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Mumford & Sons: La mutación de un estilo

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Cuando hablamos de los británicos de Mumford & Sons no existen medios tonos: o se les ama o se les odia, así de simple, y básicamente este es el riesgo que se corre cuando se opta por aventurarse en un estilo tan sensible y arraigado como lo es el folk rock, género que se caracteriza por la profundidad de su narrativa y por representar la esencia cultural de su tierra madre, teniendo en la figura de Bob Dylan a su principal exponente. Lo que no aguanta ningún tipo de análisis es que la propuesta de los liderados por Marcus Mumford ha obtenido muy buenos dividendos en menos de una década de vida, con una apuesta que desde un principio ha destacado por su frescura, vitalidad y una energía que fluye naturalmente en cada una de sus composiciones, principalmente en sus apariciones en vivo. Lo cierto es que la banda no inventó el estilo, pero si lo renovó; en una escena que estaba siendo peligrosamente dominada por el indie rock e indie pop, fueron capaces de marcar una diferencia y potenciar una carrera que hasta el momento parece no conocer de limitaciones.

MUMFORD & SONS 02Si tuviésemos que enseñar las claves para triunfar rápidamente en el siempre competitivo mundo de la música, sin duda la agrupación nativa de Londres sería material de estudio obligado, ya que en muy poco tiempo ha sido capaz de posicionarse como uno de los números más requeridos para liderar los principales festivales de todo el mundo. Su exitosa carrera comenzó con presentaciones esporádicas en algunos bares de Londres, junto a la edición de los EP “Lend Me Your Eyes” (2008), “Love Your Ground” (2008) y “The Cave And The Open Sea” (2009), trabajos que los hicieron conocidos en el medio y los llevaron a sus primeras giras por Reino Unido y Estados Unidos. Su debut oficial llegó de la mano de su primer larga duración, “Sigh No More” (2009), el cual fue grabado en los legendarios estudios Eastcote bajo la supervisión del productor Markus Dravs, reconocido por haber colaborado con artistas de la talla de Björk y Arcade Fire, y el resultado fue sublime, con una placa que vendió más de un millón de copias en su tierra natal y más de dos millones en Estados Unidos, y que los catapultó a los primeros lugares de los rankings. Para su segundo disco, “Babel” (2012), repitieron la exitosa fórmula y el resultado fue el mismo, siendo el álbum de 2012 que vendió más copias en su semana de estreno (600 mil), superando a Justin Bieber (“Believe”), Madonna (“MDNA”) y Pink (“The Truth About Love”).

A pesar de su meteórico ascenso, los muchachos de Mumford & Sons mantienen los pies en la tierra, saben perfectamente donde están parados y eso les permite tomarse ciertas licencias; entienden que su propuesta en algunos casos puede parecer demasiada calculada, cayendo incluso en el abuso de las herramientas típicas del folk, en una suerte de caricatura del género que representan y, por lo mismo, también son capaces de reírse de ellos mismos –y, por ende, de sus detractores–, lo que quedó en evidencia en el entretenido video del sencillo “Hopeless Wanderer”, perteneciente a “Babel”. En este, los cuatro músicos son representados por los comediantes y actores Jason Sudeikis, Will Forte, Jason Bateman y Ed Helms, claramente buscando ridiculizar cada uno de los clichés que fundamentan la esencia de la banda, tales como su estética, la anticuada instrumentación y, sobre todo, la excentricidad de sus integrantes. Cuando se gana fama tan rápidamente se puede caer en el vicio de estrujar la fórmula hasta el punto de dejarla inservible, pero también en este ítem los londinenses han sido inteligentes, tomándose las cosas con mesura, incluso anunciando un largo receso tras finalizar la gira de promoción de su segundo larga duración, justamente en el punto más alto de su carrera.

MUMFORD & SONS 01Mumford & Sons a lo largo de los años ha demostrado ser una banda que no se rige por la opinión de sus fanáticos y mucho menos por la de los medios especializados, sino más bien por su propia necesidad creativa e innovadora, aunque esto implique apartarse de su estilo y su impronta característica. Eso quedó de manifiesto en su último álbum de estudio, “Wilder Mind” (2015), en donde abandonaron la comodidad de la fórmula que tan buenos resultados les había dado en años previos para incursionar en los sonidos más eléctricos, relegando incluso a un segundo plano a su querido banjo y las guitarras acústicas. Probablemente, este cambio de rumbo grafica a la perfección la madurez artística que ha alcanzado el conjunto, ya que habría resultado demasiado fácil mantenerse en la misma línea sonora, seguir vendiendo millones de discos y esperar pacientemente que su música se volviera profundamente predecible e infumable. Es por esto que prefirieron asumir el desafío de reinventarse y demostrar que en esta nueva faceta pueden ser igual de buenos, o incluso mejores que en su versión original.

Si bien es cierto que la actualidad de Marcus Mumford y compañía se traduce en la mutación de su estilo, acercándose mucho más al rock duro y dejando un tanto de lado la sensibilidad del folk, la esencia de la banda se mantiene intacta, con melodías rebosantes de energía que tienen su clímax en sus shows en vivo y en la exquisita conexión que establecen con sus fanáticos. Puede o no gustar la propuesta sonora del cuarteto, pero su calidad no está en discusión, y en una escena donde la mayoría de las agrupaciones apuntan a lo mismo, con muy pocos atisbos de ambición artística, que exista una banda como Mumford & Sons es prácticamente un privilegio.

Por Gustavo Inzunza

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Discos chilenos destacados 2020

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Discos chilenos destacados 2020
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Este pudo ser un año sin ningún lanzamiento y eso podría haber sido lo más justo del mundo. 2020 estuvo marcado por la crisis político-social en nuestro país, y luego por una crisis sanitaria-cultural a nivel mundial por la pandemia. La música en vivo se apagó casi por completo por la imposibilidad de tener masas de gente en conjunto en el mismo espacio, y con ello la principal fuente de ingresos de la industria musical también ha dejado a miles de trabajadores de la música en la cuerda floja. Pero en vez de silencio, son muchas voces las que se han alzado, en múltiples estilos y mensajes, y la música ha sonado fuerte, claro y ha servido para demostrar el valor de las artes y cultura en un contexto de adversidades e incertidumbres. Allí, las y los músicos chilenos han colaborado, dialogado y generado instancias para mantener la presión sobre las autoridades para que se hagan cargo de la crítica situación, pero también han brillado en materia de creación, generando una gran cantidad de material valioso, en diferentes géneros.

Muchos EPs han formado parte de los proyectos surgidos, incluso con la motivación de la pandemia. Quizás es ese aislamiento forzado el que también ha hecho que la mayoría de los proyectos que destacamos en este listado 2020 de HumoNegro sean, justamente, trabajos surgidos desde una labor solista (Alexander Quinteros, Chini.png, Rubio, Nico Carreño, Cevladé) y además con mucha sensibilidad reflexiva. En tanto, encontramos bandas que se consolidan (Alectrofobia, Adelaida, Niños del Cerro) y otras que sorprenden, pese a sus ya sólidas trayectorias (Cómo Asesinar A Felipes, Yajaira, Poema Arcanus).

La creación artística siempre es esperanza y brillo, y en medio de incertidumbres que nublan el rumbo, esperamos que estos discos que seleccionamos entreguen al menos parte del retrato de un año donde todo fue más difícil, pero donde, aun así, hubo luces y sonidos. Desde HumoNegro, un reconocimiento para las y los compositores e intérpretes que mantienen viva la música chilena. Aquí, en orden alfabético por banda, nuestra humilde selección de EPs y LPs destacados 2020.

Link a los streamings de cada álbum pinchando en las imágenes.


“Animita”

Adelaida

Tras el éxito de “Paraíso” (2017), Adelaida no se durmió en los laureles y comenzó el proceso de creación de su cuarto disco, uno que llegó este 2020 y trajo consigo nuevas texturas para la banda de Valparaíso. “Animita” es un trabajo enérgico y honesto, donde el trío compuesto por Jurel Sónico, Naty Lane y Lele Holzapfel sigue buscando su fórmula definitiva, jugándosela con varias sorpresas a las que no nos tenían acostumbrados, pero sin perder su esencia. El LP, que nació como una ofrenda a Émile Dubois, personaje emblemático de la cultura popular porteña, se posiciona como uno de los grandes registros del año. Tal como grita Naty Lane en “Kraken”: “¡Es un ruido necesario!”.


“Era Luz”

Alectrofobia

https://open.spotify.com/album/0d8R4U0j0ZemcWxkHL0Yb5

La escena del rock “a secas” parece estacionada en los clichés en todo el mundo, y por eso es interesante cuando una banda intentar refrescar el sonido y las ideas. Alectrofobia ha marcado los últimos años del rock chileno con su vocación por un sonido de calidad internacional, y desde ahí ha construido canciones que, sin estacionarse en una sola vereda sónica, transmiten potencia y mensaje. “Era Luz” es un álbum donde la calidad de grabación, mezcla y masterización se suman a la intención de cantar y contar sobre las crisis que ocurren en nuestro país. Desde el punk rock hasta el hard rock, pasando por americana o post grunge, Alectrofobia crea grandes canciones en un disco que consolida sus fortalezas.


“2020”

Alexander Quinteros

La cuarentena ha sido un espacio de aislamiento, pero también de contención y otro tipo de creatividad. Alexander Quinteros trabajó en confinamiento un disco lleno de ambientes y atmósferas dignas de retratar este año, al que coherentemente nombró “2020”. Tracks breves, pero completos en su composición, con arreglos precisos, a los que ni siquiera el truco innecesario del “audio 8D” les quita la capacidad de enfocar –mediante emociones y gradientes– el año más difícil para mucha gente. Quinteros se la juega por lo instrumental y conceptual, y en una temporada donde el tiempo parece líquido y las consignas gritadas parecen desvanecerse, “2020” dibuja un borroso pero fidedigno documento de la pandemia.


“Rfd2”

Cevladé

La censura tapa la boca, pero también genera reacciones. Cevladé se vio en la necesidad de responder a la censura a “Requiem For A Drink” (2012), motivada por la alta rotación de su tema “El Lamento del Pueblo” tras el estallido. Tras bajar el disco de las plataformas, el artista tomó desafío de contar de nuevo la historia de Mario De La Milnova y “La Orden RFD”. “Rfd2” es una especie de continuación y remasterización del disco censurado. Nuevos bríos, interpretaciones más crudas, una producción más clara, pero también más densa y oscura, caminan un trayecto aparentemente conocido con nuevos ojos, líricas y con la rabia renovada. Un rescate de la propia historia, convertida en declaración.


“CTRL+Z”

Chini.png

En el computador, el comando CTRL+Z se encarga de deshacer algo, de convertirlo en un paso en falso y olvidarlo. En un EP, Chini.png lo convierte en un código para presentarse como solista, y también para acompañar, reflexionar y hacer catarsis. Amores, países, movimientos sociales y mitologías se cruzan en cuatro canciones que, pese a derivar en un trabajo corto en duración, termina pegando duro en las sensaciones que libera. Chini Ayarza arma un vehículo de empatía y de identidad, más aún que en Chini & The Technicians, poniéndola al servicio de una atmósfera de esperanza y desilusión, profunda y terrible, adentrándose en sucesos e ideas a las cuales cualquiera querría aplicarle “CTRL+Z”.

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