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¿Por dónde empiezo con MONO?

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Cuando se confirmó el debut de los japoneses en nuestro país, para el próximo jueves 3 de septiembre en el Teatro Nescafé de las Artes, las expectativas se elevaron rápidamente entre los fanáticos del post-rock en Chile, ya que una de las bandas insignes del género, fundada hace 16 años, por fin dirá presente en un escenario nacional. Sin embargo, al tratarse de un estilo que no es llegar y escuchar, de hecho, es toda una travesía sentarse a descubrir uno de sus discos, su presencia en la escena es notoria y reconocida por los entendidos en la materia, pero para efectos mediáticos MONO sigue siendo una banda desconocida, lo que convierte al próximo concierto en una especie de evento de culto.

Con la etiqueta de “concierto imperdible”, la idea más lógica –incluso si no se es fanático del grupo, pero sí aficionado al post-rock– es querer asistir sí o sí al recital y tratar de instruirse lo máximo posible antes de ingresar al recinto de Providencia. Entonces: “¿Por dónde empiezo con MONO?” Este artículo pretende servir como una guía para aquellos que estén recién iniciándose en la odisea musical de los japoneses, y quizás como un “refresca memoria” para los más experimentados, que pueda motivarlos a revisitar los discos y elevar aún más el hype por un debut soñado. Para esto, realizaremos una pequeña reseña de cada disco del cuarteto, señalando el tema que lo define y que debería estar presente en el set del próximo 3 de septiembre, tratando de ir desde el más “amigable” hasta el más profundo.

“You Are There” (2006)

“Hymn To The Immortal Wind” (2009)

MONO 02El cuarto y quinto disco de estudio de MONO, respectivamente, pueden ser la mejor forma de ingresar al mundo sonoro de los de Tokio, ya que nos encontramos con una banda en pleno desarrollo de un sonido propio, trascendiendo al estilo madre y alcanzando una identidad única, incluso llegando a redefinir el concepto de post-rock. En “You Are There” podemos escuchar el último eslabón del MONO más rockero, despegándose de otras propuestas similares, dejando de lado la idea de que el rock debe ser estridente y pesado, para poner especial cuidado a las capas sonoras, destacando “The Flames Beyond The Cold Mountain”, corte de trece minutos y medio que abre el disco, característico por su atmósfera cinematográfica y grandilocuente, explotando en su última y poderosa sección. Estos elementos fueron tomados como el norte en la dirección de “Hymn To The Immortal Wind”, un álbum donde el manejo de los espacios y las atmósferas son  la fórmula principal, dando forma a siete composiciones que perfectamente podrían funcionar  como la banda sonora de un filme. “Pure As Snow (Trails Of The Winter Storm)”, cuarto tema de la placa, emociona con su delicadeza y nostalgia.

“Under The Pipal Tree” (2001)

“One Step More And You Die” (2002)

MONO 01Una vez enterados de qué va MONO, vale la pena darse una vuelta por sus primeros discos. Si bien, estos se encuentran un poco más atrás en cuanto a la evolución de la banda, “Under The Pipal Tree” y “One Step More And You Die” muestran los primeros esbozos de un cuadro que, a día de hoy, se ha transformado en un lienzo maravilloso, lleno de texturas y matices. Verdaderas murallas de rock arrasan en ambas placas, mostrando el lado más crudo y visceral de MONO, sin perder el sentido bucólico en ningún momento. “Jackie Says” del disco debut, y “Com(?)” de su sucesor, son dos certeras descargas de electricidad que delinearon un gran camino que recién comenzaba a recorrerse.

“Walking Cloud And Deep Red Sky, Flag Fluttered And The Sun Shined” (2004)

“For My Parents” (2012)

MONO 03Si queremos entrar a las capas más profundas del mundo creado por los orientales, estos dos discos son lo que estas buscando. “Walking Cloud And Deep Red Sky, Flag Fluttered And The Sun Shined” (2004) es el registro donde ya se avistan los sonidos de transición que más tarde los llevarían a encontrar el sello personal. Por lo tanto, en este disco podemos escuchar una mayor experimentación de sonidos y formas, que retratan la búsqueda de los músicos por llegar al cénit de su propuesta. Ahí tenemos, por ejemplo, a “Mere Your Pathetique Light”, corte donde las guitarras eléctricas desaparecen y las influencias clásicas y orquestales toman el protagonismo absoluto. Compartiendo el espíritu de búsqueda y evolución, “For My Parents” es otro disco “raro” de MONO. Ya habiendo encontrado la esencia, el sexto larga duración del conjunto se dedica a explorar todas sus virtudes, sorprendiendo incluso a sus propios fanáticos y a la critica, abandonando en muchos momentos el rock, para jugar con sonidos electrónicos y clásicos. “Unseen Harbor” es una gran muestra de cómo se puede innovar sin traicionar tu esencia.

“The Last Dawn” (2014)

“Rays Of Darkness” (2014)

MONO 04Terminaremos la revisión de la discografía de MONO con el presente y, quizás, el mejor momento del grupo. Los dos últimos discos de la banda fueron lanzados simultáneamente, y para muchos son las obras cúspide de los japoneses. “The Last Dawn” recorre todos los paisajes que han ido creando en sus más de 16 años de carrera, ejecutados con suma pulcritud y perfección, y a pesar de ser un registro más bien convencional, destaca por la madurez que desprenden en cada uno de sus cortes. Una de sus joyas es “Kanata”, que está siendo presentada en la gira que están realizando por el mundo durante estos meses. Por su parte, “Rays Of Darkness” se ha transformado en la placa más alabada del grupo. Tanto fanáticos como prensa especializada se han rendido ante el nuevo salto que ha dado la banda. Cuando ya se pensaba que habían conocido su límite, lanzan un conjunto de composiciones que retratan una “hermosa pesadilla”, ofreciendo nuevas facetas, impredecibles y frescas, que han hecho de MONO una de las bandas más respetadas del post-rock a nivel mundial. “Recoil. Ignite”, que es el tema de apertura de la actual gira, es la muestra más clara de la continua evolución de los japoneses.

Esperando que esta lista les haya servido de algo, también es bueno recomendar el visionado de conciertos en vivo del grupo, donde la música se siente mucho más vigorosa y orgánica, en verdaderas maratones de ruidos, drones, electricidad y emociones. Cada vez falta menos para el arribo de Yoda, Takada, Tamaki y Taki a la capital, y desde acá no podemos hacer más que alentar a aquellos que se decidan aventurarse en los profundos oasis sonoros que ofrece MONO. Nos vemos el próximo 3 de septiembre.

Por Sebastián Zumelzu

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Chilenos en Lollapalooza 2020, Parte 2: Consolidando escenas

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Lollapalooza Chile

Aunque Lollapalooza Chile 2020 tiene más de cien artistas en total, la mayoría se fija en los cabezas de cartel, en esos nombres que tal vez no vendrán nunca más y que se presentan como oportunidades únicas. Pero también existe una miríada de actos chilenos que complementan la parrilla de forma precisa. Una apuesta por nombres emergentes en lo urbano, mezclado con artistas ya consolidados en el rock o en el indie, el festival que se desarrollará entre el 27 y el 29 de marzo en el Parque O’Higgins tiene múltiples colores, de los cuales te mostramos algunos tonos a continuación:

  • Para leer la primera parte de este artículo, con seis nombres más, entre los que se encuentran Pánico, Camila Moreno o Inti-Illimani & Quilapayún, haz clic AQUÍ.

Saiko

Tal vez la banda chilena más importante que faltaba que debutara en el escenario de Lollapalooza Chile, Saiko no sólo entera una carrera de más de dos décadas llena de éxitos, sino que también lo hace con una solidez escénica que viene de la experiencia y de la confianza que tiene la actual formación: una especie de dream team de la música chilena. A la voz inconfundible de Denisse Malebrán y el bajo de Luciano Rojas, se suma en batería el ex La Ley Mauricio Clavería, además el arreglista, productor y multiinstrumentista Martín D’Alesio.

Luego de muchos movimientos, la banda parece estar en un punto de madurez y tranquilidad que en vivo consigue mezclar efectivamente los éxitos de sus primeros discos (principalmente “Informe Saiko” de 1999 y “Las Horas” de 2004) con los tracks más nuevos, como “Fluvial” (hecho en colaboración con Sebastián Gallardo de We Are The Grand) o “Sabes”. Pop, rock, intensidad, dulzura, convicción y un carácter pionero en la música chilena, hacen de Saiko la última gran banda nacional vigente que debía debutar en el escenario del Parque O’Higgins.

Alain Johannes Trio (performs “Euphoria Morning”)

A estas alturas no debiéramos entregar credenciales de quién es Alain Johannes, pero no es malo recordar una que otra. Por ejemplo, que junto con Natasha Shneider fueron quienes produjeron el álbum solista debut de Chris Cornell, “Euphoria Morning”. Este álbum, salido en septiembre de 1999, tendrá un nuevo giro en el escenario de Lollapalooza Chile 2020, protagonizando lo que será el retorno de Johannes al festival, en formato trío, con los hermanos Cote Foncea (Lucybell, Dracma) y Felo Foncea (De Kiruza).

Johannes muchas veces ha comentado la cercanía que tenía con Chris Cornell y cuán importante fue para todos quienes participaron el hecho de grabar “Euphoria Morning”, un disco que, además de su carga emocional, posee melodías que distanciaron al vocalista de lo que hizo en Soundgarden, llevándolo a un rock más profundo, de texturas más ricas, mucho más parecido a lo que Alain y Natasha cultivaban en Eleven. Y es precisamente ese tipo de sonido el que será evocado en un show único con Johannes y los hermanos Foncea, que son prenda de garantía al momento de sonar en vivo.

Fernando Milagros

Luego de experimentar con múltiples recursos sonoros, pareciera que en “Serpiente” –disco que editó en 2019– Fernando Milagros volvió a la guitarra como muleta única, siendo las seis cuerdas y la garganta del cantautor lo que domina las melodías propuestas en los nueve tracks del sólido y cálido LP.

Esa cercanía orgánica es toda una novedad para el artista que en “Nuevo Sol” (2014) o “Milagros” (2017) tuvo en los trazos electrónicos un complemento clave. También es ese tono más ligado a lo psicodélico, con percusiones orgánicas y bajos más profundos como elementos que terminan de cuajar la mezcla, el que sonará en Lollapalooza Chile, con un músico que vuelve a sus raíces, pero con las enseñanzas marcadas en canciones más directas y llenas de detalles por descubrir ahí donde es más difícil: escondidas a simple vista.

Yorka

Las hermanas Pastenes son un halo de luz y de fuerza en el escenario nacional, haciendo un pop sofisticado, juguetón y bello, pero no por ello menos potente. En eso ayudan mucho las voces de Daniela y Yorka, quienes se apoyan y generan sensaciones de alto impacto, cantando sobre temas variados, con canciones que en el contexto de la protesta social han encontrado más oídos y más lecturas.

Esto también se relaciona al trabajo que ellas han hecho en terreno, con Yorka –quien es profesora– haciendo clases de canto en múltiples contextos, acercando la música a distintos territorios. “La Canción Es Protesta” es una de las mejores composiciones surgidas tras el estallido social, vinculando el sonido del canto nuevo con un pop del siglo XXI, y es ese tipo de conexiones lo que convierte a Yorka en un proyecto relevante, precioso de descubrir y atemporal en su sonido, en su mejor momento.

Slowkiss

La mezcla que hace Slowkiss podría ser un desastre si sólo se ve lo que hay en el papel. Pop, shoegaze, punk, elementos góticos incluso, pueden parecer cosas que en la mezcla podrían perder algo, pero el cuarteto chileno logra mostrar todas sus facetas, en una propuesta que, luego de mucho trabajo y convicción, es parte de los sucesos imperdibles del rock chileno en el último tiempo.

Aunque la masculinidad frágil haga que algunos le enrostren su pasado como parte de Supernova a Elisa Montes, lo que consigue la formación que la tiene a ella, Natalia Diaz, Andie Borie y Ricardo Pozo no pierde el tiempo en el pasado, y entrega rock directo como el que inunda “Patio 29”, el disco que lanzaron en agosto pasado y que será la columna vertebral de lo que promete ser una vibrante presentación en Lollapalooza Chile 2020.

Catana

Una de las voces más interesantes y versátiles dentro de la escena urbana, Catana ganó notoriedad con su mixtape “Qween C” en 2018, un trabajo que dejaba en claro cómo la intérprete podía rapear, cantar, trapear y también mezclar estilos en su voz. Con líricas afiladas, la artista también ha explorado en notas más sostenidas, en el R&B y en más recovecos musicales con colaboraciones múltiples.

“CA” es el último single editado por Catana, que muestra el camino reflexivo, pero lleno de reafirmación, que la tiene como uno de los nombres a seguir no sólo en la música chilena, sino que en la esfera latina. Tal vez porque, en medio de solistas que se ponen al centro como objeto de escrutinio, una voz que observa al resto con la confianza y el carisma que tiene Catana no sólo resulta algo lleno de novedad, sino también ocupa espacios que estaban ahí, a la espera de un talento como el de la oriunda de Cerro Navia, que llegará a Lollapalooza Chile a confirmar las sospechas que hay sobre uno de los secretos mejor guardados del rap chileno.

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