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Method Man & Redman: Humos de innovación, aires de leyenda

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Todas las categorías musicales tienen exponentes que sobresalen del resto; elegidos capaces de traspasar las barreras del tiempo con su arte y ubicar su nombre en una dimensión donde no llega la influencia de la muerte, por el contrario, es el lugar donde nace lo que conocemos como clásicos. En ese sentido, la cultura hip-hop, debido a su fértil carácter, ha entregado una cuota considerable de la banda sonora que ha musicalizado al planeta en las últimas tres o cuatro décadas, infiltrando sus beats y sus rimas en el inconsciente colectivo.

Las dos escuelas célebres de la cuna del movimiento, la costa este y oeste de Estados Unidos, ostentan múltiples pergaminos y galardones obtenidos por sus figuras más importantes, individuos que en su mayoría provenían de los barrios duros de sus ciudades, por lo tanto, no es de extrañar la rivalidad surgida en los años noventa y sus niveles de violencia, situación que se llevó varias vidas consigo. En los alrededores de la “ciudad que nunca duerme”, e insertos en toda esa vorágine, hubo personajes que se abstrajeron de esa hostilidad y se enfocaron en canalizar sus energías en producir versos inmortales que, a la larga, los han convertido en estrellas de la música popular contemporánea, como el caso de los raperos (y primos) Method Man y Redman. El primero es, sin duda, uno de los liricistas más ingeniosos y respetados del mundo del rap, en gran medida gracias a su participación protagónica en las creaciones de Wu-Tang Clan, el grupo de mayor mística y trascendencia del género, además del beneplácito obtenido con su incendiario estreno en solitario titulado “Tical” (1994). Mientras que Redman desarrolló su carrera desde un comienzo con la venia de la crítica, de sus pares y de los seguidores, debido a su irrupción con el tremendo debut que fue “Whut? Thee Album”, en 1992.

Casi al final del nuevo milenio y tras ser parte de una exitosa gira junto a otros colosos como Jay-Z o DMX, ambos unieron sus fuerzas, más allá de todas las colaboraciones que ya habían hecho hasta ese momento, para así crear “Blackout!” (1999), primer disco completo construido entre estos ilustres de la east coast y que en la semana de su aparición vendió más de 250 mil copias, poniendo al dúo en la cima de todas las listas (#3 en la Billboard 200 de la época) con los singles “Tear It Off”, “Y.O.U.” y “Da Rockwilder”, proceso lleno de gloria que se vería coronado un par de años después con la película “How High”, un stoner film (cintas que rinden tributo a la cultura canábica como “Cheech & Chong Up in Smoke” o “Half Baked”), que con el apoyo de una empresa gigante del cine como Universal Studios y todo lo que eso implica catapultó a la pareja al mega-estrellato. En esos días, el estilo de cada uno ya lucía depurado y la identidad en sí de la región a la que orgullosamente pertenecen se encontraba en un estado de madurez artística, diferenciándose de su contraparte del otro lado del país del norte, zona que unos años más tarde vería cómo la repetición hasta el cansancio de la misma fórmula del g-funk y del gangsta rap terminaría por saturar el mercado con clones-de-clones que nunca se acercaron siquiera a lo que hizo Dr. Dre y sus colegas, sumergiendo a gran parte del panorama en un pantano creativo que se extiende hasta hoy, salvo uno que otro talentoso, como Kendrick Lamar.

Redman descarga su prosa con agilidad y con un sentido del humor que nadie más posee en la industria, siendo una gran influencia para otros cófrades más jóvenes, como Eminem, quien incluso manifestó que el oriundo de Nueva Jersey era su rapero favorito. Method Man, por su parte, puso su nombre en lo más alto del circuito con letras sin filtro, una personalidad avasalladora y una verborrea que fluye natural en el caudal del rap, como si estuviese predestinado a ser uno de los mejores maestros de ceremonia de la música urbana. Juntos y unidos son parte fundamental del renacimiento del hip-hop de la costa este durante los años noventa, hito no menor tomando en cuenta que todo nació allí hace cuatro décadas y cuya historia rebosa en artistas insignes. Además, fueron capaces de nivelar la balanza, puesto que en esos días casi toda la atención se centraba en lo que se hacía en Los Angeles, California.

De esta manera se ganaron el título de leyendas, algo que se será posible confirmar y apreciar en unas semanas más, cuando Method Man y Redman aterricen en Santiago para conmemorar un aniversario más de “Blackout!”, obra inmortal que le enrostró a todo el orbe que el mejor rap viene del frío, de la crudeza y los paisajes de Nueva York y sus cercanías. Mientras dependa de ellos, así seguirán las cosas.

Por Hans Oyarzún

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Chilenos en Lollapalooza 2020, Parte 2: Consolidando escenas

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Lollapalooza Chile

Aunque Lollapalooza Chile 2020 tiene más de cien artistas en total, la mayoría se fija en los cabezas de cartel, en esos nombres que tal vez no vendrán nunca más y que se presentan como oportunidades únicas. Pero también existe una miríada de actos chilenos que complementan la parrilla de forma precisa. Una apuesta por nombres emergentes en lo urbano, mezclado con artistas ya consolidados en el rock o en el indie, el festival que se desarrollará entre el 27 y el 29 de marzo en el Parque O’Higgins tiene múltiples colores, de los cuales te mostramos algunos tonos a continuación:

  • Para leer la primera parte de este artículo, con seis nombres más, entre los que se encuentran Pánico, Camila Moreno o Inti-Illimani & Quilapayún, haz clic AQUÍ.

Saiko

Tal vez la banda chilena más importante que faltaba que debutara en el escenario de Lollapalooza Chile, Saiko no sólo entera una carrera de más de dos décadas llena de éxitos, sino que también lo hace con una solidez escénica que viene de la experiencia y de la confianza que tiene la actual formación: una especie de dream team de la música chilena. A la voz inconfundible de Denisse Malebrán y el bajo de Luciano Rojas, se suma en batería el ex La Ley Mauricio Clavería, además el arreglista, productor y multiinstrumentista Martín D’Alesio.

Luego de muchos movimientos, la banda parece estar en un punto de madurez y tranquilidad que en vivo consigue mezclar efectivamente los éxitos de sus primeros discos (principalmente “Informe Saiko” de 1999 y “Las Horas” de 2004) con los tracks más nuevos, como “Fluvial” (hecho en colaboración con Sebastián Gallardo de We Are The Grand) o “Sabes”. Pop, rock, intensidad, dulzura, convicción y un carácter pionero en la música chilena, hacen de Saiko la última gran banda nacional vigente que debía debutar en el escenario del Parque O’Higgins.

Alain Johannes Trio (performs “Euphoria Morning”)

A estas alturas no debiéramos entregar credenciales de quién es Alain Johannes, pero no es malo recordar una que otra. Por ejemplo, que junto con Natasha Shneider fueron quienes produjeron el álbum solista debut de Chris Cornell, “Euphoria Morning”. Este álbum, salido en septiembre de 1999, tendrá un nuevo giro en el escenario de Lollapalooza Chile 2020, protagonizando lo que será el retorno de Johannes al festival, en formato trío, con los hermanos Cote Foncea (Lucybell, Dracma) y Felo Foncea (De Kiruza).

Johannes muchas veces ha comentado la cercanía que tenía con Chris Cornell y cuán importante fue para todos quienes participaron el hecho de grabar “Euphoria Morning”, un disco que, además de su carga emocional, posee melodías que distanciaron al vocalista de lo que hizo en Soundgarden, llevándolo a un rock más profundo, de texturas más ricas, mucho más parecido a lo que Alain y Natasha cultivaban en Eleven. Y es precisamente ese tipo de sonido el que será evocado en un show único con Johannes y los hermanos Foncea, que son prenda de garantía al momento de sonar en vivo.

Fernando Milagros

Luego de experimentar con múltiples recursos sonoros, pareciera que en “Serpiente” –disco que editó en 2019– Fernando Milagros volvió a la guitarra como muleta única, siendo las seis cuerdas y la garganta del cantautor lo que domina las melodías propuestas en los nueve tracks del sólido y cálido LP.

Esa cercanía orgánica es toda una novedad para el artista que en “Nuevo Sol” (2014) o “Milagros” (2017) tuvo en los trazos electrónicos un complemento clave. También es ese tono más ligado a lo psicodélico, con percusiones orgánicas y bajos más profundos como elementos que terminan de cuajar la mezcla, el que sonará en Lollapalooza Chile, con un músico que vuelve a sus raíces, pero con las enseñanzas marcadas en canciones más directas y llenas de detalles por descubrir ahí donde es más difícil: escondidas a simple vista.

Yorka

Las hermanas Pastenes son un halo de luz y de fuerza en el escenario nacional, haciendo un pop sofisticado, juguetón y bello, pero no por ello menos potente. En eso ayudan mucho las voces de Daniela y Yorka, quienes se apoyan y generan sensaciones de alto impacto, cantando sobre temas variados, con canciones que en el contexto de la protesta social han encontrado más oídos y más lecturas.

Esto también se relaciona al trabajo que ellas han hecho en terreno, con Yorka –quien es profesora– haciendo clases de canto en múltiples contextos, acercando la música a distintos territorios. “La Canción Es Protesta” es una de las mejores composiciones surgidas tras el estallido social, vinculando el sonido del canto nuevo con un pop del siglo XXI, y es ese tipo de conexiones lo que convierte a Yorka en un proyecto relevante, precioso de descubrir y atemporal en su sonido, en su mejor momento.

Slowkiss

La mezcla que hace Slowkiss podría ser un desastre si sólo se ve lo que hay en el papel. Pop, shoegaze, punk, elementos góticos incluso, pueden parecer cosas que en la mezcla podrían perder algo, pero el cuarteto chileno logra mostrar todas sus facetas, en una propuesta que, luego de mucho trabajo y convicción, es parte de los sucesos imperdibles del rock chileno en el último tiempo.

Aunque la masculinidad frágil haga que algunos le enrostren su pasado como parte de Supernova a Elisa Montes, lo que consigue la formación que la tiene a ella, Natalia Diaz, Andie Borie y Ricardo Pozo no pierde el tiempo en el pasado, y entrega rock directo como el que inunda “Patio 29”, el disco que lanzaron en agosto pasado y que será la columna vertebral de lo que promete ser una vibrante presentación en Lollapalooza Chile 2020.

Catana

Una de las voces más interesantes y versátiles dentro de la escena urbana, Catana ganó notoriedad con su mixtape “Qween C” en 2018, un trabajo que dejaba en claro cómo la intérprete podía rapear, cantar, trapear y también mezclar estilos en su voz. Con líricas afiladas, la artista también ha explorado en notas más sostenidas, en el R&B y en más recovecos musicales con colaboraciones múltiples.

“CA” es el último single editado por Catana, que muestra el camino reflexivo, pero lleno de reafirmación, que la tiene como uno de los nombres a seguir no sólo en la música chilena, sino que en la esfera latina. Tal vez porque, en medio de solistas que se ponen al centro como objeto de escrutinio, una voz que observa al resto con la confianza y el carisma que tiene Catana no sólo resulta algo lleno de novedad, sino también ocupa espacios que estaban ahí, a la espera de un talento como el de la oriunda de Cerro Navia, que llegará a Lollapalooza Chile a confirmar las sospechas que hay sobre uno de los secretos mejor guardados del rap chileno.

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