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Suede: Hedonismo melódico

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Alguna vez por ahí alguien dijo que, si Oasis era John Lennon, Blur era Paul McCartney y Pulp era George Harrison. Pero si tomamos esa enmienda y tratamos de encajar a Suede, sería injusto hacer que calzara con el Beatle restante. Sería injusto siquiera hacer una inclusión de su música en un espectro tan acotado por el tan sólo hecho de personificarlo con uno de los cuatro referentes más fuertes de la música mundial. A ellos, o a cualquiera de los tres anteriormente mencionados.

Pero enfoquémonos en Suede, ese destello de clase, hedonismo y sexualidad que salió de una generación dorada de la música inglesa. Esos chicos de escuela de arte y de clase media que vagaban por las calles de Camden Town. Que decidieron llevar la lucidez de la clase media a un escalafón desde el cual todos pudiesen escuchar.

Suave And Elegant

Suede partió como tantas otras bandas de universidad de esa época; un grupo de amigos tocando covers de sus bandas favoritas, The Smiths, Bowie, The Beatles. Entre ellos, estaba Brett Anderson y su novia de la época, Justine Frischmann (Elastica). Junto a Matt Osmand, el eterno bajista de Suede, tocaban en uno que otro sitio sin mayor éxito. El resto de la banda se formaría por medio de audiciones. Fue así como llegó Bernard Butler a la guitarra y Simon Gilbert a la batería, después de mucho buscar a alguien ad hoc para ocupar el cargo, en donde incluso casi reclutan a Mike Joyce de The Smiths.

La agrupación, ya convertida en quinteto, conocida como Suave and Elegant, vería su primer gran  quiebre. Justine Frischmann dejaría a Anderson para irse a los brazos de Damon Albarn, por ese tiempo aún un debutante con su banda Blur y su disco “Leisure” (1991). Y aunque Frischmann decidió seguir adelante con el proyecto, su historia en ella era inviable después que esta participara en el video “Bang” de Blur. Cosa que acabaría por desencadenar el alejamiento de Frischmann de la banda.

La bendición de NME

Después del alejamiento de Frischmann, Suave and Elegant mutó a Suede, y arduamente comenzaron a grabar su disco debut en 1992. Con el grunge consumiendo todos los rankings a su paso, la decadencia del sonido Madchester y la aparición de las primeras bandas consideradas más tarde como brit pop, la prensa se veía en la necesidad de encontrar un artista “it”, al cual adjudicarle la obligación casi mesiánica de levantar la música británica que, por ese tiempo, era liderada a nivel nacional por artistas como Phil Collins y Annie Lenox y que, según la prensa, no dejaban cabida para sonidos frescos ni reinvenciones.

Suede, sólo con un par de singles (“The Drowners” y “Metal Mickey”) sonando en las calles, enamoró rápidamente a toda la prensa especializada. Fue así como de un momento a otro, Anderson acaparó las portadas de revistas como Melody Maker, NME, Q Magazine y la afamada portada de la revista Select de abril de 1993, bajo la consigna “Yanks, Go Home!”, como una advertencia a lo que se vendría luego.

Y fue gracias a la NME, que después de una campaña hype por dar a conocer a Suede como el puntal de lanza de este nuevo y poco silencioso movimiento, logró que sin tener un disco a la venta, tocaran en la entrega de los Brit Awards de 1993, donde el gran triunfador fue Simply Red. Esta presentación, con un Brett Aderson más desfachatado que nunca, encaró a todo el muy compuesto público presente cantando “Animal Nitrate”, quizás una de las canciones más atrevidas y deslenguadas de la discografía de Suede, junto a uno de los mejores solos de guitarra que se pudo apreciar en los 90’s. Esta actuación sería otro de los tantos momentos sindicados como los orígenes del brit pop. El álbum debut homónimo de Suede, debutaría en el primer lugar de las listas británicas y ganaría el Mercury Prize de 1993.

Su sonido desde el comienzo estuvo marcado por el arty rock de los 70’s, con evidentes guiños hacia la música de Bowie y el glam rock. Y el post punk de Johnny Marr en The Smiths que siempre ha marcado pauta en la guitarra de Suede. Por otro lado, el registro vocal nasal de Brett Anderson siempre ha sido un instrumento que ha jugado con el mensaje casi andrógino de la banda.

Dog Man Star y las reinvenciones.

Suede no se retrasaría con la edición de su segundo disco, pero este no vendría libre de problemas. Bernard Butler, guitarrista y co-autor de las canciones, dejaría la banda por problemas con Anderson, y aunque participó por completo en las grabaciones de “Dog Man Star”, sería Richard Oakes, un joven de 17 años, quien tomaría el liderato de la guitarra. Si bien “Dog Man Star” es un disco que roza la perfección y que actualmente se encuentra como uno de los preferidos por la audiencia de Suede, no causó el mismo revuelo que su antecesor. En parte, todo se debió a la explosión en grande que causarían ese año discos como “His ‘n’ Hers” de Pulp, “Parklife” de Blur y “Definitely Maybe” de Oasis.

En 1996, Suede volvería con una reinvención en su sonido gracias a la inclusión del tecladista Neil Codling. De “Coming Up” saldrían canciones como “Trash”, “Saturday Nigh” y la casi hímnica “The Beautiful Ones”. Suede volvería a estar nominado a un Mercury Prize y esta vez, con la explosión de brit pop ya acontecida, alcanzarían un mayor radio de éxito comercial.

Para 1999, Suede se apresuraba con “Head Music”, un disco que seguiría las líneas generales de “Dog Man Star” y su pop glamoroso, pero que también adelantaría el sonido más electrónico de la banda. Si bien obtuvieron una buena recepción con canciones como “Electricity”, “She’s In Fashion” y “Everything Will Flow”, en la prensa se creía que Brett Anderson no tenía mucho que decir líricamente hablando, y que el peso de la banda recaía únicamente en Codling, aunque no con los mejores resultados. Aún así, el disco estuvo en las listas de los mejores del año.

En el año 2002, Suede lanza el disco “A New Morning”, que marcó la decadencia de un sonido que ya venía agotando ideas desde “Head Music”. Esta vez, con el alejamiento de Codling en parte del disco, la inclusión del músico de estudio Alex Lee y los intereses por otros lados de Brett Anderson. Hasta la fecha, es el disco con menor recepción por los medios. En diciembre de 2002, Brett Anderson anunciaría en medio de un concierto que aún no habría nuevo material de Suede por un buen tiempo. Con los años Anderson realizó un par de discos solistas, que finalmente, y ante la fallida visita de 2008, trajo al ahora solista a tierras chilenas en 2009. Y fue con The Tears que limó asperezas con su antiguo compañero de banda Bernard Butler, el cual con los años cosechó una sólida carrera solista y de productor musical.

El 24 de marzo de 2010, Suede hizo realidad su vuelta a las pistas con su formación 1997, sin Butler y con Oakes y Codling. De hecho Bernard Butler habría declinado tajantemente volver a su antigua banda por más que The Tears haya sido una experiencia positiva. Desde ese momento, Suede se encuentra girando con sus grandes éxitos por diversos festivales de verano, y mientras están en plena grabación del esperado sucesor de “A New Morning”, el 17 de octubre llegarán a Chile para tocar en el teatro Caupolicán a encandilar con aquel hedonismo melódico y demostrar porqué fueron uno de los mayores protagonistas de una corriente musical que sigue sumando y sumando adeptos en nuestras tierras.

Por Pamela Cortés

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19 Comentarios

19 Comments

  1. Natalia Oyarce

    13-Oct-2012 en 7:15 pm

    Muy buen reportaje

  2. Paola Auquilen

    17-Oct-2012 en 4:45 pm

    Segunda vez que leo el artículo, me gustó mucho. Estoy ansiosa por ver el show de hoy.

  3. Maria Paz Concha

    17-Oct-2012 en 4:47 pm

    Parece escalofriante que hayan partido en la calle y que en los 90s hayan estado en la cima del mundo…hoy en día siguen siendo una gran banda. No todas las bandas logran perdurar tanto en el tiempo y mantenerse “edgy”. Buen reportaje.

  4. Mariano Bustos

    17-Oct-2012 en 4:48 pm

    Siempre todo tiene que ser con los Beatles, ya me tiene harto.

    SUede y todos los otros mencionados serán influecniados por, pero hoy por hoy, hay mucho mejor y variado que los beatles.

    Por fin otra banda clásica y marcadora de etapas llega a Chile

    saludos

  5. Natalia Osorio Hernández

    17-Oct-2012 en 4:49 pm

    No me gusta mucho the Tears pero suede, bastante. En cuanto al artículo,como siempre queda Brett anderson como el apático. Pero así es.

  6. Patricio Carmona

    17-Oct-2012 en 4:49 pm

    Muy buena recopilación de la historia, hoy por fin mas de 15 años escuchándolos se cumplirá un gran sueño.

  7. Karina Quiroz

    17-Oct-2012 en 4:50 pm

    El sueño del pibe. Cuando grande quiero ser como ellos.

  8. Natalia Zuñiga

    17-Oct-2012 en 4:51 pm

    y, teniendo a éstos como referentes mientras una crecía, cómo no iba a salir rarita…

  9. Claudio Villalobos

    17-Oct-2012 en 4:52 pm

    Sin Suede, no habría escuchado siquiera la décima parte de lo que valoro en mi vida.

  10. Catalina Pinto

    17-Oct-2012 en 5:00 pm

    Ja!no sabía que Bret había tenido novia y que se fue con Damon!!!
    Este es uno de los días más felices de mi vida, y aún tengo el casette Dog Man Star!!!
    Buena nota!

  11. Cristian Tapia

    17-Oct-2012 en 5:02 pm

    Muy buen artículo sobre la banda, especialmente lo comentado con respecto a la primera etapa de la banda. Varios detalles que desconocía. Felicitaciones.

  12. Francisco Oyarzo

    17-Oct-2012 en 5:09 pm

    Interesante, una bonita previa para lo de hoy

  13. Elizabeth Gallardo Valdivia

    17-Oct-2012 en 5:16 pm

    Muy bueno el reportaje, recorre toda la discografía de la banda. Llevo esperando más de 10 años por verlos en vivo y hoy se cumple el sueño!

  14. Rodrigo Bertin

    17-Oct-2012 en 6:12 pm

    Buenisimo reportaje, todos a SUEDE hoy!!!!!!!

  15. CRISTIAN GAETE

    17-Oct-2012 en 6:13 pm

    hace tanto q es esperado por tantos…. igual cuando vino bret estuvo bueno, pero ahora sera mejor… sera como volver a mis años de universidad!

  16. carito fernandez

    17-Oct-2012 en 6:24 pm

    estoy esperando desde hace mucho ver a suede en vivo, cuando vino Brett fue increible, pero ahora la banda completa es casi un sueño poder verla en vivo! y sería mejor aun si pudiera conocerlos!
    muy buen reportaje!

  17. Alejandra Morales

    17-Oct-2012 en 6:24 pm

    Tremenda banda, aunque injustamente a la sombra de oasis y blur, un agrado que el artículo mencione algunos datos q no sabia…como lo de la campaña de NME… aunque el dato rosa quizás sobra.

  18. Andrea Méndez

    17-Oct-2012 en 6:27 pm

    verlos hoy será un sueño para muchos de nosotros que durante los 90 solo nos teníamos que conformar con verlos ocasionalmente en programas de cable y buscando revistas importadas…hoy será una noche especial *0*!…que buen reportaje

  19. edson

    17-Oct-2012 en 6:49 pm

    Siempre se agradece una dosis de informacion pre-recital 🙂

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Discos chilenos destacados 2020

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Discos chilenos destacados 2020
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Este pudo ser un año sin ningún lanzamiento y eso podría haber sido lo más justo del mundo. 2020 estuvo marcado por la crisis político-social en nuestro país, y luego por una crisis sanitaria-cultural a nivel mundial por la pandemia. La música en vivo se apagó casi por completo por la imposibilidad de tener masas de gente en conjunto en el mismo espacio, y con ello la principal fuente de ingresos de la industria musical también ha dejado a miles de trabajadores de la música en la cuerda floja. Pero en vez de silencio, son muchas voces las que se han alzado, en múltiples estilos y mensajes, y la música ha sonado fuerte, claro y ha servido para demostrar el valor de las artes y cultura en un contexto de adversidades e incertidumbres. Allí, las y los músicos chilenos han colaborado, dialogado y generado instancias para mantener la presión sobre las autoridades para que se hagan cargo de la crítica situación, pero también han brillado en materia de creación, generando una gran cantidad de material valioso, en diferentes géneros.

Muchos EPs han formado parte de los proyectos surgidos, incluso con la motivación de la pandemia. Quizás es ese aislamiento forzado el que también ha hecho que la mayoría de los proyectos que destacamos en este listado 2020 de HumoNegro sean, justamente, trabajos surgidos desde una labor solista (Alexander Quinteros, Chini.png, Rubio, Nico Carreño, Cevladé) y además con mucha sensibilidad reflexiva. En tanto, encontramos bandas que se consolidan (Alectrofobia, Adelaida, Niños del Cerro) y otras que sorprenden, pese a sus ya sólidas trayectorias (Cómo Asesinar A Felipes, Yajaira, Poema Arcanus).

La creación artística siempre es esperanza y brillo, y en medio de incertidumbres que nublan el rumbo, esperamos que estos discos que seleccionamos entreguen al menos parte del retrato de un año donde todo fue más difícil, pero donde, aun así, hubo luces y sonidos. Desde HumoNegro, un reconocimiento para las y los compositores e intérpretes que mantienen viva la música chilena. Aquí, en orden alfabético por banda, nuestra humilde selección de EPs y LPs destacados 2020.

Link a los streamings de cada álbum pinchando en las imágenes.


“Animita”

Adelaida

Tras el éxito de “Paraíso” (2017), Adelaida no se durmió en los laureles y comenzó el proceso de creación de su cuarto disco, uno que llegó este 2020 y trajo consigo nuevas texturas para la banda de Valparaíso. “Animita” es un trabajo enérgico y honesto, donde el trío compuesto por Jurel Sónico, Naty Lane y Lele Holzapfel sigue buscando su fórmula definitiva, jugándosela con varias sorpresas a las que no nos tenían acostumbrados, pero sin perder su esencia. El LP, que nació como una ofrenda a Émile Dubois, personaje emblemático de la cultura popular porteña, se posiciona como uno de los grandes registros del año. Tal como grita Naty Lane en “Kraken”: “¡Es un ruido necesario!”.


“Era Luz”

Alectrofobia

https://open.spotify.com/album/0d8R4U0j0ZemcWxkHL0Yb5

La escena del rock “a secas” parece estacionada en los clichés en todo el mundo, y por eso es interesante cuando una banda intentar refrescar el sonido y las ideas. Alectrofobia ha marcado los últimos años del rock chileno con su vocación por un sonido de calidad internacional, y desde ahí ha construido canciones que, sin estacionarse en una sola vereda sónica, transmiten potencia y mensaje. “Era Luz” es un álbum donde la calidad de grabación, mezcla y masterización se suman a la intención de cantar y contar sobre las crisis que ocurren en nuestro país. Desde el punk rock hasta el hard rock, pasando por americana o post grunge, Alectrofobia crea grandes canciones en un disco que consolida sus fortalezas.


“2020”

Alexander Quinteros

La cuarentena ha sido un espacio de aislamiento, pero también de contención y otro tipo de creatividad. Alexander Quinteros trabajó en confinamiento un disco lleno de ambientes y atmósferas dignas de retratar este año, al que coherentemente nombró “2020”. Tracks breves, pero completos en su composición, con arreglos precisos, a los que ni siquiera el truco innecesario del “audio 8D” les quita la capacidad de enfocar –mediante emociones y gradientes– el año más difícil para mucha gente. Quinteros se la juega por lo instrumental y conceptual, y en una temporada donde el tiempo parece líquido y las consignas gritadas parecen desvanecerse, “2020” dibuja un borroso pero fidedigno documento de la pandemia.


“Rfd2”

Cevladé

La censura tapa la boca, pero también genera reacciones. Cevladé se vio en la necesidad de responder a la censura a “Requiem For A Drink” (2012), motivada por la alta rotación de su tema “El Lamento del Pueblo” tras el estallido. Tras bajar el disco de las plataformas, el artista tomó desafío de contar de nuevo la historia de Mario De La Milnova y “La Orden RFD”. “Rfd2” es una especie de continuación y remasterización del disco censurado. Nuevos bríos, interpretaciones más crudas, una producción más clara, pero también más densa y oscura, caminan un trayecto aparentemente conocido con nuevos ojos, líricas y con la rabia renovada. Un rescate de la propia historia, convertida en declaración.


“CTRL+Z”

Chini.png

En el computador, el comando CTRL+Z se encarga de deshacer algo, de convertirlo en un paso en falso y olvidarlo. En un EP, Chini.png lo convierte en un código para presentarse como solista, y también para acompañar, reflexionar y hacer catarsis. Amores, países, movimientos sociales y mitologías se cruzan en cuatro canciones que, pese a derivar en un trabajo corto en duración, termina pegando duro en las sensaciones que libera. Chini Ayarza arma un vehículo de empatía y de identidad, más aún que en Chini & The Technicians, poniéndola al servicio de una atmósfera de esperanza y desilusión, profunda y terrible, adentrándose en sucesos e ideas a las cuales cualquiera querría aplicarle “CTRL+Z”.

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