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Seether: El show que nadie se puede perder

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Hace algunos días, les comentaba a algunos amigos lo emocionado que estaba por el inminente debut de Seether en nuestro país, pero al cabo de un rato comprendí que no tenían idea de quién estaba hablando, por el contrario, conozco a muchas otras personas que cuando se enteraron de la visita de los sudafricanos explotaron en éxtasis, como si estuviesen cumpliendo uno de los mayores sueños de su vida, y es precisamente esta evidente dicotomía la mejor definición de lo que representa Seether en el contexto nacional: es una banda que, así como puede pasar desapercibida para algunos, para otros se ha convertido en un verdadero objeto de fanatismo y devoción. Tratando de ser lo más objetivo posible, creo que a los liderados por Shaun Morgan no se les da todo el crédito que merecen y que SEETHER 01han ganado en base a una impecable trayectoria de más de quince años, en los cuales han cosechado la no despreciable cantidad de seis álbumes de estudio, que los sitúa como uno de los grandes exponentes del rock alternativo.

La historia de Seether tiene su génesis en 1999, naciendo de la unión creativa de Shaun Morgan, Dale Stewart y David Cohoe. En sus comienzos la banda se llamó “Saron Gas”, nombre que surge de la combinación de dos conceptos: el peligroso gas sarín, y “Saron”, el nombre de la ex novia del vocalista. Su debut discográfico llega en 2000 bajo el título de “Fragile”, trabajo que los hizo conocidos en su natal Sudáfrica y que les abrió las puertas para firmar con el sello Wind-up records y proyectar su carrera a otras latitudes. Los álbumes “Disclaimer” (2002) y “Disclaimer II” (2004), constituyen un poderoso punto de inflexión en la carrera de la banda, cambian su nombre a Seether, inspirados en la canción “Seether” de Veruca Salt, que aparece en la placa “American Thighs” de 1994, y comienzan a ser reconocidos en la siempre vilipendiada escena post-grunge, surgiendo muchos detractores que se apresuraron en decir que Seether era una mala copia, vocal y estéticamente, de Nirvana. Existe un dicho en marketing que dice “no existe la mala publicidad, sólo la publicidad”, y los nativos de Pretoria son el mejor ejemplo de esto, puesto que su reinado se extendió hacía Europa y sus canciones comenzaron a tener mucha circulación radial, siento el tema “Broken” uno de sus mayores éxitos, el que cuenta con la colaboración en las voces de Amy Lee, vocalista y frontman de Evanescence, en ese entonces novia de Morgan.

SEETHER 03El álbum “Karma And Effect” (2005) consolidó la ascendente carrera de Seether, golpeando en Estados Unidos con su primer single, “Remedy”, el que contra todos los pronósticos superó al exitoso “Broken”. A partir de ese momento, empieza una de las etapas más oscuras en la carrera de la banda. Primero Shaun Morgan ingresa a una clínica de rehabilitación para superar sus problemas de alcoholismo, dejando en compás de espera el futuro de la agrupación y, posteriormente, se suceden una serie de problemas con el sello discográfico, los que retrasan la salida de su cuarto álbum de estudio, “Finding Beauty In Negative Spaces” (2007).  Dentro de este disco se encuentra la canción “Rise Above This”, escrita por Morgan para su hermano Eugene Welgemoed, con el objeto de ayudarlo a superar la profunda depresión en que estaba inmerso, sin embargo, Eugene nunca llegaría a escucharla, ya que en agosto de 2007 se quitó la vida lanzándose desde el octavo piso del Hotel Radisson de Rapid City. Este duro golpe recala profundamente en el vocalista y en el resto de los miembros de la banda, dejando una marca indeleble que más tarde los motivaría a organizar el Festival “Rise Above Fest” (2012), que forma parte de una campana que inició Seether para prevenir el suicidio.

SEETHER 02Con la placa “Holding Onto Strings Better Left To Fray” (2011) se hace más evidente la transición de Seether desde el sonido post-grunge a una propuesta mucho más cercana al metal alternativo, cambio que se venía gestando desde hace un par de años, impactando positivamente en la percepción de los medios especializados y en los fanáticos más acérrimos. “Isolate And Medicate

(2014), es el sexto álbum de estudio de los sudafricanos, siendo precisamente la gira de promoción de este trabajo la que los traerá por primera vez a nuestro territorio, cumpliendo de esta forma con el sueño de todo un contingente de seguidores nacionales que durante años esperaron que se concretara esta visita. La intimidad del Club Chocolate será la encargada de recibir a Shaun Morgan y compañía, en un show que promete ser inolvidable. Y seguramente en un par de años más se hablará de este show como el evento que nadie debió haberse perdido.

Por Gustavo Inzunza

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Discos chilenos destacados 2020

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Discos chilenos destacados 2020
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Este pudo ser un año sin ningún lanzamiento y eso podría haber sido lo más justo del mundo. 2020 estuvo marcado por la crisis político-social en nuestro país, y luego por una crisis sanitaria-cultural a nivel mundial por la pandemia. La música en vivo se apagó casi por completo por la imposibilidad de tener masas de gente en conjunto en el mismo espacio, y con ello la principal fuente de ingresos de la industria musical también ha dejado a miles de trabajadores de la música en la cuerda floja. Pero en vez de silencio, son muchas voces las que se han alzado, en múltiples estilos y mensajes, y la música ha sonado fuerte, claro y ha servido para demostrar el valor de las artes y cultura en un contexto de adversidades e incertidumbres. Allí, las y los músicos chilenos han colaborado, dialogado y generado instancias para mantener la presión sobre las autoridades para que se hagan cargo de la crítica situación, pero también han brillado en materia de creación, generando una gran cantidad de material valioso, en diferentes géneros.

Muchos EPs han formado parte de los proyectos surgidos, incluso con la motivación de la pandemia. Quizás es ese aislamiento forzado el que también ha hecho que la mayoría de los proyectos que destacamos en este listado 2020 de HumoNegro sean, justamente, trabajos surgidos desde una labor solista (Alexander Quinteros, Chini.png, Rubio, Nico Carreño, Cevladé) y además con mucha sensibilidad reflexiva. En tanto, encontramos bandas que se consolidan (Alectrofobia, Adelaida, Niños del Cerro) y otras que sorprenden, pese a sus ya sólidas trayectorias (Cómo Asesinar A Felipes, Yajaira, Poema Arcanus).

La creación artística siempre es esperanza y brillo, y en medio de incertidumbres que nublan el rumbo, esperamos que estos discos que seleccionamos entreguen al menos parte del retrato de un año donde todo fue más difícil, pero donde, aun así, hubo luces y sonidos. Desde HumoNegro, un reconocimiento para las y los compositores e intérpretes que mantienen viva la música chilena. Aquí, en orden alfabético por banda, nuestra humilde selección de EPs y LPs destacados 2020.

Link a los streamings de cada álbum pinchando en las imágenes.


“Animita”

Adelaida

Tras el éxito de “Paraíso” (2017), Adelaida no se durmió en los laureles y comenzó el proceso de creación de su cuarto disco, uno que llegó este 2020 y trajo consigo nuevas texturas para la banda de Valparaíso. “Animita” es un trabajo enérgico y honesto, donde el trío compuesto por Jurel Sónico, Naty Lane y Lele Holzapfel sigue buscando su fórmula definitiva, jugándosela con varias sorpresas a las que no nos tenían acostumbrados, pero sin perder su esencia. El LP, que nació como una ofrenda a Émile Dubois, personaje emblemático de la cultura popular porteña, se posiciona como uno de los grandes registros del año. Tal como grita Naty Lane en “Kraken”: “¡Es un ruido necesario!”.


“Era Luz”

Alectrofobia

https://open.spotify.com/album/0d8R4U0j0ZemcWxkHL0Yb5

La escena del rock “a secas” parece estacionada en los clichés en todo el mundo, y por eso es interesante cuando una banda intentar refrescar el sonido y las ideas. Alectrofobia ha marcado los últimos años del rock chileno con su vocación por un sonido de calidad internacional, y desde ahí ha construido canciones que, sin estacionarse en una sola vereda sónica, transmiten potencia y mensaje. “Era Luz” es un álbum donde la calidad de grabación, mezcla y masterización se suman a la intención de cantar y contar sobre las crisis que ocurren en nuestro país. Desde el punk rock hasta el hard rock, pasando por americana o post grunge, Alectrofobia crea grandes canciones en un disco que consolida sus fortalezas.


“2020”

Alexander Quinteros

La cuarentena ha sido un espacio de aislamiento, pero también de contención y otro tipo de creatividad. Alexander Quinteros trabajó en confinamiento un disco lleno de ambientes y atmósferas dignas de retratar este año, al que coherentemente nombró “2020”. Tracks breves, pero completos en su composición, con arreglos precisos, a los que ni siquiera el truco innecesario del “audio 8D” les quita la capacidad de enfocar –mediante emociones y gradientes– el año más difícil para mucha gente. Quinteros se la juega por lo instrumental y conceptual, y en una temporada donde el tiempo parece líquido y las consignas gritadas parecen desvanecerse, “2020” dibuja un borroso pero fidedigno documento de la pandemia.


“Rfd2”

Cevladé

La censura tapa la boca, pero también genera reacciones. Cevladé se vio en la necesidad de responder a la censura a “Requiem For A Drink” (2012), motivada por la alta rotación de su tema “El Lamento del Pueblo” tras el estallido. Tras bajar el disco de las plataformas, el artista tomó desafío de contar de nuevo la historia de Mario De La Milnova y “La Orden RFD”. “Rfd2” es una especie de continuación y remasterización del disco censurado. Nuevos bríos, interpretaciones más crudas, una producción más clara, pero también más densa y oscura, caminan un trayecto aparentemente conocido con nuevos ojos, líricas y con la rabia renovada. Un rescate de la propia historia, convertida en declaración.


“CTRL+Z”

Chini.png

En el computador, el comando CTRL+Z se encarga de deshacer algo, de convertirlo en un paso en falso y olvidarlo. En un EP, Chini.png lo convierte en un código para presentarse como solista, y también para acompañar, reflexionar y hacer catarsis. Amores, países, movimientos sociales y mitologías se cruzan en cuatro canciones que, pese a derivar en un trabajo corto en duración, termina pegando duro en las sensaciones que libera. Chini Ayarza arma un vehículo de empatía y de identidad, más aún que en Chini & The Technicians, poniéndola al servicio de una atmósfera de esperanza y desilusión, profunda y terrible, adentrándose en sucesos e ideas a las cuales cualquiera querría aplicarle “CTRL+Z”.

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