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¿Por dónde empiezo con MONO?

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Cuando se confirmó el debut de los japoneses en nuestro país, para el próximo jueves 3 de septiembre en el Teatro Nescafé de las Artes, las expectativas se elevaron rápidamente entre los fanáticos del post-rock en Chile, ya que una de las bandas insignes del género, fundada hace 16 años, por fin dirá presente en un escenario nacional. Sin embargo, al tratarse de un estilo que no es llegar y escuchar, de hecho, es toda una travesía sentarse a descubrir uno de sus discos, su presencia en la escena es notoria y reconocida por los entendidos en la materia, pero para efectos mediáticos MONO sigue siendo una banda desconocida, lo que convierte al próximo concierto en una especie de evento de culto.

Con la etiqueta de “concierto imperdible”, la idea más lógica –incluso si no se es fanático del grupo, pero sí aficionado al post-rock– es querer asistir sí o sí al recital y tratar de instruirse lo máximo posible antes de ingresar al recinto de Providencia. Entonces: “¿Por dónde empiezo con MONO?” Este artículo pretende servir como una guía para aquellos que estén recién iniciándose en la odisea musical de los japoneses, y quizás como un “refresca memoria” para los más experimentados, que pueda motivarlos a revisitar los discos y elevar aún más el hype por un debut soñado. Para esto, realizaremos una pequeña reseña de cada disco del cuarteto, señalando el tema que lo define y que debería estar presente en el set del próximo 3 de septiembre, tratando de ir desde el más “amigable” hasta el más profundo.

“You Are There” (2006)

“Hymn To The Immortal Wind” (2009)

MONO 02El cuarto y quinto disco de estudio de MONO, respectivamente, pueden ser la mejor forma de ingresar al mundo sonoro de los de Tokio, ya que nos encontramos con una banda en pleno desarrollo de un sonido propio, trascendiendo al estilo madre y alcanzando una identidad única, incluso llegando a redefinir el concepto de post-rock. En “You Are There” podemos escuchar el último eslabón del MONO más rockero, despegándose de otras propuestas similares, dejando de lado la idea de que el rock debe ser estridente y pesado, para poner especial cuidado a las capas sonoras, destacando “The Flames Beyond The Cold Mountain”, corte de trece minutos y medio que abre el disco, característico por su atmósfera cinematográfica y grandilocuente, explotando en su última y poderosa sección. Estos elementos fueron tomados como el norte en la dirección de “Hymn To The Immortal Wind”, un álbum donde el manejo de los espacios y las atmósferas son  la fórmula principal, dando forma a siete composiciones que perfectamente podrían funcionar  como la banda sonora de un filme. “Pure As Snow (Trails Of The Winter Storm)”, cuarto tema de la placa, emociona con su delicadeza y nostalgia.

“Under The Pipal Tree” (2001)

“One Step More And You Die” (2002)

MONO 01Una vez enterados de qué va MONO, vale la pena darse una vuelta por sus primeros discos. Si bien, estos se encuentran un poco más atrás en cuanto a la evolución de la banda, “Under The Pipal Tree” y “One Step More And You Die” muestran los primeros esbozos de un cuadro que, a día de hoy, se ha transformado en un lienzo maravilloso, lleno de texturas y matices. Verdaderas murallas de rock arrasan en ambas placas, mostrando el lado más crudo y visceral de MONO, sin perder el sentido bucólico en ningún momento. “Jackie Says” del disco debut, y “Com(?)” de su sucesor, son dos certeras descargas de electricidad que delinearon un gran camino que recién comenzaba a recorrerse.

“Walking Cloud And Deep Red Sky, Flag Fluttered And The Sun Shined” (2004)

“For My Parents” (2012)

MONO 03Si queremos entrar a las capas más profundas del mundo creado por los orientales, estos dos discos son lo que estas buscando. “Walking Cloud And Deep Red Sky, Flag Fluttered And The Sun Shined” (2004) es el registro donde ya se avistan los sonidos de transición que más tarde los llevarían a encontrar el sello personal. Por lo tanto, en este disco podemos escuchar una mayor experimentación de sonidos y formas, que retratan la búsqueda de los músicos por llegar al cénit de su propuesta. Ahí tenemos, por ejemplo, a “Mere Your Pathetique Light”, corte donde las guitarras eléctricas desaparecen y las influencias clásicas y orquestales toman el protagonismo absoluto. Compartiendo el espíritu de búsqueda y evolución, “For My Parents” es otro disco “raro” de MONO. Ya habiendo encontrado la esencia, el sexto larga duración del conjunto se dedica a explorar todas sus virtudes, sorprendiendo incluso a sus propios fanáticos y a la critica, abandonando en muchos momentos el rock, para jugar con sonidos electrónicos y clásicos. “Unseen Harbor” es una gran muestra de cómo se puede innovar sin traicionar tu esencia.

“The Last Dawn” (2014)

“Rays Of Darkness” (2014)

MONO 04Terminaremos la revisión de la discografía de MONO con el presente y, quizás, el mejor momento del grupo. Los dos últimos discos de la banda fueron lanzados simultáneamente, y para muchos son las obras cúspide de los japoneses. “The Last Dawn” recorre todos los paisajes que han ido creando en sus más de 16 años de carrera, ejecutados con suma pulcritud y perfección, y a pesar de ser un registro más bien convencional, destaca por la madurez que desprenden en cada uno de sus cortes. Una de sus joyas es “Kanata”, que está siendo presentada en la gira que están realizando por el mundo durante estos meses. Por su parte, “Rays Of Darkness” se ha transformado en la placa más alabada del grupo. Tanto fanáticos como prensa especializada se han rendido ante el nuevo salto que ha dado la banda. Cuando ya se pensaba que habían conocido su límite, lanzan un conjunto de composiciones que retratan una “hermosa pesadilla”, ofreciendo nuevas facetas, impredecibles y frescas, que han hecho de MONO una de las bandas más respetadas del post-rock a nivel mundial. “Recoil. Ignite”, que es el tema de apertura de la actual gira, es la muestra más clara de la continua evolución de los japoneses.

Esperando que esta lista les haya servido de algo, también es bueno recomendar el visionado de conciertos en vivo del grupo, donde la música se siente mucho más vigorosa y orgánica, en verdaderas maratones de ruidos, drones, electricidad y emociones. Cada vez falta menos para el arribo de Yoda, Takada, Tamaki y Taki a la capital, y desde acá no podemos hacer más que alentar a aquellos que se decidan aventurarse en los profundos oasis sonoros que ofrece MONO. Nos vemos el próximo 3 de septiembre.

Por Sebastián Zumelzu

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Discos chilenos destacados 2020

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Discos chilenos destacados 2020
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Este pudo ser un año sin ningún lanzamiento y eso podría haber sido lo más justo del mundo. 2020 estuvo marcado por la crisis político-social en nuestro país, y luego por una crisis sanitaria-cultural a nivel mundial por la pandemia. La música en vivo se apagó casi por completo por la imposibilidad de tener masas de gente en conjunto en el mismo espacio, y con ello la principal fuente de ingresos de la industria musical también ha dejado a miles de trabajadores de la música en la cuerda floja. Pero en vez de silencio, son muchas voces las que se han alzado, en múltiples estilos y mensajes, y la música ha sonado fuerte, claro y ha servido para demostrar el valor de las artes y cultura en un contexto de adversidades e incertidumbres. Allí, las y los músicos chilenos han colaborado, dialogado y generado instancias para mantener la presión sobre las autoridades para que se hagan cargo de la crítica situación, pero también han brillado en materia de creación, generando una gran cantidad de material valioso, en diferentes géneros.

Muchos EPs han formado parte de los proyectos surgidos, incluso con la motivación de la pandemia. Quizás es ese aislamiento forzado el que también ha hecho que la mayoría de los proyectos que destacamos en este listado 2020 de HumoNegro sean, justamente, trabajos surgidos desde una labor solista (Alexander Quinteros, Chini.png, Rubio, Nico Carreño, Cevladé) y además con mucha sensibilidad reflexiva. En tanto, encontramos bandas que se consolidan (Alectrofobia, Adelaida, Niños del Cerro) y otras que sorprenden, pese a sus ya sólidas trayectorias (Cómo Asesinar A Felipes, Yajaira, Poema Arcanus).

La creación artística siempre es esperanza y brillo, y en medio de incertidumbres que nublan el rumbo, esperamos que estos discos que seleccionamos entreguen al menos parte del retrato de un año donde todo fue más difícil, pero donde, aun así, hubo luces y sonidos. Desde HumoNegro, un reconocimiento para las y los compositores e intérpretes que mantienen viva la música chilena. Aquí, en orden alfabético por banda, nuestra humilde selección de EPs y LPs destacados 2020.

Link a los streamings de cada álbum pinchando en las imágenes.


“Animita”

Adelaida

Tras el éxito de “Paraíso” (2017), Adelaida no se durmió en los laureles y comenzó el proceso de creación de su cuarto disco, uno que llegó este 2020 y trajo consigo nuevas texturas para la banda de Valparaíso. “Animita” es un trabajo enérgico y honesto, donde el trío compuesto por Jurel Sónico, Naty Lane y Lele Holzapfel sigue buscando su fórmula definitiva, jugándosela con varias sorpresas a las que no nos tenían acostumbrados, pero sin perder su esencia. El LP, que nació como una ofrenda a Émile Dubois, personaje emblemático de la cultura popular porteña, se posiciona como uno de los grandes registros del año. Tal como grita Naty Lane en “Kraken”: “¡Es un ruido necesario!”.


“Era Luz”

Alectrofobia

https://open.spotify.com/album/0d8R4U0j0ZemcWxkHL0Yb5

La escena del rock “a secas” parece estacionada en los clichés en todo el mundo, y por eso es interesante cuando una banda intentar refrescar el sonido y las ideas. Alectrofobia ha marcado los últimos años del rock chileno con su vocación por un sonido de calidad internacional, y desde ahí ha construido canciones que, sin estacionarse en una sola vereda sónica, transmiten potencia y mensaje. “Era Luz” es un álbum donde la calidad de grabación, mezcla y masterización se suman a la intención de cantar y contar sobre las crisis que ocurren en nuestro país. Desde el punk rock hasta el hard rock, pasando por americana o post grunge, Alectrofobia crea grandes canciones en un disco que consolida sus fortalezas.


“2020”

Alexander Quinteros

La cuarentena ha sido un espacio de aislamiento, pero también de contención y otro tipo de creatividad. Alexander Quinteros trabajó en confinamiento un disco lleno de ambientes y atmósferas dignas de retratar este año, al que coherentemente nombró “2020”. Tracks breves, pero completos en su composición, con arreglos precisos, a los que ni siquiera el truco innecesario del “audio 8D” les quita la capacidad de enfocar –mediante emociones y gradientes– el año más difícil para mucha gente. Quinteros se la juega por lo instrumental y conceptual, y en una temporada donde el tiempo parece líquido y las consignas gritadas parecen desvanecerse, “2020” dibuja un borroso pero fidedigno documento de la pandemia.


“Rfd2”

Cevladé

La censura tapa la boca, pero también genera reacciones. Cevladé se vio en la necesidad de responder a la censura a “Requiem For A Drink” (2012), motivada por la alta rotación de su tema “El Lamento del Pueblo” tras el estallido. Tras bajar el disco de las plataformas, el artista tomó desafío de contar de nuevo la historia de Mario De La Milnova y “La Orden RFD”. “Rfd2” es una especie de continuación y remasterización del disco censurado. Nuevos bríos, interpretaciones más crudas, una producción más clara, pero también más densa y oscura, caminan un trayecto aparentemente conocido con nuevos ojos, líricas y con la rabia renovada. Un rescate de la propia historia, convertida en declaración.


“CTRL+Z”

Chini.png

En el computador, el comando CTRL+Z se encarga de deshacer algo, de convertirlo en un paso en falso y olvidarlo. En un EP, Chini.png lo convierte en un código para presentarse como solista, y también para acompañar, reflexionar y hacer catarsis. Amores, países, movimientos sociales y mitologías se cruzan en cuatro canciones que, pese a derivar en un trabajo corto en duración, termina pegando duro en las sensaciones que libera. Chini Ayarza arma un vehículo de empatía y de identidad, más aún que en Chini & The Technicians, poniéndola al servicio de una atmósfera de esperanza y desilusión, profunda y terrible, adentrándose en sucesos e ideas a las cuales cualquiera querría aplicarle “CTRL+Z”.

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