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Primus: Inconfundibles

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Si tenemos que nombrar algunas agrupaciones que practiquen un estilo inclasificable y que su premisa sea innovar y hacer música sin limitaciones, sin duda alguna que Primus estaría dentro de esa selecta lista. Formados a mediados de los 80, han desarrollado una forma muy particular de crear canciones, lo que los ha posicionado en un lugar apartado y exclusivo dentro del contexto del rock moderno, donde fusionan sin contemplaciones dosis de funk, metal, rock progresivo y varios otros elementos, creando un híbrido de sonido ecléctico que resulta absolutamente reconocible, diferenciando su trabajo de cualquier otra propuesta contemporánea, sobre todo por el distintivo y preponderante sonido del bajo, que es utilizado casi como una guitarra.

PRIMUS 01Desde un comienzo las cosas fueron difíciles para la banda, ya que no lograron conformar una alineación estable hasta varios años más adelante, cuando el que hoy es el único miembro original de lo que al principio se llamó Primate (nombre que cambiaron debido a una amenaza legal de otro grupo que se llamaba The Primates), el virtuoso Les Claypool reclutó, luego de dos demos y un hiato de un año, a quienes eventualmente se convirtieron en la formación clásica de Primus: Larry “Ler” LaLonde, ex guitarrista de la legendaria banda de death metal Possessed, y Tim “Herb” Alexander. Así, un mes después de tal unión, editaron el primer registro más serio de la banda: el disco en vivo “Suck On This”, y ya en 1990 lanzaron su primer álbum de estudio llamado “Frizzle Fry”, donde destacan los cortes “John The Fisherman” y “Too Many Puppies”, ambos singles y con un éxito radial considerable, que eventualmente llamó la atención del sello Interscope Records, contratándolos ese mismo año.

Despegue y consolidación

En 1991 y con el respaldo de una disquera importante, apareció “Sailing The Seas Of Cheese”, su segundo disco, que resultó un éxito de ventas, con tres singles que ayudaron a posicionarlo de manera comercial: “Those Damned Blue-Collar Tweekers”, “Jerry Was A Race Car Driver” y “Tommy The Cat”, estos dos últimos con dos videoclips rotando constantemente en MTV. Para ese entonces el sonido mixto de la banda se transforma en una marca registrada, un sello inconfundible que perdurará en el tiempo y que servirá de inspiración trascendental en las generaciones posteriores de conjuntos que desarrollaron otras fusiones de metal y componentes alternativos.

PRIMUS 02Durante ese período, giras con artistas de la talla de U2, Rush (una de sus más grandes influencias), Anthrax o Public Enemy acrecentaron de manera exponencial su fama y la demanda por verlos en vivo, y por ello decidieron crear su tercer larga duración: “Pork Soda”, un disco más oscuro en términos del mensaje que exponían y que  se ubicó séptimo en la lista Bilboard Top 10 de la época, con singles como “DMV”, “Mr. Krinkle” y la seminal “My Name Is Mud”, además de liderar el en ese entonces festival alternativo de rock Lollapalooza y participar en Woodstock 1994, siendo ambas actuaciones memorables y definitorias en el futuro de la banda.

Claypool y sus secuaces figuraban como uno de los actos más llamativos e innovadores del rock de aquellos días, no sólo por su diferenciación del resto de la escena y su virtuosismo en la ejecución instrumental, sino que también por la extravagancia e irreverencia que manifestaban tanto en sus letras y conceptos, como en los atuendos estrafalarios que usaban en todo ámbito, ya sea en un mega festival o en una presentación televisiva, como las que realizaron en los programas de afamados conductores como David Letterman o Conan O’Brien.

Siguiendo la tónica de la banda, en 1995 editaron “Tales From The Punchbowl”, que contiene hasta hoy su canción más popular y nominada al Grammy, “Wynona’s Big Brown Beaver”. En los días posteriores, Alexander abandona el grupo y es reemplazado por Bryan “Brain” Mantia. Con él a cargo de la batería, Primus grabó el tema principal de la exitosa serie animada South Park y lanzó su quinto registro de estudio llamado “Brown Album”. Luego de liderar la gira Sno-Core junto a The Aquabats, PRIMUS 03Long Beach Dub Allstars y unos menos conocidos en ese entonces Blink-182, además de grabar un EP de covers, publicaron “Antipop” en 1999, que incluye colaboraciones de Tom Morello de Rage Against The Machine, James Hetfield de Metallica, Stewart Copeland de The Police, Jim Martin de Faith No More y Fred Durst de Limp Bizkit, quien mientras producía la canción y single “Lacquer Head”, aconsejó a Claypool para que recuperara el sonido más agresivo y cercano al metal que desarrollaron en un principio.

Separación, reunión y la “Fábrica de Chocolate”

Llegó el nuevo milenio y, según el mismo Claypool, para ese entonces se encontraba en un bloqueo creativo que terminó por gatillar un receso de casi 3 años, en los cuales los miembros por separado trabajaron en distintos proyectos. Ya en 2003 la banda recupera a Alexander en batería y se presentan en distintos instancias, como festivales y otros shows donde tocaron por completo el primer disco, por ejemplo.

PRIMUS 04Durante los siguientes años, se dedicaron básicamente a la reedición de material antiguo, un  disco de grandes éxitos y ese tipo de cosas, aparte de actuaciones en distintos festivales alrededor del mundo, hasta que en 2011 “Herb” abandona al grupo otra vez y en su reemplazo vuelve el baterista fundador junto a Claypool, Jay Lane, para trabajar en lo que sería su nuevo y séptimo disco de estudio, llamado “Green Naugahyde”. A pesar de todas las nuevas fechas y la exposición que significa tocar en una banda de la fama de Primus, Lane abandona la formación en 2013 y llega otra vez Alexander para hacerse cargo de las baquetas y continuar con la carrera de la banda, que luego de esto decide volver al estudio para interpretar a través del estilo propio de Primus, la banda sonora de la película de 1971, “Willy Wonka & The Chocolate Factory”, lo que se convierte en su trabajo discográfico más reciente.

Llena de más altos que bajos, la historia de Primus es rica en anécdotas y sobre todo en aclamación por parte de la crítica, debido a la mezcla única de sonidos que han conjugado a lo largo del tiempo, siendo su principal artífice el fructífero Claypool, que hoy ostenta el título de prodigio y es, sin duda, una de las mentes más creativas y refrescantes dentro del contexto del rock moderno de grandes masas, pero con una validez en el underground que ya se quisiera cualquier músico. En RockOut Fest tendremos la posibilidad de disfrutar nuevamente de toda la parafernalia sonora de una agrupación única en su especie, aunque no sepamos de cuál.

Por Hans Oyarzún

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Discos chilenos destacados 2020

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Discos chilenos destacados 2020
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Este pudo ser un año sin ningún lanzamiento y eso podría haber sido lo más justo del mundo. 2020 estuvo marcado por la crisis político-social en nuestro país, y luego por una crisis sanitaria-cultural a nivel mundial por la pandemia. La música en vivo se apagó casi por completo por la imposibilidad de tener masas de gente en conjunto en el mismo espacio, y con ello la principal fuente de ingresos de la industria musical también ha dejado a miles de trabajadores de la música en la cuerda floja. Pero en vez de silencio, son muchas voces las que se han alzado, en múltiples estilos y mensajes, y la música ha sonado fuerte, claro y ha servido para demostrar el valor de las artes y cultura en un contexto de adversidades e incertidumbres. Allí, las y los músicos chilenos han colaborado, dialogado y generado instancias para mantener la presión sobre las autoridades para que se hagan cargo de la crítica situación, pero también han brillado en materia de creación, generando una gran cantidad de material valioso, en diferentes géneros.

Muchos EPs han formado parte de los proyectos surgidos, incluso con la motivación de la pandemia. Quizás es ese aislamiento forzado el que también ha hecho que la mayoría de los proyectos que destacamos en este listado 2020 de HumoNegro sean, justamente, trabajos surgidos desde una labor solista (Alexander Quinteros, Chini.png, Rubio, Nico Carreño, Cevladé) y además con mucha sensibilidad reflexiva. En tanto, encontramos bandas que se consolidan (Alectrofobia, Adelaida, Niños del Cerro) y otras que sorprenden, pese a sus ya sólidas trayectorias (Cómo Asesinar A Felipes, Yajaira, Poema Arcanus).

La creación artística siempre es esperanza y brillo, y en medio de incertidumbres que nublan el rumbo, esperamos que estos discos que seleccionamos entreguen al menos parte del retrato de un año donde todo fue más difícil, pero donde, aun así, hubo luces y sonidos. Desde HumoNegro, un reconocimiento para las y los compositores e intérpretes que mantienen viva la música chilena. Aquí, en orden alfabético por banda, nuestra humilde selección de EPs y LPs destacados 2020.

Link a los streamings de cada álbum pinchando en las imágenes.


“Animita”

Adelaida

Tras el éxito de “Paraíso” (2017), Adelaida no se durmió en los laureles y comenzó el proceso de creación de su cuarto disco, uno que llegó este 2020 y trajo consigo nuevas texturas para la banda de Valparaíso. “Animita” es un trabajo enérgico y honesto, donde el trío compuesto por Jurel Sónico, Naty Lane y Lele Holzapfel sigue buscando su fórmula definitiva, jugándosela con varias sorpresas a las que no nos tenían acostumbrados, pero sin perder su esencia. El LP, que nació como una ofrenda a Émile Dubois, personaje emblemático de la cultura popular porteña, se posiciona como uno de los grandes registros del año. Tal como grita Naty Lane en “Kraken”: “¡Es un ruido necesario!”.


“Era Luz”

Alectrofobia

https://open.spotify.com/album/0d8R4U0j0ZemcWxkHL0Yb5

La escena del rock “a secas” parece estacionada en los clichés en todo el mundo, y por eso es interesante cuando una banda intentar refrescar el sonido y las ideas. Alectrofobia ha marcado los últimos años del rock chileno con su vocación por un sonido de calidad internacional, y desde ahí ha construido canciones que, sin estacionarse en una sola vereda sónica, transmiten potencia y mensaje. “Era Luz” es un álbum donde la calidad de grabación, mezcla y masterización se suman a la intención de cantar y contar sobre las crisis que ocurren en nuestro país. Desde el punk rock hasta el hard rock, pasando por americana o post grunge, Alectrofobia crea grandes canciones en un disco que consolida sus fortalezas.


“2020”

Alexander Quinteros

La cuarentena ha sido un espacio de aislamiento, pero también de contención y otro tipo de creatividad. Alexander Quinteros trabajó en confinamiento un disco lleno de ambientes y atmósferas dignas de retratar este año, al que coherentemente nombró “2020”. Tracks breves, pero completos en su composición, con arreglos precisos, a los que ni siquiera el truco innecesario del “audio 8D” les quita la capacidad de enfocar –mediante emociones y gradientes– el año más difícil para mucha gente. Quinteros se la juega por lo instrumental y conceptual, y en una temporada donde el tiempo parece líquido y las consignas gritadas parecen desvanecerse, “2020” dibuja un borroso pero fidedigno documento de la pandemia.


“Rfd2”

Cevladé

La censura tapa la boca, pero también genera reacciones. Cevladé se vio en la necesidad de responder a la censura a “Requiem For A Drink” (2012), motivada por la alta rotación de su tema “El Lamento del Pueblo” tras el estallido. Tras bajar el disco de las plataformas, el artista tomó desafío de contar de nuevo la historia de Mario De La Milnova y “La Orden RFD”. “Rfd2” es una especie de continuación y remasterización del disco censurado. Nuevos bríos, interpretaciones más crudas, una producción más clara, pero también más densa y oscura, caminan un trayecto aparentemente conocido con nuevos ojos, líricas y con la rabia renovada. Un rescate de la propia historia, convertida en declaración.


“CTRL+Z”

Chini.png

En el computador, el comando CTRL+Z se encarga de deshacer algo, de convertirlo en un paso en falso y olvidarlo. En un EP, Chini.png lo convierte en un código para presentarse como solista, y también para acompañar, reflexionar y hacer catarsis. Amores, países, movimientos sociales y mitologías se cruzan en cuatro canciones que, pese a derivar en un trabajo corto en duración, termina pegando duro en las sensaciones que libera. Chini Ayarza arma un vehículo de empatía y de identidad, más aún que en Chini & The Technicians, poniéndola al servicio de una atmósfera de esperanza y desilusión, profunda y terrible, adentrándose en sucesos e ideas a las cuales cualquiera querría aplicarle “CTRL+Z”.

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