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Mejores discos 2013

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En HumoNegro tenemos muchas virtudes y defectos, como en cualquier medio, pero si hay algo que nos caracteriza es la sinceridad. En nuestras cuatro paredes pudimos haber seleccionado veinte discos de 2013 que fueran de completo gusto del lector y señalar que son los mejores, y así todos quedaban contentos. Pero como lo nuestro es la honestidad y además contamos con un régimen interno democrático, nos juntamos como equipo, armamos un sistema de puntajes y votamos por los que creemos fueron los 20 mejores discos de este año.

La propuesta inicial contaba con más de un centenar de álbumes de distinta índole y géneros; no fue sencilla la elección, al igual que el año pasado nos peleamos y, por momentos, nos enemistamos, pero lo importante es que lo que verán a continuación fue el resultado de un equipo, de una cuantía horizontal de opinión, donde el voto de un director tuvo la misma valía que la de un editor o un colaborador esporádico. Es decir, es nuestra lista, nuestra visión, no pretendemos infundírsela, ni aseverar que es mejor o peor que cualquier otra. Si están de acuerdo, perfecto. Si no lo están, perfecto también. Esa es la idea de compartirla con ustedes: que lean, analicen y, si lo desean, nos dejen su opinión, sus favoritos, sus acuerdos y desacuerdos.

Sin más preámbulos, esta es la lista de los mejores discos de 2013 según el equipo HumoNegro.

20°

Lightning Bolt” – Pearl Jam

LIGHTNING BOLTCuando hablamos de Pearl Jam, resulta extremadamente complejo no ser condescendiente, sin embargo, el tener una trayectoria plagada de tantos éxitos supone también un desafío aún mayor, ya que las expectativas generadas resultan particularmente difíciles de llenar, y es precisamente en este rubro donde radica la importancia de “Lightning Bolt”, que a través de la búsqueda de nuevos matices y texturas logra mantener la frescura de su propuesta. Los liderados por Eddie Vedder son el ejemplo más claro que el todo es mayor que la suma de los talentos individuales. Este décimo álbum de estudio quizás no deja totalmente satisfecho a los fanáticos más acérrimos, pero no cabe duda que mejora con cada reproducción.

19°

Is Survived By” – Touché Amoré

IS SURVIVED BYTouché Amoré es incontrolable. Con “Is Survived By”, su tercer larga duración, los californianos detonaron un disco explosivo, lleno de rabia, esperanza y positividad, destacando tracks como “To Write Content”, “Kerosene”, “Just Exist” o la propia “Is Survived By”. “Esto es vivir por un amor. Esto es sobrevivir por un miedo; que todo lo que quede cuando se haya dicho y hecho, sean palabras que jamás volveré a oír”. Con la producción a cargo de Brad Wood (Smashing Pumpkins, Sunny Day Real Estate), el cuarteto, por momentos, homenajea a bandas icono como Mineral o At The Drive-In, recordándonos que son la última gran versión de la pasión y la furia del hardcore punk de nuestros tiempos.

18°

Random Access Memories” – Daft Punk

DAFT PUNK - RANDOM ACCESS MEMORIESPara los fanáticos de Daft Punk, el soundtrack de “Tron: Legacy” (2010) sólo calmó en parte la ansiedad por conocer nuevo material del dúo francés, un simple aperitivo por decirlo de alguna manera. Tomarse ocho años para editar un nuevo álbum de estudio supone el riesgo inherente de no dejar conforme a todos, y es precisamente esto lo que pasa con “RAM”, que a pesar de derrochar calidad técnica, del hype y de tener uno de los singles más atractivos de la historia, se diluye en sus altas expectativas. No hay que equivocarse, en ningún caso estamos en presencia de un mal disco, muy por el contrario, se encumbra muy por sobre la media del 2013, pero deja esa sensación que podría haber sido más.

17°

True North” – Bad Religion

TRUE NORTHCon “True North”, Bad Religion demuestra que el punk rock no está muerto, aunque nunca lo ha estado realmente, y que después de más de treinta años de carrera son capaces de despachar un disco consistente, con canciones directas y letras expresivas que nos hacen seguir creyendo. “Fuck You”, “Robin Hood In Reverse”, “In Their Hearts Is Right” y “Nothing To Dismay” destacan en un álbum de 16 canciones y 36 minutos de duración, en donde la mitad no sobrepasa los dos minutos, y la claridad de los riffs y potencia de las secuencias de batería hacen de este disco una referencia para que otras bandas del estilo, y las nuevas generaciones, sepan que el punk rock no tiene fecha de vencimiento aún.

16°

“New” – Paul McCartney

PAUL MCCARTNEY NEWCuando llevas más de 50 años de carrera, ¿hay alguna forma de que tu trabajo suene novedoso? Para Paul McCartney la respuesta es “sí”. Macca se alió a Nigel Godrich, productor emblemático de Radiohead, y lanzó “Chaos And Creation In The Backyard” en 2005, uno de los discos solistas más inmaculados del ex Beatle. Tras ocho años, se vuelve a nutrir de productores más jóvenes (Mark Ronson, Paul Epworth, entre otros) para sacar su obra más fresca y variada. “New” suena a McCartney, no desconociendo su voz más desgastada ni su sonido tradicional, sino que lo conecta con la vibra de esta época, logrando un disco redondo y lleno de momento brillantes, como la apertura con “Save Us” o la propia “New”.

15°

Defend Yourself” – Sebadoh

DEFEND YOURSELFFueron quince años de receso. Sebadoh sepultó el lo-fi de antaño y matizó la bandera del indie rock proponiendo al country, el soft rock y el noise pop como géneros indisociables. “Defend Yourself” llegó como un álbum versátil, transitando entre la melancolía, la impotencia y la felicidad. Con trece tracks escritos con la adultez lírica de Lou Barlow y el sonido de guitarras acopladas, algunas cuerdas acústicas y marchas tanto apacibles como agitadas, el trío de Norhampton no sólo tiene puesto ganado en nuestro ranking, también tiene a disposición un puñado de buenas canciones con que refrescar el repertorio que hoy los lleva de gira por Australia y EE.UU. Soberbia reaparición.

14°

“Wakin On A Pretty Daze” – Kurt Vile

KURT VILE - WAKING ON A PRETTY DAZELuego del éxito alcanzado con “Smoke Ring For My Halo” (2011), Kurt Vile se tomó un par de años para armar y lanzar su quinto disco de estudio, un trabajo que lo consolida como uno de los nombres más importantes del “indie” actual, y donde el apoyo y la complicidad de Vile con su banda The Violators se nota, y se atreven a firmar un registro con once canciones de las cuales siete sobrepasan los cinco minutos de duración, una apuesta poco común para los tiempos que corren, pero que logró un lugar entre lo mejor del año debido a la consistencia de las composiciones y a la gran variedad de influencias que logra recoger este cantautor norteamericano y su guitarra.

13°

m b v” – My Bloody Valentine

MBV22 años es una vida entera, pero cuando se trata de My Bloody Valentine, sabes que debes esperar. “m b v”, el tercer disco de la banda pionera en el verdadero noise rock, es una joya precisamente porque se mueve desde esa zona ruidosa para abrirse a diferentes horizontes en tres tercios consistentes, uno más experimental con tracks como “Only Tomorrow”, otro más pop con “New You” como innegable momento de quiebre con lo que conocíamos de Kevin Shields y los suyos, y un último tercio donde la mezcla de géneros hace que reconozcamos en MBV a una fuerza mucho mayor a la de su leyenda, marcada por el ruido, y que revivió con canciones y melodías que exigieron y entregaron mucho más de lo esperado.

12°

“Reflektor” – Arcade Fire

ARCADE FIRE - REFLEKTORLuego que The Suburbs ganara el Grammy al mejor disco del año (derrotando de paso a verdaderas máquinas de hacer dinero como Lady Gaga o Eminem), Régine Chassagne y Win Butler decidieron embarcarse en un retiro para así realizar labores humanitarias en Haití. Quizás fue durante ese periplo en el que el matrimonio decidió que su siguiente disco debiera ser la obra pop más épica y grandilocuente de los últimos años. Predeterminado o no, lo que no se puede negar es que de la mano de James Murphy, y gracias a canciones como “Normal Person”, “We Exist” y “Reflektor”, el cuarto disco de los canadienses marcó uno de los hitos más importantes de este 2013 gracias a un pop rock meticuloso y desinhibido. 

11°

“Sunbather” – Deafheaven

DEAFHEAVEN - SUNBATHERBlack metal mezclado con shoegaze. Esa es la etiqueta que le pusieron al segundo LP de Deafheaven, pero “Sunbather” es mucho más que esos estilos. George Clarke y Kerry McCoy consiguen mezclar brutalidad con delicadeza, creando atmósferas y paisajes sonoros únicos, llenos de color y, a la vez, de un aire pesado pero respirable que se complementa bien con la dinámica de explosión y calma que inunda al registro, rico en riffs y baterías estridentes (“Dream House”, de los mejores tracks del año), así como de intermedios con pianos contemplativos (“Please Remember”). Un triunfo de una banda que con su segundo disco logró enmendar los errores de su debut con calidad y de forma radical.

10°

The Devil Put Dinosaurs Here” – Alice In Chains

THE DEVIL PUT DINOSAURS HERESegundo álbum del cuarteto de Seattle en la era post Staley. “The Devil Put Dinosaurs Here” vino a consolidar el regreso gestado hace cuatro años y una cierta fidelidad al sonido que cultivaron en sus mejores tiempos, con un Cantrell aún más protagónico en la musicalización de letras en las que también aportó DuVall y que juntos muy bien armonizan. La nueva identidad de la banda comienza a despojarse de la carga auto comparativa y se escuda en lo que es el mejor argumento de su perpetuidad: buenos discos. “Phantom Limb”, “Hollow”, “Voices”, entre otras, lo sostienen como un logrado sucesor de “Black Gives Way To Blue” y reimpulsan la nueva ruta de los iconos del grunge.

Hesitation Marks” – Nine Inch Nails

HESITATION MARKSEsperar cinco años fue casi una tortura. Y no es que Nine Inch Nails sea una banda que se caracterice por lanzar discos periódicamente. Lo que hizo particularmente difícil de sobrellevar la espera, fue el hecho de ver a Trent Reznor embarcarse en una serie de exitosos proyectos personales que hizo que más de uno pensara que NIN había quedado relegado a un segundo plano (ganar un Oscar puede tentar a cualquiera). Pero el deber llama, y Reznor debía hacerse presente este 2013 con un álbum que sirvió para exorcizar muchos de sus demonios personales, y que terminó siendo el trabajo más maduro de la banda en toda su historia. Preciso, intenso, y por qué no, alegre. La espera sin dudas valió la pena.

Trouble Will Find Me” – The National

TROUBLE WILL FIND MESi con “High Violet” (2010) los oriundos de Cincinnati, Ohio, eclipsaron a la crítica con su prolijidad orquestal y las problemáticas de unos hombres maduros y con responsabilidades, “Trouble Will Find Me” fue lanzado como el paso siguiente, del momento en que se pierde la estabilidad que intentamos construir con los años. Un trabajo tan oscuro como la voz de Matt Berninger, lleno de melancolía y desconsuelo. “Sea Of Love”, “Demons”, “Graceless” o “I Should Live In Salt” son el testimonio de la voracidad del tiempo y la vida real, donde los errores rara vez pueden enmendarse. The National edificó un disco ideal para los corazones rotos, esos que sólo encuentran la respuesta en perderlo todo.

The Next Day” – David Bowie

THE NEXT DAYEl hito musical del año fue el regreso de David Bowie, no por estar ausente tanto tiempo ni por la expectación generada, sino por lo relevante de Bowie para la historia de la música, y también por volver desde las cenizas, cuando nadie se lo esperaba, de golpe con un video (“Where Are We Now”) y sin hacer comerciales breves o copiarle a “Thriller”. De hecho, sacó siete videos oficiales en 2013, más que cualquier otro artista. Por ello es increíble cómo Bowie volvió cantando canciones de David Bowie, con la colaboración leal de su mano derecha, Tony Visconti, sacando un disco tan auténtico como fresco y que logra insertarse en un contexto donde Bowie es uno más, dejando claro que nunca será uno más.

Silence Yourself” – Savages

SILENCE YOURSELFPocas bandas hacen un manifiesto. Menos aún se componen sólo de mujeres. Y menos aún tratan de mantener a la música como un arte necesario de percibir en su totalidad para ser comprendido. Savages quiere que volvamos a escuchar discos como obras de arte con “Silence Yourself”, pero lo hace con once tracks llenos de angustia, urgencia y potencia, con diferentes matices y letras directas, podadas de lo innecesario y llenas de intención. Además, tiene una formación de lujo con Jehnny Beth y una gran performance vocal, y a Fay Hilton, Gemma Thompson y Ayse Hassan sacándole todo el partido a sus instrumentos con riffs demoledores (“She Will”) o generando sonidos reflexivos como el cierre con “Marshal Dear”.

Modern Vampires Of The City” – Vampire Weekend

VAMPIRE WEEKEND - MODERN VAMPIRES OF THE CITYPese a la etiqueta de “cuicos hipsters” que rodea a los neoyorkinos Vampire Weekend, su tercer disco los lleva por aún más caminos que los explorados en sus dos primeros álbumes, logrando el registro de una banda que se despega de la zona de confort para dar saltos de calidad, controlados pero llenos de intención, como en “Hannah Hunt” o “Ya Hey”, donde Rostam Batmanglij toma la batuta al mezclar instrumentos y melodías, en tanto que Ezra Koenig cuenta historias que oscilan entre la vida cotidiana, la espiritualidad y el amor. “Modern Vampires Of The City” deja a la agrupación con una de las discografías más incuestionables de los últimos años y acalla a cada vez más contrarios a su particular estilo.

13” – Black Sabbath

13“13” estuvo marcado por el regreso de la formación original –omitiendo a Bill Ward-, la cual parece haber retrocedido en el tiempo hasta plena década de los 70, cuando el cuartero británico se transformó en un verdadero pionero del heavy metal, para despacharse un disco que fácilmente se instala en lo más destacable que ha creado la banda a lo largo de su dilatada discografía. Si bien, el conjunto de canciones suena como un entrañable retorno a las raíces, no sólo la nostalgia es la que encumbra a este trabajo como uno de los mejores discos del año, sino que también el hecho de que “13” tiene un puñado de buenas canciones, partiendo por el excelente sencillo “God Is Dead?”, hasta la letárgica “Dear Father”, demuestran que la leyenda sigue más viva que nunca, y la espera de 18 años por nuevo material valió totalmente la pena. 

AM” – Arctic Monkeys

AMLos de Sheffield volverían con su quinto disco de estudio en septiembre, dejando a muchos sorprendidos por el brusco acelerador a su siempre potente música, y aunque a algunos les costó más digerir “AM” que a otros, el resultado fue un disco maduro, con la cada vez más notoria inspiración psicodélica, blues y R&B de Alex Turner, el gran mentor creativo de la banda, que jugó con tendencia a los sonidos lo-fi como en “No. 1 Party Anthem”, el juego de las guitarras afiladas de Jamie Cook y Turner en “R U Mine?”, o el clímax vocal en la grandiosa “Why’d You Only Call Me When You’re High?”. “AM” contó con variados invitados, como Josh Homme, y fue concebido como el más poli-instrumental de su catálogo.

One Of Us Is The Killer” – The Dillinger Escape Plan

ONE OF US IS THE KILLERBrutales, violentos y afilados, The Dillinger Escape Plan siempre ha sido catalogado como un nombre fundamental para entender los nuevos rumbos del rock más pesado, pero en su quinto disco, “One Of Us Is The Killer”, Greg Puciato y los suyos logran llegar un paso más allá, haciendo que su sonido característico logre cuotas de accesibilidad importantes, mezclando su metal con jazz y pop al más alto nivel, explotando durante 40 minutos casi sin respiro alguno. En su más fiel estilo, DEP experimenta a lo largo de todo el registro, desquiciado y desquiciante, y logra una coherencia que nunca antes alcanzó, logrando en piezas como “Paranoia Shields” o “When I Lost My Bet” una genuina brillantez.

…Like Clockwork” – Queens Of The Stone Age

LIKE CLOCKWORKEste año, Queens Of The Stone Age lanzó un trabajo genuino, que bordea la perfección, donde sin miedo se atrevió a utilizar cuanto fuera necesario para desarrollar sus composiciones, imposibles de encapsular en un estilo determinado, sin abandonar el sello característico de su sonido. Disculpando el término, Homme y compañía tuvieron los “cojones” suficientes para realizar una entrega con lo que (quizás) realmente sentían, sin pensar en lo que el receptor de esta obra –ustedes, nosotros- pudiera opinar del resultado. De hecho, esto lo dejó por lejos en el primer lugar de acuerdo a nuestro sistema de puntajes, con una diferencia abismal sobre los demás álbumes. En definitiva, “…Like Clockwork” gana por sinceridad, por pasión y, sobre todo, por la obra musical que lega. Una placa que tras cada escucha obsesiona más, y que ni por asomo agota al oyente.

Por Manuel Toledo-Campos, Pamela Cortés, Sebastián Zumelzu, Emilio Guerrero, Bastián García, Gustavo Inzunza, Felipe Ramírez, Julio Ortúzar, David Guzmán, Guillermo Ramírez y Claudio Tapia.

 

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Discos chilenos destacados 2020

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Discos chilenos destacados 2020
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Este pudo ser un año sin ningún lanzamiento y eso podría haber sido lo más justo del mundo. 2020 estuvo marcado por la crisis político-social en nuestro país, y luego por una crisis sanitaria-cultural a nivel mundial por la pandemia. La música en vivo se apagó casi por completo por la imposibilidad de tener masas de gente en conjunto en el mismo espacio, y con ello la principal fuente de ingresos de la industria musical también ha dejado a miles de trabajadores de la música en la cuerda floja. Pero en vez de silencio, son muchas voces las que se han alzado, en múltiples estilos y mensajes, y la música ha sonado fuerte, claro y ha servido para demostrar el valor de las artes y cultura en un contexto de adversidades e incertidumbres. Allí, las y los músicos chilenos han colaborado, dialogado y generado instancias para mantener la presión sobre las autoridades para que se hagan cargo de la crítica situación, pero también han brillado en materia de creación, generando una gran cantidad de material valioso, en diferentes géneros.

Muchos EPs han formado parte de los proyectos surgidos, incluso con la motivación de la pandemia. Quizás es ese aislamiento forzado el que también ha hecho que la mayoría de los proyectos que destacamos en este listado 2020 de HumoNegro sean, justamente, trabajos surgidos desde una labor solista (Alexander Quinteros, Chini.png, Rubio, Nico Carreño, Cevladé) y además con mucha sensibilidad reflexiva. En tanto, encontramos bandas que se consolidan (Alectrofobia, Adelaida, Niños del Cerro) y otras que sorprenden, pese a sus ya sólidas trayectorias (Cómo Asesinar A Felipes, Yajaira, Poema Arcanus).

La creación artística siempre es esperanza y brillo, y en medio de incertidumbres que nublan el rumbo, esperamos que estos discos que seleccionamos entreguen al menos parte del retrato de un año donde todo fue más difícil, pero donde, aun así, hubo luces y sonidos. Desde HumoNegro, un reconocimiento para las y los compositores e intérpretes que mantienen viva la música chilena. Aquí, en orden alfabético por banda, nuestra humilde selección de EPs y LPs destacados 2020.

Link a los streamings de cada álbum pinchando en las imágenes.


“Animita”

Adelaida

Tras el éxito de “Paraíso” (2017), Adelaida no se durmió en los laureles y comenzó el proceso de creación de su cuarto disco, uno que llegó este 2020 y trajo consigo nuevas texturas para la banda de Valparaíso. “Animita” es un trabajo enérgico y honesto, donde el trío compuesto por Jurel Sónico, Naty Lane y Lele Holzapfel sigue buscando su fórmula definitiva, jugándosela con varias sorpresas a las que no nos tenían acostumbrados, pero sin perder su esencia. El LP, que nació como una ofrenda a Émile Dubois, personaje emblemático de la cultura popular porteña, se posiciona como uno de los grandes registros del año. Tal como grita Naty Lane en “Kraken”: “¡Es un ruido necesario!”.


“Era Luz”

Alectrofobia

https://open.spotify.com/album/0d8R4U0j0ZemcWxkHL0Yb5

La escena del rock “a secas” parece estacionada en los clichés en todo el mundo, y por eso es interesante cuando una banda intentar refrescar el sonido y las ideas. Alectrofobia ha marcado los últimos años del rock chileno con su vocación por un sonido de calidad internacional, y desde ahí ha construido canciones que, sin estacionarse en una sola vereda sónica, transmiten potencia y mensaje. “Era Luz” es un álbum donde la calidad de grabación, mezcla y masterización se suman a la intención de cantar y contar sobre las crisis que ocurren en nuestro país. Desde el punk rock hasta el hard rock, pasando por americana o post grunge, Alectrofobia crea grandes canciones en un disco que consolida sus fortalezas.


“2020”

Alexander Quinteros

La cuarentena ha sido un espacio de aislamiento, pero también de contención y otro tipo de creatividad. Alexander Quinteros trabajó en confinamiento un disco lleno de ambientes y atmósferas dignas de retratar este año, al que coherentemente nombró “2020”. Tracks breves, pero completos en su composición, con arreglos precisos, a los que ni siquiera el truco innecesario del “audio 8D” les quita la capacidad de enfocar –mediante emociones y gradientes– el año más difícil para mucha gente. Quinteros se la juega por lo instrumental y conceptual, y en una temporada donde el tiempo parece líquido y las consignas gritadas parecen desvanecerse, “2020” dibuja un borroso pero fidedigno documento de la pandemia.


“Rfd2”

Cevladé

La censura tapa la boca, pero también genera reacciones. Cevladé se vio en la necesidad de responder a la censura a “Requiem For A Drink” (2012), motivada por la alta rotación de su tema “El Lamento del Pueblo” tras el estallido. Tras bajar el disco de las plataformas, el artista tomó desafío de contar de nuevo la historia de Mario De La Milnova y “La Orden RFD”. “Rfd2” es una especie de continuación y remasterización del disco censurado. Nuevos bríos, interpretaciones más crudas, una producción más clara, pero también más densa y oscura, caminan un trayecto aparentemente conocido con nuevos ojos, líricas y con la rabia renovada. Un rescate de la propia historia, convertida en declaración.


“CTRL+Z”

Chini.png

En el computador, el comando CTRL+Z se encarga de deshacer algo, de convertirlo en un paso en falso y olvidarlo. En un EP, Chini.png lo convierte en un código para presentarse como solista, y también para acompañar, reflexionar y hacer catarsis. Amores, países, movimientos sociales y mitologías se cruzan en cuatro canciones que, pese a derivar en un trabajo corto en duración, termina pegando duro en las sensaciones que libera. Chini Ayarza arma un vehículo de empatía y de identidad, más aún que en Chini & The Technicians, poniéndola al servicio de una atmósfera de esperanza y desilusión, profunda y terrible, adentrándose en sucesos e ideas a las cuales cualquiera querría aplicarle “CTRL+Z”.

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