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Slayer: Un legado de sangre

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Si queremos encontrar a una banda que expele constancia y tradición en cada una de sus entregas, esa no es otra que Slayer. Los norteamericanos se han aferrado de manera tan sólida a su sonido, haciendo de su fórmula un inconfundible en el vasto catálogo del metal mundial. Slayer es una institución y aterriza por quinta vez en nuestro país, para ocupar el escenario principal del Maquinaria Festival, durante la primera jornada del certamen, en el qué será el show más masivo que haya conocido el cuarteto de California en tierras nacionales, y para luego realizar un segundo show junto a Mastodon en el Teatro Caupolicán, el día 12 de noviembre, en la que promete ser una íntima cita con el Apocalipsis.

Pioneros del thrash metal norteamericano, Slayer surgió como una de las bandas más agresivas de la escena junto con Exodus, tomando influencias de nombres como Judas Priest o Iron Maiden, para pervertirlas y transformarlas en piezas donde la rapidez y la agresividad eran el canon a seguir. Ya con el temprano “Show No Mercy” (1983) se podían sentir las influencias primigenias pasadas por el filtro de Slayer. Cortes como “The Antichrist” y “Die By The Sword”, mezclaban el heavy clásico con el thrash que comenzaba a establecerse como el nuevo estilo en boga. El chileno Tom Araya en las voces y el bajo, Jeff Hanneman y Kerry King en las guitarras, con el soporte del incombustible Dave Lombardo en los tambores, comenzaban a trazar su legado de sangre. “Haunting The Chapel” (1984) fue el siguiente lanzamiento de Slayer, en formato de EP, tiene entre sus filas a uno de los himnos de la banda, “Chemical Warfare”. La primera etapa del grupo quedó plasmada en el legendario registro en vivo bautizado como “Live Undead” (1984), cuyo booklet contiene imágenes del concierto registrado en Nueva York, en un pequeño local donde las cruces invertidas y maquillaje a lo Alice Cooper adornaban las primeras presentaciones de Slayer.

La consolidación del sonido definitivo de la agrupación, llegó con el lanzamiento de “Hell Awaits” (1985), con una producción más pulcra y una banda que estaba en total conocimiento de sus capacidades. Satanás era la principal fuente de inspiración para las letras, en temas como “Crypts Of Eternity” y la mismísima “Hell Awaits”, cuya introducción es una grabación a la inversa de la frase “join us”, en español, “únetenos”.

La gran estocada de Slayer fue infringida con el fundamental “Reign In Blood” (1986), la gran obra maestra del thrash metal y responsable de poner a la agrupación en el mapa mundial como un clásico instantáneo del género. Temas como “Angel Of Death”, “Postmortem” o “Raining Blood”, son los puntos más álgidos de los casi treinta minutos del mejor thrash metal que se haya conocido.

“South Of Heaven” (1988), fue el cuarto LP de los californianos, bajando las revoluciones para entrar a terrenos más oscuros en un cambio que fue criticado por los fanáticos, quienes esperaban un golpe aún más potente que el entregado por “Reign In Blood”, pero tuvieron que contenerse para disfrutar de clásicos como “South Of Heaven” y “Mandatory Suicide”. No pasó mucho tiempo para que los americanos regresaran con un disco que dejara contento a los fanáticos y se transformara en el que –para este redactor- es el disco mejor logrado de Slayer después de “Reign In Blood”. “Seasons In The Abyss” (1990) es un disco redondo, que contiene lo mejor de la violencia mostrada en el mencionado “Reign In Blood”, fusionada con la oscuridad melódica de “South Of Heaven”, en contundentes composiciones, como lo son “Dead Skin Mask”, “War Ensemble” y la imponente “Seasons In The Abyss”.

En 1991 la banda editaría un nuevo registro en vivo, “Decade Of Aggression”, haciendo un repaso por lo mejor del clásico de la banda, cerrando la mejor época que ha vivido Slayer en su carrera.

Dave Lombardo, el virtuoso baterista de origen cubano, decidió dejar la banda por problemas internos y funda su propia agrupación bajo el nombre de Grip Inc. Slayer reclutó a Paul Bostaph, baterista de Forbidden, para tomar el puesto de Lombardo y grabar su siguiente LP “Divine Intervention” (1994), que tomó la fórmula clásica y la actualizó con una mezcla de sonido contundente. “Undisputed Attitude” (1996) es un disco de covers, muy en la línea de lo que más tarde haría Metallica con su “Garage Inc.” (1998), tributando a bandas punk como Minor Threat, D.R.I y The Stooges, en un disco más bien discreto que es recordado casi como una anécdota.

Producidos por Rick Rubin, quien se encargó de impulsar las carreras de bandas como Slipknot o Linkin Park, Slayer decidió dar un vuelco a su sonido actualizándose con el estilo que proliferaba en esos días: el nu metal. “Diabolus In Musica” (1998) es el disco más extraño de Slayer, con un ritmo irregular y una propuesta que parecía no afiatarse con el espíritu de la banda. Sin embargo, la agrupación continuó en esta senda y logró dar con el tono acertado en “God Hates Us All” (2001), donde se puede escuchar nu metal con la estampa de Slayer, en un balance perfecto entre los elementos thrasheros y el peso de lo contemporáneo, dando pie a clásicos de la nueva era de la banda, tales como “”Disciple”, un infaltable en los setlist de la última década. Como dato curioso, “God Hates Us All” fue lanzado el 11 de septiembre de 2001, en una cruel ironía del destino, atrayendo polémicas por su hereje portada, que retrata una Biblia ensangrentada con el logo de la banda grabado en la portada. Slayer en estado puro. Este período es documentado en el potente “War At The Warfield” (2003), grabado en el legendario recinto de San Francisco.

La etapa de experimentación para Slayer terminaba con el regreso de Dave Lombardo, quien no dejó de trabajar con su banda, además de formar parte del proyecto más extremo del multifacético Mike Patton, Fantômas. Volvía a la banda que lo vio crecer para relevar a Bostaph, quien tuvo que retirarse del tour de promoción de “God Hates Us All” debido a una lesión crónica en su codo. Incluso Larry Carroll, quien realizara las ilustraciones de los discos “Reign In Blood”, “South Of Heaven” y “Seasons In The Abyss”, regresaba para hacer lo propio dibujando al Jesús mutilado que adorna la portada del disco que marcaría el retorno del Slayer de toda la vida, “Christ Illusion” (2006).

El sabor a rencuentro estaba en el aire y sumado al lanzamiento del completísimo recopilatorio “Soundtrack To The Apocalypse” (2003) , el lanzamiento del DVD “Still Reigning” (2004), registro del concierto en el que se interpreta el disco “Reign In Blood” de forma íntegra, y la promoción de la nueva placa bajo el tour que ellos mismos concibieron, “The Unholy Alliance Tour”, que contaba con nombres de bandas noveles como Lamb Of God y Mastodon, confirmaban que Slayer estaba viviendo su segunda juventud.

“World Painted Blood” (2009) es el onceavo larga duración de la banda, el que los llevó a presentarse por primera vez en el Sonisphere Festival de Bulgaria, como parte del primer encuentro de los “Big 4”, tándem compuesto por Anthrax, Megadeth, Metallica y Slayer, uniendo por primera vez en el mismo escenario a los exponentes más influyentes del thrash metal norteamericano, siendo Slayer la banda que mejor representa el estilo hasta nuestros días.

En la actualidad la banda se encuentra girando con Gary Holt, guitarrista de Exodus, en reemplazo de Jeff Hanneman, quien contrajo fascitis necrotizante después de que una araña mordiera su brazo. Hanneman ha tenido que marginarse de la agrupación durante los últimos años mientras se recupera lentamente. Tom Araya también ha tenido algunos problemas de salud, teniendo que ser operado de la espalda, privándonos de sus frenéticos headbangings y sufriendo una infección al oído que obligó al grupo a cancelar numerosas fechas de su tour mundial.

El cuerpo se cansa, pero la maquinaria de Slayer se mantiene aceitada y letal, continuando con el legado de sangre al que se han aferrado durante su remarcable trayectoria. Sangre que orgullosamente corre por las venas de un compatriota, y se transforma en un motivo más para admirar con devoción a la banda más influyente de thrash metal a nivel mundial.

Fotos Slayer @ Movistar Arena 02-06-2011 por Felipe Ramírez

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Mogwai, Future Islands y Sun Kil Moon, las tres fuerzas del otoño

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Fauna Otoño 2018

Al ver el cartel del festival que se realizará en Espacio Riesco este 12 de mayo, queda claro que varios mundos podrán convivir en el mismo espacio de Fauna Otoño, algo importante en tiempos donde la tolerancia y el respeto son claves para la convivencia, también considerando que la disposición de escenarios permite escuchar la gran mayoría de las propuestas. Es en este ánimo que destacan tres propuestas difíciles de clasificar, pero al mismo tiempo que son sencillas de identificar, las que intentaremos disponer desde las sensaciones más allá de tecnicismos.

 

Mogwai: Calma en el caos

Cada vez que una canción de Mogwai explota, la sensación que queda es de una extraña calma. Como si el cosmos aplicará un mecanismo de relajación ante un trauma, o como si hubiera hipnosis en el momento exacto del apocalipsis. Lo que hacen los escoceses va más allá de lo que técnicamente consiguen, porque construir crescendos que redunden en una catarsis bella es algo que pueden hacer muchos, pero lo de Mogwai va más allá, a veces dejando a la deriva al oyente en una meseta polar para luego, desde esa incertidumbre, llegar con un sonido más grande que la vida.

Aunque la banda hace rato que no saca un disco que caiga en gracia a todo el espectro de sus fans, lo que ha hecho en los últimos años, más que inventar una rueda nueva, ha sido refrescar la forma en la que ruedan. Eso hace que, en vez de escuchar algo que parezca igual a lo anterior, se permita ver en la performance misma las ganas de crear de los escoceses, quienes también destacan como creadores de soundtracks para películas y series. Si Mogwai es capaz de crear un mundo para sí mismos, en estos casos también son hábiles para arropar mundos ajenos en la música. Al final, lo que es evidente es cómo pueden manejar los ánimos, los espacios y los tiempos, fundamental para un espectáculo que relaja y tensa a la vez, como los latidos del corazón.

Future Islands: Baila por tu vida

La sofisticada propuesta del trío norteamericano Future Islands no alcanza a esconder las ansias de conseguir algo fundamental para la vida: el movimiento. Todas las armonías, las melodías, las figuras de bajo, todo eso redunda en la provocación fundamental de mover el cuerpo, las ideas, las emociones, a través de una dirección muy particular por la voz de Samuel T. Herring, uno de los frontman más impredecibles y entregados en un escenario. Cuando vemos la forma en la que Samuel vive un concierto, queda claro que lo de Future Islands no es casual, y que él siente esa música tanto o más que los fans.

Pero la banda no es sólo lo que consigue Samuel, porque la dinámica entre sintetizadores y bajo es parte de lo que hace a la agrupación sobresalir. Gerrit Welmers y William Cashion dialogan a través de compases que se tejen de tal forma, que no se puede ignorar lo que hit tras hit consigue Future Islands. Al final, el imperativo es bailar y sorprenderse con la extravagancia de Herring, y es difícil que eso no pase donde sea que se presenten.

Sun Kil Moon: aislar y provocar

No necesariamente a todos les puede gustar todo el mundo. Bien lo sabe y entiende Mark Kozelek, quien, más que preocuparse de agradar, ha intentado contar historias y hacerse valer en el escenario. Legendaria es aquella ocasión donde puteó a The War On Drugs por sonar muy fuerte, lo que molestaba su espectáculo con una sola guitarra. Kozelek en el proyecto Sun Kil Moon narra y expresa emoción a un grado descriptivo enorme, basado en letras casi declamadas, que no escatiman tiempo ni esfuerzo en llegar a lo medular de las historias y mucho más.

Pero Kozelek también es parlanchín debajo del escenario, y no es extraño verlo como Morrissey, lanzando opiniones poco populares, difíciles de defender y que, en vez de acercar gente a su música, la alejan. Esto redunda en que Sun Kil Moon tal vez no es un nombre tan conocido porque Mark no está interesado en algo tan masivo, pero sí en la cantidad de respeto necesario para que sus creaciones sean respetadas y realmente escuchadas. Es probable que en vivo quede claro que tantos dimes y diretes sirven para, finalmente, encontrar la música en medio del camino.

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