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Entrevistas

Björn Strid de Soilwork: “A pesar de todos los cambios, aún somos una banda coherente”

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Si hay una corriente musical que redefinió el metal más extremo a fines de los años 90 y a comienzos de este nuevo siglo, influenciando a una gran cantidad de bandas que comenzaban recién su propia historia, sin duda fue el death metal melódico proveniente de Suecia. Grupos que son sucesores naturales de lo que hizo la primera oleada del estilo (donde encontramos a exponentes ilustres como Dismember, Unleashed, Entombed, Grave o At The Gates), pero que ostentan como característica principal su sentido de la armonía mayor y más preponderante. Actos como Arch Enemy, In Flames, Dark Tranquillity, Amon Amarth o Soilwork vieron cómo sus carreras despegaron por el creciente interés y difusión de su material en  Estados Unidos, principalmente, donde aumentó la demanda por verlos, lo que propició que innumerables giras se realizaran con ellos como principal atracción y como cabezas de cartel.

Dentro de ese contexto, Soilwork siempre se destacó por sobre sus pares debido al trabajo constante y arduo, al virtuosismo y a la incesante búsqueda de un sonido propio que los definiera, situación que les trajo, aparte del reconocimiento y el éxito comercial, más de alguna polémica con parte de sus seguidores más acérrimos, quienes no aprobaban la evolución del conjunto.

Este próximo 16 de septiembre es el estreno de los suecos en nuestro país y es por eso que nos contactamos con  su líder y único miembro original, Björn “Speed” Strid, para que nos contara sus impresiones respecto a la historia de Soilwork, a su último disco, “The Ride Majestic” (2015), y  para que nos hablara del debut en esta parte del continente.

“The Ride Majestic” evoca en algunos momentos lo que ustedes hacían en sus primeros años, pero además su música suena revitalizada y se posiciona como una nueva forma de concebir el metal extremo, gracias a la mezcla de agresividad y al sentido de la melodía que posee Soilwork. Aparte de la furia y la angustia juvenil del comienzo de su carrera, ¿cuál dirías es la mayor diferencia entre todos los procesos creativos, incluyendo al de este último disco?

Creo que la diferencia principal es que entendimos que toma tiempo ser un buen compositor. Quiero decir, los primeros días tienen ese toque especial, esa furia primordial que hace que toques un riff tras otro y que suene increíble y encantador para ti. Lo que ocurrió en el caso de Soilwork tiene que ver con todos los cambios de integrantes que sufrimos, lo que significó que la entrada de tanta gente al grupo nos trajera cosas y elementos nuevos que aportaron a la composición. Es difícil comparar, pero sí creo que somos unas de las pocas bandas del género que manejó su evolución de manera interesante. Entonces, a pesar de todos esos cambios, aún somos una banda coherente y creo que lo que hemos hecho ahora último trajo de vuelta algunas melodías melancólicas escandinavas que hacíamos al comienzo, ese sonido típico del death metal melódico sueco, pero además nos esforzamos para refrescarlo y hacerlo innovador. En eso se basa Soilwork, es nuestra receta, la pasión por la música nos mueve y no creamos discos sólo para tener una razón o una herramienta para salir de gira y sobrevivir; todo parte desde la música y creo que esa convicción se siente en “The Living Infinite” (2013) y en “The Ride Majestic”. Me enorgullece que nos hayamos mantenido relevantes y que todavía seamos capaces de desafiarnos musicalmente entre nosotros.

Incluso en “Steelbath Suicide” (1998) y en “The Chainheart Machine” (2000) era posible apreciar un enfoque más melódico en el sonido de Soilwork, pero en términos vocales esto no se desarrolló completamente hasta “A Predator’s Portrait” (2001) y, de forma más notable aún, en “Natural Born Chaos” (2002). ¿Cómo describirías el momento exacto en que decidiste incorporar una voz limpia a la propuesta del grupo y por qué?

Todo partió con una canción extra que publicamos en la edición japonesa de “The Chainheart Machine”. Peter (Wichers, ex miembro) comenzó a convencerme de a poco que debía cantar de esa forma. “Eres bueno en eso, cantas bien”, solía decirme, y yo por mi parte sentía curiosidad por implementar algo nuevo y además quería progresar como cantante, al igual que el resto de mis compañeros que querían mejorar en lo suyo. Sentí la necesidad de innovar y lo hice por primera vez para Japón en la canción “Shadowchild”, que luego fue incluida en “A Predator’s Portrait”. Ese fue el comienzo de todo y me sentí motivado, a pesar de que algunas personas piensan que esa decisión responde a motivos comerciales: incluir voces limpias para ser más pegadizos y así obtener difusión en los medios, pero la verdad es que esa jamás fue la razón, porque mi intención sólo era mejorar como cantante y expandir mi registro para encontrar más canales para expresarme.

¿Cómo se involucró Devin Townsend en la producción de “Natural Born Chaos” y qué puedes contarnos de esa experiencia?

Tiene mucho que ver con lo que hablábamos recién. Yo estaba enfocado en desarrollar mi voz limpia y lo hice en “A Predator’s Portrait” y luego mucho más en “Natural Born Chaos”. Realmente me gusta mucho como canta Devin y siempre me ha impresionado su registro. De hecho, cuando comenzamos con el grupo, uno de los discos que más nos influenció fue “City” (1997) de Strapping Young Lad, sin duda una gran inspiración para nosotros y para mí, porque él fusiona las partes pesadas con las melódicas al cantar de una manera única y eso me entusiasmó para crear mi propio estilo. Así nos decidimos un día a contactarlo y a proponerle que co produjera el disco con Fedrik Nordström, y afortunadamente dijo que sí y resultó una experiencia fantástica; aprendí mucho y progresé aún más. Es por eso también que decidimos trabajar con él de nuevo en “Sworn To A Great Divide”, pero esta vez sólo se encargó de la producción vocal, entonces yo viajé a Vancouver para grabar todas las voces del álbum allá y ese fue otro proceso en el que aprendí bastante, momento desde el que siento he mejorado aún más.

Recuerdo que, por ese entonces, Devin te calificó como una “súper voz humana”.

También lo recuerdo y fue maravilloso, porque lo considero un cantante excepcional. Adquirí mucha confianza luego de grabar las voces con él, porque cantar así requiere de mucho tiempo, de mucha  práctica y yo estaba recién empezando. Hasta ese punto había cantado siempre con una voz violenta y me resultaba complicado agregar el canto limpio y, como todo principiante, carecía de confianza en mí mismo. Esa época en que trabajé con Devin de verdad me cambió, porque fue el momento en que empecé a creer en mi voz.

Hace quince años, la escena del death metal sueco –comúnmente etiquetada como el “sonido Gotemburgo”–, fue uno de los estilos más venerados e imitados en el metal. Puesto en perspectiva, ¿cómo ves la escena actual del metal sueco y cuál dirías es el lugar que ocupa Soilwork dentro de ella?

Creo que la escena es mucho más interesante y diversa hoy en día, porque a mediados y fines de los años noventa las bandas sonaban muy parecido y era difícil identificar a una por sobre otra. Respecto a nosotros, bueno, somos de Helsingborg, que está a unas  horas de Gotemburgo, por lo tanto estamos influenciado por esa escena y somos parte de un mismo género que ahora tiene a muchas bandas que finalmente encontraron su propio sonido, su sello personal, como es el caso de At The Gates, In Flames, Dark Tranqullity o nosotros, pero que además tiene a un montón de grupos jóvenes que siguen apareciendo, entonces eso hace que la escena sea muy heterogénea.

La carrera de Soilwork está llena de cúspides y de éxito, y su reputación ha aumentado en los últimos años. Como único miembro original, ¿cuál dirías es el momento más duro en estos 21 años de existencia?

De muchas formas diferentes, sin duda, fue cuando Peter dejó Soillwork por primera vez en 2005. Fue algo muy duro porque formamos la banda juntos y, pecando de inocente tal vez, creí que eso duraría siempre. Uno construye una relación sólida y el momento en que una de las partes decide que ya no puede continuar siempre es difícil y toma tiempo superarlo. Luego la situación gatilló que yo tomara la guitarra y de a poco empezara a componer canciones, hasta que llegó el punto donde compuse la mayor parte del material para los últimos dos discos, y resultó todo un desafío positivo para mí, a pesar de que mi querido amigo con el que fundé el grupo ya no era parte de Soilwork. Como es evidente, fueron muchos los aspectos afectados por la partida de Peter, así que de seguro ese fue el peor momento.

“The Ride Majestic” ha sido bien recibido en general, tanto por los seguidores como por los medios. Sin embargo, algunos de sus trabajos anteriores, como “Figure Number Five” o “Stabbing The Drama”, fueron toda una controversia por el cambio radical y el alejamiento de lo que habían hecho hasta ese punto. ¿Qué opinas del resultado de esos dos discos y cómo manejaron esas críticas negativas en su momento?

Fue algo que necesitábamos hacer como grupo, era lo que queríamos hacer en ese momento debido a que, como dije antes, toma tiempo encontrar tu propio sonido, tu identidad y convertirte en un mejor compositor. Es algo que nunca se detiene. Ralamente nos gustó lo que hicimos en esos dos discos; es más, creemos que “Stabbing The Drama” quedó mejor incluso que “Figure Number Five”, y por eso es nuestro trabajo más exitoso a la fecha.

De hecho, abrió las puertas del mercado estadounidense para ustedes.

Así es, entonces llegó un momento en que los grupos suecos se retroalimentaron de sus pares estadounidenses, debido a que compartimos mucho con ellos girando, con grupos de metalcore o de cualquier otro estilo. Es difícil no influenciarte por algo que te gusta, es humano y hablamos de buenas bandas que lo siguen siendo, por que Estados Unidos siempre ha sacado buen metal. Creo que la mejor manera de clasificarlo sería algo así como un intercambio o un trueque, incluso creo que en un momento las bandas estadounidenses tenían más del “sonido sueco” que las mismas bandas suecas (risas). Fue algo muy interesante. No creo que haya sido una crisis de identidad, sino que fue un intercambio que nos influenció como cualquier otra cosa que nos guste, sin portar lo que sea.

¿Cuál es tu opinión más técnica, por decirlo de alguna manera, respecto al resultado de “The Ride Majestic”?

Creo que la producción fue genial e hizo un gran trabajo. Siempre habrá algún pequeño detalle por aquí o por allá, pero estamos satisfechos con el resultado en general; captura perfecto la atmósfera oscura con la que lo grabamos.

Como lo que evocan esos pasajes un tanto cercanos al black metal de algunos temas…

¡Claro! Fue concebido como un disco muy personal también. Cada elemento que incorporamos, como esos toques de black metal, por ejemplo, lo hicimos a nuestra manera y de forma muy singular. No fue algo así como “Oye, me gusta el sonido del black hoy en día, hagamos algo de eso”. No, nunca ha sido así. Lo nuestro siempre ha tenido matices y toques de ese estilo, pero filtrados por nuestra esencia y de una u otra forma siempre ha estado en nosotros. No es nuestro método copiar y pegar de otros estilos, sino que es lo que resulta de ser una banda de seis integrantes con distintos gustos musicales que no planean cada cosa que van a componer; sólo lo hacen y es algo espontáneo. Sé que puede sonar un poco pretencioso, pero es la verdad. Esos atisbos de black metal que mencionaste de “The Ride Majestic” provienen de arreglos más oscuros que incorporamos esta vez, que además incluyen bastante experimentación con melodías melancólicas, todo hecho con un filtro muy personal de Soilwork. Eso hace que sea mezquino clasificar esos pasajes sólo como black metal, en mi opinión.

¿Tienes planes de publicar más material nuevo con Terror 2000, Disarmonia Mundi o con The Night Flight Orchestra?

La verdad es que no sé qué pasará a estas alturas con Terror 2000 porque ya han pasado más de diez años, aunque sería entretenido hacer un disco más. Lo cierto es que mis esfuerzos están enfocados en The Night Flight Orchestra, a pesar de ser algo muy diferente a lo que hago habitualmente con Soilwork; soy un fanático del rock clásico, me divierte mucho tocarlo y se siente bien ser parte de un grupo así, donde además puedo desarrollar aún más mi voz limpia.

¿Qué significa para Soilwork visitar Sudamérica por primera vez, y qué conoces de la escena metalera de este lado del planeta?

Me cuesta creer que nos haya tomado veinte años llegar a Sudamérica; es algo que siempre quise y que por distintas razones no resultó antes. Sin embargo, creo que hay un lado bueno dentro de toda esta espera, porque ahora tenemos diez discos de donde elegir material, así que les entregamos el mejor setlist que Soilwork pueda tener (risas). Sé que será una experiencia increíble y fantástica por lo que otros músicos me han contado. Confieso que sé más del cariño y de la energía de lo seguidores y del público que de la escena en sí, por lo tanto espero conocer más ahora cuando esté allá y espero que me presenten algunas bandas locales también.

Se nos acaba el tiempo, Björn. Has sido muy amable con HumoNegro. Gracias por concedernos la entrevista.

Gracias a ustedes por considerarnos y gracias al público por ser paciente con nosotros. Nos tomó veinte años visitarlos, pero llegaremos muy emocionados y motivados para retribuir la espera entregándoles el mejor espectáculo que puedan imaginar de Soilwork. Será memorable, se los aseguró, y llevaremos un gran repertorio pensado en ustedes que no nos han visto antes. ¡No vemos en septiembre!

Por Hans Oyarzún

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Phil Collen de Def Leppard: “Siempre hemos querido ser como Queen”

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Phil Collen de Def Leppard

Los dos años y medio que lleva la pandemia, han sido el escenario propicio para que muchos artistas pasen su tiempo en el estudio componiendo música, ante la ausencia de giras y grandes eventos. Ahora, con un regreso de aquellas actividades, muchas bandas están saliendo a la carretera con nuevos discos bajo el brazo y, a la vez, viviendo una especie de segundo aire en sus carreras. Pareciera que ese es el caso de Def Leppard, ya que la agrupación trabajó en secreto y a la distancia durante la pandemia “Diamond Star Halos”, álbum de estudio número 12 y sucesor de su trabajo homónimo de 2015, llegando literalmente en un momento en que nadie esperaba un nuevo larga duración por parte de los ingleses.

El trabajo a la distancia y la manera más relajada de componer canciones fue lo que motivó a la agrupación a desarrollar un disco que, en sus propias palabras, no estaba planificado, resultando en un sonido espontáneo y refrescante, con momentos que capturan su sonido característico, pero, a la vez, llevando sus composiciones hasta otras latitudes. Bajo el contexto de este LP es que conversamos con Phil Collen, histórico guitarrista de la agrupación, que se tomó un tiempo para abordar el proceso de composición de este disco, sus pasatiempos durante la pandemia, su preparación para la próxima mega gira junto a Mötley Crüe, su inspiración en el trabajo de Queen, los recuerdos de su primer y único show en Chile, entre otros temas, en una entrevista que te dejamos a continuación.

Hola, Phil, ¿cómo estás?

Estoy genial. ¿Cómo estás tú?

Muy bien, también. Es genial que estemos hablando, quisiera partir preguntándote por los preparativos para el “The Stadium Tour” con Mötley Crüe. ¿Cómo va eso?

Fue muy raro comenzar a prepararnos porque no hemos tocado juntos por un largo tiempo, obviamente. Ni siquiera grabamos en el mismo espacio para este disco, así que fue realmente hermoso poder tocar juntos nuevamente y cantar entre todos, ya sabes, extrañaba mucho esa armonía que logramos con nuestras voces. Estamos listos, practicamos algunas de las nuevas canciones y suenan genial, así que estamos más que preparados. Lo estábamos hace dos años y medio, también (risas).

Genial. Obviamente esta entrevista es sobre el nuevo álbum de la banda, “Diamond Star Halos”, así que quisiera preguntarte un poco sobre el proceso de este disco y su creación durante la pandemia.

Sí, siento que fue mejor hacerlo de esta forma. Cuando estás en un estudio no logras sacar todas tus ideas a flote, en cambio, de esta forma estás mucho más inspirado. Fue principalmente Joe y yo componiendo las canciones juntos; terminamos algunas solamente enviándonos ideas y eso no lo logras en un estudio, donde tienes que esperar que otras personas terminen su parte. Me pasaba mucho eso, a veces grababa mis voces y me faltaba la guitarra, tenía que apurarme, en cambio de esta forma no debí preocuparme de eso. Era como si las canciones se componían solas, no había que forzarlas ni nada. Prefiero este método; de hecho, es mucho mejor, las voces suenan mejor, tocamos mejor, es un proceso mucho más relajado y te permite conservar energías también, lo que es muy importante.

Sí, tengo entendido que este álbum no estaba planeado. Primero trabajarían en un par de canciones, pero luego terminaron siendo más. ¿Decidieron hacer un álbum por la comodidad al trabajar de esta forma o solamente se dejaron llevar?

Lo hicimos por las razones correctas, porque queríamos hacer las canciones que queríamos hacer, digamos. No fue algo así como “tenemos que hacer un disco, pongámonos a componer”, sino que algo más divertido y natural. Siento que dejamos de lado el aspecto de los negocios y nos concentramos más en la libertad creativa, estábamos muy inspirados. Es así como debería ser siempre, creo que trabajamos de una manera más enfocada que cuando vamos al estudio.

Vi en una entrevista que Joe (Elliott, vocalista) te mandaba los tracks y tú los veías al despertar en la mañana, por la diferencia horaria entre ambos. Ahí trabajabas en ellos, se los enviabas de vuelta y él hacía lo mismo. ¿Cuál fue para ti la mejor parte de trabajar con este método?

El hecho de poder hacer otras cosas, de no estar concentrado todo el tiempo en el trabajo. Vivo a unos 15 minutos de la playa, así que durante la cuarentena me levantaba muy temprano e iba a nadar al mar, esta forma de trabajar te permite hacer otras cosas. Tengo un hijo de cuatro años recién cumplidos, así que pude estar más tiempo con él, llevarlo al parque y hacer cosas que no podría disfrutar normalmente. Cuando estás en una situación de trabajar en el estudio, ese tipo de entorno no te permite hacer otras cosas, sólo piensas en eso y no hay más, en cambio ahora podía tomar recesos para leer algo, salir un rato, hacer lo que sea, y eso definitivamente te inspira más.

Quiero que hablemos un poco de la promoción de este disco. Hicieron una página web con las cartas de tarot y estos mensajes de parte de cada uno de los integrantes. ¿Cómo surgió esta idea?

Joe quería incorporar estos conceptos de tatuajes y cartas de tarot, lo que funcionó muy bien con la compañía discográfica y el trabajo con ellos. Alguien del sello sugirió a Joe hacer este tipo de cosas y fuimos discutiendo ideas de ida y vuelta, mientras más pensábamos en esto iban saliendo mejores ideas. En cuanto al marketing, también funcionó muy bien, hay un montón de cosas ocultas que todavía no entiendo bien qué significan, pero seguramente representan ciertas cosas de ciertas canciones (risas). Es algo genial, especialmente para el vinilo: puedes abrirlo y ver todo este arte con un montón de cosas escondidas por ahí, y es genial.

Revisé la página y no entendía cómo funcionaba la verdad, pero elegí tu carta, tú hiciste mi lectura o algo así. La frase que dices es “la verdad comienza a brillar”. ¿Cuál es el significado de eso para ti?

Oh, esa debe ser una línea de alguna letra, ni siquiera recuerdo en qué canción sale para serte sincero. Como dije, hay muchas cosas que todavía estoy descifrando (risas).

Phil, sobre las canciones del álbum quisiera preguntarte por tu favorita, o en la que más te divertiste tocándola o componiéndola.

Todas las canciones en realidad, aunque obviamente hay algunas que me gustan mucho, como “Gimme A Kiss”, es tremenda. Lo que se escucha son el demo de las guitarras, por eso tiene esa vibra tan cruda que me encanta. De hecho, en “Kick” también suenan los demos que grabé. Ambas tienen un tipo de energía diferente, prefiero ese tipo de canciones, especialmente cuando estás en una banda de rock.

El disco tiene un sonido muy ligado a los 70, principalmente a la escena glam rock de la época. ¿Esto fue intencional o algo inevitable debido a sus influencias musicales?

No fue planificado para nada, se dio de esta forma, lo que es genial. Ni siquiera nos dimos cuenta de que tantas canciones estuvieran relacionadas al sonido de ese período en el tiempo hasta mucho después, donde definitivamente notamos que había una tendencia. Por eso lo llamamos “Diamond Star Halos”, es una línea en una canción de T. Rex.

Oh, sí, sabía eso. Hay un momento muy especial en el disco, puntualmente en las canciones “Liquid Dust”, “U Rok Mi” y “Goodbye For Good This Time”, donde la banda suena muy inspirada, manteniendo su sonido característico, pero sonando muy experimentales. ¿Cómo lograron eso estando tan lejos entre ustedes al momento de componer las canciones?

Creo que la idea viene del hecho que siempre hemos querido ser como Queen, quienes suenan completamente así. Freddie Mercury puede hacer una canción como “Bohemian Rhapsody”, pero Brian May te entrega “We Will Rock You”, que son muy diferentes entre sí, pero que igualmente suenan como Queen. “Another One Bites The Dust” fue hecha por John Deacon, o “Radio Ga Ga” por Roger Taylor, y todas suenan como Queen, tienen una identidad muy individual cada una. En el caso de “U Rok Mi” y “Liquid Dust”, yo compuse esas canciones y Joe lo hizo con “Goodbye For Good This Time” y “Angels”, pero cuando los demás interpretan sus partes es cuando se transforma en una canción de Def Leppard. Esto es algo muy inspirado por Queen, es algo que ellos siempre hacen, es algo que tratamos de hacer siempre. Puedes componer algo con una idea muy rara en la cabeza y sólo cuando los demás la tocan se transforma en una canción de Def Leppard. Es algo que pasa también con las canciones donde participa Alison Krauss y canta junto a Joe, sigue sonando como nosotros. Es algo diferente, pero seguimos siendo nosotros.

Phil, esta pregunta es un poco rara, pero necesito hacerla. Cuando el sello me envió el link para escuchar el disco anticipadamente, llamó mucho mi atención el momento en que termina “Goodbye For Good This Time” y empieza “All We Need”. Cuando noté esa transición, realmente sentí como si la primera fuera el final de un lado en un vinilo y la siguiente el inicio de otro…

(Interrumpe) Oh, qué bueno que mencionas esto (risas).

Luego fui a revisar la tienda online de Def Leppard y me enteré de que efectivamente es así, “Goodbye…” cierra el lado B del primer vinilo y “All We Need” da inicio al lado C en el segundo vinilo. ¿Se preocuparon de armar una secuencia especial pensando en el vinilo cuando prepararon el tracklist? Pregunto porque me parece muy curioso, considerando que hoy casi todo se escucha en streaming, o CD también.

Lo hicimos, de hecho. Sabemos que la mayoría lo escuchará en streaming, pero nos enfocamos en el arte del vinilo que para nosotros era muy importante, además de que es nuestro primer álbum doble en ese sentido. Al momento de preparar el tracklist revisamos qué canciones abrían y cerraban cada lado del vinilo, así que es algo que conversamos mucho en este disco. Si lo pienso, nunca habíamos hecho esto antes, así que es genial que te dieras cuenta de eso porque definitivamente formó parte del proceso de creación del disco (risas).

Phil, mencionaste que Alison Krauss trabajó con ustedes en este disco. Entiendo que Robert Plant fue quien les sugirió su participación, ¿no es así? ¿Cómo fue trabajar con ella en el álbum?

No, no fue así. Robert ha grabado con Alison, lanzaron hace poco un álbum y también tienen una gira, pero fue que un día Joe y Robert estaban hablando de sus equipos de fútbol, Sheffield United y Wolverhampton Wanderers, ahí fue que Robert le preguntó a Joe en qué estaba y le comentó que estábamos grabando. Él sabía que Alison es una gran fan de la banda desde hace 30 años, así que de seguro le gustaría escuchar algo de lo que estábamos haciendo, pero Joe le dijo si no sería mejor si cantaba algo con nosotros, y así fue como empezó todo. Le enviamos algunas ideas y ella cantó estas dos canciones, fue algo que se dio muy naturalmente, terminamos de componer y ella después hizo sus partes para que quedara lista.

Entonces no es como que estaban buscando una voz femenina para estas canciones y él les sugiriera que podrían grabar con ella.

No, para nada. Solamente fue algo que se dio casualmente desde una conversación sobre fútbol. Algo muy raro la verdad (risas).

Phil, han pasado más de dos años desde que estamos en esta pandemia, pero ahora todo vuelve poco a poco a la normalidad. ¿Qué tan diferente ha sido prepararse para salir de gira luego de tanto tiempo en casa?

Empecé a prepararme para esto hace seis meses, he estado ejercitando, practicando canto, cantando con la guitarra puesta mientras estoy de pie, cosas así. Lo primero que me pasó fue que el hombro me dolía mucho al estar parado por dos horas tocando la guitarra, lo que es normal, pero ahora estoy más preparado. Comenzamos hace meses a ensayar también, así que va todo marchando bien para salir de gira.

En casi todas las entrevistas que he hecho durante la pandemia, casi todos los entrevistados dicen que dejaron de tocar un tiempo mientras estaban en cuarentena, pero eso, a la vez, les permitió inspirarse después para componer música. ¿Es algo que te pasó a ti o siempre estuviste componiendo y tocando en casa?

Fue lo contrario, de hecho. Con la pandemia empecé a escuchar más música y tocar mucho más, me adentré en muchos períodos y, aunque prefiero escuchar música en vinilo, es muy conveniente meterte a tu teléfono y escribir lo que quieras, lo que sea, y aparecerá música. Ya sea Miles Davis, Stevie Wonder, AC/DC, lo que sea, puedes buscarlo y estará ahí. Estuve completamente inspirado por un montón de música, me sentía muy inspirado a aprender y tocar todo el tiempo.

Phil, hablemos del show de Def Leppard en Santiago. Se cumplirán cinco años desde aquel momento y quisiera saber qué recuerdas de ese día.

Recuerdo que fue el mejor show que hicimos en Sudamérica, el que tuvo la mejor reacción de la gente sin duda, y eso que hacía mucho frio y había una lluvia torrencial. Pero eso no importó mucho, fue un ambiente muy cálido y pasional, yo miraba atónito al público en el estadio y pensaba que era algo maravilloso. Se supone que tocaríamos con Aerosmith, quienes no pudieron ir por una emergencia médica, pero el hecho de que cerráramos fue genial. Aproveché de caminar un poco por Santiago y ver los edificios, su cultura y su gente fue algo muy bonito. No puedo esperar a estar de nuevo allá.

Hubo una gran energía ese día. Yo estaba en la zona de prensa arriba y veía a la gente mojándose en la cancha, pero siempre gritando, cantando y saltando. Estaban encantados de ver a la banda por fin.

Sí, era una energía tremenda. Fue muy contagiosa.

¿Habrá alguna posibilidad de verlos nuevamente por acá?

Sí, totalmente. Estos meses haremos un recorrido por Norteamérica, tocando en Estados Unidos y Canadá, el próximo año iremos a Europa en el verano y en algún momento del año tenemos que ir a Sudamérica, luego Japón, Australia y Nueva Zelanda. No sé exactamente en qué momento iremos, pero es algo seguro, definitivamente estaremos de nuevo por allá.

Eso sería en 2023, ¿no es así? ¿Vendrían solos con su nuevo disco, o quieren traer la gira con Mötley Crüe a la región?

Sí, de ambas formas en realidad. Nos están pidiendo que extendamos esta gira para allá, así que tenemos que ver cómo funciona para mantenerla durante todo este tiempo. Habrá que ver qué pasa, es algo que aún se debe resolver.

Ahora que mencionas esto, el show en Santiago fue el primero de ustedes acá. ¿Cómo es que en todos estos años nadie les hizo una oferta para venir?

Tenían que invitarnos, y los promotores al parecer no estaban interesados. Recuerdo que tocamos en Rio y en Argentina, eso fue en 1997, pero fueron shows en lugares muy pequeños, prácticamente en clubes. Si no íbamos a hacer un tour grande no valía mucho la pena, por lo que teníamos que esperar que nos invitaran a algo más grande, como lo fue aquella vez que estuvimos allá.

Muy bien, Phil, se nos acaba el tiempo. Te agradezco esta entrevista y te doy mis felicitaciones por su nuevo disco, lograron un trabajo muy variado y de mucha calidad. Espero tener la oportunidad de escuchar el vinilo y descubrir todas esas cosas que me comentaste.

Fue un placer, muchas gracias a ti. Si llegas a descubrir todas esas cosas, por favor házmelo saber, ni siquiera yo logro dar con todas aún (risas). Cuídate mucho, nos veremos en alguna oportunidad.

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