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Mejores discos internacionales 2015

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Como ya es tradición, tenemos nuestra lista de mejores discos internacionales del año, realizado por nuestro equipo de periodistas y colaboradores. Por la cantidad de obras escuchadas y analizadas, es que la lista la engrosamos: a diferencia de nuestros Mejores Discos 2013 y Mejores Discos 2014, esta vez la cantidad a destacar es de 30 larga duración. (Y tendremos una edición extendida de 50 discos en nuestra revista de enero).

Para aquellos que por primera vez visitan este tipo de artículos, les contamos a grandes rasgos cómo llegamos a estos discos y sus respectivas posiciones: de enero a diciembre nuestro equipo va escuchando los trabajos que van siendo lanzados (casi mil fueron escuchados este año); luego esos discos son calificados y van tomando los lugares que verán en esta lista. No nos basamos en ningún otro tipo de rankings.

Como todo lo ligado a posiciones genera discrepancias, nuestra idea no es pontificar ni tener la última palabra, sino que lograr contribuir de alguna forma con lo que, a modo de ver nuestro, ha sido un aporte en el mundo discográfico durante un año calendario. En definitiva, esta, más que ser una lista de “lo mejor”, es una lista grupal de consenso como resultado de los gustos individuales de las personas que conforman nuestro equipo.

Como siempre, no hay discos chilenos en esta lista porque a aquellos los destacamos en ESTE ARTÍCULO.

  • Si quieres ir escuchando los discos, puedes pinchar el nombre o la portada de cada uno, están enlazados sus respectivos Spotify.

30°

“Anareta” – Horrendous

HORRENDOUS - ANARETALa primera sensación que queda tras escuchar este tercer trabajo de Horrendous, es que suena como si fuese una pieza de aquel período entre el ocaso de los años 80 y el comienzo de la siguiente década, cuando el death metal era incipiente. Sin embargo, cuenta con otras capas sónicas y perspectivas que expanden considerablemente la propuesta, y le aportan el matiz de lozanía a un trabajo lleno de ambición. Contiene todos los elementos de aquel material que se considera hoy como clásico, pero además experimenta con ritmos de corte progresivo y aplica algunas texturas de arreglos simples, que cierran el círculo de la concepción de su álbum, en virtud de un disco macizo.

29°

“Shackles’ Gift” – Zun Zun Egui

ZUN ZUN EGUI - SHACKLES GIFTZun Zun Egui es una de aquellas bandas que se definen exclusivamente mediante el riesgo que asumen en su propuesta. No podría ser de otro modo para los de Bristol, quienes entienden el sentido de la experimentación como un espacio de transversalidad cultural más que un ejercicio puramente instrumental. El ejemplo de esto último reside en “Shackles’ Gift”, un disco que se concibe en la Isla de Mauricio para firmar el valor agregado de un proyecto que es extremadamente rico en elementos compositivos: funk, stoner, math rock, soul y afrobeat son sólo parte de la muestra. Si hablamos de Zun Zun Egui, sería un error decir que en la variedad está el desorden.

28°

“How Big, How Blue, How Beautiful” – Florence + The Machine

FLORENCE AND THE MACHINE - HOW BIG HOW BLUE HOW BEAUTIFULUna explosión de emociones y colores en forma de melodías es lo que nos trajo Florence + The Machine en esta, su tercera entrega, la que viene no sólo a consolidar el sonido pop de alta intensidad que ha desarrollado desde sus trabajos anteriores, sino que también es resultado de un proceso de superación, liberación y catarsis; un salto magistral tras el melancólico “Ceremonials” (2011). Porque “How Big, How Blue, How Beautiful” es sensible sin caer en lo meloso, por su potencia y la fantástica voz de la carismática Florence Welsh. Este disco demuestra que, a pesar de la decadencia para la que se ha prestado el pop, cuando el género es bien facturado puede tener mucho que entregar.

27°

“Pylon” – Killing Joke

KILLING JOKE - PYLONCon 37 años de experiencia, los veteranos de Killing Joke son toda una marca registrada de la escena rock. Para cerrar la trilogía iniciada con “Absolute Dissent” (2010), este año llegan con “Pylon”, excelente muestra de cómo los británicos han sabido dejarse impregnar por nuevas corrientes rock, haciéndolas finalmente suyas. Quien haya pensado que Killing Joke venía en bajada, notará por los golpes de batería y bajo de “Autonomus Zone” que no hay nada de eso. “New Jerusalem” y “I Am The Virus” llegan con un potente rock industrial, mientras que “Big Buzz” da espacio para el rock melódico de estadios. La urgencia y energía de Killing Joke parece estar más viva que nunca.

26°

“Undertow” – Drenge

DRENGE - UNDERTOWLa actitud no se vende, tampoco se consigue de la noche a la mañana, simplemente está ahí. Con guitarras sucias, un sonido atrevido y tracks que se deslizan desde el grunge al indie, los hermanos Loveless demostraron una actitud que les permite hacer lo que quieran, sin perder el sello de su sonido. Cuando todo está inventado, es esencial rescatar distintos elementos, fusionar y hacer propio algo que ya existe, misión más que cumplida por Drenge. La decadencia y la distorsión generan una electricidad permanente en el impecable sonido de este álbum, como si estuviéramos volviendo a vivir el glorioso ruido orquestado que predominaba la escena independiente noventera.

25°

“The Book Of Souls” – Iron Maiden

IRON MAIDEN - THE BOOK OF SOULS40 años y 16 discos después, la “doncella de hierro” todavía tiene espacio para sorprender. En vez de calmar el tranco tras el complejo escenario que representó un cáncer en Bruce Dickinson, Maiden lanzó este año su primer álbum doble, y no sólo los riesgos son visibles en el largo de las canciones, sino que también en la construcción de extensos y muy bien hilvanados solos. Mención aparte para joyas como “The Red And The Black” y “Empire Of The Clouds”, que muestran una vitalidad épica que parecía ausente hace mucho rato en Iron Maiden y que en “The Book Of Souls” explota con elegancia, sin perder un ápice de la identidad sonora que la banda ha sabido dejar como legado.

24°

“Love, Fear And The Time Machine” – Riverside

RIVERSIDE - LOVE FEAR AND THE TIME MACHINECansados de la oscuridad de sus temáticas, los polacos de Riverside decidieron esta vez explorar un espacio de mayor luminosidad sonora. De aquella forma, llega este álbum que confirma la capacidad de la banda para desarrollar un rock progresivo que no sabe de excesos, donde lo primordial es el cuidadoso trabajo de los paisajes sonoros. La excelente interpretación de Mariusz Duda junto a los ambientes generados por las guitarras de Piotr Grudziński y el órgano de Michał Łapaj en cortes como “Caterpillar And The Barbed Wired” y “Towards The Blue Horizon” convierten a este álbum en una experiencia sonora de aquellas que corren el riesgo de quedarse con uno por largo rato.

23°

“Painted Shut” – Hop Along

HOP ALONG - PAINTED SHUTMás allá de las inclinaciones personales, sería un sinsentido darle mayor importancia a quién ocupa el puesto de vocalista en una banda, fuere aquel hombre o mujer; la trascendencia nace a partir de cómo se completa esa tarea. Frances Quinlan, frontwoman, guitarrista y cantante de Hop Along, nos deja entrever que es el timbre de su voz el que forma todo el carácter de “Painted Shut”, un disco que participa a la nostalgia, el drama, junto a la intensidad de su propuesta, a través del equilibrio entre la distorsión y la limpieza de sus melodías, las que sostienen de manera perfecta los armónicos desgarros en la entonación de Quinlan. En efecto, para gustos, la música y los colores.

22°

“Æther” – Déluge

DELUGE - AETHERDesde hace un tiempo que muchas bandas jóvenes han optado por mezclar black metal con elementos más modernos no sólo de la música extrema, sino de otras tendencias en general, diversas entre sí, para configurar una perspectiva propia respecto al metal. El caso de Déluge y su disco debut, “Æther”, es una cúspide dentro del horizonte actual; constituido básicamente por estructuras que fluyen vertiginosas hacia parajes donde reina la lluvia y el ocaso. La dinámica entre las piezas es depurada, hay sutileza y una ambientación que  acentúa las virtudes y, contrario a las opiniones de las fracciones más ortodoxas, la producción del disco y su sonido son factor determinante en la suma final.

21°

“The Magic Whip” – Blur

BLUR - THE MAGIC WHIPHíper inflado es decir poco respecto al regreso a las pistas discográficas de los ingleses Blur, símbolos junto a Oasis y Pulp del britpop. Las expectativas eran muchas luego de años sin publicar un álbum con su formación original, y lo cierto es que “The Magic Whip” cumple. Pese  a lo improvisado que fue el proceso, se preocuparon de no recalentar su obra y cocinar un nuevo menú musical con los mismos ingredientes, lo que para una banda con un sello distintivo es difícil, pero Blur no se ganó veinticinco años de carrera en un bingo. Se reencontraron, volvieron a girar por el mundo y se dieron cuenta que podían hacer cosas geniales, y el resultado salta a la vista.

20°

“II” – METZ

METZ - IIEl post punk es un estilo híbrido que tiene varios exponentes muy disímiles entre sí. Están aquellos más comerciales y otros más oscuros y distorsionados. En esta última categoría se encuentra METZ que, con su segundo álbum, “II”, ha dejado en claro que viene a recrear esos sonidos accesibles, pero con cuerdas machacantes y una reverberación que a veces recuerda los mejores momentos del grunge. Como se puede apreciar, esa mezcla actualizada ha resultado en un excelente álbum de 2015 que vale la pena darle más de un oportunidad. Este disco elevó el género hacia nuevas alturas, quizás más desconocidas y, por eso, más atractivas. Si no, que baste escuchar “The Swimmer”.

19°

“Currents” – Tame Impala

TAME IMPALA - CURRENTSOcho años de historia, por lo tanto ya era tiempo de avanzar hacia otro lugar. El imaginario de Tame Impala parece comprometer esta consigna para llegar a “Currents”, entendiendo que, a través de sus dos registros previos, la banda ya hubo firmado su aporte a la reivindicación de la psicodelia como un género primario sin derivaciones. En este nuevo trabajo, los australianos deciden cambiar el grueso de sus guitarras por un mayor número de sintetizadores, mientras el sonido se empareja con un pop de alto vuelo que se repliega para facultar a Kevin Parker como letrista. El resultado es un disco que aterriza sus pretensiones sobre un paso sólido en la carrera de los oceánicos.

18°

“Viet Cong” – Viet Cong

VIET CONG - VIET CONGDesde las cenizas del extinto combo indie rock canadiense, Women, surge Viet Cong y su larga duración debut homónimo editado a principios de este año, una suerte de evolución desde el indie deslavado y pretencioso de sus predecesores, hacia nuevos horizontes que incluyen post-punk de bajo muchísimo más presente, marchas industriales tipo Death In June, y noise disonante. Es un álbum atrevido, cambiante, confuso y hasta intragable, pero ahí es donde radica su seducción: como una cita en la que no sabes qué esperar, el vértigo de la experiencia y el ambiente que se genera le suma puntos, y la aparente inconexión métrica entre sus partes cobra sentido a través de las escuchas.

17°

“Sound & Color” – Alabama Shakes

ALABAMA SHAKES - SOUND & COLORUn sonido sureño, del Estados Unidos impregnado por el blues, con una refrescante vuelta de tuerca que transporta esos remotos acordes al presente. La calidad vocal de Brittany Howard y la impecable instrumentalización del resto de la banda, hacen de Alabama Shakes un combo de diferentes estilos y sensaciones, materializados en un álbum potente, maduro y bien orientado en todo momento. Este es otro capítulo de una búsqueda sonora que no hace más que avanzar, dando muy buenos pasos con cada trabajo. Porque lo anticuado puede sonar moderno, esta obra es una muestra de lo cíclica que puede ser la música, y de la gran calidad de bandas que tenemos en la actualidad.

16°

“Helios / Erebus” – God Is An Astronaut

GOD IS AN ASTRONAUT - HELIOS EREBUSEl post-rock está de fiesta. Y es que God Is An Astronaut nos ha vuelto a sorprender con un trabajo de impecable calidad: la indiscutible sincronía de sus cuatro integrantes ha dado como resultado una obra poderosa, que recorre los caminos de la intensidad saltando de paisajes calmos a vertiginosos, descartando radicalmente la monotonía que suele volver de este género un tanto trabajoso de digerir. Sus transiciones, a veces marcadas, a veces sutiles y progresivas, denotan la capacidad compositiva que ya es sello de esta banda, donde, si bien “Helios/Erebus” no alcanza para superar sus mejores trabajos, es más que suficiente para situarse entre nuestros preferidos de este año.

15°

“Have You In My Wilderness” – Julia Holter

JULIA HOLTER - HAVE YOU IN MY WILDERNESSQuien escuche a la ligera un álbum de Julia Holter, pensará que su sonido es austero y hasta un poco mustio. Pero precisamente en lo opaco residen los matices y la delicadeza que es capaz de imprimir la compositora, llenando de misterio cada escucha. No se trata de un material que entregue preguntas y respuestas, sino que pareciera ser una exposición aún no inaugurada, con los velos cubriendo las obras de forma somera, y con la imposibilidad de ver el todo. He allí la gran intriga del cuarto disco de la estadounidense, porque en vez de querer captar el todo, el oyente es invitado a perderse en la belleza de esta indefinición que entrega mucho más que cualquier certeza estrecha.

14°

“Vulnicura” – Björk

BJORK - VULNICURAEs esperable que, tras pasar por una ruptura difícil en su vida, Björk desbocara sus sentimientos en un disco cargado a la melancolía. Pero nadie advirtió lo que sería “Vulnicura”, una oleada de innovación de la mano de videos interactivos en 360º o la exploración mántrica del interior de su boca, complemento visual perfecto para un disco musicalmente minimalista: sólo cuerdas, bases electrónicas de percusión y, a lo más, algún sintetizador, son el único adorno al protagonismo de su voz, resultando en una obra profundamente femenina, sensible y desgarradoramente dulce, prueba de su absoluta capacidad de llevar el vacío y la desolación a niveles de pieza artística de vanguardia.

13°

“Sometimes I Sit And Think, And Sometimes I Just Sit” – Courtney Barnett

COURTNEY BARNETT - SOMETIMES I SIT AND THINK AND SOMETIMES I JUST SITLa irreverencia no siempre viene en un envase duro y explosivo; sus manifestaciones pueden tomar múltiples formas. Esto bien lo ha demostrado la australiana Courtney Barnett en este, su primer disco, un estupendo ensamblaje entre rock, pop, indie y folk, donde el sello distintivo queda a cargo del estilo agudo pero despreocupado que caracteriza a la cantautora. La crudeza de su voz logra perfecto contraste con la riqueza instrumental que alcanza este trabajo, melódico pero desgarbado, donde actitud y calidad musical disputan el protagonismo, dando como resultado un sólido debut. Como para prestar atención a lo que Barnett tenga para mostrarnos en un futuro próximo.

12°

“Zipper Down” – Eagles Of Death Metal

EAGLES OF DEATH METAL - ZIPPER DOWNLuego de siete años, Josh Homme y Jesse Hughes llegan a recuperar el lugar que nunca debieron dejar. Como un llamado de atención a una escena musical pretenciosa y sobrecargada, “Complexity” aprovecha una base rock glam para resaltar la importancia de mantener las cosas simples, y como si el propósito de esta entrega fuera insistir en esto, “Silverlake (K.S.O.F.M)”, la incombustible “Got A Woman” y “Skin-Tight Boogie” transitan sin descanso por caminos que van desde los sintetizadores hasta el rock boogie, con el claro objetivo de mover los pies y levantar el espíritu del que sea que se les ponga al frente. Más que otro álbum de los EODM, “Zipper Down” es una celebración al rock.

11°

“Poison Season” – Destroyer

DESTROYER - POISON SEASONEl proyecto musical Destroyer –que básicamente es el vehículo musical del imaginario sonoro de Daniel Bejar– ha desenfundado este año “Poison Season”, posiblemente su mejor trabajo hasta la fecha, muy por encima de “Kaputt” (2011), un álbum que ya era hermoso. Bejar acá lleva el pop barroco a un nivel superior y lo hace desfilar frente a todas sus vertientes, desde el glam rock bowiesco, el folk, el soul e incluso el jazz, y todo de muy buena forma. Trabaja desde las bases con las melodías suntuosas que lo caracterizan, y lo sazona con saxofones épicos y bellísimos arreglos de cuerdas que transitan por todo el álbum, junto a su ya conocida y rica veta poética y compositiva.

10°

“How To Die In The North” – BC Camplight

BC CAMPLIGHT - HOW TO DIE IN THE NORTHBrian Christinzio está en ese desafortunado grupo de músicos que, gozando de excelente acogida por la crítica, logra pasar casi desapercibido para la audiencia masiva. “How To Die In The North” se alimenta del conocido pop americano de los sesenta, la psicodelia y el surf rock, sin embargo, a través de originales arreglos de bronces, cuerdas y melotrón, el disco logra sonar ameno y familiar sin caer en lo predecible o monótono. “Grim Cinema” y la wilsoniana “Thieves In Antigua” son sólo dos ejemplos que hacen de este un disco entrañable. Si existe alguna justicia a nivel musical, estas nueve canciones deberían sacar de las penumbras a Christinzio de una vez por todas.

“Cortar Todo” – Zu

ZU - CORTAR TODOEs común que, en la búsqueda de la diferenciación que les haga sobresalir, las bandas caigan en un pantano donde todo esfuerzo se disipa y no logran el cometido. Claramente ese no es el caso de los italianos Zu, porque su flamante “Cortar Todo” es un gran trabajo que hipnotiza desde el comienzo y, casi sin notarlo, sumerge al oyente en un viaje libre, sin etiquetas, cuyo destino es hacerle honor al nombre del disco y no respetar canon alguno. Desde “The Unseen War” hasta “Pantokrator” hay tantas ideas como sensaciones, todas conjugadas en un eclecticismo que responde nada más que a las inquietudes de músicos que tienen como única consigna innovar en el mundo del rock.

“Carrie & Lowell” – Sufjan Stevens

SUFJAN STEVENS - CARRIE & LOWELLMotivado por el deceso de su madre, Sufjan Stevens recorre las postales dejadas en vida por la compleja relación que sostuvo con ella. Casi como un ejercicio de auto sanación, el álbum pasa por momentos de conciliación (“Death With Dignity”), abandono (“Fourth Of July”) e impotencia (“Drawn To The Blood”), dando lugar a un complejo entramado de vivencias, acertadamente acompañadas por un indie folk minimalista, en base a sencillos arreglos de guitarra y piano, junto a la sentida interpretación vocal de Stevens. Lo de “Carrie & Lowell” excede los límites de lo musical; se aventura a cruzar ese incierto lugar en que se encuentran el arte y la vida, y logra atravesarlo con éxito.

“New Bermuda” – Deafheaven

DEAFHEAVEN - NEW BERMUDALa energía fresca y potente que inyecta un género que no es tan común para las masas. Pasajes entre el caos y la calma se desarrollan mediante riffs poderosos, batería de ritmo constante y una desgarradora interpretación vocal. Una búsqueda que rinde frutos con este álbum, donde Deafheaven logra establecerse como una mezcla que no tiene precedentes, deslizándose en un limbo entre la melodía más indie al sonido más extremo. Sus detractores podrán apelar a su apariencia para desmerecer su trabajo, lo cierto es que el quinteto no tiene nada que envidiarle a la escuela más clásica del black metal, ya que hicieron suyo un género que desde sus orígenes ha generado polémica.

“Apex Predator – Easy Meat” – Napalm Death

NAPALM DEATH - APEX PREDATOR - EASY MEATLa banda en sí no requiere de mayor presentación, aparte de recalcar que son uno de los pilares de la música extrema. Acorde a ese título, este año lanzaron “Apex Predator – Easy Meat” (Century Media), uno de sus trabajos más completos a la fecha. Desde “Harmony Corruption” (1990) la banda incluyó un criterio experimental a su propuesta visceral, que hoy alcanza su cúspide creativa y cuya fusión con el grindcore característico de los ingleses se destaca de forma superlativa por sobre cualquier otro acto similar. Si “Metaphorically Screw You” es la depuración máxima de su sonido clásico, “Dear Slum Landlord…” es la prueba final de una evolución que jamás se ha vendido al sistema.

“The Direction Of Last Things” – Intronaut

INTRONAUT - THE DIRECTION OF LAST THINGSCasi diez años de carrera les tomó a los californianos Intronaut llegar a un nivel de perfección suficiente como para publicar “The Direction Of Last Things”, por lejos el mejor álbum de su historia discográfica hasta la fecha. Una juguera donde echaron su característico sonido de metal progresivo junto con jazz, polirritimia y djent, llevando su sonido más allá, de una forma nunca antes vista hasta ahora, donde la música no captura, sino que envuelve y acompaña. Cada canción se despliega naturalmente, aunque la complejidad rítmica aumenta la melodía, descomprime la presión y la deja fluir para terminar justo en el momento que cada uno de los siete tracks lo necesita.

“Sol Invictus” – Faith No More

FAITH NO MORE - SOL INVICTUSEl camino más fácil para Faith No More era volver como un pastiche pálido de sí mismos, pero en vez de ello, Billy Gould y Roddy Bottum se encargaron de dirigir un proceso creativo que logró mezclar las características ya conocidas de la banda con el camino artístico que cada miembro había recorrido en los 18 años en que no habían grabado juntos. “Sol Invictus” se escapa del tedio y desafía lo convencional, tal como les gusta a los miembros de FNM. Desde la oscuridad de “Motherfucker” o el sello brit de “Black Friday”, el regreso del quinteto es importante y urgente, haciendo justicia a un legado clave en el rock alternativo, y pavimentando un futuro incierto pero ganador.

“To Pimp A Butterfly” – Kendrick Lamar

KENDRICK LAMAR - TO PIMP A BUTTERFLYAquí no hay rodeos, sólo un hombre diciendo lo que debe, la verdad incómoda que muchos no quieren oír. Honesto, rudo, atrevido y punzante, así es la lírica de Lamar, que no escatima en recursos para pasearse por cuanto estilo musical le plazca y exponerle al mundo un manifiesto de cómo hacer las cosas. El cliché de la conciencia social toma una nueva dirección con las rimas de Lamar, apoyado sobre una aplastante base de ritmos y samples. No se está frente a un simple disco de hip hop, sino que a una verdadera obra literaria, musicalizada con una soltura que ya la quisieran otros artistas. Es el alma y los sentimientos de un hombre hechos música, nada más, nada menos.

“Hand. Cannot. Erase.” – Steven Wilson

STEVEN WILSON - HAND CANNOT ERASELa historia que hay detrás de este disco es, a todas luces, devastadora: una joven mujer de Londres que pierde el contacto con sus amigos y familiares, sólo para ser encontrada muerta en su departamento tres años después. La inocencia perdida, la desolación como el sentimiento ulterior en la vida de una persona y la falta de pertenencia cuando la vorágine social se transforma en algo insostenible, reflejan los códigos de un concepto que es aumentado por el abanico de recursos instrumentales que cuidadosamente se utilizan en función de cada pasaje dispuesto por el relato. Wilson nos entrega su trabajo más equilibrado a la fecha; brillante, violento y conmovedor en todos sus alcances.

“No Cities To Love” – Sleater-Kinney

SLEATER-KINNEY - NO CITIES TO LOVESólo juntos quebramos las reglas”. El regreso más sólido del año corrió por cuenta de un trío que hizo de la innovación su rutina y de la convicción su más poderosa arma. Sleater-Kinney estuvo casi una década en silencio, pero su retorno es directo, tal como las raíces del movimiento riot-grrrl, contexto que las vio surgir, aunque Carrie Brownstein, Janet Weiss y Corin Tucker trascendieron a aquello y generaron las bases para el rock alternativo e independiente, que hoy les debe gran parte de la actitud y la capacidad de tener frescura y matices que valgan la pena. Pero Sleater-Kinney se las arregla para, diez años después, reclamar su lugar sin esfuerzo, y dejar en claro que tienen caminos que seguir pavimentando y rutas que seguir enseñando. “No Cities To Love” fue el primer disco que consideramos para este listado en la lejana primera quincena de enero de 2015, y a finales de diciembre sigue siendo tan imprescindible y vivo como en la primera escucha. En un mundo de inmediatez y reciclaje veloz, la huella en la memoria es el mejor indicio de estar ante un trozo de historia.

Por Evelyn Munzenmayer, Manuel Toledo-Campos, Pablo Moya, Hans Oyarzún, Manuel Cabrales, Danny Arce, Pablo Cañón, David Martínez y Claudio Tapia

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5 Comentarios

5 Comments

  1. Diego

    22-Dic-2015 en 10:37 am

    Pensé que iba a estar Drones de Muse

  2. Esteban Cardoza

    22-Dic-2015 en 11:11 am

    el de wilson es un discazo de principio a fin, buena la lista 😉

  3. Víctor Escobedo

    22-Dic-2015 en 11:23 am

    Y no está el “Asunder, sweet and other distress” de Godspeed You! Black Emperor, pero si está el de God is an astronaut? Ni el “Departure Songs” de We Lost The Sea, ni el “Dust and Disquet” de Caspian? Meh.

  4. Julio

    23-Dic-2015 en 11:50 pm

    deberia estar el de City and Colour – if i should go before you… tremendo disco viejo!!

  5. Raúl Bustos

    08-Ene-2016 en 11:28 am

    Excelente revisión y lista ,gracias de un fan de 50 años lo que no he escuchado lo buscare en spotify

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Chilenos en Lollapalooza 2020, Parte 2: Consolidando escenas

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Lollapalooza Chile

Aunque Lollapalooza Chile 2020 tiene más de cien artistas en total, la mayoría se fija en los cabezas de cartel, en esos nombres que tal vez no vendrán nunca más y que se presentan como oportunidades únicas. Pero también existe una miríada de actos chilenos que complementan la parrilla de forma precisa. Una apuesta por nombres emergentes en lo urbano, mezclado con artistas ya consolidados en el rock o en el indie, el festival que se desarrollará entre el 27 y el 29 de marzo en el Parque O’Higgins tiene múltiples colores, de los cuales te mostramos algunos tonos a continuación:

  • Para leer la primera parte de este artículo, con seis nombres más, entre los que se encuentran Pánico, Camila Moreno o Inti-Illimani & Quilapayún, haz clic AQUÍ.

Saiko

Tal vez la banda chilena más importante que faltaba que debutara en el escenario de Lollapalooza Chile, Saiko no sólo entera una carrera de más de dos décadas llena de éxitos, sino que también lo hace con una solidez escénica que viene de la experiencia y de la confianza que tiene la actual formación: una especie de dream team de la música chilena. A la voz inconfundible de Denisse Malebrán y el bajo de Luciano Rojas, se suma en batería el ex La Ley Mauricio Clavería, además el arreglista, productor y multiinstrumentista Martín D’Alesio.

Luego de muchos movimientos, la banda parece estar en un punto de madurez y tranquilidad que en vivo consigue mezclar efectivamente los éxitos de sus primeros discos (principalmente “Informe Saiko” de 1999 y “Las Horas” de 2004) con los tracks más nuevos, como “Fluvial” (hecho en colaboración con Sebastián Gallardo de We Are The Grand) o “Sabes”. Pop, rock, intensidad, dulzura, convicción y un carácter pionero en la música chilena, hacen de Saiko la última gran banda nacional vigente que debía debutar en el escenario del Parque O’Higgins.

Alain Johannes Trio (performs “Euphoria Morning”)

A estas alturas no debiéramos entregar credenciales de quién es Alain Johannes, pero no es malo recordar una que otra. Por ejemplo, que junto con Natasha Shneider fueron quienes produjeron el álbum solista debut de Chris Cornell, “Euphoria Morning”. Este álbum, salido en septiembre de 1999, tendrá un nuevo giro en el escenario de Lollapalooza Chile 2020, protagonizando lo que será el retorno de Johannes al festival, en formato trío, con los hermanos Cote Foncea (Lucybell, Dracma) y Felo Foncea (De Kiruza).

Johannes muchas veces ha comentado la cercanía que tenía con Chris Cornell y cuán importante fue para todos quienes participaron el hecho de grabar “Euphoria Morning”, un disco que, además de su carga emocional, posee melodías que distanciaron al vocalista de lo que hizo en Soundgarden, llevándolo a un rock más profundo, de texturas más ricas, mucho más parecido a lo que Alain y Natasha cultivaban en Eleven. Y es precisamente ese tipo de sonido el que será evocado en un show único con Johannes y los hermanos Foncea, que son prenda de garantía al momento de sonar en vivo.

Fernando Milagros

Luego de experimentar con múltiples recursos sonoros, pareciera que en “Serpiente” –disco que editó en 2019– Fernando Milagros volvió a la guitarra como muleta única, siendo las seis cuerdas y la garganta del cantautor lo que domina las melodías propuestas en los nueve tracks del sólido y cálido LP.

Esa cercanía orgánica es toda una novedad para el artista que en “Nuevo Sol” (2014) o “Milagros” (2017) tuvo en los trazos electrónicos un complemento clave. También es ese tono más ligado a lo psicodélico, con percusiones orgánicas y bajos más profundos como elementos que terminan de cuajar la mezcla, el que sonará en Lollapalooza Chile, con un músico que vuelve a sus raíces, pero con las enseñanzas marcadas en canciones más directas y llenas de detalles por descubrir ahí donde es más difícil: escondidas a simple vista.

Yorka

Las hermanas Pastenes son un halo de luz y de fuerza en el escenario nacional, haciendo un pop sofisticado, juguetón y bello, pero no por ello menos potente. En eso ayudan mucho las voces de Daniela y Yorka, quienes se apoyan y generan sensaciones de alto impacto, cantando sobre temas variados, con canciones que en el contexto de la protesta social han encontrado más oídos y más lecturas.

Esto también se relaciona al trabajo que ellas han hecho en terreno, con Yorka –quien es profesora– haciendo clases de canto en múltiples contextos, acercando la música a distintos territorios. “La Canción Es Protesta” es una de las mejores composiciones surgidas tras el estallido social, vinculando el sonido del canto nuevo con un pop del siglo XXI, y es ese tipo de conexiones lo que convierte a Yorka en un proyecto relevante, precioso de descubrir y atemporal en su sonido, en su mejor momento.

Slowkiss

La mezcla que hace Slowkiss podría ser un desastre si sólo se ve lo que hay en el papel. Pop, shoegaze, punk, elementos góticos incluso, pueden parecer cosas que en la mezcla podrían perder algo, pero el cuarteto chileno logra mostrar todas sus facetas, en una propuesta que, luego de mucho trabajo y convicción, es parte de los sucesos imperdibles del rock chileno en el último tiempo.

Aunque la masculinidad frágil haga que algunos le enrostren su pasado como parte de Supernova a Elisa Montes, lo que consigue la formación que la tiene a ella, Natalia Diaz, Andie Borie y Ricardo Pozo no pierde el tiempo en el pasado, y entrega rock directo como el que inunda “Patio 29”, el disco que lanzaron en agosto pasado y que será la columna vertebral de lo que promete ser una vibrante presentación en Lollapalooza Chile 2020.

Catana

Una de las voces más interesantes y versátiles dentro de la escena urbana, Catana ganó notoriedad con su mixtape “Qween C” en 2018, un trabajo que dejaba en claro cómo la intérprete podía rapear, cantar, trapear y también mezclar estilos en su voz. Con líricas afiladas, la artista también ha explorado en notas más sostenidas, en el R&B y en más recovecos musicales con colaboraciones múltiples.

“CA” es el último single editado por Catana, que muestra el camino reflexivo, pero lleno de reafirmación, que la tiene como uno de los nombres a seguir no sólo en la música chilena, sino que en la esfera latina. Tal vez porque, en medio de solistas que se ponen al centro como objeto de escrutinio, una voz que observa al resto con la confianza y el carisma que tiene Catana no sólo resulta algo lleno de novedad, sino también ocupa espacios que estaban ahí, a la espera de un talento como el de la oriunda de Cerro Navia, que llegará a Lollapalooza Chile a confirmar las sospechas que hay sobre uno de los secretos mejor guardados del rap chileno.

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