Contáctanos

Artículos

Mejores discos internacionales 2015

Publicado

en

Como ya es tradición, tenemos nuestra lista de mejores discos internacionales del año, realizado por nuestro equipo de periodistas y colaboradores. Por la cantidad de obras escuchadas y analizadas, es que la lista la engrosamos: a diferencia de nuestros Mejores Discos 2013 y Mejores Discos 2014, esta vez la cantidad a destacar es de 30 larga duración. (Y tendremos una edición extendida de 50 discos en nuestra revista de enero).

Para aquellos que por primera vez visitan este tipo de artículos, les contamos a grandes rasgos cómo llegamos a estos discos y sus respectivas posiciones: de enero a diciembre nuestro equipo va escuchando los trabajos que van siendo lanzados (casi mil fueron escuchados este año); luego esos discos son calificados y van tomando los lugares que verán en esta lista. No nos basamos en ningún otro tipo de rankings.

Como todo lo ligado a posiciones genera discrepancias, nuestra idea no es pontificar ni tener la última palabra, sino que lograr contribuir de alguna forma con lo que, a modo de ver nuestro, ha sido un aporte en el mundo discográfico durante un año calendario. En definitiva, esta, más que ser una lista de “lo mejor”, es una lista grupal de consenso como resultado de los gustos individuales de las personas que conforman nuestro equipo.

Como siempre, no hay discos chilenos en esta lista porque a aquellos los destacamos en ESTE ARTÍCULO.

  • Si quieres ir escuchando los discos, puedes pinchar el nombre o la portada de cada uno, están enlazados sus respectivos Spotify.

30°

“Anareta” – Horrendous

HORRENDOUS - ANARETALa primera sensación que queda tras escuchar este tercer trabajo de Horrendous, es que suena como si fuese una pieza de aquel período entre el ocaso de los años 80 y el comienzo de la siguiente década, cuando el death metal era incipiente. Sin embargo, cuenta con otras capas sónicas y perspectivas que expanden considerablemente la propuesta, y le aportan el matiz de lozanía a un trabajo lleno de ambición. Contiene todos los elementos de aquel material que se considera hoy como clásico, pero además experimenta con ritmos de corte progresivo y aplica algunas texturas de arreglos simples, que cierran el círculo de la concepción de su álbum, en virtud de un disco macizo.

29°

“Shackles’ Gift” – Zun Zun Egui

ZUN ZUN EGUI - SHACKLES GIFTZun Zun Egui es una de aquellas bandas que se definen exclusivamente mediante el riesgo que asumen en su propuesta. No podría ser de otro modo para los de Bristol, quienes entienden el sentido de la experimentación como un espacio de transversalidad cultural más que un ejercicio puramente instrumental. El ejemplo de esto último reside en “Shackles’ Gift”, un disco que se concibe en la Isla de Mauricio para firmar el valor agregado de un proyecto que es extremadamente rico en elementos compositivos: funk, stoner, math rock, soul y afrobeat son sólo parte de la muestra. Si hablamos de Zun Zun Egui, sería un error decir que en la variedad está el desorden.

28°

“How Big, How Blue, How Beautiful” – Florence + The Machine

FLORENCE AND THE MACHINE - HOW BIG HOW BLUE HOW BEAUTIFULUna explosión de emociones y colores en forma de melodías es lo que nos trajo Florence + The Machine en esta, su tercera entrega, la que viene no sólo a consolidar el sonido pop de alta intensidad que ha desarrollado desde sus trabajos anteriores, sino que también es resultado de un proceso de superación, liberación y catarsis; un salto magistral tras el melancólico “Ceremonials” (2011). Porque “How Big, How Blue, How Beautiful” es sensible sin caer en lo meloso, por su potencia y la fantástica voz de la carismática Florence Welsh. Este disco demuestra que, a pesar de la decadencia para la que se ha prestado el pop, cuando el género es bien facturado puede tener mucho que entregar.

27°

“Pylon” – Killing Joke

KILLING JOKE - PYLONCon 37 años de experiencia, los veteranos de Killing Joke son toda una marca registrada de la escena rock. Para cerrar la trilogía iniciada con “Absolute Dissent” (2010), este año llegan con “Pylon”, excelente muestra de cómo los británicos han sabido dejarse impregnar por nuevas corrientes rock, haciéndolas finalmente suyas. Quien haya pensado que Killing Joke venía en bajada, notará por los golpes de batería y bajo de “Autonomus Zone” que no hay nada de eso. “New Jerusalem” y “I Am The Virus” llegan con un potente rock industrial, mientras que “Big Buzz” da espacio para el rock melódico de estadios. La urgencia y energía de Killing Joke parece estar más viva que nunca.

26°

“Undertow” – Drenge

DRENGE - UNDERTOWLa actitud no se vende, tampoco se consigue de la noche a la mañana, simplemente está ahí. Con guitarras sucias, un sonido atrevido y tracks que se deslizan desde el grunge al indie, los hermanos Loveless demostraron una actitud que les permite hacer lo que quieran, sin perder el sello de su sonido. Cuando todo está inventado, es esencial rescatar distintos elementos, fusionar y hacer propio algo que ya existe, misión más que cumplida por Drenge. La decadencia y la distorsión generan una electricidad permanente en el impecable sonido de este álbum, como si estuviéramos volviendo a vivir el glorioso ruido orquestado que predominaba la escena independiente noventera.

25°

“The Book Of Souls” – Iron Maiden

IRON MAIDEN - THE BOOK OF SOULS40 años y 16 discos después, la “doncella de hierro” todavía tiene espacio para sorprender. En vez de calmar el tranco tras el complejo escenario que representó un cáncer en Bruce Dickinson, Maiden lanzó este año su primer álbum doble, y no sólo los riesgos son visibles en el largo de las canciones, sino que también en la construcción de extensos y muy bien hilvanados solos. Mención aparte para joyas como “The Red And The Black” y “Empire Of The Clouds”, que muestran una vitalidad épica que parecía ausente hace mucho rato en Iron Maiden y que en “The Book Of Souls” explota con elegancia, sin perder un ápice de la identidad sonora que la banda ha sabido dejar como legado.

24°

“Love, Fear And The Time Machine” – Riverside

RIVERSIDE - LOVE FEAR AND THE TIME MACHINECansados de la oscuridad de sus temáticas, los polacos de Riverside decidieron esta vez explorar un espacio de mayor luminosidad sonora. De aquella forma, llega este álbum que confirma la capacidad de la banda para desarrollar un rock progresivo que no sabe de excesos, donde lo primordial es el cuidadoso trabajo de los paisajes sonoros. La excelente interpretación de Mariusz Duda junto a los ambientes generados por las guitarras de Piotr Grudziński y el órgano de Michał Łapaj en cortes como “Caterpillar And The Barbed Wired” y “Towards The Blue Horizon” convierten a este álbum en una experiencia sonora de aquellas que corren el riesgo de quedarse con uno por largo rato.

23°

“Painted Shut” – Hop Along

HOP ALONG - PAINTED SHUTMás allá de las inclinaciones personales, sería un sinsentido darle mayor importancia a quién ocupa el puesto de vocalista en una banda, fuere aquel hombre o mujer; la trascendencia nace a partir de cómo se completa esa tarea. Frances Quinlan, frontwoman, guitarrista y cantante de Hop Along, nos deja entrever que es el timbre de su voz el que forma todo el carácter de “Painted Shut”, un disco que participa a la nostalgia, el drama, junto a la intensidad de su propuesta, a través del equilibrio entre la distorsión y la limpieza de sus melodías, las que sostienen de manera perfecta los armónicos desgarros en la entonación de Quinlan. En efecto, para gustos, la música y los colores.

22°

“Æther” – Déluge

DELUGE - AETHERDesde hace un tiempo que muchas bandas jóvenes han optado por mezclar black metal con elementos más modernos no sólo de la música extrema, sino de otras tendencias en general, diversas entre sí, para configurar una perspectiva propia respecto al metal. El caso de Déluge y su disco debut, “Æther”, es una cúspide dentro del horizonte actual; constituido básicamente por estructuras que fluyen vertiginosas hacia parajes donde reina la lluvia y el ocaso. La dinámica entre las piezas es depurada, hay sutileza y una ambientación que  acentúa las virtudes y, contrario a las opiniones de las fracciones más ortodoxas, la producción del disco y su sonido son factor determinante en la suma final.

21°

“The Magic Whip” – Blur

BLUR - THE MAGIC WHIPHíper inflado es decir poco respecto al regreso a las pistas discográficas de los ingleses Blur, símbolos junto a Oasis y Pulp del britpop. Las expectativas eran muchas luego de años sin publicar un álbum con su formación original, y lo cierto es que “The Magic Whip” cumple. Pese  a lo improvisado que fue el proceso, se preocuparon de no recalentar su obra y cocinar un nuevo menú musical con los mismos ingredientes, lo que para una banda con un sello distintivo es difícil, pero Blur no se ganó veinticinco años de carrera en un bingo. Se reencontraron, volvieron a girar por el mundo y se dieron cuenta que podían hacer cosas geniales, y el resultado salta a la vista.

20°

“II” – METZ

METZ - IIEl post punk es un estilo híbrido que tiene varios exponentes muy disímiles entre sí. Están aquellos más comerciales y otros más oscuros y distorsionados. En esta última categoría se encuentra METZ que, con su segundo álbum, “II”, ha dejado en claro que viene a recrear esos sonidos accesibles, pero con cuerdas machacantes y una reverberación que a veces recuerda los mejores momentos del grunge. Como se puede apreciar, esa mezcla actualizada ha resultado en un excelente álbum de 2015 que vale la pena darle más de un oportunidad. Este disco elevó el género hacia nuevas alturas, quizás más desconocidas y, por eso, más atractivas. Si no, que baste escuchar “The Swimmer”.

19°

“Currents” – Tame Impala

TAME IMPALA - CURRENTSOcho años de historia, por lo tanto ya era tiempo de avanzar hacia otro lugar. El imaginario de Tame Impala parece comprometer esta consigna para llegar a “Currents”, entendiendo que, a través de sus dos registros previos, la banda ya hubo firmado su aporte a la reivindicación de la psicodelia como un género primario sin derivaciones. En este nuevo trabajo, los australianos deciden cambiar el grueso de sus guitarras por un mayor número de sintetizadores, mientras el sonido se empareja con un pop de alto vuelo que se repliega para facultar a Kevin Parker como letrista. El resultado es un disco que aterriza sus pretensiones sobre un paso sólido en la carrera de los oceánicos.

18°

“Viet Cong” – Viet Cong

VIET CONG - VIET CONGDesde las cenizas del extinto combo indie rock canadiense, Women, surge Viet Cong y su larga duración debut homónimo editado a principios de este año, una suerte de evolución desde el indie deslavado y pretencioso de sus predecesores, hacia nuevos horizontes que incluyen post-punk de bajo muchísimo más presente, marchas industriales tipo Death In June, y noise disonante. Es un álbum atrevido, cambiante, confuso y hasta intragable, pero ahí es donde radica su seducción: como una cita en la que no sabes qué esperar, el vértigo de la experiencia y el ambiente que se genera le suma puntos, y la aparente inconexión métrica entre sus partes cobra sentido a través de las escuchas.

17°

“Sound & Color” – Alabama Shakes

ALABAMA SHAKES - SOUND & COLORUn sonido sureño, del Estados Unidos impregnado por el blues, con una refrescante vuelta de tuerca que transporta esos remotos acordes al presente. La calidad vocal de Brittany Howard y la impecable instrumentalización del resto de la banda, hacen de Alabama Shakes un combo de diferentes estilos y sensaciones, materializados en un álbum potente, maduro y bien orientado en todo momento. Este es otro capítulo de una búsqueda sonora que no hace más que avanzar, dando muy buenos pasos con cada trabajo. Porque lo anticuado puede sonar moderno, esta obra es una muestra de lo cíclica que puede ser la música, y de la gran calidad de bandas que tenemos en la actualidad.

16°

“Helios / Erebus” – God Is An Astronaut

GOD IS AN ASTRONAUT - HELIOS EREBUSEl post-rock está de fiesta. Y es que God Is An Astronaut nos ha vuelto a sorprender con un trabajo de impecable calidad: la indiscutible sincronía de sus cuatro integrantes ha dado como resultado una obra poderosa, que recorre los caminos de la intensidad saltando de paisajes calmos a vertiginosos, descartando radicalmente la monotonía que suele volver de este género un tanto trabajoso de digerir. Sus transiciones, a veces marcadas, a veces sutiles y progresivas, denotan la capacidad compositiva que ya es sello de esta banda, donde, si bien “Helios/Erebus” no alcanza para superar sus mejores trabajos, es más que suficiente para situarse entre nuestros preferidos de este año.

15°

“Have You In My Wilderness” – Julia Holter

JULIA HOLTER - HAVE YOU IN MY WILDERNESSQuien escuche a la ligera un álbum de Julia Holter, pensará que su sonido es austero y hasta un poco mustio. Pero precisamente en lo opaco residen los matices y la delicadeza que es capaz de imprimir la compositora, llenando de misterio cada escucha. No se trata de un material que entregue preguntas y respuestas, sino que pareciera ser una exposición aún no inaugurada, con los velos cubriendo las obras de forma somera, y con la imposibilidad de ver el todo. He allí la gran intriga del cuarto disco de la estadounidense, porque en vez de querer captar el todo, el oyente es invitado a perderse en la belleza de esta indefinición que entrega mucho más que cualquier certeza estrecha.

14°

“Vulnicura” – Björk

BJORK - VULNICURAEs esperable que, tras pasar por una ruptura difícil en su vida, Björk desbocara sus sentimientos en un disco cargado a la melancolía. Pero nadie advirtió lo que sería “Vulnicura”, una oleada de innovación de la mano de videos interactivos en 360º o la exploración mántrica del interior de su boca, complemento visual perfecto para un disco musicalmente minimalista: sólo cuerdas, bases electrónicas de percusión y, a lo más, algún sintetizador, son el único adorno al protagonismo de su voz, resultando en una obra profundamente femenina, sensible y desgarradoramente dulce, prueba de su absoluta capacidad de llevar el vacío y la desolación a niveles de pieza artística de vanguardia.

13°

“Sometimes I Sit And Think, And Sometimes I Just Sit” – Courtney Barnett

COURTNEY BARNETT - SOMETIMES I SIT AND THINK AND SOMETIMES I JUST SITLa irreverencia no siempre viene en un envase duro y explosivo; sus manifestaciones pueden tomar múltiples formas. Esto bien lo ha demostrado la australiana Courtney Barnett en este, su primer disco, un estupendo ensamblaje entre rock, pop, indie y folk, donde el sello distintivo queda a cargo del estilo agudo pero despreocupado que caracteriza a la cantautora. La crudeza de su voz logra perfecto contraste con la riqueza instrumental que alcanza este trabajo, melódico pero desgarbado, donde actitud y calidad musical disputan el protagonismo, dando como resultado un sólido debut. Como para prestar atención a lo que Barnett tenga para mostrarnos en un futuro próximo.

12°

“Zipper Down” – Eagles Of Death Metal

EAGLES OF DEATH METAL - ZIPPER DOWNLuego de siete años, Josh Homme y Jesse Hughes llegan a recuperar el lugar que nunca debieron dejar. Como un llamado de atención a una escena musical pretenciosa y sobrecargada, “Complexity” aprovecha una base rock glam para resaltar la importancia de mantener las cosas simples, y como si el propósito de esta entrega fuera insistir en esto, “Silverlake (K.S.O.F.M)”, la incombustible “Got A Woman” y “Skin-Tight Boogie” transitan sin descanso por caminos que van desde los sintetizadores hasta el rock boogie, con el claro objetivo de mover los pies y levantar el espíritu del que sea que se les ponga al frente. Más que otro álbum de los EODM, “Zipper Down” es una celebración al rock.

11°

“Poison Season” – Destroyer

DESTROYER - POISON SEASONEl proyecto musical Destroyer –que básicamente es el vehículo musical del imaginario sonoro de Daniel Bejar– ha desenfundado este año “Poison Season”, posiblemente su mejor trabajo hasta la fecha, muy por encima de “Kaputt” (2011), un álbum que ya era hermoso. Bejar acá lleva el pop barroco a un nivel superior y lo hace desfilar frente a todas sus vertientes, desde el glam rock bowiesco, el folk, el soul e incluso el jazz, y todo de muy buena forma. Trabaja desde las bases con las melodías suntuosas que lo caracterizan, y lo sazona con saxofones épicos y bellísimos arreglos de cuerdas que transitan por todo el álbum, junto a su ya conocida y rica veta poética y compositiva.

10°

“How To Die In The North” – BC Camplight

BC CAMPLIGHT - HOW TO DIE IN THE NORTHBrian Christinzio está en ese desafortunado grupo de músicos que, gozando de excelente acogida por la crítica, logra pasar casi desapercibido para la audiencia masiva. “How To Die In The North” se alimenta del conocido pop americano de los sesenta, la psicodelia y el surf rock, sin embargo, a través de originales arreglos de bronces, cuerdas y melotrón, el disco logra sonar ameno y familiar sin caer en lo predecible o monótono. “Grim Cinema” y la wilsoniana “Thieves In Antigua” son sólo dos ejemplos que hacen de este un disco entrañable. Si existe alguna justicia a nivel musical, estas nueve canciones deberían sacar de las penumbras a Christinzio de una vez por todas.

“Cortar Todo” – Zu

ZU - CORTAR TODOEs común que, en la búsqueda de la diferenciación que les haga sobresalir, las bandas caigan en un pantano donde todo esfuerzo se disipa y no logran el cometido. Claramente ese no es el caso de los italianos Zu, porque su flamante “Cortar Todo” es un gran trabajo que hipnotiza desde el comienzo y, casi sin notarlo, sumerge al oyente en un viaje libre, sin etiquetas, cuyo destino es hacerle honor al nombre del disco y no respetar canon alguno. Desde “The Unseen War” hasta “Pantokrator” hay tantas ideas como sensaciones, todas conjugadas en un eclecticismo que responde nada más que a las inquietudes de músicos que tienen como única consigna innovar en el mundo del rock.

“Carrie & Lowell” – Sufjan Stevens

SUFJAN STEVENS - CARRIE & LOWELLMotivado por el deceso de su madre, Sufjan Stevens recorre las postales dejadas en vida por la compleja relación que sostuvo con ella. Casi como un ejercicio de auto sanación, el álbum pasa por momentos de conciliación (“Death With Dignity”), abandono (“Fourth Of July”) e impotencia (“Drawn To The Blood”), dando lugar a un complejo entramado de vivencias, acertadamente acompañadas por un indie folk minimalista, en base a sencillos arreglos de guitarra y piano, junto a la sentida interpretación vocal de Stevens. Lo de “Carrie & Lowell” excede los límites de lo musical; se aventura a cruzar ese incierto lugar en que se encuentran el arte y la vida, y logra atravesarlo con éxito.

“New Bermuda” – Deafheaven

DEAFHEAVEN - NEW BERMUDALa energía fresca y potente que inyecta un género que no es tan común para las masas. Pasajes entre el caos y la calma se desarrollan mediante riffs poderosos, batería de ritmo constante y una desgarradora interpretación vocal. Una búsqueda que rinde frutos con este álbum, donde Deafheaven logra establecerse como una mezcla que no tiene precedentes, deslizándose en un limbo entre la melodía más indie al sonido más extremo. Sus detractores podrán apelar a su apariencia para desmerecer su trabajo, lo cierto es que el quinteto no tiene nada que envidiarle a la escuela más clásica del black metal, ya que hicieron suyo un género que desde sus orígenes ha generado polémica.

“Apex Predator – Easy Meat” – Napalm Death

NAPALM DEATH - APEX PREDATOR - EASY MEATLa banda en sí no requiere de mayor presentación, aparte de recalcar que son uno de los pilares de la música extrema. Acorde a ese título, este año lanzaron “Apex Predator – Easy Meat” (Century Media), uno de sus trabajos más completos a la fecha. Desde “Harmony Corruption” (1990) la banda incluyó un criterio experimental a su propuesta visceral, que hoy alcanza su cúspide creativa y cuya fusión con el grindcore característico de los ingleses se destaca de forma superlativa por sobre cualquier otro acto similar. Si “Metaphorically Screw You” es la depuración máxima de su sonido clásico, “Dear Slum Landlord…” es la prueba final de una evolución que jamás se ha vendido al sistema.

“The Direction Of Last Things” – Intronaut

INTRONAUT - THE DIRECTION OF LAST THINGSCasi diez años de carrera les tomó a los californianos Intronaut llegar a un nivel de perfección suficiente como para publicar “The Direction Of Last Things”, por lejos el mejor álbum de su historia discográfica hasta la fecha. Una juguera donde echaron su característico sonido de metal progresivo junto con jazz, polirritimia y djent, llevando su sonido más allá, de una forma nunca antes vista hasta ahora, donde la música no captura, sino que envuelve y acompaña. Cada canción se despliega naturalmente, aunque la complejidad rítmica aumenta la melodía, descomprime la presión y la deja fluir para terminar justo en el momento que cada uno de los siete tracks lo necesita.

“Sol Invictus” – Faith No More

FAITH NO MORE - SOL INVICTUSEl camino más fácil para Faith No More era volver como un pastiche pálido de sí mismos, pero en vez de ello, Billy Gould y Roddy Bottum se encargaron de dirigir un proceso creativo que logró mezclar las características ya conocidas de la banda con el camino artístico que cada miembro había recorrido en los 18 años en que no habían grabado juntos. “Sol Invictus” se escapa del tedio y desafía lo convencional, tal como les gusta a los miembros de FNM. Desde la oscuridad de “Motherfucker” o el sello brit de “Black Friday”, el regreso del quinteto es importante y urgente, haciendo justicia a un legado clave en el rock alternativo, y pavimentando un futuro incierto pero ganador.

“To Pimp A Butterfly” – Kendrick Lamar

KENDRICK LAMAR - TO PIMP A BUTTERFLYAquí no hay rodeos, sólo un hombre diciendo lo que debe, la verdad incómoda que muchos no quieren oír. Honesto, rudo, atrevido y punzante, así es la lírica de Lamar, que no escatima en recursos para pasearse por cuanto estilo musical le plazca y exponerle al mundo un manifiesto de cómo hacer las cosas. El cliché de la conciencia social toma una nueva dirección con las rimas de Lamar, apoyado sobre una aplastante base de ritmos y samples. No se está frente a un simple disco de hip hop, sino que a una verdadera obra literaria, musicalizada con una soltura que ya la quisieran otros artistas. Es el alma y los sentimientos de un hombre hechos música, nada más, nada menos.

“Hand. Cannot. Erase.” – Steven Wilson

STEVEN WILSON - HAND CANNOT ERASELa historia que hay detrás de este disco es, a todas luces, devastadora: una joven mujer de Londres que pierde el contacto con sus amigos y familiares, sólo para ser encontrada muerta en su departamento tres años después. La inocencia perdida, la desolación como el sentimiento ulterior en la vida de una persona y la falta de pertenencia cuando la vorágine social se transforma en algo insostenible, reflejan los códigos de un concepto que es aumentado por el abanico de recursos instrumentales que cuidadosamente se utilizan en función de cada pasaje dispuesto por el relato. Wilson nos entrega su trabajo más equilibrado a la fecha; brillante, violento y conmovedor en todos sus alcances.

“No Cities To Love” – Sleater-Kinney

SLEATER-KINNEY - NO CITIES TO LOVESólo juntos quebramos las reglas”. El regreso más sólido del año corrió por cuenta de un trío que hizo de la innovación su rutina y de la convicción su más poderosa arma. Sleater-Kinney estuvo casi una década en silencio, pero su retorno es directo, tal como las raíces del movimiento riot-grrrl, contexto que las vio surgir, aunque Carrie Brownstein, Janet Weiss y Corin Tucker trascendieron a aquello y generaron las bases para el rock alternativo e independiente, que hoy les debe gran parte de la actitud y la capacidad de tener frescura y matices que valgan la pena. Pero Sleater-Kinney se las arregla para, diez años después, reclamar su lugar sin esfuerzo, y dejar en claro que tienen caminos que seguir pavimentando y rutas que seguir enseñando. “No Cities To Love” fue el primer disco que consideramos para este listado en la lejana primera quincena de enero de 2015, y a finales de diciembre sigue siendo tan imprescindible y vivo como en la primera escucha. En un mundo de inmediatez y reciclaje veloz, la huella en la memoria es el mejor indicio de estar ante un trozo de historia.

Por Evelyn Munzenmayer, Manuel Toledo-Campos, Pablo Moya, Hans Oyarzún, Manuel Cabrales, Danny Arce, Pablo Cañón, David Martínez y Claudio Tapia

Publicidad
5 Comentarios

5 Comments

  1. Diego

    22-Dic-2015 en 10:37 am

    Pensé que iba a estar Drones de Muse

  2. Esteban Cardoza

    22-Dic-2015 en 11:11 am

    el de wilson es un discazo de principio a fin, buena la lista 😉

  3. Víctor Escobedo

    22-Dic-2015 en 11:23 am

    Y no está el “Asunder, sweet and other distress” de Godspeed You! Black Emperor, pero si está el de God is an astronaut? Ni el “Departure Songs” de We Lost The Sea, ni el “Dust and Disquet” de Caspian? Meh.

  4. Julio

    23-Dic-2015 en 11:50 pm

    deberia estar el de City and Colour – if i should go before you… tremendo disco viejo!!

  5. Raúl Bustos

    08-Ene-2016 en 11:28 am

    Excelente revisión y lista ,gracias de un fan de 50 años lo que no he escuchado lo buscare en spotify

Responder

Artículos

Especial RockOut Fest 2017: Zakk Sabbath y Eterna Inocencia

Publicado

en

Ya se va acercando una nueva edición del festival RockOut, donde contaremos con un cartel de lujo y algunas de las bandas más destacadas a nivel mundial. Dentro de ese line up tenemos actos como Bad Religion, Opeth y Attaque 77, ente otros artistas que tienen un denominador común: el enorme cariño del público local. Esta vez nos enfocaremos en la presencia de dos nombres que vienen a entregar lo suyo desde veredas muy diferentes en este festival: Zakk Sabbath y Eterna Inocencia, quienes afianzarán el enorme vínculo que tienen con nuestro país.

Primero, el ex guitarrista de Ozzy Osbourne y miembro de Black Label Society, Zakk Wylde, unos de los músicos más queridos en Chile, trae su proyecto tributo a Black Sabbath, donde interpretará todos los clásicos de la legendaria banda británica a modo de homenaje para uno de los grupos que más ha influido en su carrera. Después será el turno de los trasandinos de Eterna Inocencia, quienes también han generado lazo con el público chileno, principalmente por el apoyo que este les ha entregado desde sus inicios.

Zakk Sabbath: Del aprendiz al maestro

Muchas veces el nombre Zakk Sabbath genera confusión, ya que no se tiene la certeza de qué es exactamente. Lo cierto es que este proyecto del siempre activo Zakk Wylde está lejos de ser un simple tributo a una de las bandas que más ha influido dentro del metal, sino más bien se trata de una necesidad casi de honor por rendirle tributo a los eternos Black Sabbath, en especial a su líder, Ozzy Osbourne, de quién Wylde fuese guitarrista en su banda solista durante varios años. Cuando ya estamos por cumplir un año desde el final definitivo de Black Sabbath, verdaderamente se siente que el mundo no merece dejar de oír sus canciones, es por eso qué tal vez este proyecto ha tenido tan buen recibimiento, ampliándose desde un simple acontecimiento limitado a una gira con todas sus letras, al punto de que Zakk debió paralizar su banda Black Label Society durante un tiempo.

Acompañado del bajista Blasko (Rob Nicholson), que también ha sido parte de la banda de Ozzy Osbourne, además del baterista Joey Castillo, Wylde despacha verdaderos himnos, como “War Pigs”, “Children Of The Grave” o “Fairies Wear Boots”, aportándole ese especial toque de su guitarra a unas composiciones que de por sí ya son densas y oscuras. Más que un tributo sin sentido o un aprovechamiento del catálogo de otro, este proyecto es algo con sentimientos de por medio, una especie de homenaje desde el aprendiz hacia el maestro. Sólo Zakk podrá saber cuánto ha influido Ozzy en su carrera o en su vida, pero este show, que tiene la responsabilidad de cuidar un tremendo legado, es algo hecho con respeto y admiración, siendo la manera en que el guitarrista intenta darle las gracias a quienes fueron uno de los mayores responsables de toda la música heavy que hemos tenido a lo largo de la historia.

Eterna Inocencia: Hazlo tú mismo

La historia de este conjunto trasandino ya se extiende por alrededor de 23 años, saliendo adelante y haciéndose un nombre siempre por cuenta propia. Fue en 1994 cuando Eterna Inocencia comenzó a expresar mediante su música temas tan relevantes y a la vez ocultos como los derechos de la mujer, el amor, la política o la rabia interna de ese adolescente adicto al skate. Existe una independencia constante en la música de Eterna Inocencia que les ha permitido resistir al paso del tiempo, haciendo las cosas a su manera y no necesariamente como el resto exija que se hagan. Más allá de toda la hermandad propia del punk, los quilmeños han entregado un espacio a quienes recién empiezan en la música bajo el sello Discos del Sembrador, donde también han editado todo su material propio, manteniendo vivo ese espíritu de colaboración, revolución y, sobre todo, empatía con quién está de tu lado.

No hay show de Eterna Inocencia donde el público no se haga notar, ya que la especial entrega de la banda en el escenario hace que su audiencia coree cada canción como si se tratara de un clásico de la vida. La especial pasión de su vocalista Guillermo Mármol a la hora de cantar, permite echar afuera sentimientos tan dispares como la tristeza, la rabia o también la felicidad, con su música introspectiva y combativa, pero con un sonido fresco propio de ese punk under de la vieja escuela. Sin duda alguna, será una de las presentaciones más destacadas en la próxima edición de RockOut Fest 2017, permitiendo expandir hacia un público más masivo el especial vínculo que tienen con nuestro país, donde incluso registraron un DVD en vivo, titulado “Una Tarde Mágica” (2004).

Dos artistas de estilos diferentes, pero ambos con un vínculo enorme con nuestro país. Ambos vienen con la tarea de reforzar ese cariño y apoyo mutuo que se ha desarrollado durante estos años. Instancias como un festival masivo son difíciles en el sentido de tener que darle en el gusto a un amplio marco de público, que muchas veces es diferente entre sí, pero que a su vez está expectante y curioso por saber qué entregarán las bandas que se paran sobre el escenario. En este caso, ambas presentaciones serán capaces de sobreponerse a aquello debido a su presencia y entrega, elementos que se transmiten a la hora de un show en vivo. El respeto es algo esencial, con los demás y con uno mismo, y aquí eso está de sobra, ya que se valora y cuida lo que se hace, ejerciéndolo de la manera más dedicada posible.

Por Manuel Cabrales

Continuar Leyendo
Publicidad

Facebook

Discos

DiscosHace 18 horas

Lee Ranaldo – “Electric Trim”

La reinvención siempre estará acompañada de un proceso de búsqueda, un viaje donde se pueda llegar al centro del asunto...

DiscosHace 7 días

Paradise Lost – “Medusa”

En 2015 el oscuro y lúgubre universo del doom fue remecido por una de las bandas referentes en su género....

DiscosHace 1 semana

Living Colour – “Shade”

Si el alma pudiera traducirse musicalmente, no cabe duda que sonaría como el blues; una voz auténtica, actual y poderosa,...

DiscosHace 1 semana

The National – “Sleep Well Beast”

El motor de The National es la rabia y la desorientación causada por la falta de respuestas. No hay un...

DiscosHace 2 semanas

El Álbum Esencial: “Never Mind The Bollocks, Here’s The Sex Pistols” de Sex Pistols

A mediados de los años 70, dos de los mayores polos del rock no vivían una situación alentadora. Nueva York...

DiscosHace 2 semanas

Prophets Of Rage – “Prophets Of Rage”

Hace aproximadamente un año, millones de fanáticos se llenaban de ilusiones ante la aparición de misteriosos carteles en EE.UU. que...

DiscosHace 2 semanas

Franja de Gaza – “Despegue”

Un comienzo impactante. Esta frase describe bien lo que provoca el disco “Despegue” de la banda nacional Franja de Gaza,...

DiscosHace 2 semanas

Royal Blood – “How Did We Get So Dark?”

La última joya del rock inglés se llama Royal Blood, y la prensa internacional se rindió ante su irrupción, ganándose...

DiscosHace 3 semanas

El Álbum Esencial: “Tubular Bells” de Mike Oldfield

“Tubular Bells” fue y sigue siendo una rareza. Hasta el día de hoy parece llamativo que un sello discográfico haya...

DiscosHace 3 semanas

Mogwai – “Every Country’s Sun”

Mogwai sin duda alguna es uno de los principales referentes a la hora de hablar de post rock. Aunque en...

Publicidad
Publicidad

Más vistas

A %d blogueros les gusta esto: