Conéctate a nuestras redes

Artículos

Mejores discos internacionales 2015

Publicado

en

Como ya es tradición, tenemos nuestra lista de mejores discos internacionales del año, realizado por nuestro equipo de periodistas y colaboradores. Por la cantidad de obras escuchadas y analizadas, es que la lista la engrosamos: a diferencia de nuestros Mejores Discos 2013 y Mejores Discos 2014, esta vez la cantidad a destacar es de 30 larga duración. (Y tendremos una edición extendida de 50 discos en nuestra revista de enero).

Para aquellos que por primera vez visitan este tipo de artículos, les contamos a grandes rasgos cómo llegamos a estos discos y sus respectivas posiciones: de enero a diciembre nuestro equipo va escuchando los trabajos que van siendo lanzados (casi mil fueron escuchados este año); luego esos discos son calificados y van tomando los lugares que verán en esta lista. No nos basamos en ningún otro tipo de rankings.

Como todo lo ligado a posiciones genera discrepancias, nuestra idea no es pontificar ni tener la última palabra, sino que lograr contribuir de alguna forma con lo que, a modo de ver nuestro, ha sido un aporte en el mundo discográfico durante un año calendario. En definitiva, esta, más que ser una lista de “lo mejor”, es una lista grupal de consenso como resultado de los gustos individuales de las personas que conforman nuestro equipo.

Como siempre, no hay discos chilenos en esta lista porque a aquellos los destacamos en ESTE ARTÍCULO.

  • Si quieres ir escuchando los discos, puedes pinchar el nombre o la portada de cada uno, están enlazados sus respectivos Spotify.

30°

“Anareta” – Horrendous

HORRENDOUS - ANARETALa primera sensación que queda tras escuchar este tercer trabajo de Horrendous, es que suena como si fuese una pieza de aquel período entre el ocaso de los años 80 y el comienzo de la siguiente década, cuando el death metal era incipiente. Sin embargo, cuenta con otras capas sónicas y perspectivas que expanden considerablemente la propuesta, y le aportan el matiz de lozanía a un trabajo lleno de ambición. Contiene todos los elementos de aquel material que se considera hoy como clásico, pero además experimenta con ritmos de corte progresivo y aplica algunas texturas de arreglos simples, que cierran el círculo de la concepción de su álbum, en virtud de un disco macizo.

29°

“Shackles’ Gift” – Zun Zun Egui

ZUN ZUN EGUI - SHACKLES GIFTZun Zun Egui es una de aquellas bandas que se definen exclusivamente mediante el riesgo que asumen en su propuesta. No podría ser de otro modo para los de Bristol, quienes entienden el sentido de la experimentación como un espacio de transversalidad cultural más que un ejercicio puramente instrumental. El ejemplo de esto último reside en “Shackles’ Gift”, un disco que se concibe en la Isla de Mauricio para firmar el valor agregado de un proyecto que es extremadamente rico en elementos compositivos: funk, stoner, math rock, soul y afrobeat son sólo parte de la muestra. Si hablamos de Zun Zun Egui, sería un error decir que en la variedad está el desorden.

28°

“How Big, How Blue, How Beautiful” – Florence + The Machine

FLORENCE AND THE MACHINE - HOW BIG HOW BLUE HOW BEAUTIFULUna explosión de emociones y colores en forma de melodías es lo que nos trajo Florence + The Machine en esta, su tercera entrega, la que viene no sólo a consolidar el sonido pop de alta intensidad que ha desarrollado desde sus trabajos anteriores, sino que también es resultado de un proceso de superación, liberación y catarsis; un salto magistral tras el melancólico “Ceremonials” (2011). Porque “How Big, How Blue, How Beautiful” es sensible sin caer en lo meloso, por su potencia y la fantástica voz de la carismática Florence Welsh. Este disco demuestra que, a pesar de la decadencia para la que se ha prestado el pop, cuando el género es bien facturado puede tener mucho que entregar.

27°

“Pylon” – Killing Joke

KILLING JOKE - PYLONCon 37 años de experiencia, los veteranos de Killing Joke son toda una marca registrada de la escena rock. Para cerrar la trilogía iniciada con “Absolute Dissent” (2010), este año llegan con “Pylon”, excelente muestra de cómo los británicos han sabido dejarse impregnar por nuevas corrientes rock, haciéndolas finalmente suyas. Quien haya pensado que Killing Joke venía en bajada, notará por los golpes de batería y bajo de “Autonomus Zone” que no hay nada de eso. “New Jerusalem” y “I Am The Virus” llegan con un potente rock industrial, mientras que “Big Buzz” da espacio para el rock melódico de estadios. La urgencia y energía de Killing Joke parece estar más viva que nunca.

26°

“Undertow” – Drenge

DRENGE - UNDERTOWLa actitud no se vende, tampoco se consigue de la noche a la mañana, simplemente está ahí. Con guitarras sucias, un sonido atrevido y tracks que se deslizan desde el grunge al indie, los hermanos Loveless demostraron una actitud que les permite hacer lo que quieran, sin perder el sello de su sonido. Cuando todo está inventado, es esencial rescatar distintos elementos, fusionar y hacer propio algo que ya existe, misión más que cumplida por Drenge. La decadencia y la distorsión generan una electricidad permanente en el impecable sonido de este álbum, como si estuviéramos volviendo a vivir el glorioso ruido orquestado que predominaba la escena independiente noventera.

25°

“The Book Of Souls” – Iron Maiden

IRON MAIDEN - THE BOOK OF SOULS40 años y 16 discos después, la “doncella de hierro” todavía tiene espacio para sorprender. En vez de calmar el tranco tras el complejo escenario que representó un cáncer en Bruce Dickinson, Maiden lanzó este año su primer álbum doble, y no sólo los riesgos son visibles en el largo de las canciones, sino que también en la construcción de extensos y muy bien hilvanados solos. Mención aparte para joyas como “The Red And The Black” y “Empire Of The Clouds”, que muestran una vitalidad épica que parecía ausente hace mucho rato en Iron Maiden y que en “The Book Of Souls” explota con elegancia, sin perder un ápice de la identidad sonora que la banda ha sabido dejar como legado.

24°

“Love, Fear And The Time Machine” – Riverside

RIVERSIDE - LOVE FEAR AND THE TIME MACHINECansados de la oscuridad de sus temáticas, los polacos de Riverside decidieron esta vez explorar un espacio de mayor luminosidad sonora. De aquella forma, llega este álbum que confirma la capacidad de la banda para desarrollar un rock progresivo que no sabe de excesos, donde lo primordial es el cuidadoso trabajo de los paisajes sonoros. La excelente interpretación de Mariusz Duda junto a los ambientes generados por las guitarras de Piotr Grudziński y el órgano de Michał Łapaj en cortes como “Caterpillar And The Barbed Wired” y “Towards The Blue Horizon” convierten a este álbum en una experiencia sonora de aquellas que corren el riesgo de quedarse con uno por largo rato.

23°

“Painted Shut” – Hop Along

HOP ALONG - PAINTED SHUTMás allá de las inclinaciones personales, sería un sinsentido darle mayor importancia a quién ocupa el puesto de vocalista en una banda, fuere aquel hombre o mujer; la trascendencia nace a partir de cómo se completa esa tarea. Frances Quinlan, frontwoman, guitarrista y cantante de Hop Along, nos deja entrever que es el timbre de su voz el que forma todo el carácter de “Painted Shut”, un disco que participa a la nostalgia, el drama, junto a la intensidad de su propuesta, a través del equilibrio entre la distorsión y la limpieza de sus melodías, las que sostienen de manera perfecta los armónicos desgarros en la entonación de Quinlan. En efecto, para gustos, la música y los colores.

22°

“Æther” – Déluge

DELUGE - AETHERDesde hace un tiempo que muchas bandas jóvenes han optado por mezclar black metal con elementos más modernos no sólo de la música extrema, sino de otras tendencias en general, diversas entre sí, para configurar una perspectiva propia respecto al metal. El caso de Déluge y su disco debut, “Æther”, es una cúspide dentro del horizonte actual; constituido básicamente por estructuras que fluyen vertiginosas hacia parajes donde reina la lluvia y el ocaso. La dinámica entre las piezas es depurada, hay sutileza y una ambientación que  acentúa las virtudes y, contrario a las opiniones de las fracciones más ortodoxas, la producción del disco y su sonido son factor determinante en la suma final.

21°

“The Magic Whip” – Blur

BLUR - THE MAGIC WHIPHíper inflado es decir poco respecto al regreso a las pistas discográficas de los ingleses Blur, símbolos junto a Oasis y Pulp del britpop. Las expectativas eran muchas luego de años sin publicar un álbum con su formación original, y lo cierto es que “The Magic Whip” cumple. Pese  a lo improvisado que fue el proceso, se preocuparon de no recalentar su obra y cocinar un nuevo menú musical con los mismos ingredientes, lo que para una banda con un sello distintivo es difícil, pero Blur no se ganó veinticinco años de carrera en un bingo. Se reencontraron, volvieron a girar por el mundo y se dieron cuenta que podían hacer cosas geniales, y el resultado salta a la vista.

20°

“II” – METZ

METZ - IIEl post punk es un estilo híbrido que tiene varios exponentes muy disímiles entre sí. Están aquellos más comerciales y otros más oscuros y distorsionados. En esta última categoría se encuentra METZ que, con su segundo álbum, “II”, ha dejado en claro que viene a recrear esos sonidos accesibles, pero con cuerdas machacantes y una reverberación que a veces recuerda los mejores momentos del grunge. Como se puede apreciar, esa mezcla actualizada ha resultado en un excelente álbum de 2015 que vale la pena darle más de un oportunidad. Este disco elevó el género hacia nuevas alturas, quizás más desconocidas y, por eso, más atractivas. Si no, que baste escuchar “The Swimmer”.

19°

“Currents” – Tame Impala

TAME IMPALA - CURRENTSOcho años de historia, por lo tanto ya era tiempo de avanzar hacia otro lugar. El imaginario de Tame Impala parece comprometer esta consigna para llegar a “Currents”, entendiendo que, a través de sus dos registros previos, la banda ya hubo firmado su aporte a la reivindicación de la psicodelia como un género primario sin derivaciones. En este nuevo trabajo, los australianos deciden cambiar el grueso de sus guitarras por un mayor número de sintetizadores, mientras el sonido se empareja con un pop de alto vuelo que se repliega para facultar a Kevin Parker como letrista. El resultado es un disco que aterriza sus pretensiones sobre un paso sólido en la carrera de los oceánicos.

18°

“Viet Cong” – Viet Cong

VIET CONG - VIET CONGDesde las cenizas del extinto combo indie rock canadiense, Women, surge Viet Cong y su larga duración debut homónimo editado a principios de este año, una suerte de evolución desde el indie deslavado y pretencioso de sus predecesores, hacia nuevos horizontes que incluyen post-punk de bajo muchísimo más presente, marchas industriales tipo Death In June, y noise disonante. Es un álbum atrevido, cambiante, confuso y hasta intragable, pero ahí es donde radica su seducción: como una cita en la que no sabes qué esperar, el vértigo de la experiencia y el ambiente que se genera le suma puntos, y la aparente inconexión métrica entre sus partes cobra sentido a través de las escuchas.

17°

“Sound & Color” – Alabama Shakes

ALABAMA SHAKES - SOUND & COLORUn sonido sureño, del Estados Unidos impregnado por el blues, con una refrescante vuelta de tuerca que transporta esos remotos acordes al presente. La calidad vocal de Brittany Howard y la impecable instrumentalización del resto de la banda, hacen de Alabama Shakes un combo de diferentes estilos y sensaciones, materializados en un álbum potente, maduro y bien orientado en todo momento. Este es otro capítulo de una búsqueda sonora que no hace más que avanzar, dando muy buenos pasos con cada trabajo. Porque lo anticuado puede sonar moderno, esta obra es una muestra de lo cíclica que puede ser la música, y de la gran calidad de bandas que tenemos en la actualidad.

16°

“Helios / Erebus” – God Is An Astronaut

GOD IS AN ASTRONAUT - HELIOS EREBUSEl post-rock está de fiesta. Y es que God Is An Astronaut nos ha vuelto a sorprender con un trabajo de impecable calidad: la indiscutible sincronía de sus cuatro integrantes ha dado como resultado una obra poderosa, que recorre los caminos de la intensidad saltando de paisajes calmos a vertiginosos, descartando radicalmente la monotonía que suele volver de este género un tanto trabajoso de digerir. Sus transiciones, a veces marcadas, a veces sutiles y progresivas, denotan la capacidad compositiva que ya es sello de esta banda, donde, si bien “Helios/Erebus” no alcanza para superar sus mejores trabajos, es más que suficiente para situarse entre nuestros preferidos de este año.

15°

“Have You In My Wilderness” – Julia Holter

JULIA HOLTER - HAVE YOU IN MY WILDERNESSQuien escuche a la ligera un álbum de Julia Holter, pensará que su sonido es austero y hasta un poco mustio. Pero precisamente en lo opaco residen los matices y la delicadeza que es capaz de imprimir la compositora, llenando de misterio cada escucha. No se trata de un material que entregue preguntas y respuestas, sino que pareciera ser una exposición aún no inaugurada, con los velos cubriendo las obras de forma somera, y con la imposibilidad de ver el todo. He allí la gran intriga del cuarto disco de la estadounidense, porque en vez de querer captar el todo, el oyente es invitado a perderse en la belleza de esta indefinición que entrega mucho más que cualquier certeza estrecha.

14°

“Vulnicura” – Björk

BJORK - VULNICURAEs esperable que, tras pasar por una ruptura difícil en su vida, Björk desbocara sus sentimientos en un disco cargado a la melancolía. Pero nadie advirtió lo que sería “Vulnicura”, una oleada de innovación de la mano de videos interactivos en 360º o la exploración mántrica del interior de su boca, complemento visual perfecto para un disco musicalmente minimalista: sólo cuerdas, bases electrónicas de percusión y, a lo más, algún sintetizador, son el único adorno al protagonismo de su voz, resultando en una obra profundamente femenina, sensible y desgarradoramente dulce, prueba de su absoluta capacidad de llevar el vacío y la desolación a niveles de pieza artística de vanguardia.

13°

“Sometimes I Sit And Think, And Sometimes I Just Sit” – Courtney Barnett

COURTNEY BARNETT - SOMETIMES I SIT AND THINK AND SOMETIMES I JUST SITLa irreverencia no siempre viene en un envase duro y explosivo; sus manifestaciones pueden tomar múltiples formas. Esto bien lo ha demostrado la australiana Courtney Barnett en este, su primer disco, un estupendo ensamblaje entre rock, pop, indie y folk, donde el sello distintivo queda a cargo del estilo agudo pero despreocupado que caracteriza a la cantautora. La crudeza de su voz logra perfecto contraste con la riqueza instrumental que alcanza este trabajo, melódico pero desgarbado, donde actitud y calidad musical disputan el protagonismo, dando como resultado un sólido debut. Como para prestar atención a lo que Barnett tenga para mostrarnos en un futuro próximo.

12°

“Zipper Down” – Eagles Of Death Metal

EAGLES OF DEATH METAL - ZIPPER DOWNLuego de siete años, Josh Homme y Jesse Hughes llegan a recuperar el lugar que nunca debieron dejar. Como un llamado de atención a una escena musical pretenciosa y sobrecargada, “Complexity” aprovecha una base rock glam para resaltar la importancia de mantener las cosas simples, y como si el propósito de esta entrega fuera insistir en esto, “Silverlake (K.S.O.F.M)”, la incombustible “Got A Woman” y “Skin-Tight Boogie” transitan sin descanso por caminos que van desde los sintetizadores hasta el rock boogie, con el claro objetivo de mover los pies y levantar el espíritu del que sea que se les ponga al frente. Más que otro álbum de los EODM, “Zipper Down” es una celebración al rock.

11°

“Poison Season” – Destroyer

DESTROYER - POISON SEASONEl proyecto musical Destroyer –que básicamente es el vehículo musical del imaginario sonoro de Daniel Bejar– ha desenfundado este año “Poison Season”, posiblemente su mejor trabajo hasta la fecha, muy por encima de “Kaputt” (2011), un álbum que ya era hermoso. Bejar acá lleva el pop barroco a un nivel superior y lo hace desfilar frente a todas sus vertientes, desde el glam rock bowiesco, el folk, el soul e incluso el jazz, y todo de muy buena forma. Trabaja desde las bases con las melodías suntuosas que lo caracterizan, y lo sazona con saxofones épicos y bellísimos arreglos de cuerdas que transitan por todo el álbum, junto a su ya conocida y rica veta poética y compositiva.

10°

“How To Die In The North” – BC Camplight

BC CAMPLIGHT - HOW TO DIE IN THE NORTHBrian Christinzio está en ese desafortunado grupo de músicos que, gozando de excelente acogida por la crítica, logra pasar casi desapercibido para la audiencia masiva. “How To Die In The North” se alimenta del conocido pop americano de los sesenta, la psicodelia y el surf rock, sin embargo, a través de originales arreglos de bronces, cuerdas y melotrón, el disco logra sonar ameno y familiar sin caer en lo predecible o monótono. “Grim Cinema” y la wilsoniana “Thieves In Antigua” son sólo dos ejemplos que hacen de este un disco entrañable. Si existe alguna justicia a nivel musical, estas nueve canciones deberían sacar de las penumbras a Christinzio de una vez por todas.

“Cortar Todo” – Zu

ZU - CORTAR TODOEs común que, en la búsqueda de la diferenciación que les haga sobresalir, las bandas caigan en un pantano donde todo esfuerzo se disipa y no logran el cometido. Claramente ese no es el caso de los italianos Zu, porque su flamante “Cortar Todo” es un gran trabajo que hipnotiza desde el comienzo y, casi sin notarlo, sumerge al oyente en un viaje libre, sin etiquetas, cuyo destino es hacerle honor al nombre del disco y no respetar canon alguno. Desde “The Unseen War” hasta “Pantokrator” hay tantas ideas como sensaciones, todas conjugadas en un eclecticismo que responde nada más que a las inquietudes de músicos que tienen como única consigna innovar en el mundo del rock.

“Carrie & Lowell” – Sufjan Stevens

SUFJAN STEVENS - CARRIE & LOWELLMotivado por el deceso de su madre, Sufjan Stevens recorre las postales dejadas en vida por la compleja relación que sostuvo con ella. Casi como un ejercicio de auto sanación, el álbum pasa por momentos de conciliación (“Death With Dignity”), abandono (“Fourth Of July”) e impotencia (“Drawn To The Blood”), dando lugar a un complejo entramado de vivencias, acertadamente acompañadas por un indie folk minimalista, en base a sencillos arreglos de guitarra y piano, junto a la sentida interpretación vocal de Stevens. Lo de “Carrie & Lowell” excede los límites de lo musical; se aventura a cruzar ese incierto lugar en que se encuentran el arte y la vida, y logra atravesarlo con éxito.

“New Bermuda” – Deafheaven

DEAFHEAVEN - NEW BERMUDALa energía fresca y potente que inyecta un género que no es tan común para las masas. Pasajes entre el caos y la calma se desarrollan mediante riffs poderosos, batería de ritmo constante y una desgarradora interpretación vocal. Una búsqueda que rinde frutos con este álbum, donde Deafheaven logra establecerse como una mezcla que no tiene precedentes, deslizándose en un limbo entre la melodía más indie al sonido más extremo. Sus detractores podrán apelar a su apariencia para desmerecer su trabajo, lo cierto es que el quinteto no tiene nada que envidiarle a la escuela más clásica del black metal, ya que hicieron suyo un género que desde sus orígenes ha generado polémica.

“Apex Predator – Easy Meat” – Napalm Death

NAPALM DEATH - APEX PREDATOR - EASY MEATLa banda en sí no requiere de mayor presentación, aparte de recalcar que son uno de los pilares de la música extrema. Acorde a ese título, este año lanzaron “Apex Predator – Easy Meat” (Century Media), uno de sus trabajos más completos a la fecha. Desde “Harmony Corruption” (1990) la banda incluyó un criterio experimental a su propuesta visceral, que hoy alcanza su cúspide creativa y cuya fusión con el grindcore característico de los ingleses se destaca de forma superlativa por sobre cualquier otro acto similar. Si “Metaphorically Screw You” es la depuración máxima de su sonido clásico, “Dear Slum Landlord…” es la prueba final de una evolución que jamás se ha vendido al sistema.

“The Direction Of Last Things” – Intronaut

INTRONAUT - THE DIRECTION OF LAST THINGSCasi diez años de carrera les tomó a los californianos Intronaut llegar a un nivel de perfección suficiente como para publicar “The Direction Of Last Things”, por lejos el mejor álbum de su historia discográfica hasta la fecha. Una juguera donde echaron su característico sonido de metal progresivo junto con jazz, polirritimia y djent, llevando su sonido más allá, de una forma nunca antes vista hasta ahora, donde la música no captura, sino que envuelve y acompaña. Cada canción se despliega naturalmente, aunque la complejidad rítmica aumenta la melodía, descomprime la presión y la deja fluir para terminar justo en el momento que cada uno de los siete tracks lo necesita.

“Sol Invictus” – Faith No More

FAITH NO MORE - SOL INVICTUSEl camino más fácil para Faith No More era volver como un pastiche pálido de sí mismos, pero en vez de ello, Billy Gould y Roddy Bottum se encargaron de dirigir un proceso creativo que logró mezclar las características ya conocidas de la banda con el camino artístico que cada miembro había recorrido en los 18 años en que no habían grabado juntos. “Sol Invictus” se escapa del tedio y desafía lo convencional, tal como les gusta a los miembros de FNM. Desde la oscuridad de “Motherfucker” o el sello brit de “Black Friday”, el regreso del quinteto es importante y urgente, haciendo justicia a un legado clave en el rock alternativo, y pavimentando un futuro incierto pero ganador.

“To Pimp A Butterfly” – Kendrick Lamar

KENDRICK LAMAR - TO PIMP A BUTTERFLYAquí no hay rodeos, sólo un hombre diciendo lo que debe, la verdad incómoda que muchos no quieren oír. Honesto, rudo, atrevido y punzante, así es la lírica de Lamar, que no escatima en recursos para pasearse por cuanto estilo musical le plazca y exponerle al mundo un manifiesto de cómo hacer las cosas. El cliché de la conciencia social toma una nueva dirección con las rimas de Lamar, apoyado sobre una aplastante base de ritmos y samples. No se está frente a un simple disco de hip hop, sino que a una verdadera obra literaria, musicalizada con una soltura que ya la quisieran otros artistas. Es el alma y los sentimientos de un hombre hechos música, nada más, nada menos.

“Hand. Cannot. Erase.” – Steven Wilson

STEVEN WILSON - HAND CANNOT ERASELa historia que hay detrás de este disco es, a todas luces, devastadora: una joven mujer de Londres que pierde el contacto con sus amigos y familiares, sólo para ser encontrada muerta en su departamento tres años después. La inocencia perdida, la desolación como el sentimiento ulterior en la vida de una persona y la falta de pertenencia cuando la vorágine social se transforma en algo insostenible, reflejan los códigos de un concepto que es aumentado por el abanico de recursos instrumentales que cuidadosamente se utilizan en función de cada pasaje dispuesto por el relato. Wilson nos entrega su trabajo más equilibrado a la fecha; brillante, violento y conmovedor en todos sus alcances.

“No Cities To Love” – Sleater-Kinney

SLEATER-KINNEY - NO CITIES TO LOVESólo juntos quebramos las reglas”. El regreso más sólido del año corrió por cuenta de un trío que hizo de la innovación su rutina y de la convicción su más poderosa arma. Sleater-Kinney estuvo casi una década en silencio, pero su retorno es directo, tal como las raíces del movimiento riot-grrrl, contexto que las vio surgir, aunque Carrie Brownstein, Janet Weiss y Corin Tucker trascendieron a aquello y generaron las bases para el rock alternativo e independiente, que hoy les debe gran parte de la actitud y la capacidad de tener frescura y matices que valgan la pena. Pero Sleater-Kinney se las arregla para, diez años después, reclamar su lugar sin esfuerzo, y dejar en claro que tienen caminos que seguir pavimentando y rutas que seguir enseñando. “No Cities To Love” fue el primer disco que consideramos para este listado en la lejana primera quincena de enero de 2015, y a finales de diciembre sigue siendo tan imprescindible y vivo como en la primera escucha. En un mundo de inmediatez y reciclaje veloz, la huella en la memoria es el mejor indicio de estar ante un trozo de historia.

Por Evelyn Munzenmayer, Manuel Toledo-Campos, Pablo Moya, Hans Oyarzún, Manuel Cabrales, Danny Arce, Pablo Cañón, David Martínez y Claudio Tapia

Publicidad
5 Comentarios

5 Comments

Responder

Artículos

Discos chilenos destacados 2020

Publicado

en

Discos chilenos destacados 2020
Anterior1 de 5
Usa tus teclas ← → para navegar el artículo

Este pudo ser un año sin ningún lanzamiento y eso podría haber sido lo más justo del mundo. 2020 estuvo marcado por la crisis político-social en nuestro país, y luego por una crisis sanitaria-cultural a nivel mundial por la pandemia. La música en vivo se apagó casi por completo por la imposibilidad de tener masas de gente en conjunto en el mismo espacio, y con ello la principal fuente de ingresos de la industria musical también ha dejado a miles de trabajadores de la música en la cuerda floja. Pero en vez de silencio, son muchas voces las que se han alzado, en múltiples estilos y mensajes, y la música ha sonado fuerte, claro y ha servido para demostrar el valor de las artes y cultura en un contexto de adversidades e incertidumbres. Allí, las y los músicos chilenos han colaborado, dialogado y generado instancias para mantener la presión sobre las autoridades para que se hagan cargo de la crítica situación, pero también han brillado en materia de creación, generando una gran cantidad de material valioso, en diferentes géneros.

Muchos EPs han formado parte de los proyectos surgidos, incluso con la motivación de la pandemia. Quizás es ese aislamiento forzado el que también ha hecho que la mayoría de los proyectos que destacamos en este listado 2020 de HumoNegro sean, justamente, trabajos surgidos desde una labor solista (Alexander Quinteros, Chini.png, Rubio, Nico Carreño, Cevladé) y además con mucha sensibilidad reflexiva. En tanto, encontramos bandas que se consolidan (Alectrofobia, Adelaida, Niños del Cerro) y otras que sorprenden, pese a sus ya sólidas trayectorias (Cómo Asesinar A Felipes, Yajaira, Poema Arcanus).

La creación artística siempre es esperanza y brillo, y en medio de incertidumbres que nublan el rumbo, esperamos que estos discos que seleccionamos entreguen al menos parte del retrato de un año donde todo fue más difícil, pero donde, aun así, hubo luces y sonidos. Desde HumoNegro, un reconocimiento para las y los compositores e intérpretes que mantienen viva la música chilena. Aquí, en orden alfabético por banda, nuestra humilde selección de EPs y LPs destacados 2020.

Link a los streamings de cada álbum pinchando en las imágenes.


“Animita”

Adelaida

Tras el éxito de “Paraíso” (2017), Adelaida no se durmió en los laureles y comenzó el proceso de creación de su cuarto disco, uno que llegó este 2020 y trajo consigo nuevas texturas para la banda de Valparaíso. “Animita” es un trabajo enérgico y honesto, donde el trío compuesto por Jurel Sónico, Naty Lane y Lele Holzapfel sigue buscando su fórmula definitiva, jugándosela con varias sorpresas a las que no nos tenían acostumbrados, pero sin perder su esencia. El LP, que nació como una ofrenda a Émile Dubois, personaje emblemático de la cultura popular porteña, se posiciona como uno de los grandes registros del año. Tal como grita Naty Lane en “Kraken”: “¡Es un ruido necesario!”.


“Era Luz”

Alectrofobia

https://open.spotify.com/album/0d8R4U0j0ZemcWxkHL0Yb5

La escena del rock “a secas” parece estacionada en los clichés en todo el mundo, y por eso es interesante cuando una banda intentar refrescar el sonido y las ideas. Alectrofobia ha marcado los últimos años del rock chileno con su vocación por un sonido de calidad internacional, y desde ahí ha construido canciones que, sin estacionarse en una sola vereda sónica, transmiten potencia y mensaje. “Era Luz” es un álbum donde la calidad de grabación, mezcla y masterización se suman a la intención de cantar y contar sobre las crisis que ocurren en nuestro país. Desde el punk rock hasta el hard rock, pasando por americana o post grunge, Alectrofobia crea grandes canciones en un disco que consolida sus fortalezas.


“2020”

Alexander Quinteros

La cuarentena ha sido un espacio de aislamiento, pero también de contención y otro tipo de creatividad. Alexander Quinteros trabajó en confinamiento un disco lleno de ambientes y atmósferas dignas de retratar este año, al que coherentemente nombró “2020”. Tracks breves, pero completos en su composición, con arreglos precisos, a los que ni siquiera el truco innecesario del “audio 8D” les quita la capacidad de enfocar –mediante emociones y gradientes– el año más difícil para mucha gente. Quinteros se la juega por lo instrumental y conceptual, y en una temporada donde el tiempo parece líquido y las consignas gritadas parecen desvanecerse, “2020” dibuja un borroso pero fidedigno documento de la pandemia.


“Rfd2”

Cevladé

La censura tapa la boca, pero también genera reacciones. Cevladé se vio en la necesidad de responder a la censura a “Requiem For A Drink” (2012), motivada por la alta rotación de su tema “El Lamento del Pueblo” tras el estallido. Tras bajar el disco de las plataformas, el artista tomó desafío de contar de nuevo la historia de Mario De La Milnova y “La Orden RFD”. “Rfd2” es una especie de continuación y remasterización del disco censurado. Nuevos bríos, interpretaciones más crudas, una producción más clara, pero también más densa y oscura, caminan un trayecto aparentemente conocido con nuevos ojos, líricas y con la rabia renovada. Un rescate de la propia historia, convertida en declaración.


“CTRL+Z”

Chini.png

En el computador, el comando CTRL+Z se encarga de deshacer algo, de convertirlo en un paso en falso y olvidarlo. En un EP, Chini.png lo convierte en un código para presentarse como solista, y también para acompañar, reflexionar y hacer catarsis. Amores, países, movimientos sociales y mitologías se cruzan en cuatro canciones que, pese a derivar en un trabajo corto en duración, termina pegando duro en las sensaciones que libera. Chini Ayarza arma un vehículo de empatía y de identidad, más aún que en Chini & The Technicians, poniéndola al servicio de una atmósfera de esperanza y desilusión, profunda y terrible, adentrándose en sucesos e ideas a las cuales cualquiera querría aplicarle “CTRL+Z”.

Anterior1 de 5
Usa tus teclas ← → para navegar el artículo

Seguir Leyendo

Podcast Cine

Publicidad

Podcast Música

Facebook

Discos

Fortitude Fortitude
DiscosHace 4 días

Gojira – “Fortitude”

Si hay algo que caracteriza a Gojira, es su preocupación por transmitir un mensaje tan potente como su música. Desde...

Itaca Itaca
DiscosHace 1 semana

Txakur – “Itaca”

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes...

ULTRAPOP ULTRAPOP
DiscosHace 2 semanas

The Armed – “ULTRAPOP”

El adjetivo que mejor podría aplicársele a The Armed es “impenetrable”, y aún así puede ser motivo de discusión porque,...

The Battle At Garden’s Gate The Battle At Garden’s Gate
DiscosHace 3 semanas

Greta Van Fleet – “The Battle At Garden’s Gate”

Todo lo que rodeó la elaboración, grabación y lanzamiento del segundo disco de Greta Van Fleet, es digno de atesorarse...

Sweep It Into Space Sweep It Into Space
DiscosHace 3 semanas

Dinosaur Jr. – “Sweep It Into Space”

Con más de 30 años de trayectoria y una disfuncional, tensionada e intermitente relación creativa, Dinosaur Jr. ha tomado la...

Dream Weapon Dream Weapon
DiscosHace 4 semanas

Genghis Tron – “Dream Weapon”

Pasar de un sonido arrollador e irrefrenable hacia una propuesta etérea y mucho más sobria, es un movimiento que causa...

Is 4 Lovers Is 4 Lovers
DiscosHace 4 semanas

Death From Above 1979 – “Is 4 Lovers”

Conceptualmente hablando, ir a contrapelo de la estructura guitarra-bajo-batería en el rock es audaz por lo bajo, porque los resultados...

Tonic Immobility Tonic Immobility
DiscosHace 1 mes

Tomahawk – “Tonic Immobility”

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos...

Chemtrails Over The Country Club Chemtrails Over The Country Club
DiscosHace 1 mes

Lana Del Rey – “Chemtrails Over The Country Club”

Para ser una artista con un sonido tan distintivo, Lana Del Rey es uno de los nombres más impredecibles de...

When You See Yourself When You See Yourself
DiscosHace 2 meses

Kings Of Leon – “When You See Yourself”

Explorando un nuevo y contemporáneo formato, y luego de cinco años desde su último larga duración, Kings Of Leon lanza...

Publicidad
Publicidad

Más vistas