento a mi familia, yo soy capaz. Las cosas no se tienen que tratar de uno mismo, y por eso yo rapeo… sobre mí mismo (risas). A mí me gustaría que la gente fuera feliz. De repente uno ve gente con trajes y pinta de exitosos y sabe que no son felices, porque viven para eso, trabajan para tener más plata, y los cabros chicos tienen problemas, y todo. Esa gente me da mucha pena.

Pasa mucho que gente cambia de género para que le vaya bien, más allá de las convicciones, y por eso es valorable lo que tú logras, manteniéndote, dando la pelea. Pero aún así se ve que hay muy pocos espacios para el rap en este caso, al menos a nivel masivo y en los medios más tradicionales.

-En mayo hay un evento para miles de personas, God Level Fest, Enfermos del Rap, Session Maestra, con 4.000 personas. No se dan los espacios para informar todo eso, y como raperos cachamos hace rato que eso no va a pasar y nos hicimos los espacios. Todos los cabros que conozco tienen tiendas, marcas de ropa. Algunos montaron productoras audiovisuales y les va la raja. Otros diseñan y todos trabajan vinculados al hip hop. Ya no necesitamos que venga alguien a enseñarnos algo desde una agencia de publicidad, porque los raperos son publicistas, tienen sus agencias. Ese espacio lo armamos. Mi generación golpeó puertas, pero ahora no: da lo mismo.

Es molesto el rollo de esas personas que se mueven del rap hacia otros géneros, que, para colmo, la gente los asocia como raperos.

-Además que, yo creo, igual debe existir el prejuicio de que los raperos son borrachos o marihuaneros. Huevones pencas, flojos, en las plazas. Más allá de eso, hay un prejuicio con la calidad musical, el no tener estudios; pensar que si alguien toca guitarra es músico, y que por buscar sampleos nosotros robamos música y es penca y no vale. El que samplea tiene conocimientos de música, y el que rapea debe tener harta disciplina. Los raperos que admiro y me gustan tienen un estudio de la rima, la métrica, las figuras literarias, y lo hacen sin saber qué son esas cosas, pero hay un estudio igual. No son estudios formales, no más.

¿Cuáles son los pasos a seguir para ti? Porque en septiembre fue el pre-lanzamiento de “La Casa de Astaire”, entonces, ¿qué pasa con el lanzamiento?

CEVLADE 03-Hay un detalle que resolver, porque quiero hacer una jornada con dos funciones. Será en la SCD de Vespucio el próximo 2 de mayo, y quiero resolver ese tema de la función doble para que vaya más gente. Sería bacán. La idea es armar dos fiestas para compartir con todos.

(ACÁ EL EVENTO EN FACEBOOK PARA ESE LANZAMIENTO)

Cevladé reconoce que en Chile la escena del rap es más fuerte que en el resto de Latinoamérica, pero el esfuerzo viene desde cada rapero. Él mismo debe enfrentar las dificultades económicas de jugársela por un producto elaborado y presentado con esmero, pero tras terminar la entrevista nos dirigimos al metro y Wladimir, Cevladé, el Cevla, va a continuar trabajando, con las convicciones claras y el rap por delante, aunque alguien nuevamente le sirva un chacarero sin ají o le ponga trabas para lograr sus objetivos musicales. Total, son gajes del oficio.

Por Manuel Toledo-Campos

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2 Comentarios

2 Comments

  1. Angel

    02-Abr-2015 en 10:54 pm

    Pedazo de entrevista, en mi corta vida e pasado por harto y la mayoria del tiempo junto a su musica, el meo artista y se nota que cada vez va aumentando el nivel.

  2. Daniela Bahamonde

    03-Abr-2015 en 7:42 am

    Me encanta este profe !!!! Jajajaja tan simpatico y transparente ! Siempre lo escucho cuando voy a trotar… Y lo sigo escuchando cuando llego a la casa si es que no se ha terminado el tema. En serio su musica es necesaria para mi alma. Excelente entrevista. Admiración es lo q siento, me inspira y me hace pensar… Eso me gusta. Felicidades.

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Entrevistas

Jesse Leach de Killswitch Engage: “Volver a la banda fue la mejor decisión de mi vida”

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Jesse Leach

El próximo martes 10 de diciembre en Club Blondie, Killswitch Engage se presentará nuevamente en nuestro país con “Atonement”, su último disco de estudio publicado este año. Dicho trabajo, que no quedó indiferente a la crítica especializada, se desmarca de sus anteriores obras gracias a la diversidad que la banda alcanza en sus composiciones, dándose incluso el espacio para invitar a su ex vocalista Howard Jones en una de las canciones. Más allá de eso, el conjunto ha sabido cómo mantener su sitial sin el ex frontman, encontrando en su cantante original la clave para seguir adelante.

Jesse Leach, quien estuvo alejado de la banda por una década, volvió a Killswitch Engage en 2012 para completar su historia de redención, un relato que lo hizo empujar a la banda hacia nuevos límites y le permitió crecer no sólo como artista, sino que también como persona. Gracias a su próxima presentación en nuestro país, nos sentamos al teléfono con el vocalista para conversar sobre distintos temas, pasando desde su más reciente álbum, el disco que grabó una vez que regresó a la alineación, sus problemas con la depresión y la ansiedad, su vida temporal fuera de la música, Iron Maiden, su admiración por Chuck Billy de Testament y la parafernalia en los shows de rock, entre muchas otras cosas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Jesse, te llamo desde Chile. ¿Cómo estás?

Genial, hermano. Descansando, bien. ¿Cómo estás tú?

Muy bien. Quiero comenzar la entrevista preguntándote sobre “Atonement”. Entiendo que se demoraron algo así como dos años en terminarlo. ¿Qué nos puedes contar de ese proceso?

Sí, tomó dos años porque estábamos constantemente de gira y no había mucho descanso de toda la locura. Terminé desarrollando pólipos en mis cuerdas vocales, así que tuve que operarme para removerlos, eso retrasó las cosas un poco. Estuve como tres meses en reposo y tenía que estar callado, sentado en silencio y luego tuve que aprender a reconstruir mi voz desde el principio, al hablar y al cantar, así que eso hizo que el proceso de grabar mi disco fuese un proceso interesante, por decir lo menos. Por otro lado, mi voz terminó quedando más fuerte y más enfocada, y tuve un montón de buen entrenamiento, por lo que me sentí genial. Fue una bendición camuflada.

¿Qué opinas del resultado final? Siento que es uno de los discos más sólidos de la banda, incluso la crítica lo ha calificado como el mejor de su discografía. ¿Estás conforme con los resultados?

Sí, honestamente ha sido abrumadora la recepción del disco, a la gente realmente le ha gustado. Dicen que es nuestro mejor álbum y nosotros nos sentimos completamente honrados por eso. Nosotros tratamos de sacar la mejor música que podemos, que todavía tenga pasión involucrada; aún nos preocupamos de los mensajes, del sonido y de la calidad de nuestra música. Entonces, es el mejor de los cumplidos que la gente disfrute el material y se tome el tiempo en eso. Estamos todos muy orgullosos.

¿Cómo ha sido la recepción de los fans a las nuevas canciones en vivo?

Ha sido genial. La gente está cantando casi todas las canciones. En nuestros últimos shows pusimos cinco tracks del disco en el setlist –que ha sido la mayor cantidad de material que hemos incluido en el show luego de lanzar un álbum­– y la gente las canta todas y parece ser que les gustan mucho, así que es genial sentir eso.

Genial. De hecho, en este álbum hay dos colaboraciones, con Howard Jones y Chuck Billy de Testament. ¿Por qué quisieron tener colaboraciones? ¿Por qué con ellos y en esas canciones particularmente?

“The Crownless King” definitivamente me recuerda a Testament, giramos con ellos antes, todos crecimos escuchándolos, realmente los amamos y son una banda tremenda. Chuck Billy para mí es uno de los mejores vocalistas del metal, sin dudas, así que fue como un disparo en la oscuridad intentar esto. Joel, nuestro guitarrista, sugirió que le preguntáramos a Chuck si quería cantar en la canción, todos pensamos cómo lo haríamos, le preguntamos y aceptó. Sonó increíble y realmente nos sorprendió la canción. El caso de Howard fue como el tiempo ideal para hacerlo; no lo conocía mucho hasta ahora y nos hicimos amigos porque tenemos mucho en común. Me mostró algunas canciones de su banda Light The Torche cuando todavía eran demos y me gustaron mucho, y pensé que el nombre de la banda sonaba genial. Como teníamos una canción en el disco llamada “The Signal Fire”, se siente casi como un guiño a la banda de Howard, además de que es un tema que habla de la unión y la solidaridad, y ahí todo se unió y fue perfecto. Es un honor compartir música con gente que uno quiere y respeta, tanto él como Chuck tienen una voz increíble, así que me alegra que los tuviéramos en el disco.

Jesse, estuvieron abriendo para Iron Maiden en algunas fechas y leí en una entrevista que dijeron que la experiencia fue como ver un show de Broadway y un concierto de metal. ¿Cómo describirías tu experiencia en un contexto tan grande?

Sí, es cierto eso. Se siente como una mezcla, ya que en esta gira cada canción tenía fondos diferentes, cambios de vestuario, un montón de cosas increíbles. Los efectos y la producción del show es increíble, uno de los mejores que he visto. Para nosotros fue un honor abrir para ellos, pero también un desafío. Tocas para un montón de gente que paga una buena cantidad para ver a su banda favorita y nosotros éramos quienes hacían que la noche avanzara, y a veces para los fans éramos el obstáculo entre la llegada y el momento de ver a Iron Maiden (risas). Tienes que dar lo mejor de ti, mantenerte humilde y darte cuenta de que no todos estarán cantando o aplaudiendo, pero la audiencia se comportó muy bien con nosotros, seguro ganamos algunos fans. Con el tour de seguro aprendimos mucho, fue una grata experiencia, definitivamente es un momento definitorio para tu carrera poder abrir para los todopoderosos Iron Maiden.

Desde tu punto de vista como artista, ¿qué opinas de estos shows gigantes con un montón de pantallas, luces, efectos, y todo eso? ¿Crees que eso deje a la música en un segundo plano y termine siendo perjudicial?

Creo que depende de cómo una banda lo use. Si pones imágenes o un mensaje en las pantallas que sea acorde con la música, eso es brillante y permite llegar de manera más profunda a la gente. Pero también depende quiénes estemos hablando. Si una banda tiene acceso a esto, debes ser cuidadoso de cuánto usas porque estoy de acuerdo en que a veces afecta a la música. En el caso de una banda tan grande como Iron Maiden no es así, los fans esperan aquello porque lo han hecho por años. Nosotros nunca hemos utilizado un montón de efectos y todo eso por muchas razones, primero porque es bastante caro tener ese tipo de mierda (risas), y además porque no nos vemos como ese tipo de banda, al menos no por ahora. Nuestro desempeño y la interacción con la audiencia es más importante que poner algo en la pantalla que haga que todos estén pendientes de eso en vez de nosotros. Creo que disfrutamos esa conexión con el público, enfocarnos en ellos hace que todo sea más profundo y demos lo mejor de nosotros.

Hablemos de tu tiempo fuera de la banda. Estuviste una década fuera de Killswitch Engage, ¿cuál fue la principal enseñanza que rescatas de todo ese período?

Creo que fue algo necesario para mí, no sólo para descubrir diferentes maneras de cantar en las bandas en las que estuve durante ese tiempo, como The Empire Shall Fall o Times Of Grace, sino que eso me ayudó a encontrar mi voz y continuar creciendo como artista. A nivel personal también, sentía que necesitaba crecer y convertirme en hombre, estaba pasando por algunos asuntos que debía solucionar y no creo que lo habría hecho igual si seguía en la banda. Estaba deprimido y con algunos problemas de salud mental. Durante ese tiempo tuve un trabajo normal, me transformé en una persona normal, y eso permitió que me diera cuenta de que extrañaba la música, y como artista no podía vivir sin ella. Eso me hizo apreciarla de otra forma, fue algo necesario para descubrir quién era como persona y como artista, así que no me arrepiento de esa decisión y de ese período de mi vida.

Además de lo que comentas, ¿hubo algo en particular que te hiciera querer volver a ser parte de Killswitch Engage?

Sí, fue una mezcla entre haberme enterado que Howard se iba, además de que en ese tiempo estaba trabajando como bartender, y a la vez hice algunos shows de Times Of Grace con Adam (Dutkiewicz, integrante de Killswitch Engage y la banda antes mencionada) y lo pasamos muy bien, fue una buena experiencia para mí. Después volví a mi trabajo de bartender en Nueva York y ahí me enteré de que Killswitch se separaba de Howard y harían audiciones para encontrar un vocalista. Nunca discutí la idea de volver, no sabía si lo haría bien, no estaba seguro si era el indicado para este trabajo. Pero cuando leí que harían audiciones, pensé que era algo muy raro y extraño sin duda (risas), es como una postulación a cualquier trabajo. Recuerdo que pensaba mucho en eso mientras que la gente me pedía que le sirviera tragos, y ahí fue cuando dije: “¿Qué estoy haciendo, por qué sigo acá?”, y decidí aprenderme algunas de las canciones con Howard y audicioné para la banda. Lo pasamos muy bien y decidieron darme la oportunidad. Y aquí estamos, la mejor decisión de mi vida (risas).

Al volver participaste en “Disarm The Descent” (2013). ¿Cómo fue tu experiencia trabajando en ese disco?

Fue emocionante, fue fácil porque la música ya estaba lista, sólo tuve que adaptarme. Cuando regresé a la banda me dijeron “de acuerdo, tenemos un disco que saldrá pronto, y nos iremos de gira, así que debes ponerte a trabajar ahora” (risas), así que me puse de cabeza a prepararme para volver a estar a tono con la banda. Hacer el disco fue fácil, la energía era increíble y lo pasamos muy bien.

Jesse, siempre has hablado abiertamente de tu salud mental, y en nuestro país tenemos algunas de las tasas más altas en este tema, especialmente en personas jóvenes. ¿Qué mensaje les darías a aquellos que quizás no saben cómo lidiar con este tipo de problemas?

Siento que, si estás lidiando con ese tipo de problemas, lo más importante es hablar de eso, tienes que aceptar el hecho de que puedes decirle a la gente que no estás bien; está bien pedir ayuda, eso es muy importante. Encuentra la fuerza y el coraje que se necesita para superar esto y pedir ayuda, hay mucha gente dispuesta a acompañarte y pueden darte una perspectiva diferente de lo que estás viviendo. Es importante canalizar todo a través de algo. Creo que nuestra conexión como personas ha cambiado mucho, se ha vuelto difusa y minimizada a través de las redes sociales, los mensajes de chat, todas esas interacciones que no se hacen cara a cara. Siento que eso es peligroso y nos afecta, no estamos mirando el lenguaje corporal, los rostros, ni escuchando el tono de voz de quien habla con uno, y algunas discusiones deben ser cara a cara para ser comprendidas. Estamos tan enchufados a esto, que se vuelve algo sin alma, y es importante reconectarse con la gente cara a cara, ya sean amigos o familiares. Encontrar amor, compasión, comprensión, es una pieza en el puzle de la salud mental. Creo que esta actividad tan desconectada de la realidad tiene mucho que ver con la depresión y ansiedad. Traten de conectarse con la gente de una forma más real, definitivamente les ayudará a su salud y sobre todo a su mente.

Muchas gracias por esas palabras, Jesse. Lamentablemente se nos acaba el tiempo, pero quiero preguntarte una última cosa, sobre tu banda The Weapon. Sé que es un proyecto que atesoras mucho y has dicho en múltiples ocasiones que quisieras tener más tiempo para dedicarle. ¿Hay planes en el futuro con este proyecto?

No tengo el tiempo y me encantaría tenerlo. Tenemos un álbum en camino, pero será algo rápido, de unos 16 minutos de duración. Es punk rápido y furioso, con un mensaje de rebelión y de pensar por ti mismo. Tiene un mensaje muy importante para lo que estamos viviendo en todo el mundo, incluso en tu país. Es esencial que la gente hable y entregue su punto de vista del panorama. Una vez que lo lancemos quizás tengamos un tour rápido, ya que todos los involucrados están muy ocupados con sus cosas, posiblemente unos shows por aquí y allá en Norteamérica, aunque, si recibimos una buena oferta, no descarto ir a otro lado. Sólo nos concentraremos en lanzar la música y ver qué pasa, espero que la gente reciba el mensaje, ya que es algo más directo que con Killswitch, que es mucho más poético. The Weapon se va directo a tu cara, se trata de la furia y la anarquía, ambas cosas parte de lo que soy (risas).

Genial. Muchas gracias por tu tiempo, Jesse.

Gracias a ti. Cuídate mucho, hermano. ¡Nos vemos en el show!

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