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Method Man & Redman: Humos de innovación, aires de leyenda

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Todas las categorías musicales tienen exponentes que sobresalen del resto; elegidos capaces de traspasar las barreras del tiempo con su arte y ubicar su nombre en una dimensión donde no llega la influencia de la muerte, por el contrario, es el lugar donde nace lo que conocemos como clásicos. En ese sentido, la cultura hip-hop, debido a su fértil carácter, ha entregado una cuota considerable de la banda sonora que ha musicalizado al planeta en las últimas tres o cuatro décadas, infiltrando sus beats y sus rimas en el inconsciente colectivo.

Las dos escuelas célebres de la cuna del movimiento, la costa este y oeste de Estados Unidos, ostentan múltiples pergaminos y galardones obtenidos por sus figuras más importantes, individuos que en su mayoría provenían de los barrios duros de sus ciudades, por lo tanto, no es de extrañar la rivalidad surgida en los años noventa y sus niveles de violencia, situación que se llevó varias vidas consigo. En los alrededores de la “ciudad que nunca duerme”, e insertos en toda esa vorágine, hubo personajes que se abstrajeron de esa hostilidad y se enfocaron en canalizar sus energías en producir versos inmortales que, a la larga, los han convertido en estrellas de la música popular contemporánea, como el caso de los raperos (y primos) Method Man y Redman. El primero es, sin duda, uno de los liricistas más ingeniosos y respetados del mundo del rap, en gran medida gracias a su participación protagónica en las creaciones de Wu-Tang Clan, el grupo de mayor mística y trascendencia del género, además del beneplácito obtenido con su incendiario estreno en solitario titulado “Tical” (1994). Mientras que Redman desarrolló su carrera desde un comienzo con la venia de la crítica, de sus pares y de los seguidores, debido a su irrupción con el tremendo debut que fue “Whut? Thee Album”, en 1992.

Casi al final del nuevo milenio y tras ser parte de una exitosa gira junto a otros colosos como Jay-Z o DMX, ambos unieron sus fuerzas, más allá de todas las colaboraciones que ya habían hecho hasta ese momento, para así crear “Blackout!” (1999), primer disco completo construido entre estos ilustres de la east coast y que en la semana de su aparición vendió más de 250 mil copias, poniendo al dúo en la cima de todas las listas (#3 en la Billboard 200 de la época) con los singles “Tear It Off”, “Y.O.U.” y “Da Rockwilder”, proceso lleno de gloria que se vería coronado un par de años después con la película “How High”, un stoner film (cintas que rinden tributo a la cultura canábica como “Cheech & Chong Up in Smoke” o “Half Baked”), que con el apoyo de una empresa gigante del cine como Universal Studios y todo lo que eso implica catapultó a la pareja al mega-estrellato. En esos días, el estilo de cada uno ya lucía depurado y la identidad en sí de la región a la que orgullosamente pertenecen se encontraba en un estado de madurez artística, diferenciándose de su contraparte del otro lado del país del norte, zona que unos años más tarde vería cómo la repetición hasta el cansancio de la misma fórmula del g-funk y del gangsta rap terminaría por saturar el mercado con clones-de-clones que nunca se acercaron siquiera a lo que hizo Dr. Dre y sus colegas, sumergiendo a gran parte del panorama en un pantano creativo que se extiende hasta hoy, salvo uno que otro talentoso, como Kendrick Lamar.

Redman descarga su prosa con agilidad y con un sentido del humor que nadie más posee en la industria, siendo una gran influencia para otros cófrades más jóvenes, como Eminem, quien incluso manifestó que el oriundo de Nueva Jersey era su rapero favorito. Method Man, por su parte, puso su nombre en lo más alto del circuito con letras sin filtro, una personalidad avasalladora y una verborrea que fluye natural en el caudal del rap, como si estuviese predestinado a ser uno de los mejores maestros de ceremonia de la música urbana. Juntos y unidos son parte fundamental del renacimiento del hip-hop de la costa este durante los años noventa, hito no menor tomando en cuenta que todo nació allí hace cuatro décadas y cuya historia rebosa en artistas insignes. Además, fueron capaces de nivelar la balanza, puesto que en esos días casi toda la atención se centraba en lo que se hacía en Los Angeles, California.

De esta manera se ganaron el título de leyendas, algo que se será posible confirmar y apreciar en unas semanas más, cuando Method Man y Redman aterricen en Santiago para conmemorar un aniversario más de “Blackout!”, obra inmortal que le enrostró a todo el orbe que el mejor rap viene del frío, de la crudeza y los paisajes de Nueva York y sus cercanías. Mientras dependa de ellos, así seguirán las cosas.

Por Hans Oyarzún

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Mogwai, Future Islands y Sun Kil Moon, las tres fuerzas del otoño

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Fauna Otoño 2018

Al ver el cartel del festival que se realizará en Espacio Riesco este 12 de mayo, queda claro que varios mundos podrán convivir en el mismo espacio de Fauna Otoño, algo importante en tiempos donde la tolerancia y el respeto son claves para la convivencia, también considerando que la disposición de escenarios permite escuchar la gran mayoría de las propuestas. Es en este ánimo que destacan tres propuestas difíciles de clasificar, pero al mismo tiempo que son sencillas de identificar, las que intentaremos disponer desde las sensaciones más allá de tecnicismos.

 

Mogwai: Calma en el caos

Cada vez que una canción de Mogwai explota, la sensación que queda es de una extraña calma. Como si el cosmos aplicará un mecanismo de relajación ante un trauma, o como si hubiera hipnosis en el momento exacto del apocalipsis. Lo que hacen los escoceses va más allá de lo que técnicamente consiguen, porque construir crescendos que redunden en una catarsis bella es algo que pueden hacer muchos, pero lo de Mogwai va más allá, a veces dejando a la deriva al oyente en una meseta polar para luego, desde esa incertidumbre, llegar con un sonido más grande que la vida.

Aunque la banda hace rato que no saca un disco que caiga en gracia a todo el espectro de sus fans, lo que ha hecho en los últimos años, más que inventar una rueda nueva, ha sido refrescar la forma en la que ruedan. Eso hace que, en vez de escuchar algo que parezca igual a lo anterior, se permita ver en la performance misma las ganas de crear de los escoceses, quienes también destacan como creadores de soundtracks para películas y series. Si Mogwai es capaz de crear un mundo para sí mismos, en estos casos también son hábiles para arropar mundos ajenos en la música. Al final, lo que es evidente es cómo pueden manejar los ánimos, los espacios y los tiempos, fundamental para un espectáculo que relaja y tensa a la vez, como los latidos del corazón.

Future Islands: Baila por tu vida

La sofisticada propuesta del trío norteamericano Future Islands no alcanza a esconder las ansias de conseguir algo fundamental para la vida: el movimiento. Todas las armonías, las melodías, las figuras de bajo, todo eso redunda en la provocación fundamental de mover el cuerpo, las ideas, las emociones, a través de una dirección muy particular por la voz de Samuel T. Herring, uno de los frontman más impredecibles y entregados en un escenario. Cuando vemos la forma en la que Samuel vive un concierto, queda claro que lo de Future Islands no es casual, y que él siente esa música tanto o más que los fans.

Pero la banda no es sólo lo que consigue Samuel, porque la dinámica entre sintetizadores y bajo es parte de lo que hace a la agrupación sobresalir. Gerrit Welmers y William Cashion dialogan a través de compases que se tejen de tal forma, que no se puede ignorar lo que hit tras hit consigue Future Islands. Al final, el imperativo es bailar y sorprenderse con la extravagancia de Herring, y es difícil que eso no pase donde sea que se presenten.

Sun Kil Moon: aislar y provocar

No necesariamente a todos les puede gustar todo el mundo. Bien lo sabe y entiende Mark Kozelek, quien, más que preocuparse de agradar, ha intentado contar historias y hacerse valer en el escenario. Legendaria es aquella ocasión donde puteó a The War On Drugs por sonar muy fuerte, lo que molestaba su espectáculo con una sola guitarra. Kozelek en el proyecto Sun Kil Moon narra y expresa emoción a un grado descriptivo enorme, basado en letras casi declamadas, que no escatiman tiempo ni esfuerzo en llegar a lo medular de las historias y mucho más.

Pero Kozelek también es parlanchín debajo del escenario, y no es extraño verlo como Morrissey, lanzando opiniones poco populares, difíciles de defender y que, en vez de acercar gente a su música, la alejan. Esto redunda en que Sun Kil Moon tal vez no es un nombre tan conocido porque Mark no está interesado en algo tan masivo, pero sí en la cantidad de respeto necesario para que sus creaciones sean respetadas y realmente escuchadas. Es probable que en vivo quede claro que tantos dimes y diretes sirven para, finalmente, encontrar la música en medio del camino.

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