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Marillion: Progresivos en toda regla

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Con diecisiete discos a su haber, y dueños de una carrera constante y remarcable, la banda inglesa de rock progresivo, Marillion, regresa a nuestro país a quince años de su última –y única- presentación en Chile, con dos fechas programadas para los días 18 y 19 de octubre, siendo la primera en el clásico Teatro Caupolicán, y la segunda en las dependencias del Casino Monticello, en dos jornadas que se anticipan como imperdibles para todos los fanáticos de los sonidos progresivos que, en las manos de Marillion, no han dejado de reivindicarse.

La historia de Marillion se divide en dos marcadas eras. Desde los años 1979 hasta 1988, conocemos la “Era Fish”, llamada de esta manera por el nombre artístico del vocalista Derek William Dick, cuya estampa marcó la primera etapa de Marillion en los cuatro exitosos discos que grabó con la banda, que era completada por Steve Rothery (guitarrista), Mick Pointer (batería), Diz Minnett (bajo) y Brian Jelliman (teclado).

El debut de los británicos llegó con “Script For A Jester’s Tear” (1983), placa que reunió las influencias de bandas como Rush, Pink Floyd y el Genesis de Peter Gabriel, mezclando progresismo con oscuridad, en un disco que Fish definió como el principio de una trilogía de álbumes “pensados a un lado de la cama”, tratando de definir al público el lugar del que proviene la inspiración y el sentimiento que los condujo durante su concepción. “Market Square Heroes” fue el primer single, y aunque no estuvo incluido en el álbum, puso a Marillion en el mapa. La fama del grupo se acrecentó con la llegada de “Fugazi” (1984), que tuvo numerosos problemas durante su grabación, causados principalmente por la salida de Mick Pointer, obligando a probar sobre la marcha con una serie de bateristas para remplazarlo. Finalmente, Ian Mosley fue el elegido para tomar las baquetas y terminar un disco que puso gran énfasis en la exploración de sonidos electrónicos.

Con dos exitosos lanzamientos bajo el brazo, Marillion lanza su primer LP en vivo llamado “Real To Reel” (1984), el cual contenía material de sus dos primeros discos. Habiendo logrado buenos resultados comerciales, EMI entregó absoluta libertad para el siguiente larga duración de los británicos, quienes se despacharon el disco más exitoso de su carrera, “Misplaced Childhood” (1985), que alcanzó el número uno en los rankings del Reino Unido con singles como “Kayleigh” y “Lavender”. Este fue el primer álbum conceptual de Marillion, dividido en dos segmentos que hablan sobre el amor, la infancia y vivencias personales que fluyeron en un viaje de ácido que duró diez horas, según declaraciones del propio Fish.

“Clutching At Straws” (1987) continuó con el éxito de su predecesor y trajo consigo el fin de la “Era Fish”. El cantante, quien reconoció que ese era su mejor trabajo con la banda, tenía grandes diferencias con el manager del grupo, sobre todo en el ámbito de la repartición de ganancias, diferencias irreconciliables que llevaron al vocalista a dejar la banda y dedicarse a su carrera solista. De esta manera terminaba la primera etapa de Marillion, llevándolos a un receso, mientras “Clutching At Straws” era elegido como mejor disco del año por la revista Kerrang!

El quiebre desequilibró a los músicos, pero el show debía continuar y Steve Hogarth, tecladista y vocalista de The Europeans, apareció para llenar el vació que dejó Fish. El inglés venía desde la escena del new wave y jamás había tenido en su poder un disco de Marillion, sin embargo, llegó a la agrupación para escribir nuevas letras sobre el material que dejó Fish con la asistencia de John Helmer, amigo y colaborador de la banda, para dar forma al quinto disco del grupo: “Seasons End” (1989). La “Era Hogarth” había comenzado.

Hogarth intervino con mayor autoridad en el siguiente disco, “Holidays In Eden” (1991), donde incluso contribuyó con un tema propio, “Cover My Eyes (Pain And Heaven)”, composición perteneciente a How We Live, banda en la que militó Hogarth en el pasado y que se convirtió en el single de este nuevo disco, que apostó por una veta más pop, tendencia que se contrapuso a la oscuridad y complejidad de “Brave” (1994), el último disco en ubicarse en el top de los rankings, y que mantuvo los elogios de la crítica. Dave Meegan se encargó de la producción de “Brave”, comenzando una larga relación con el grupo y marcando el fin de su relación con EMI, quienes hicieron una pobre distribución del material, actitud que se repitió en “Afraid Of Sunlight” (1995), terminando por convencer al quinteto de que ya era hora de cambiar de casa discográfica.

Bajo el amparo de Castle Records, fue lanzado “This Strange Engine” (1997), cuyo tour de promoción por los Estados Unidos peligraba, debido a la falta de recursos para viajar al continente americano. La gira a suelo estadounidense fue rescatada por los mismos fanáticos, quienes hicieron una colecta para traer a la banda a sus tierras, en una muestra de cariño incondicional que se ha acrecentado gracias a los miles de seguidores alrededor del globo. Marillion no se daba descansos y siguió lanzando discos como “Radiation” (1998) y “Marillion.com” (1999), ambos álbumes con críticas disímiles, pero que mantenían al quinteto con vida.

Aburridos del poco compromiso de las disqueras, el grupo realizó una jugada arriesgada pidiendo a sus fanáticos que financiarán sus siguiente LP, reservándolo incluso antes de que comenzaran a grabarlo. El resultado fue apabullante, llegando a congregar más de 12.000 reservaciones, dinero que sirvió para dar vida a “Anoraknophobia” (2001). Marillion repitió la movida y para “Marbles” (2004) consiguieron 18.000 reservaciones. Como registro del proceso de grabación del disco, la banda lanza el DVD “Colours And Sound” (2006).

El éxito en los rankings regresaba después de diez años con el lanzamiento de “Somewhere Else” (2007), placa que se posicionó en el puesto número 30 en el Reino Unido, con un sonido que muchos quisieron comparar con el trabajo de bandas como Coldplay o Radiohead. “Happiness Is the Road” (2008) marcó otro hito, cuando la banda decidió distribuirlo mediante programas P2P, declarando que no apoyan la piratería, pero asumiendo que la distribución en línea es el futuro y querían ser parte de él.

“Less Is More” (2009) fue lanzado como un disco de reversiones de canciones clásicas de todo el catálogo de Marillion en formato acústico, sumando un nuevo tema, “It’s Not Your Fault”. El disco más reciente del quinteto fue lanzado a mitad del pasado mes de septiembre y se titula “Sounds That Can’t Be Made”, donde destacan canciones como “Gaza”, que habla sobre el estado de guerra en el que viven los niños de Paelstina.

Una trayectoria longeva y llena de hitos es el gran bagaje de Marillion, una banda que no sólo demuestra progresión en su música, sino que también en su forma de pensar y evolucionar.

Por Sebastián Zumelzu

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Diego

    05-May-2014 en 12:34 pm

    Yo quiero saber porque Marillion perdió bastante popularidad durante los `90, si en los ´80 fue una de las bandas más famosas a nivel mundial, fue porque rompieron su contrato con EMI? acaso es la única casa discográfica importante? o la caída de la masividad vino con la salida de Fish? quiero saberlo porque no entiendo como no pudo alcanzar el status mítico de otras bandas también legendarias y conocidas por todos. Otra cosa que quiero saber es por qué los fans de Marillion financiaron cuatro de sus discos? es algo que me deja impactado y que no vi en ninguna otra banda. Repito, esto es porque rompieron su relación con EMI o porque no pudieron asociarse con alguna otra discográfica famosa? Gracias y la verdad que es una pena que una de las mejores bandas de la historia no tenga el reconocimiento de público que merece, porque su música es gigantesca, sublime y maravillosa.

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Especial Lollapalooza Chile 2018: LCD Soundsystem

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LCD Soundsystem

Es imposible hablar del resurgimiento del dance punk sin mencionar a LCD Soundsystem, ese estilo que no daba necesariamente ganas de romperlo todo y a todos, sino que de ir con el ritmo y simplemente bailar o moverse como uno quisiera. Usando la misma lógica compositiva, pero con elementos actualizados, el proyecto de James Murphy supo darle nuevos bríos a la escena neoyorkina, que brillaba por el también resurgimiento del garage rock, y recordarles que en un momento de la historia de la ciudad existía Suicide, una banda que en los setenta se quedó únicamente con vocalista y programador de beats, y con sólo eso dejó un disco seminal. También hizo notar que en varios lugares del mundo existía el house y que no todo era guitarras en la música, y que no estaba mal poner las mismas sobre un beat y que la gente lo baile.

Como LCD Soundsystem no tenía una plataforma de difusión que los apoyara, crearon la suya propia: DFA Records, de la que han salido artistas como The Rapture, Holy Ghost!, Hercules And Love Affaire o los propios LCD Soundsystem, quienes publicaron un seguidilla de singles (“Losing My Edge”, “Give It Up”, “Yeah”, entre otros), hasta que en 2005 editaron su primer álbum homónimo y la aceptación fue inmediata, siendo nominados a los Grammy de ese año y recibieron críticas mayormente positivas. Su segundo álbum, “Sound Of Silver” (2007), siguió pavimentando el camino con singles como “Nort American Scum” o “All Your Friends”, que incluso tuvo su propio lanzamiento, en el que figuraron versiones del mítico John Cale o los escoceses Franz Ferdinand, allanando así su prestigio en la escena.

“This Is Happening” (2010) marcó un nuevo hito en la carrera de la banda, siendo universalmente aclamado, aunque fue en menor medida opacado por su previa filtración, por la que incluso Murphy se puso de rodillas frente al público en uno de sus shows pidiéndole a su audiencia que no compartiera la filtración. Con todo, la filtración se hizo igual, aunque no impidió que el álbum recibiera críticas ampliamente buenas. Poco después de eso, Murphy inusitadamente anunciaba la disolución de la banda y un concierto final en el Madison Square Garden, donde tuvieron de invitados a Arcade Fire y Reggie Watts, todo esto y la previa de este fue registrado en el documental “Shut Up And Play The Hits” (Dylan Southern, 2012).

Como el hype vende y Murphy sabía que había sembrado críticas altamente positivas con los tres discos que LCD Soundsystem había editado hasta entonces, la tensión y el misterio rondaron el supuesto término de la banda, ya que –por lo que ahora sabemos– sólo fue un hiato, y en la Navidad de 2015 la banda publicó su primer single en 5 años, “Christmas Will Break Your Heart”, el cual sólo aumentó la duda, que finalmente se resolvió con el anuncio de una reunión en 2016.

Se pasearon por festivales y shows masivos, hasta que decidieron parar para grabar lo que sería su álbum de regreso, “American Dream” (2017), el que los trae nuevamente a Chile luego de su show en el Teatro Caupolicán en 2011, para esta vez recalar y protagonizar la versión 2018 del festival Lollapalooza Chile. LCD Soundsystem tiene y tendrá por siempre el cartel de haber revivido el movimiento del punk bailable, ese que Gang Of Four o The Pop Group practicaron, y que hoy regresa a nuestro país en calidad de artista destacado.

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