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Entrevistas

Brittany Howard de Alabama Shakes: “Nos presionamos y experimentamos mucho más en nuestro último disco”

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Parte de los retornos más esperados de la próxima edición de Lollapalooza Chile 2016 es el de Alabama Shakes. Hace tres años vinieron con un álbum editado y en ese momento ya eran levantados como una de las mejores bandas para ver en vivo. Pese a la juventud de sus miembros, la experiencia adquirida y las ansias de avanzar en su sonido quedaron de manifiesto en su segundo larga duración, “Sound & Color” (2015), N° 17 en nuestro listado de mejores discos internacionales. Con todo ello, la segunda venida de Alabama Shakes será uno de los actos que de seguro nos estremecerán en la sexta versión del festival en nuestro país. De la banda, sus álbumes y más pudimos hablar con Brittany Howard, la voz y guitarra principal de la agrupación de Athens, Alabama.

Alabama Shakes siempre muestra una imagen modesta, humilde, pero con dos discos ustedes ya tienen una presencia enorme en el mundo. ¿Cómo logran mantenerse así? ¿Es algo que les importe proyectar?

¡No estoy segura de cómo responder ante eso! Tratamos de actuar así, enfocarnos en la música y seguir nuestro camino.

Tu presencia en el escenario también es muy impresionante. Tuvimos la suerte de verlos en Lollapalooza Chile 2013 y tu voz crea una atmósfera mágica. ¿Qué es lo que tratas de lograr al momento de dar un show?

Trato de darlo todo de mí cada noche y dejar todo lo que tengo en el escenario. Realmente intento conectarme con la audiencia y poder nutrirnos de su energía y emoción, y viceversa.

¿Cuáles eran las cosas que quisieron cambiar en su sonido cuando hicieron “Sound & Color”? Porque “Boys & Girls” (2012) es muy diferente, por lo que quisiéramos saber los aspectos a los que les pusieron atención cuando armaron este disco.

No nos sentamos ni dijimos que necesitábamos hacer un álbum que fuera diferente a “Boys & Girls”. Siempre estuvimos orgullosos de ese disco, pero es importante dejar en claro y tener en mente que cuando hicimos ese registro lo hicimos muy rápido. Fue un reflejo de dónde estábamos como músicos y como compositores en ese momento, pero yo siempre supe que éramos capaces de mucho más. Con “Sound & Color” fuimos lo suficientemente afortunados de tener más tiempo y recursos y pudimos reflexionar más y hacerlo exactamente como queríamos. Nos presionamos a nosotros mismos para explorar nuevos sonidos e ir más allá de lo que creímos que podía ser posible. Pienso que llegamos a nuevos lugares en materia de autoría de las canciones con temas como “Gemini” y “Over My Head”. Y con más tiempo en el estudio, las posibilidades de experimentar con los ritmos y melodías eran mayores, haciendo mucho más trabajo en las capas de sonido de los instrumentos y las voces. De todas formas, hay canciones en el disco como “Miss You”, “Gimme All Your Love” o “This Feeling” que fácilmente podían haber estado en “Boys & Girls”.

BRITTANY HOWARD

La gente en general habla de lo grandiosa que es tu voz, pero tú también tocas la guitarra de gran manera. En esa materia, ¿cuáles son tus influencias al momento de tocar las seis cuerdas?

¡Hay tantos! Brian May, Mick Ronson, Sister Rosetta Tharpe, Marc Ribot y Prince son los primeros que se me vienen a la cabeza.

¿Te molesta cuando alguien infiere que la banda mira demasiado a la música del pasado para moldear su sonido?

La gente está capacitada para dar sus opiniones. Estamos influenciados por demasiada música, tanto del pasado como del presente, pero también tratamos de reinventar estas ideas con nuestra propia interpretación y llevarnos con ello a nuevos lugares.

También escuchamos Thunderbitch, tu otro proyecto, y nos encanta lo loco y enfocado que suena. ¿Hay elementos que pudieran permear en Alabama Shakes?

No. Estos son proyectos separados para mí.

¿Qué crees que es lo más especial de “Sound & Color”? Para nosotros es parte de los mejores discos de 2015, y uno de esos que hizo que el rock sonara significativo de nuevo.

¡Muchas gracias! Siento orgullo de lo que hicimos y de cómo pudimos explorar entre tantos estilos musicales y aun así mantenernos genuinos a nuestra meta principal.

¿Qué podemos esperar de ti y la banda en su show en Lollapalooza Chile 2016?

Estamos totalmente entusiasmados de volver. Pueden esperar de nosotros que tocaremos la mayoría de las canciones del nuevo disco con algunas otras más viejas mezcladas por ahí. Oh, y la mayor diferencia de la última vez es que ahora somos una banda con nueve músicos en escena. ¡Sumamos a un tecladista y tres coristas! Estamos listos para pasarlo muy bien.

Muchas gracias por tu tiempo. ¡Nos vemos en Lolla 2016!

¡¡Gracias a ti!!

Por Manuel Toledo-Campos

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Entrevistas

Laura Marling: “Este disco es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición de canciones”

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Laura Marling

Con uno de los mejores discos del año a su haber, la artista inglesa tal vez no necesita mayor reconocimiento, pero encontró en la respuesta a “Song For Our Daughter” (2020) una prueba más de que, a veces, la percepción propia es engañosa.

Lanzando el álbum antes de lo previsto, aprovechando la cuarentena, Laura Marling entera siete LPs, además de proyectos paralelos como LUMP, sin embargo, pareciera que recién ahora, luego de ese trabajo y de lo logrado sólidamente en “Semper Femina” (2017), opera con más libertades que opresiones.

Tuvimos la oportunidad de conversar con Laura Marling, entrevista que te dejamos completa a continuación.

Hola, Laura.

¡Hola!

¿Me escuchas bien?

Sí, muy bien. ¿Y tú a mí?

Excelente, también. Lo primero que quería preguntarte es por la decisión de adelantar el lanzamiento, que es algo al contrario del resto de la industria que está prefiriendo retrasar. Entonces, quería saber qué sentimientos estuvieron asociados a tomar una decisión como esta.

Fue primariamente porque no hubo garantía de cómo iban a estar las cosas y de si es que la situación estaría como para hacerlo de la forma tradicional. La razón por la que creo que otra gente está retrasando lo suyo es por la gran maquinaria económica; así es como la industria musical funciona y la gente quiere hacer un buen trabajo promocionando lo que tiene. Creo que lo mío tiene que ver con que estoy habituada a lanzar discos cada dos o tres años, y no siento que tenga mayor presión para ser tan exitosa en absoluto. Por otro lado, creo que este es un tiempo muy bueno para escuchar más música, que es algo que pensé cuando definí adelantar mi lanzamiento. Yo he estado escuchando álbumes completos, todos los días, porque hay tiempo y es algo más difícil de hacer cuando debes ir al trabajo o algo así. Es algo que encuentro muy agradable, no sé si te ha parecido lo mismo a ti.

Absolutamente. Y en estos tiempos hemos visto cómo la gente ha revalorizado la cultura y las artes, no sólo la música, pero hay chance de ir más allá en valorar esto. Una duda más que tenía era respecto al sonido del disco, porque en “Semper Femina” te fuiste a otros territorios, luego tuviste más proyectos, y ahora vuelves a una especie de raíces. ¿Qué te llevó a regresar a este sonido?

Creo que estás en lo correcto, porque en el intertanto tuve LUMP, otra banda, entonces, tras lanzar “Semper Femina” grabamos y lanzamos de inmediato ese otro registro. Y fue un alivio para mí, me sacó mucha presión de la especie de “personalidad” Laura Marling. Se siente raro decirlo así (risas), pero mi terapeuta puede apoyarme con eso. Eso me sacó una porción de presión importante y me hizo ver que no debía reinventar nada. En lo que respecta a mi visión de este disco, definitivamente no reinventa la rueda, pero sí es una expresión de cuánto amo el oficio de la composición y el trabajo detrás de escribir canciones. Lo que hice con LUMP es una muy diferente experiencia psicodélica y surreal. Me siento satisfecha con lo hecho ahí sónicamente. Otro elemento clave para el sonido del disco es que por fin, por primera vez en la vida, tengo un estudio propio a disposición, y no es que todo se haya grabado ahí, pero mucho fue grabado por mí en ese estudio. Lo que hicimos en formato banda, grabando todos a la vez, fue con ingeniería de Dom Monks, con el que he trabajado mucho, y que es de lo más talentoso con quien me he relacionado, porque tiene esta capacidad increíble de capturar de forma perfecta la intimidad en un cuarto, lo que es muy difícil de hacer. Entonces, es una mezcla de todas esas cosas.

Eso es el sonido, pero también hay profundidad en las letras, desde la historia en “Alexandra”, el desgarro en “The End Of The Affair” o la lucha que se grafica en “Only The Strong”. ¿Qué te inspiró a entrar en esos registros para las canciones de este disco?

Mi experiencia con el mundo es desde la perspectiva de una mujer. Eso es obvio, pero vale la pena siempre decirlo. Creo que, mientras me voy volviendo más vieja, me hago más consciente de los puntos de fricción que convergen entre la sociedad y la personificación de una mujer. Cuando pienso en “Alexandra Leaving” no es una crítica a Leonard Cohen, porque lo adoro y amo la forma en la que él escribía de las mujeres, pero sí me obsesionó esa fachada que disponen quienes sobreviven a experiencias complejas. Y también “The End Of The Affair” tiene eso de alguna forma, porque está vagamente inspirada por la sensación que una mujer tiene cuando se siente un objeto de obsesión por parte de un hombre con el que tiene una aventura. No daré detalles específicos de qué inspira o spoilers porque aquí alguien lo podría leer (risas), pero sí opera sobre un evento que le pone fin a ese affair, entonces ahí me quería meter en su mundo interior, y en el de él, que también se relacionaba a mi atribulada experiencia. Al final, noto que lo que ocurre con otras mujeres no se acerca a lo que mi propio mundo interior me indica, por lo que sus formas de ver las cosas me parecen interesantes de plasmar en el álbum también.

Algo que me llamó la atención en el disco es el lugar de la voz, quizás más limpia, más clara, más protagonista. Luego de siete discos, tal vez hay una mayor confianza en ese instrumento, pensando en que a estas alturas nadie puede negar tu discografía ni tu trabajo. Puede ser también una mayor confianza para hacer que las canciones suenen y sean tal cuál las necesitas, ¿verdad?

Sí, eso es muy astuto de tu parte porque realmente siento una mayor confianza y es principalmente producto de que haya hecho seis álbumes antes y lo de LUMP. Así que, sí me ha tomado todo este tiempo y trabajo tener la confianza para saber que la gente comprende lo que quiero hacer siendo una compositora. Da igual lo que signifique, o por qué, pero es así. La presión por hacer este disco ahora fue mínima porque en un principio creí que lo haría por completo sola, en mi casa, producido por mí, y en el último momento me di cuenta de que no quería eso, no quería pasar por esto sola, y por eso llamé a Ethan (Johns), mi colaborador de tanto tiempo, para que coprodujera junto con Dom (Monks) en la grabación. Teníamos tres cerebros trabajando en el sonido, y creo que esa fue la mejor decisión, pero fue una situación difícil para mí y para Ethan porque esta fue la primera vez donde yo tenía una idea absoluta de lo que quería, y parte de ello exigía un acercamiento diferente a cómo debiéramos hacer las cosas. Él es más de juntar a todo el mundo y hacerlo todo en una toma, sin usar ningún tipo de dispositivo moderno, y yo por un largo tiempo estuve bajo ese conjuro, también. Pero al trabajar con gente como Blake Mills en “Semper Femina”, Mike (Lindsay) en LUMP, y más, te vas dando cuenta que cerrarte a un solo tipo de forma de grabar es dispararse en el pie (risas) y es aburrido quedarte en ese mundo. Fue un poco de negociación diplomática ver cómo trabajaríamos uno con el otro. Tuve que aferrarme a mis propias armas y obtener lo que yo quería para tener los resultados que esperaba, lo que fue doloroso, pero era lo que debía hacer para que fuera lo que se escucha.

Y eso se nota, al dejar las canciones al descubierto, al entregarle a la canción el protagonismo. No sé cómo has visto la recepción al disco, porque ha sido llamativa y muy buena, quizás porque es perfecto para la cuarentena que muchos están viviendo. ¿Qué has sentido acerca de ese recibimiento?

Es divertido. Es la primera vez que estoy en redes sociales cuando lanzo un disco porque he hecho tutoriales en línea y eso fue muy decisivo para mí, ya que nunca lo había hecho antes. He leído y visto más reacciones que nunca de la gente, lo que te estresa y te llena de nervios. No debería decir esto, pero también parte de las razones que me hicieron lanzar este disco antes era que no creía que era mi mejor disco ni cerca y estaba lista para dejarlo pasar y ver si es que podía hacer algo mejor más rápido (risas). Sin embargo, me maravilló y me voló la cabeza la reacción de la gente, no lo podía creer. Pero nunca le acierto, nunca adivino bien cómo van a resultar las cosas, cómo se va a sentir todo.

Debo decirte que “Song For Our Daughter” es un gran disco, muchos han comentado cómo calza muy bien con estos tiempos. Probablemente, este y “Fetch The Bolt Cutters” de Fiona Apple. ¿Lo pudiste escuchar?

Sí, lo he escuchado, dos veces. Todos los días desde que salió (risas). Es algo asombroso ese álbum. Es un disco de una vez de la vida.

Bueno, Laura, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias y felicitaciones por el trabajo. Y esperemos verte post pandemia en Sudamérica y en Chile.

Me encantaría. No amaría nada más que poder llegar por allá. Que tengan buen día y cuídense.

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