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Björn Strid de Soilwork: “A pesar de todos los cambios, aún somos una banda coherente”

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Si hay una corriente musical que redefinió el metal más extremo a fines de los años 90 y a comienzos de este nuevo siglo, influenciando a una gran cantidad de bandas que comenzaban recién su propia historia, sin duda fue el death metal melódico proveniente de Suecia. Grupos que son sucesores naturales de lo que hizo la primera oleada del estilo (donde encontramos a exponentes ilustres como Dismember, Unleashed, Entombed, Grave o At The Gates), pero que ostentan como característica principal su sentido de la armonía mayor y más preponderante. Actos como Arch Enemy, In Flames, Dark Tranquillity, Amon Amarth o Soilwork vieron cómo sus carreras despegaron por el creciente interés y difusión de su material en  Estados Unidos, principalmente, donde aumentó la demanda por verlos, lo que propició que innumerables giras se realizaran con ellos como principal atracción y como cabezas de cartel.

Dentro de ese contexto, Soilwork siempre se destacó por sobre sus pares debido al trabajo constante y arduo, al virtuosismo y a la incesante búsqueda de un sonido propio que los definiera, situación que les trajo, aparte del reconocimiento y el éxito comercial, más de alguna polémica con parte de sus seguidores más acérrimos, quienes no aprobaban la evolución del conjunto.

Este próximo 16 de septiembre es el estreno de los suecos en nuestro país y es por eso que nos contactamos con  su líder y único miembro original, Björn “Speed” Strid, para que nos contara sus impresiones respecto a la historia de Soilwork, a su último disco, “The Ride Majestic” (2015), y  para que nos hablara del debut en esta parte del continente.

“The Ride Majestic” evoca en algunos momentos lo que ustedes hacían en sus primeros años, pero además su música suena revitalizada y se posiciona como una nueva forma de concebir el metal extremo, gracias a la mezcla de agresividad y al sentido de la melodía que posee Soilwork. Aparte de la furia y la angustia juvenil del comienzo de su carrera, ¿cuál dirías es la mayor diferencia entre todos los procesos creativos, incluyendo al de este último disco?

Creo que la diferencia principal es que entendimos que toma tiempo ser un buen compositor. Quiero decir, los primeros días tienen ese toque especial, esa furia primordial que hace que toques un riff tras otro y que suene increíble y encantador para ti. Lo que ocurrió en el caso de Soilwork tiene que ver con todos los cambios de integrantes que sufrimos, lo que significó que la entrada de tanta gente al grupo nos trajera cosas y elementos nuevos que aportaron a la composición. Es difícil comparar, pero sí creo que somos unas de las pocas bandas del género que manejó su evolución de manera interesante. Entonces, a pesar de todos esos cambios, aún somos una banda coherente y creo que lo que hemos hecho ahora último trajo de vuelta algunas melodías melancólicas escandinavas que hacíamos al comienzo, ese sonido típico del death metal melódico sueco, pero además nos esforzamos para refrescarlo y hacerlo innovador. En eso se basa Soilwork, es nuestra receta, la pasión por la música nos mueve y no creamos discos sólo para tener una razón o una herramienta para salir de gira y sobrevivir; todo parte desde la música y creo que esa convicción se siente en “The Living Infinite” (2013) y en “The Ride Majestic”. Me enorgullece que nos hayamos mantenido relevantes y que todavía seamos capaces de desafiarnos musicalmente entre nosotros.

Incluso en “Steelbath Suicide” (1998) y en “The Chainheart Machine” (2000) era posible apreciar un enfoque más melódico en el sonido de Soilwork, pero en términos vocales esto no se desarrolló completamente hasta “A Predator’s Portrait” (2001) y, de forma más notable aún, en “Natural Born Chaos” (2002). ¿Cómo describirías el momento exacto en que decidiste incorporar una voz limpia a la propuesta del grupo y por qué?

Todo partió con una canción extra que publicamos en la edición japonesa de “The Chainheart Machine”. Peter (Wichers, ex miembro) comenzó a convencerme de a poco que debía cantar de esa forma. “Eres bueno en eso, cantas bien”, solía decirme, y yo por mi parte sentía curiosidad por implementar algo nuevo y además quería progresar como cantante, al igual que el resto de mis compañeros que querían mejorar en lo suyo. Sentí la necesidad de innovar y lo hice por primera vez para Japón en la canción “Shadowchild”, que luego fue incluida en “A Predator’s Portrait”. Ese fue el comienzo de todo y me sentí motivado, a pesar de que algunas personas piensan que esa decisión responde a motivos comerciales: incluir voces limpias para ser más pegadizos y así obtener difusión en los medios, pero la verdad es que esa jamás fue la razón, porque mi intención sólo era mejorar como cantante y expandir mi registro para encontrar más canales para expresarme.

¿Cómo se involucró Devin Townsend en la producción de “Natural Born Chaos” y qué puedes contarnos de esa experiencia?

Tiene mucho que ver con lo que hablábamos recién. Yo estaba enfocado en desarrollar mi voz limpia y lo hice en “A Predator’s Portrait” y luego mucho más en “Natural Born Chaos”. Realmente me gusta mucho como canta Devin y siempre me ha impresionado su registro. De hecho, cuando comenzamos con el grupo, uno de los discos que más nos influenció fue “City” (1997) de Strapping Young Lad, sin duda una gran inspiración para nosotros y para mí, porque él fusiona las partes pesadas con las melódicas al cantar de una manera única y eso me entusiasmó para crear mi propio estilo. Así nos decidimos un día a contactarlo y a proponerle que co produjera el disco con Fedrik Nordström, y afortunadamente dijo que sí y resultó una experiencia fantástica; aprendí mucho y progresé aún más. Es por eso también que decidimos trabajar con él de nuevo en “Sworn To A Great Divide”, pero esta vez sólo se encargó de la producción vocal, entonces yo viajé a Vancouver para grabar todas las voces del álbum allá y ese fue otro proceso en el que aprendí bastante, momento desde el que siento he mejorado aún más.

Recuerdo que, por ese entonces, Devin te calificó como una “súper voz humana”.

También lo recuerdo y fue maravilloso, porque lo considero un cantante excepcional. Adquirí mucha confianza luego de grabar las voces con él, porque cantar así requiere de mucho tiempo, de mucha  práctica y yo estaba recién empezando. Hasta ese punto había cantado siempre con una voz violenta y me resultaba complicado agregar el canto limpio y, como todo principiante, carecía de confianza en mí mismo. Esa época en que trabajé con Devin de verdad me cambió, porque fue el momento en que empecé a creer en mi voz.

Hace quince años, la escena del death metal sueco –comúnmente etiquetada como el “sonido Gotemburgo”–, fue uno de los estilos más venerados e imitados en el metal. Puesto en perspectiva, ¿cómo ves la escena actual del metal sueco y cuál dirías es el lugar que ocupa Soilwork dentro de ella?

Creo que la escena es mucho más interesante y diversa hoy en día, porque a mediados y fines de los años noventa las bandas sonaban muy parecido y era difícil identificar a una por sobre otra. Respecto a nosotros, bueno, somos de Helsingborg, que está a unas  horas de Gotemburgo, por lo tanto estamos influenciado por esa escena y somos parte de un mismo género que ahora tiene a muchas bandas que finalmente encontraron su propio sonido, su sello personal, como es el caso de At The Gates, In Flames, Dark Tranqullity o nosotros, pero que además tiene a un montón de grupos jóvenes que siguen apareciendo, entonces eso hace que la escena sea muy heterogénea.

La carrera de Soilwork está llena de cúspides y de éxito, y su reputación ha aumentado en los últimos años. Como único miembro original, ¿cuál dirías es el momento más duro en estos 21 años de existencia?

De muchas formas diferentes, sin duda, fue cuando Peter dejó Soillwork por primera vez en 2005. Fue algo muy duro porque formamos la banda juntos y, pecando de inocente tal vez, creí que eso duraría siempre. Uno construye una relación sólida y el momento en que una de las partes decide que ya no puede continuar siempre es difícil y toma tiempo superarlo. Luego la situación gatilló que yo tomara la guitarra y de a poco empezara a componer canciones, hasta que llegó el punto donde compuse la mayor parte del material para los últimos dos discos, y resultó todo un desafío positivo para mí, a pesar de que mi querido amigo con el que fundé el grupo ya no era parte de Soilwork. Como es evidente, fueron muchos los aspectos afectados por la partida de Peter, así que de seguro ese fue el peor momento.

“The Ride Majestic” ha sido bien recibido en general, tanto por los seguidores como por los medios. Sin embargo, algunos de sus trabajos anteriores, como “Figure Number Five” o “Stabbing The Drama”, fueron toda una controversia por el cambio radical y el alejamiento de lo que habían hecho hasta ese punto. ¿Qué opinas del resultado de esos dos discos y cómo manejaron esas críticas negativas en su momento?

Fue algo que necesitábamos hacer como grupo, era lo que queríamos hacer en ese momento debido a que, como dije antes, toma tiempo encontrar tu propio sonido, tu identidad y convertirte en un mejor compositor. Es algo que nunca se detiene. Ralamente nos gustó lo que hicimos en esos dos discos; es más, creemos que “Stabbing The Drama” quedó mejor incluso que “Figure Number Five”, y por eso es nuestro trabajo más exitoso a la fecha.

De hecho, abrió las puertas del mercado estadounidense para ustedes.

Así es, entonces llegó un momento en que los grupos suecos se retroalimentaron de sus pares estadounidenses, debido a que compartimos mucho con ellos girando, con grupos de metalcore o de cualquier otro estilo. Es difícil no influenciarte por algo que te gusta, es humano y hablamos de buenas bandas que lo siguen siendo, por que Estados Unidos siempre ha sacado buen metal. Creo que la mejor manera de clasificarlo sería algo así como un intercambio o un trueque, incluso creo que en un momento las bandas estadounidenses tenían más del “sonido sueco” que las mismas bandas suecas (risas). Fue algo muy interesante. No creo que haya sido una crisis de identidad, sino que fue un intercambio que nos influenció como cualquier otra cosa que nos guste, sin portar lo que sea.

¿Cuál es tu opinión más técnica, por decirlo de alguna manera, respecto al resultado de “The Ride Majestic”?

Creo que la producción fue genial e hizo un gran trabajo. Siempre habrá algún pequeño detalle por aquí o por allá, pero estamos satisfechos con el resultado en general; captura perfecto la atmósfera oscura con la que lo grabamos.

Como lo que evocan esos pasajes un tanto cercanos al black metal de algunos temas…

¡Claro! Fue concebido como un disco muy personal también. Cada elemento que incorporamos, como esos toques de black metal, por ejemplo, lo hicimos a nuestra manera y de forma muy singular. No fue algo así como “Oye, me gusta el sonido del black hoy en día, hagamos algo de eso”. No, nunca ha sido así. Lo nuestro siempre ha tenido matices y toques de ese estilo, pero filtrados por nuestra esencia y de una u otra forma siempre ha estado en nosotros. No es nuestro método copiar y pegar de otros estilos, sino que es lo que resulta de ser una banda de seis integrantes con distintos gustos musicales que no planean cada cosa que van a componer; sólo lo hacen y es algo espontáneo. Sé que puede sonar un poco pretencioso, pero es la verdad. Esos atisbos de black metal que mencionaste de “The Ride Majestic” provienen de arreglos más oscuros que incorporamos esta vez, que además incluyen bastante experimentación con melodías melancólicas, todo hecho con un filtro muy personal de Soilwork. Eso hace que sea mezquino clasificar esos pasajes sólo como black metal, en mi opinión.

¿Tienes planes de publicar más material nuevo con Terror 2000, Disarmonia Mundi o con The Night Flight Orchestra?

La verdad es que no sé qué pasará a estas alturas con Terror 2000 porque ya han pasado más de diez años, aunque sería entretenido hacer un disco más. Lo cierto es que mis esfuerzos están enfocados en The Night Flight Orchestra, a pesar de ser algo muy diferente a lo que hago habitualmente con Soilwork; soy un fanático del rock clásico, me divierte mucho tocarlo y se siente bien ser parte de un grupo así, donde además puedo desarrollar aún más mi voz limpia.

¿Qué significa para Soilwork visitar Sudamérica por primera vez, y qué conoces de la escena metalera de este lado del planeta?

Me cuesta creer que nos haya tomado veinte años llegar a Sudamérica; es algo que siempre quise y que por distintas razones no resultó antes. Sin embargo, creo que hay un lado bueno dentro de toda esta espera, porque ahora tenemos diez discos de donde elegir material, así que les entregamos el mejor setlist que Soilwork pueda tener (risas). Sé que será una experiencia increíble y fantástica por lo que otros músicos me han contado. Confieso que sé más del cariño y de la energía de lo seguidores y del público que de la escena en sí, por lo tanto espero conocer más ahora cuando esté allá y espero que me presenten algunas bandas locales también.

Se nos acaba el tiempo, Björn. Has sido muy amable con HumoNegro. Gracias por concedernos la entrevista.

Gracias a ustedes por considerarnos y gracias al público por ser paciente con nosotros. Nos tomó veinte años visitarlos, pero llegaremos muy emocionados y motivados para retribuir la espera entregándoles el mejor espectáculo que puedan imaginar de Soilwork. Será memorable, se los aseguró, y llevaremos un gran repertorio pensado en ustedes que no nos han visto antes. ¡No vemos en septiembre!

Por Hans Oyarzún

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Oskar Carls de Viagra Boys: “Siempre tratamos de hacer cosas que nos permitan renovarnos”

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Oskar Carls de Viagra Boys

Con tan solo siete años de carrera, Viagra Boys se ha ido alzando poco a poco como uno de los nombres de referencia para la actual escena híbrida de post punk que se ha generado en Europa, permitiendo que, con tres álbumes de estudio, puedan expandir su popularidad mucho más allá de su natal Suecia. Ahora, luego de cosechar excelentes críticas con “Street Worms” (2018) y “Welfare Jazz” (2021), la banda no pierde tiempo y está de regreso con “Cave World” (2022), álbum que los ve explorar tópicos como la pandemia del COVID-19, la violencia en el uso de armas en Estados Unidos y las teorías conspirativas, entre otros aspectos de la podrida sociedad de este siglo.

Con el objetivo de conversar y abordar un poco más acerca de la creación de este nuevo disco, es que nos tomamos el tiempo de platicar a distancia con Oskar Carls, saxofonista de la banda y pieza clave en el sonido que el conjunto liderado por Sebastian Murphy ha ido desarrollando a través de su discografía. Desde el proceso creativo de este LP, los haters de redes sociales, la energía desatada por la audiencia en los shows, hasta su entusiasmo por visitar Sudamérica, los pros y contras de internet, y otros temas, es que conversamos con el músico en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Oskar, ¿cómo estás?

¡Hola, Manuel! Estoy bien, muy bien. ¿Cómo estás tú?

Muy bien también, gracias. Quiero que conversemos sobre algunas cosas, partiendo por la gira que están haciendo actualmente, con muchos shows durante las últimas semanas y varias apariciones en festivales. ¿Cómo va todo eso? ¿Qué tal ha reaccionado el público a las canciones nuevas?

La gente las ha apreciado muy bien, la verdad. Como hemos dicho varias veces, siempre tratamos de hacer cosas que nos permitan renovarnos un poco, eso siempre es una apuesta, pero la gente ha reaccionado muy bien. Además de esto, luego del Covid, donde todos estuvieron en sus casas esperando por salir a conciertos, hay una energía que se está liberando y realmente puedes sentir eso con el público.

Vienen a tocar en Santiago con “Cave World”, su nuevo álbum. Cuéntanos un poco de las sesiones para componer y grabar este trabajo discográfico.

Fue una mezcla de diferentes sesiones. Fueron tres sesiones durante un período de dos años desarrollando este álbum. Por supuesto, también eso involucra diferentes puntos de vista, porque hemos estado girando mucho y no tenemos todo el tiempo del mundo para hacer lo que queremos en nuestro lugar de ensayo. Algunas canciones las hicimos en nuestra sala de ensayo, otras salieron de algunas ideas y demos que hacíamos por separado en casa. Siempre es una mezcla, además que Sebastian (Murphy, vocalista) espera hasta el último minuto para escribir las letras (risas).

Leí en una parte, creo que fue en el comunicado de prensa de este disco, que optaron por regrabar las canciones cuando el álbum estaba listo.

Sí, fue algo así, de hecho.

¿Por qué decidieron cambiar todo cuando ya estaba finalizado?

Hicimos algo así como una semana de trabajo en el legendario Silence Studio de Suecia, mucha buena música se compuso ahí. Sentimos que teníamos un buen álbum, así que se lo enviamos a nuestro productor, Pelle Gunnerfeldt, quien quiso regrabar algunas cosas, y además que en el intertanto compusimos algunas canciones más. No es realmente que hayamos regrabado todo, sólo fueron algunas canciones y otras nuevas que surgieron también durante el proceso.

Oskar, este disco está inspirado por las cosas que están pasando actualmente en todo el mundo. ¿Qué temas en particular influyeron en esta obra?

Principalmente es la separación que se ha generado en la gente con la pandemia del COVID-19; hay personas que no creen en el virus y hay muchas teorías conspirativas, creo que ese fue el comienzo de la temática para este disco. Sebastian, además, ha estado indagando en otros temas que puedes escuchar en las canciones, como en “Troglodyte”, que toca la violencia con las armas en Estados Unidos, el deterioro de la sociedad, también el fenómeno del capitalismo tardío.

Para este disco, ustedes dicen que optaron por “consumir el caos y destilarlo en las canciones”, lo que se refleja muy bien en las letras. En cuanto a la forma en que tocas tu instrumento, ¿cómo reflejaste esto?

Para mí, que toco el saxofón, es un rol más libre. Vengo del mundo del free jazz y la música improvisada antes de tocar con Viagra Boys y siempre trato de aportar desde esa vereda, mantener mi instrumento presente y tocar lo que sea necesario para que la canción se mantenga viva. ¿Esto responde tu pregunta? (risas).

Sí, por supuesto.

De acuerdo, muy bien (risas).

Cuando escucho la música de Viagra Boys, siento que tu instrumento es el que marca la diferencia en comparación al sonido de otras bandas de la misma escena. ¿Cómo empezaste a involucrarte más en el desarrollo de las canciones?

Ha sido siempre teniendo presente mi situación. Estoy consciente de que tocar el saxofón en una banda de rock es difícil porque la historia del instrumento en estas bandas ha sido solamente haciendo un solo, o cosas por el estilo. Intento usarlo más como un instrumento rítmico y ser un elemento más de la banda.

Quiero preguntarte por la canción “Troglodyte”, la que obviamente es muy satírica, pero también bien clara en su mensaje. Ese tipo de gente que aborda la canción está presente en todos los países y, en base a esto, ¿cómo crees que deberíamos actuar frente a ese tipo de personas que dañan a la sociedad con sus actitudes?

Sí, es difícil lidiar con eso. Generalmente es gente solitaria, la que no se muestra mucho porque, si tomamos como ejemplo a los haters de internet, generalmente son personas anónimas. No lo sé, amigo, supongo que tenemos que poner de nuestra parte para entregar positivismo a los que están a nuestro alrededor y tener la esperanza de que eso se extienda a todos. Es difícil hacer las cosas por cuenta propia, tenemos que entre todos esforzarnos para crear el mundo en que queremos vivir.

Sebastian dijo una vez que los animales tienen un sentido de sociedad más desarrollado en comparación con los humanos, lo que es totalmente cierto.

Si, totalmente. Esa frase resume todo, de alguna forma.

No importa lo que digas o hagas en internet, siempre habrá alguien anónimo criticando. Es algo que he visto en las redes de la banda, de hecho, comentarios de odio y cosas así. Lo primero que uno se pregunta es ¿qué estás haciendo aquí?

Sí, eso me hace pensar que tampoco uno sabe cómo deshacerse de esas conductas. Uno de los principales problemas de esto es la falta de empatía que sienten, además de que nunca logras verle las caras cuando están comentando cosas. Nunca obtienes una reacción clara porque es todo desde el anonimato.

Es mejor ignorar ese tipo de actitudes, creo yo.

Totalmente. Quizás es una de las cosas malas que vienen con el amplio uso de internet en la actualidad. El internet todavía es muy nuevo, creo que todavía no logramos entenderlo por completo (risas).

Oskar, vendrán por primera vez a Sudamérica en noviembre. Acá en Santiago harán dos shows, uno en el festival Primavera Sound y otro más pequeño en un club o teatro de la ciudad, del que aún no tenemos detalles.

Oh, vaya, supongo que sabes más que yo sobre esto (risas).

Bueno, con el ticket del festival tienes acceso al evento y a estos shows más pequeños que se harán por distintas partes de la ciudad. Ustedes son uno de esos shows, pero no se ha anunciado cuándo ni dónde será.

¡Muy bien, genial! Suena muy divertido todo esto.

¿Prefieres los shows de festival o los conciertos más pequeños? La energía en ambos puede ser muy diferente.

Sí, es diferente, pero un buen festival es otra cosa. Quizás prefiero un show pequeño y acalorado, son mis favoritos. De esos cuando hace tanto calor, que tienes que empezar a quitarte la ropa, esos son mis shows favoritos (risas).

Siendo una banda tan nueva, ya están viniendo a tocar a esta parte del mundo. Hay mucha gente esperando por ustedes, ¿qué sienten de venir hasta acá por primera vez?

Es genial, nos sorprende el cariño que recibimos desde Sudamérica. Estamos muy entusiasmados por ir, hemos estado en Norteamérica algunas veces y es genial poder seguir recorriendo, esperábamos ir para allá y ahora se cumplirá.

Bueno, Oskar, se nos acaba el tiempo. Muchas gracias por conversar con nosotros, que estés muy bien. Nos vemos en noviembre.

Gracias a ti, nos vemos en noviembre, Manuel. ¡Cuídense todos por allá!

Foto por Ulrika Lovén.

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