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Method Man & Redman: Humos de innovación, aires de leyenda

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Todas las categorías musicales tienen exponentes que sobresalen del resto; elegidos capaces de traspasar las barreras del tiempo con su arte y ubicar su nombre en una dimensión donde no llega la influencia de la muerte, por el contrario, es el lugar donde nace lo que conocemos como clásicos. En ese sentido, la cultura hip-hop, debido a su fértil carácter, ha entregado una cuota considerable de la banda sonora que ha musicalizado al planeta en las últimas tres o cuatro décadas, infiltrando sus beats y sus rimas en el inconsciente colectivo.

Las dos escuelas célebres de la cuna del movimiento, la costa este y oeste de Estados Unidos, ostentan múltiples pergaminos y galardones obtenidos por sus figuras más importantes, individuos que en su mayoría provenían de los barrios duros de sus ciudades, por lo tanto, no es de extrañar la rivalidad surgida en los años noventa y sus niveles de violencia, situación que se llevó varias vidas consigo. En los alrededores de la “ciudad que nunca duerme”, e insertos en toda esa vorágine, hubo personajes que se abstrajeron de esa hostilidad y se enfocaron en canalizar sus energías en producir versos inmortales que, a la larga, los han convertido en estrellas de la música popular contemporánea, como el caso de los raperos (y primos) Method Man y Redman. El primero es, sin duda, uno de los liricistas más ingeniosos y respetados del mundo del rap, en gran medida gracias a su participación protagónica en las creaciones de Wu-Tang Clan, el grupo de mayor mística y trascendencia del género, además del beneplácito obtenido con su incendiario estreno en solitario titulado “Tical” (1994). Mientras que Redman desarrolló su carrera desde un comienzo con la venia de la crítica, de sus pares y de los seguidores, debido a su irrupción con el tremendo debut que fue “Whut? Thee Album”, en 1992.

Casi al final del nuevo milenio y tras ser parte de una exitosa gira junto a otros colosos como Jay-Z o DMX, ambos unieron sus fuerzas, más allá de todas las colaboraciones que ya habían hecho hasta ese momento, para así crear “Blackout!” (1999), primer disco completo construido entre estos ilustres de la east coast y que en la semana de su aparición vendió más de 250 mil copias, poniendo al dúo en la cima de todas las listas (#3 en la Billboard 200 de la época) con los singles “Tear It Off”, “Y.O.U.” y “Da Rockwilder”, proceso lleno de gloria que se vería coronado un par de años después con la película “How High”, un stoner film (cintas que rinden tributo a la cultura canábica como “Cheech & Chong Up in Smoke” o “Half Baked”), que con el apoyo de una empresa gigante del cine como Universal Studios y todo lo que eso implica catapultó a la pareja al mega-estrellato. En esos días, el estilo de cada uno ya lucía depurado y la identidad en sí de la región a la que orgullosamente pertenecen se encontraba en un estado de madurez artística, diferenciándose de su contraparte del otro lado del país del norte, zona que unos años más tarde vería cómo la repetición hasta el cansancio de la misma fórmula del g-funk y del gangsta rap terminaría por saturar el mercado con clones-de-clones que nunca se acercaron siquiera a lo que hizo Dr. Dre y sus colegas, sumergiendo a gran parte del panorama en un pantano creativo que se extiende hasta hoy, salvo uno que otro talentoso, como Kendrick Lamar.

Redman descarga su prosa con agilidad y con un sentido del humor que nadie más posee en la industria, siendo una gran influencia para otros cófrades más jóvenes, como Eminem, quien incluso manifestó que el oriundo de Nueva Jersey era su rapero favorito. Method Man, por su parte, puso su nombre en lo más alto del circuito con letras sin filtro, una personalidad avasalladora y una verborrea que fluye natural en el caudal del rap, como si estuviese predestinado a ser uno de los mejores maestros de ceremonia de la música urbana. Juntos y unidos son parte fundamental del renacimiento del hip-hop de la costa este durante los años noventa, hito no menor tomando en cuenta que todo nació allí hace cuatro décadas y cuya historia rebosa en artistas insignes. Además, fueron capaces de nivelar la balanza, puesto que en esos días casi toda la atención se centraba en lo que se hacía en Los Angeles, California.

De esta manera se ganaron el título de leyendas, algo que se será posible confirmar y apreciar en unas semanas más, cuando Method Man y Redman aterricen en Santiago para conmemorar un aniversario más de “Blackout!”, obra inmortal que le enrostró a todo el orbe que el mejor rap viene del frío, de la crudeza y los paisajes de Nueva York y sus cercanías. Mientras dependa de ellos, así seguirán las cosas.

Por Hans Oyarzún

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Discos chilenos destacados 2020

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Discos chilenos destacados 2020
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Este pudo ser un año sin ningún lanzamiento y eso podría haber sido lo más justo del mundo. 2020 estuvo marcado por la crisis político-social en nuestro país, y luego por una crisis sanitaria-cultural a nivel mundial por la pandemia. La música en vivo se apagó casi por completo por la imposibilidad de tener masas de gente en conjunto en el mismo espacio, y con ello la principal fuente de ingresos de la industria musical también ha dejado a miles de trabajadores de la música en la cuerda floja. Pero en vez de silencio, son muchas voces las que se han alzado, en múltiples estilos y mensajes, y la música ha sonado fuerte, claro y ha servido para demostrar el valor de las artes y cultura en un contexto de adversidades e incertidumbres. Allí, las y los músicos chilenos han colaborado, dialogado y generado instancias para mantener la presión sobre las autoridades para que se hagan cargo de la crítica situación, pero también han brillado en materia de creación, generando una gran cantidad de material valioso, en diferentes géneros.

Muchos EPs han formado parte de los proyectos surgidos, incluso con la motivación de la pandemia. Quizás es ese aislamiento forzado el que también ha hecho que la mayoría de los proyectos que destacamos en este listado 2020 de HumoNegro sean, justamente, trabajos surgidos desde una labor solista (Alexander Quinteros, Chini.png, Rubio, Nico Carreño, Cevladé) y además con mucha sensibilidad reflexiva. En tanto, encontramos bandas que se consolidan (Alectrofobia, Adelaida, Niños del Cerro) y otras que sorprenden, pese a sus ya sólidas trayectorias (Cómo Asesinar A Felipes, Yajaira, Poema Arcanus).

La creación artística siempre es esperanza y brillo, y en medio de incertidumbres que nublan el rumbo, esperamos que estos discos que seleccionamos entreguen al menos parte del retrato de un año donde todo fue más difícil, pero donde, aun así, hubo luces y sonidos. Desde HumoNegro, un reconocimiento para las y los compositores e intérpretes que mantienen viva la música chilena. Aquí, en orden alfabético por banda, nuestra humilde selección de EPs y LPs destacados 2020.

Link a los streamings de cada álbum pinchando en las imágenes.


“Animita”

Adelaida

Tras el éxito de “Paraíso” (2017), Adelaida no se durmió en los laureles y comenzó el proceso de creación de su cuarto disco, uno que llegó este 2020 y trajo consigo nuevas texturas para la banda de Valparaíso. “Animita” es un trabajo enérgico y honesto, donde el trío compuesto por Jurel Sónico, Naty Lane y Lele Holzapfel sigue buscando su fórmula definitiva, jugándosela con varias sorpresas a las que no nos tenían acostumbrados, pero sin perder su esencia. El LP, que nació como una ofrenda a Émile Dubois, personaje emblemático de la cultura popular porteña, se posiciona como uno de los grandes registros del año. Tal como grita Naty Lane en “Kraken”: “¡Es un ruido necesario!”.


“Era Luz”

Alectrofobia

https://open.spotify.com/album/0d8R4U0j0ZemcWxkHL0Yb5

La escena del rock “a secas” parece estacionada en los clichés en todo el mundo, y por eso es interesante cuando una banda intentar refrescar el sonido y las ideas. Alectrofobia ha marcado los últimos años del rock chileno con su vocación por un sonido de calidad internacional, y desde ahí ha construido canciones que, sin estacionarse en una sola vereda sónica, transmiten potencia y mensaje. “Era Luz” es un álbum donde la calidad de grabación, mezcla y masterización se suman a la intención de cantar y contar sobre las crisis que ocurren en nuestro país. Desde el punk rock hasta el hard rock, pasando por americana o post grunge, Alectrofobia crea grandes canciones en un disco que consolida sus fortalezas.


“2020”

Alexander Quinteros

La cuarentena ha sido un espacio de aislamiento, pero también de contención y otro tipo de creatividad. Alexander Quinteros trabajó en confinamiento un disco lleno de ambientes y atmósferas dignas de retratar este año, al que coherentemente nombró “2020”. Tracks breves, pero completos en su composición, con arreglos precisos, a los que ni siquiera el truco innecesario del “audio 8D” les quita la capacidad de enfocar –mediante emociones y gradientes– el año más difícil para mucha gente. Quinteros se la juega por lo instrumental y conceptual, y en una temporada donde el tiempo parece líquido y las consignas gritadas parecen desvanecerse, “2020” dibuja un borroso pero fidedigno documento de la pandemia.


“Rfd2”

Cevladé

La censura tapa la boca, pero también genera reacciones. Cevladé se vio en la necesidad de responder a la censura a “Requiem For A Drink” (2012), motivada por la alta rotación de su tema “El Lamento del Pueblo” tras el estallido. Tras bajar el disco de las plataformas, el artista tomó desafío de contar de nuevo la historia de Mario De La Milnova y “La Orden RFD”. “Rfd2” es una especie de continuación y remasterización del disco censurado. Nuevos bríos, interpretaciones más crudas, una producción más clara, pero también más densa y oscura, caminan un trayecto aparentemente conocido con nuevos ojos, líricas y con la rabia renovada. Un rescate de la propia historia, convertida en declaración.


“CTRL+Z”

Chini.png

En el computador, el comando CTRL+Z se encarga de deshacer algo, de convertirlo en un paso en falso y olvidarlo. En un EP, Chini.png lo convierte en un código para presentarse como solista, y también para acompañar, reflexionar y hacer catarsis. Amores, países, movimientos sociales y mitologías se cruzan en cuatro canciones que, pese a derivar en un trabajo corto en duración, termina pegando duro en las sensaciones que libera. Chini Ayarza arma un vehículo de empatía y de identidad, más aún que en Chini & The Technicians, poniéndola al servicio de una atmósfera de esperanza y desilusión, profunda y terrible, adentrándose en sucesos e ideas a las cuales cualquiera querría aplicarle “CTRL+Z”.

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