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Mejores Discos 2018

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Pensar en los límites de género, estilos o formas de ver la canción, es algo complejo en tiempos como los que vivimos. Pese a que la música nunca fue más accesible y cotidiana, el valor que se le asigna a esta va en un declive evidente. Con el streaming, la posibilidad de escuchar los discos favoritos es más cercana que nunca, pero así también la evidencia de cómo ciertos sellos y artistas se toman los espacios más allá de su calidad o atractivo. Drake llenó con su “Scorpion” todo el espectro de Spotify en su lanzamiento, en el ejemplo más burdo, sin embargo, no todo está perdido: los vinilos siguen subiendo sus niveles de venta y, aunque pueda ser por estética y moda, esto implica que un disco importa y va más allá de un single. Por eso en HumoNegro no hacemos listas de canciones, algo que es tan fugaz como personal. En vez de eso, nos decidimos por una lista, una sola, que recoja lo mejor del año, con conceptos, canciones, producción, mensajes y más, que permitan elevar el valor de la música, en un año complicado de vivir en el planeta como fue este.

Dentro de la lista llama la atención –para bien– la cantidad de solistas femeninas que aparecen. Cuando se dice y discute si el “rock está muerto” o no, pareciera una discusión tan ombliguista como machista, que olvida a las mujeres que están tirando para arriba el género hace rato, con más honestidad y huevos que muchos. Sea denunciando la inseguridad al caminar sola por un parque (“Nameless, Faceless” de Courtney Barnett), o buscando la empatía por la opresión que el machismo ejerce sobre los propios hombres (el concepto que trasunta el último álbum de Christina Rosenvinge), y llegando a subvertir la idea de cómo narrar desde diferentes personajes (el impactante “Be The Cowboy” de Mitski), ejemplos hay muchos y valen ser destacados, en una lista que año a año va ganando en equidad de género, no por cuota, sino por la innegable calidad del material.

Finalmente, una aclaración: este año no habrá listado de discos chilenos y tiene que ver con el ánimo de erradicar fronteras, que es algo que nos ha ocupado en los últimos años. Podemos decir que en 2018 hubo álbumes hechos en Chile que se quedaron en las orejas y bibliotecas de nuestros colaboradores, sin nada que envidiar a producciones de carácter global, ya sea recogiendo influencias ligadas al territorio y al continente, como pasa con Niños del Cerro, o en un afán alquimista y arriesgado de hacer música rica en desprejuicios, como pasa con el debut solista de Fran Straube bajo el nombre Rubio.

Más abajo, el video con el listado y una pincelada de cada disco. Esperamos le den una chance a los sonidos que convergen en este espacio, descubran y, por supuesto, nos indiquen en los comentarios qué álbumes les resuenan en la cabeza, orejas y corazón de este año 2018.

50. Tribulation – “Down Below

49. Noname – “Room 25

48. Hookworms – “Microshift

47. Paul Weller – “True Meanings

46. Tracyanne & Danny – “Tracyanne & Danny

45. Anderson .Paak – “Oxnard

44. Rolling Blackouts Coastal Fever – “Hope Downs

43. Niños del Cerro – “Lance

42. Kids See Ghosts – “Kids See Ghosts

41. St. Vincent – “MassEducation

40. Blood Orange – “Negro Swan

39. Sleep – “The Sciences

38. Rosalía – “El Mal Querer

37. Neko Case – “Hell-On

36. Jeff Rosenstock – “POST-

35. Soccer Mommy – “Clean

34. Seun Kuti & Egypt 80 – “Black Times

33. Robyn – “Honey

32. Low – “Double Negative

31. Spiritualized – “And Nothing Hurt

30. Christina Rosenvinge – “Un Hombre Rubio

29. U.S. Girls – “In A Poem Unlimited

28. Slaves – “Acts Of Fear And Love

27. Ben Lamar Gay – “Downtown Castles Can Never Block The Sun

26. Rubio – “Pez

25. Deafheaven – “Ordinary Corrupt Human Love

24. Iceage – “Beyondless

23. Architects – “Holy Hell

22. Ty Segall – “Freedom’s Goblin

21. Suede – “The Blue Hour

20. Lucy Dacus – “Historian

19. Rolo Tomassi – “Time Will Die And Love Will Bury It

18. Behemoth – “I Loved You at Your Darkest

17. Daughters – “You Won’t Get What You Want

16. Screaming Females – “All At Once

15. Parquet Courts – “Wide Awake!

14. Janelle Monáe – “Dirty Computer

13. Stephen Malkmus & The Jicks – “Sparkle Hard

12. The Good, The Bad & The Queen – “Merrie Land

11. Mitski – “Be The Cowboy

10. The Breeders – “All Nerve

Que bien que le hizo a The Breeders recuperar a Josephine Wiggs (bajo) y Jim MacPherson (batería). Es difícil explicar por qué una formación supera largamente a otra tratándose siempre de buenos músicos, sin embargo, esta nueva-antigua encarnación del cuarteto logró traer de vuelta eso que alguna vez hizo de The Breeders uno de los exponentes más destacados de la escena del rock alternativo noventero. En “All Nerve”, las hermanas Deal vuelven a sonar cómplices y divertidas, logrando ir de paisajes llenos de candidez a otros, donde lo que domina es el sucio rock de guitarras, sin dejar de sonar atractivas en ningún momento. Este nuevo larga duración se las arregla para mirar de frente el legado de “Pod” (1990) y “Last Splash” (1993) sin nada que envidiarles. Pero esto no es sólo nostalgia noventera: lo que hoy tenemos al frente es una banda que suena empoderada y segura, de esas que sólo pueden sorprender cuando llega el momento de enchufarse y tocar. | David Martínez

9. Cloud Nothings – “Last Building Burning

Mientras la mayoría de las bandas con el paso de los años tiende a bajar las revoluciones privilegiando un sonido más melódico, Cloud Nothings nos sorprende con una propuesta que se siente cada día más urgente y explosiva. “Last Building Burning” se cuelga del ADN más primigenio del espíritu del rock, entregándonos un álbum abiertamente amenazante, donde el vocalista Dylan Baldi se deja los pulmones cantando (aullando) cada canción, y el martilleo preciso de la batería complementa de forma perfecta cada uno de los ásperos riffs de los ocho tracks que dan vida al LP. A ratos punk, por momentos hardcore, e incluso noise, lo importante acá no son las etiquetas. Lo excepcional de esta quinta entrega de los oriundos de Cleveland es que lograron hacer un álbum que no sólo suena como un disco “en vivo”, sino que se siente como una propuesta viva y desafiante. Definitivamente, la banda alcanza su mejor momento. | David Martínez

8. Beach House – “7

Si hay una forma de describir la música de Beach House, esa claramente debe guardar alusión con la profunda belleza en que se desarrollan las canciones del dúo. Con “7”, los oriundos de Baltimore parecen absorber todo lo aprendido en sus anteriores trabajos para conjugar una serie de elementos que pasan de lo cálido a lo tenebroso sin mayores dificultades, otorgando secciones de profunda calma, como también de una inquietante tempestad. La insanidad social y el contexto actual de vivir tiempos en que no queda otra que resignarse a la idea de un desolador panorama, son ideas que se repiten continuamente bajo 47 minutos de tormentoso dream pop, al más puro estilo de una banda que tomó elementos de diferentes fuentes para transformar un sonido que en el futuro será citado bajo su propio nombre. Por mucho que parezca una reinvención, esto no es más que otra transformación dentro del agitado legado que está trazando Alex Scally y Victoria Legrand. | Manuel Cabrales

7. Thom Yorke – “Suspiria

La banda sonora de una película de horror y suspenso debiese ser algo que se rige estrechamente bajo los cánones tradicionales del género, pero cuando se cuenta con la mente creativa de Thom Yorke, el resultado final puede variar mucho de lo que acostumbramos a escuchar en cintas de este tipo. Con “Suspiria”, el frontman de Radiohead aborda el concepto de soundtrack bajo diferentes miradas, mezclando tracks instrumentales, interludios y canciones, permitiendo que una obra que en su génesis debe servir como complemento, pueda desplegarse de manera independiente y cobre vida propia sin alejarse necesariamente de su punto principal. Más allá de darle una reimaginación a la banda sonora original compuesta por Goblin en 1977, Yorke hace el mismo trabajo que el director Luca Guadagnino adquiere con la película: contar una historia propia que se mantenga fiel sólo a las características principales, siempre privilegiando un panorama diferente desde otro punto de vista. | Manuel Cabrales

6. Kamasi Washington – “Heaven And Earth

Para muchos, puede que el jazz sea algo anticuado y pasado de moda, pero lo cierto es que existen casos muy especiales que siguen haciendo que un estilo, en su esencia ortodoxo, mantenga su impronta vanguardista y vuelva a ser interesante para los ojos de la crítica y las masas. Con “Heaven And Earth”, Kamasi Washington recorre diversos pasajes y texturas para plantear nuevos paradigmas en torno a su música, así como también para representar de manera fiel y refinada los entornos y contextos creativos en que el saxofonista libera su alma para con la música. Desde la apertura con “Fists Of Fury”, Washington nos transporta mediante un viaje lleno de contrastes y diversas tonalidades, lo que se complementa con la despampanante banda de acompañamiento que refuerza las ideas sonoras que el músico plantea dentro de su obra. | Manuel Cabrales

5. Courtney Barnett – “Tell Me How You Really Feel

Hace tres años, Courtney Barnett facturó uno de esos discos debut que al mismo tiempo que llevan a una banda a oídos de todo el mundo, rápidamente se pueden terminar convirtiendo en la peor pesadilla de cualquiera. Por fortuna, la australiana no se complica con esa “maldición del segundo disco” y sin inconvenientes se las arregló para regalarnos un álbum que, además de ser excepcional, definitivamente la gradúa como una de las voces imprescindibles de su generación. “Tell Me How You Really Feel” nos acerca a una Barnett más personal, directa y segura de sí misma, capaz de hacer convivir con absoluta coherencia paisajes sonoros de viscosa oscuridad y espíritu garage punk (“Hopefulessness”; “I’m Not Your Mother I’m Not Your Bitch”) con otros de luminoso pop (“Charity”; “Walking On Eggshells”), siempre con guitarras bien noventeras. Versátil, convincente y cautivador; uno de esos discos que hacen sentir que la escena sólo puede mejorar. | David Martínez

4. Shame – “Songs Of Praise

Rabia inglesa, pero sin angustia. Angustia inglesa, pero sin dolor. La elegancia y también suciedad en el sonido del quinteto Shame es una de sus marcas registradas, algo complicado de decir para una agrupación que acaba de sacar este año su disco debut, pero que con una madurez rara para bandas así consigue precisamente hacerse un nombre con rapidez. Fuertemente arraigados en el legado del punk y rock clásico inglés, “Songs Of Praise” presenta el amplio rango que puede tener la post-adolescencia de un británico, expuesta mediante lo más carnal y también lo más genérico. Aunque el disco muestra atisbos de genialidad, lo que entregan las diez canciones del debut de Shame es la sensación de querer más para poder seguir tratando de mirar el mundo desde el cristal de una de las más vitales bandas salidas en los últimos años. | Manuel Toledo-Campos

3. Car Seat Headrest – “Twin Fantasy (Mirror To Mirror)

Rehacer un disco icónico para el fan más fan, acomodándolo a circunstancias muy diferentes, sin perder por completo la magia, era una tarea casi imposible, pero Will Toledo consiguió hacerlo y, de paso, entregar el disco que siempre se podrá considerar la piedra angular de Car Seat Headrest. Grabado en su auto hace casi una década y sólo lanzado limitadamente en un Bandcamp, “Twin Fantasy” se transformó en disco de culto, sin embargo, Will sabía que nunca pudo hacerlo con los recursos que hubiera querido. Casi un álbum conceptual que aborda cómo lidiar con la depresión, la angustia, las relaciones correspondidas y las que no, “Twin Fantasy” ya tenía mucha densidad emocional, pero lo aprendido en varios trabajos de estudio más profesionales le dio a Car Seat Headrest la chance de rearmar de cero una colección de canciones tan ambiciosas como queribles, transformándolo en el elegante, rabioso, crudo y a ratos eclesiástico “Twin Fantasy (Mirror To Mirror)“, que por complejidad, catarsis y manejo, se vuelve uno de los discos más necesarios de 2018. | Manuel Toledo-Campos

2. Father John Misty – “God’s Favorite Customer

Dicen que todo está inventado, pero eso no es impedimento para que Father John Misty desarrolle sus conceptos bajo la figura de un crooner moderno, alguien que abraza la cultura predominante del internet y los distintos estereotipos de la sociedad. Algo parecido a eso es lo que Josh Tillman hace en “God’s Favorite Customer”, donde adopta un contexto mucho más profundo que en otros de sus discos, aunque sin dejar de lado el histrionismo característico de su figura, que es finalmente el elemento que hace llamar la atención y genera esta enemistad existente contra el músico en algunos sectores. FJM está consciente de la imagen que proyecta, una de alguien que no parece tomarse muy en serio las cosas, casi como una parodia de sí mismo, pero la genialidad con que el músico adopta esa ironía es lo que finalmente le aporta un sentido distinto a un disco que, musical y líricamente hablando, es una maravilla en varios sentidos. Multidireccional y todo, esta es una obra que debe estudiarse mucho más a fondo, entendiendo que, luego de cuatro discos, es tiempo de empezar a tomarse en serio el aporte que Tillman está haciendo en la música. | Manuel Cabrales

1. Idles – “Joy As An Act Of Resistance.

En muchos ámbitos, 2018 fue un pésimo año. En el mundo, el avance de las fuerzas y pensamiento fascista están tomando cuotas cada vez más grandes de poder, y en nuestro país la realidad que siempre tenía tintes un poco más equilibrados también ha tendido a un populismo de derecha muy peligroso. Es un contexto cruel, de esperanzas rotas, enfrentamientos inevitables y decepciones por doquier. ¿Por qué vamos a sonreírle a algo así? Simple: porque, de acuerdo a la lógica de Idles, si el enemigo te ve contento, va a notar de que no te está haciendo daño y que la derrota todavía no está cerca. “Joy As An Act of Resistance.” es el sonido que necesita el mundo hoy: rabioso, enérgico, energético y, a la vez, cándido. Desde un punk que se construye mucho de otras vertientes y letras que se abocan a defender valores del sentido común, como el respeto a todas y todos por igual o a la migración, el quinteto inglés logra generar un “punk positivo”, que no por ello podrá caer en la ingenuidad o en la falta de densidad. Anti-Brexit, anti-racismo, anti-masculinidades tóxicas, Idles consigue un álbum lleno de júbilo cuando la lógica indicaría lo contrario, y busca construir en medio de tanto espíritu destruido por desigualdades e injusticias. Con un gran sonido y con una actitud implacable, “Joy As An Act of Resistance.” es el soundtrack perfecto para estos verdaderos “Tiempos Peores”. | Manuel Toledo-Campos

Aquí el listado en forma de vídeo:

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La importancia de la obra de Ramin Djawadi en “Game Of Thrones”

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Ramin Djawadi

Mucho se ha discutido de los giros argumentales y de las decisiones narrativas de “Game Of Thrones”, serie cuyo final fue un hito por sí solo hace unas semanas, pero que ha sido piedra angular del crecimiento de este formato como un producto de consumo masivo. Aunque todo es digno de debate, algo en lo que existe un acuerdo mayor es cómo la música de GOT y los tonos que está dispone son un elemento vital para la inmersión en la historia desde el punto de vista más visceral.

El hombre detrás de esa obra no es ajeno a las historias en pantalla chica o grande, y comprende el potencial de un soundtrack, algo que incluso pudo aprender de Hans Zimmer. Ramin Djawadi estudió antes en la Berklee College of Music, e incluso participó en la banda de Zimmer en películas como “Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl” en 2003, y luego en solitario con “Iron Man” o “Clash of the Titans”. Pero donde ganó notoriedad masiva fue con GOT, y es que ahí es donde su obra logró pulirse a un nivel que incluso podrá verse de forma más palpable en sus trabajos posteriores.

En vez de caer en el síndrome del compositor para películas que usualmente tiende a la épica y al juego de la rimbombancia para lograr densidades diferentes, lo que hace Djawadi es minimalista, sin desperdicio, con el cello y el piano como los instrumentos claves de su propuesta, y también con los coros vocales como espacios del pesar y de la tensión dramática. En GOT usualmente usó músicos de The City Of Prague Philarmonic Orchestra para tocar las partituras que armaba tras reuniones con los creativos, guionistas, e incluso diseñadores de producción para tener un panorama completo. Aunque usaba una orquesta completa, la explosión usualmente asociada al clímax de un grupo de instrumentos al unísono jamás suena en GOT, y aun así se conseguían escenas que atrapan al espectador.

Quizás esta es la razón por la que el espectáculo en vivo “Game Of Thrones – Live Concert” que se presentará en el Teatro Caupolicán el próximo 21 de julio no tendrá estos momentos en escena, debido a que muchos son de un carácter íntimo que en vivo no conseguirían el mismo efecto. Aun así, cuarenta músicos en escena, bailes y caracterizaciones en vivo prometen una experiencia que refleje las emociones de la serie de HBO en carne viva, tal como lo hicieron estos tres grandes momentos musicales de GOT y del genio de Ramin Djawadi:

“Hardhome” – Temporada 5, episodio 8

Evitar que un sonido explote en medio de una batalla, y aun así tener significancia, es algo muy extraño, pero en la pieza “Hardhome”, del capítulo homónimo de la quinta temporada, Djawadi entendió que tenía que generar la sensación que Jon Snow y los salvajes tenían, la de estar encerrados en ese desierto de hielo, entre paredes y mar gélido. El terror y los estados de este se traspasan en medio de una efectiva capacidad de hacer crecer y decrecer el sonido, en dos partes que totalizan diez minutos de desesperanza y dolor, cuando aún Jon Snow no sabía nada, y la gente viendo la serie tampoco.

“Light Of The Seven” – Temporada 6, episodio 10

Djawadi trabaja de forma inquietante en el piano, simple pero devastador, y eso lo ha perfeccionado con el paso de los años, algo que se traspasa a los covers que arma para “Westworld”. Pero si hay un momento en que la composición de este alemán ganó notoriedad absoluta, fue en la escena inicial de “The Winds Of Winter”, episodio final de la sexta temporada, donde ese instrumento fue el verdadero rey en el trono de hierro. En vez de dar luces de qué podría pasar con las canciones y tonalidades de cada Casa en GOT, Ramin intentó algo diferente, y con ello configuró una de las mejores comuniones entre escena y score en la historia de las series de TV, principalmente por esa danza entre piano y algunos (pocos) diálogos en una escena inolvidable, marcando un punto de giro para las temporadas finales.

“The Night King” – Temporada 8, episodio 3

Nuevamente el piano marcando el rumbo, en una escena que más parece una coreografía que un mero plano. La multiplicidad de historias convergiendo en el gran final de la “batalla de Winterfell”, hicieron de esta pieza otro momento icónico de la música de Djawadi en GOT. Y es que cómo no lograrlo con Arya Stark dando el golpe final, luego de la aparente derrota pregonada por el “rey de la noche” que traía “The Long Night”, como versaba el título del episodio. Una construcción al revés de “Light Of The Seven”, aquí partiendo con la destrucción y la oscuridad para ir entregando chispas, un poco de luz, para culminar con un clímax que, desde lo musical, tal vez es lo mejor entregado por el autor en la música de “Game Of Thrones”.

Venta de entradas para el evento, AQUÍ.

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