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Moonchild: La experiencia definitiva

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JOHN ZORN MANOJohn Zorn, talentoso productor, compositor y saxofonista neoyorkino de origen judío, es sin lugar a dudas la cabeza de este monstruo llamado Moonchild, un proyecto que se comenzó a gestar en la imaginación de Zorn en 2003 y que tres años después dio a luz un brillante y original experimento, que desarrolla a la perfección el concepto de “doble trío”, teniendo por un lado una alineación de lujo fundamentada en tres multifacéticos y destacados músicos: Mike Patton en las voces, Trevor Dunn en bajo y Joey Baron en la percusión, y en la vereda del frente, tres connotados artistas que sirvieron de fuente de inspiración para llevar a cabo este sueño: el dramaturgo y novelista francés Antonin Artaud, el experto en ocultismo Aleister Crowley y el compositor francés Edgar Varese.

Me levanto por la mañana y al minuto estoy trabajando en una idea que se me ha ocurrido para un tema o repasando las notas para mi nuevo disco. Trabajo todo el día y eso es lo que más me gusta hacer”. (John Zorn)

TREVOR DUNNLa propuesta de Moonchild es, por donde se le mire, una verdadera obra de arte, con un sonido que se mueve transversalmente a través del rock y del jazz, con precisas pinceladas de ritmos tribales que se unifican en complejas y trabajadas melodías, evidenciando la impronta e influencia de Varese en cada una de sus secuencias. Una lírica prolijamente elaborada, con matices oscuros y descarnados, que configuran líneas densas y nostálgicas en un ambiente muy propio del estilo de escritura que profesó Artaud. El elemento que cierra el círculo, es la mística y esoterismo que proporciona la participación omnipresente de Crowley, transformando la experiencia en un acto mágico y sobrenatural. Resulta casi redundante hablar del virtuosismo y talento de cada uno de los músicos encargados de ejecutar la obra de Zorn, con destacadas trayectorias que hablan por sí solas, teniendo como común denominador el éxito y vanguardia de su generación.

MIKE PATTONMike Patton, con pergaminos de sobra para ser catapultado a un lugar de privilegio entre los mejores vocalistas y frontman de la historia del rock, habiendo paseado su talento por bandas tan disimiles como Faith No More, Mondo Cane, Tomahawk, Fantômas, entre muchas otras. Trevor Dunn, uno de los bajistas más destacados y talentosos de las últimas dos décadas, que ha compartido escenario con Patton en la mayoría de sus inventos, además de colaborar con Zorn en el proyecto Electric Masada. Por su parte, Joey Baron ha tenido el privilegio de girar con destacados exponentes del universo musical, tales como David Bowie, Tony Bennett, Michael Jackson, sólo por nombrar algunos, conjuntamente con su celebrado aporte en Masada. Toda esta constelación de estrellas debía tener un director que estuviese a la altura, y es así que surge la figura excluyente de John Zorn, el prolífico compositor que, a la fecha, ostenta la friolera marca de más de 400 álbumes editados. Posteriormente, se uniría al proyecto Moonchild el tecladista John Medeski, participando en el último álbum “Templars: In Sacred Blood” y acompañando la gira que los trae por primera vez a nuestro país.

No leo nada de música, pero Moonchild es una cosa específica. Normalmente, la mayoría de los proyectos de Zorn están muy compuestos y estructurados, pero Moonchild cuando empezó, la manera en que me lo describía era que quería usar la tradición oral de la música rock”. (Mike Patton, entrevista a The Believer Magazine)

Desconozco las razones que hacen de Moonchild un proyecto tan misterioso, transitando generalmente entre las tinieblas de una escena mucho más underground, con un John Zorn que prácticamente no concede entrevistas, y una formación que pareciese estar más ocupada en sus bandas principales que en revelar antecedentes sobre los pasos del ahora quinteto. A pesar de no ser una agrupación a tiempo completo, en sus cortos siete años de existencia cuentan con una fructífera discografía de seis álbumes de estudio, que han acaparado las miradas de los fanáticos y los medios especializados alrededor del mundo: “Moonchild: Songs Without Words” (2006), “Astronome” (2006), “Six Litanies For Heliogabalus” (2007), “The Crucible” (2008), “Ipsissimus” (2010) y el ya mencionado “Templars: In Sacred Blood” (2012). Las opiniones de los seguidores se dividen entre los que piensan que la primera etapa de la banda fue la más atractiva y vanguardista, mientras que otros destacan el retorno a las raíces más cercanas al rock de sus últimas producciones. Lo cierto es que los gustos son subjetivos y dependen de múltiples factores, físicos y anímicos, muy difíciles de descifrar, pero en lo que sí hay consenso entre los fanáticos, es en lo cautivante y seductora que resulta la apuesta de Moonchild.

JOHN MEDESKIResulta particularmente dificultoso tratar de etiquetar y/o encasillar a Moonchild dentro de algún estilo musical, y se torna aun más complejo el describir en palabras las múltiples sensaciones y emociones que despiertan cada una de las obras que surgen de la retorcida imaginación de Zorn y compañía, probablemente porque cualquier adjetivo quedaría corto en su intento por graficar el universo subliminal que es capaz de construir esta amalgama de talentosos artistas. Todas las interrogantes que se tienen respecto a la propuesta de Moonchild serán dilucidadas el próximo 12 y 13 de Junio, cuando se presenten por partida doble, en el Teatro Caupolicán de Santiago y el Teatro Municipal de Valparaíso, respectivamente. Una cita a la que nadie puede quedar ajeno, ya que muy pocas veces tendremos la oportunidad de recibir en nuestro territorio a una constelación de mentes brillantes, unidas en la difícil misión de ofrecer la experiencia definitiva.

Por Gustavo Inzunza

Para ver este video, adelanta hasta el minuto 11.

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Discos chilenos destacados 2020

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Discos chilenos destacados 2020
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Este pudo ser un año sin ningún lanzamiento y eso podría haber sido lo más justo del mundo. 2020 estuvo marcado por la crisis político-social en nuestro país, y luego por una crisis sanitaria-cultural a nivel mundial por la pandemia. La música en vivo se apagó casi por completo por la imposibilidad de tener masas de gente en conjunto en el mismo espacio, y con ello la principal fuente de ingresos de la industria musical también ha dejado a miles de trabajadores de la música en la cuerda floja. Pero en vez de silencio, son muchas voces las que se han alzado, en múltiples estilos y mensajes, y la música ha sonado fuerte, claro y ha servido para demostrar el valor de las artes y cultura en un contexto de adversidades e incertidumbres. Allí, las y los músicos chilenos han colaborado, dialogado y generado instancias para mantener la presión sobre las autoridades para que se hagan cargo de la crítica situación, pero también han brillado en materia de creación, generando una gran cantidad de material valioso, en diferentes géneros.

Muchos EPs han formado parte de los proyectos surgidos, incluso con la motivación de la pandemia. Quizás es ese aislamiento forzado el que también ha hecho que la mayoría de los proyectos que destacamos en este listado 2020 de HumoNegro sean, justamente, trabajos surgidos desde una labor solista (Alexander Quinteros, Chini.png, Rubio, Nico Carreño, Cevladé) y además con mucha sensibilidad reflexiva. En tanto, encontramos bandas que se consolidan (Alectrofobia, Adelaida, Niños del Cerro) y otras que sorprenden, pese a sus ya sólidas trayectorias (Cómo Asesinar A Felipes, Yajaira, Poema Arcanus).

La creación artística siempre es esperanza y brillo, y en medio de incertidumbres que nublan el rumbo, esperamos que estos discos que seleccionamos entreguen al menos parte del retrato de un año donde todo fue más difícil, pero donde, aun así, hubo luces y sonidos. Desde HumoNegro, un reconocimiento para las y los compositores e intérpretes que mantienen viva la música chilena. Aquí, en orden alfabético por banda, nuestra humilde selección de EPs y LPs destacados 2020.

Link a los streamings de cada álbum pinchando en las imágenes.


“Animita”

Adelaida

Tras el éxito de “Paraíso” (2017), Adelaida no se durmió en los laureles y comenzó el proceso de creación de su cuarto disco, uno que llegó este 2020 y trajo consigo nuevas texturas para la banda de Valparaíso. “Animita” es un trabajo enérgico y honesto, donde el trío compuesto por Jurel Sónico, Naty Lane y Lele Holzapfel sigue buscando su fórmula definitiva, jugándosela con varias sorpresas a las que no nos tenían acostumbrados, pero sin perder su esencia. El LP, que nació como una ofrenda a Émile Dubois, personaje emblemático de la cultura popular porteña, se posiciona como uno de los grandes registros del año. Tal como grita Naty Lane en “Kraken”: “¡Es un ruido necesario!”.


“Era Luz”

Alectrofobia

https://open.spotify.com/album/0d8R4U0j0ZemcWxkHL0Yb5

La escena del rock “a secas” parece estacionada en los clichés en todo el mundo, y por eso es interesante cuando una banda intentar refrescar el sonido y las ideas. Alectrofobia ha marcado los últimos años del rock chileno con su vocación por un sonido de calidad internacional, y desde ahí ha construido canciones que, sin estacionarse en una sola vereda sónica, transmiten potencia y mensaje. “Era Luz” es un álbum donde la calidad de grabación, mezcla y masterización se suman a la intención de cantar y contar sobre las crisis que ocurren en nuestro país. Desde el punk rock hasta el hard rock, pasando por americana o post grunge, Alectrofobia crea grandes canciones en un disco que consolida sus fortalezas.


“2020”

Alexander Quinteros

La cuarentena ha sido un espacio de aislamiento, pero también de contención y otro tipo de creatividad. Alexander Quinteros trabajó en confinamiento un disco lleno de ambientes y atmósferas dignas de retratar este año, al que coherentemente nombró “2020”. Tracks breves, pero completos en su composición, con arreglos precisos, a los que ni siquiera el truco innecesario del “audio 8D” les quita la capacidad de enfocar –mediante emociones y gradientes– el año más difícil para mucha gente. Quinteros se la juega por lo instrumental y conceptual, y en una temporada donde el tiempo parece líquido y las consignas gritadas parecen desvanecerse, “2020” dibuja un borroso pero fidedigno documento de la pandemia.


“Rfd2”

Cevladé

La censura tapa la boca, pero también genera reacciones. Cevladé se vio en la necesidad de responder a la censura a “Requiem For A Drink” (2012), motivada por la alta rotación de su tema “El Lamento del Pueblo” tras el estallido. Tras bajar el disco de las plataformas, el artista tomó desafío de contar de nuevo la historia de Mario De La Milnova y “La Orden RFD”. “Rfd2” es una especie de continuación y remasterización del disco censurado. Nuevos bríos, interpretaciones más crudas, una producción más clara, pero también más densa y oscura, caminan un trayecto aparentemente conocido con nuevos ojos, líricas y con la rabia renovada. Un rescate de la propia historia, convertida en declaración.


“CTRL+Z”

Chini.png

En el computador, el comando CTRL+Z se encarga de deshacer algo, de convertirlo en un paso en falso y olvidarlo. En un EP, Chini.png lo convierte en un código para presentarse como solista, y también para acompañar, reflexionar y hacer catarsis. Amores, países, movimientos sociales y mitologías se cruzan en cuatro canciones que, pese a derivar en un trabajo corto en duración, termina pegando duro en las sensaciones que libera. Chini Ayarza arma un vehículo de empatía y de identidad, más aún que en Chini & The Technicians, poniéndola al servicio de una atmósfera de esperanza y desilusión, profunda y terrible, adentrándose en sucesos e ideas a las cuales cualquiera querría aplicarle “CTRL+Z”.

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