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Marillion: Progresivos en toda regla

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Con diecisiete discos a su haber, y dueños de una carrera constante y remarcable, la banda inglesa de rock progresivo, Marillion, regresa a nuestro país a quince años de su última –y única- presentación en Chile, con dos fechas programadas para los días 18 y 19 de octubre, siendo la primera en el clásico Teatro Caupolicán, y la segunda en las dependencias del Casino Monticello, en dos jornadas que se anticipan como imperdibles para todos los fanáticos de los sonidos progresivos que, en las manos de Marillion, no han dejado de reivindicarse.

La historia de Marillion se divide en dos marcadas eras. Desde los años 1979 hasta 1988, conocemos la “Era Fish”, llamada de esta manera por el nombre artístico del vocalista Derek William Dick, cuya estampa marcó la primera etapa de Marillion en los cuatro exitosos discos que grabó con la banda, que era completada por Steve Rothery (guitarrista), Mick Pointer (batería), Diz Minnett (bajo) y Brian Jelliman (teclado).

El debut de los británicos llegó con “Script For A Jester’s Tear” (1983), placa que reunió las influencias de bandas como Rush, Pink Floyd y el Genesis de Peter Gabriel, mezclando progresismo con oscuridad, en un disco que Fish definió como el principio de una trilogía de álbumes “pensados a un lado de la cama”, tratando de definir al público el lugar del que proviene la inspiración y el sentimiento que los condujo durante su concepción. “Market Square Heroes” fue el primer single, y aunque no estuvo incluido en el álbum, puso a Marillion en el mapa. La fama del grupo se acrecentó con la llegada de “Fugazi” (1984), que tuvo numerosos problemas durante su grabación, causados principalmente por la salida de Mick Pointer, obligando a probar sobre la marcha con una serie de bateristas para remplazarlo. Finalmente, Ian Mosley fue el elegido para tomar las baquetas y terminar un disco que puso gran énfasis en la exploración de sonidos electrónicos.

Con dos exitosos lanzamientos bajo el brazo, Marillion lanza su primer LP en vivo llamado “Real To Reel” (1984), el cual contenía material de sus dos primeros discos. Habiendo logrado buenos resultados comerciales, EMI entregó absoluta libertad para el siguiente larga duración de los británicos, quienes se despacharon el disco más exitoso de su carrera, “Misplaced Childhood” (1985), que alcanzó el número uno en los rankings del Reino Unido con singles como “Kayleigh” y “Lavender”. Este fue el primer álbum conceptual de Marillion, dividido en dos segmentos que hablan sobre el amor, la infancia y vivencias personales que fluyeron en un viaje de ácido que duró diez horas, según declaraciones del propio Fish.

“Clutching At Straws” (1987) continuó con el éxito de su predecesor y trajo consigo el fin de la “Era Fish”. El cantante, quien reconoció que ese era su mejor trabajo con la banda, tenía grandes diferencias con el manager del grupo, sobre todo en el ámbito de la repartición de ganancias, diferencias irreconciliables que llevaron al vocalista a dejar la banda y dedicarse a su carrera solista. De esta manera terminaba la primera etapa de Marillion, llevándolos a un receso, mientras “Clutching At Straws” era elegido como mejor disco del año por la revista Kerrang!

El quiebre desequilibró a los músicos, pero el show debía continuar y Steve Hogarth, tecladista y vocalista de The Europeans, apareció para llenar el vació que dejó Fish. El inglés venía desde la escena del new wave y jamás había tenido en su poder un disco de Marillion, sin embargo, llegó a la agrupación para escribir nuevas letras sobre el material que dejó Fish con la asistencia de John Helmer, amigo y colaborador de la banda, para dar forma al quinto disco del grupo: “Seasons End” (1989). La “Era Hogarth” había comenzado.

Hogarth intervino con mayor autoridad en el siguiente disco, “Holidays In Eden” (1991), donde incluso contribuyó con un tema propio, “Cover My Eyes (Pain And Heaven)”, composición perteneciente a How We Live, banda en la que militó Hogarth en el pasado y que se convirtió en el single de este nuevo disco, que apostó por una veta más pop, tendencia que se contrapuso a la oscuridad y complejidad de “Brave” (1994), el último disco en ubicarse en el top de los rankings, y que mantuvo los elogios de la crítica. Dave Meegan se encargó de la producción de “Brave”, comenzando una larga relación con el grupo y marcando el fin de su relación con EMI, quienes hicieron una pobre distribución del material, actitud que se repitió en “Afraid Of Sunlight” (1995), terminando por convencer al quinteto de que ya era hora de cambiar de casa discográfica.

Bajo el amparo de Castle Records, fue lanzado “This Strange Engine” (1997), cuyo tour de promoción por los Estados Unidos peligraba, debido a la falta de recursos para viajar al continente americano. La gira a suelo estadounidense fue rescatada por los mismos fanáticos, quienes hicieron una colecta para traer a la banda a sus tierras, en una muestra de cariño incondicional que se ha acrecentado gracias a los miles de seguidores alrededor del globo. Marillion no se daba descansos y siguió lanzando discos como “Radiation” (1998) y “Marillion.com” (1999), ambos álbumes con críticas disímiles, pero que mantenían al quinteto con vida.

Aburridos del poco compromiso de las disqueras, el grupo realizó una jugada arriesgada pidiendo a sus fanáticos que financiarán sus siguiente LP, reservándolo incluso antes de que comenzaran a grabarlo. El resultado fue apabullante, llegando a congregar más de 12.000 reservaciones, dinero que sirvió para dar vida a “Anoraknophobia” (2001). Marillion repitió la movida y para “Marbles” (2004) consiguieron 18.000 reservaciones. Como registro del proceso de grabación del disco, la banda lanza el DVD “Colours And Sound” (2006).

El éxito en los rankings regresaba después de diez años con el lanzamiento de “Somewhere Else” (2007), placa que se posicionó en el puesto número 30 en el Reino Unido, con un sonido que muchos quisieron comparar con el trabajo de bandas como Coldplay o Radiohead. “Happiness Is the Road” (2008) marcó otro hito, cuando la banda decidió distribuirlo mediante programas P2P, declarando que no apoyan la piratería, pero asumiendo que la distribución en línea es el futuro y querían ser parte de él.

“Less Is More” (2009) fue lanzado como un disco de reversiones de canciones clásicas de todo el catálogo de Marillion en formato acústico, sumando un nuevo tema, “It’s Not Your Fault”. El disco más reciente del quinteto fue lanzado a mitad del pasado mes de septiembre y se titula “Sounds That Can’t Be Made”, donde destacan canciones como “Gaza”, que habla sobre el estado de guerra en el que viven los niños de Paelstina.

Una trayectoria longeva y llena de hitos es el gran bagaje de Marillion, una banda que no sólo demuestra progresión en su música, sino que también en su forma de pensar y evolucionar.

Por Sebastián Zumelzu

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Diego

    05-May-2014 en 12:34 pm

    Yo quiero saber porque Marillion perdió bastante popularidad durante los `90, si en los ´80 fue una de las bandas más famosas a nivel mundial, fue porque rompieron su contrato con EMI? acaso es la única casa discográfica importante? o la caída de la masividad vino con la salida de Fish? quiero saberlo porque no entiendo como no pudo alcanzar el status mítico de otras bandas también legendarias y conocidas por todos. Otra cosa que quiero saber es por qué los fans de Marillion financiaron cuatro de sus discos? es algo que me deja impactado y que no vi en ninguna otra banda. Repito, esto es porque rompieron su relación con EMI o porque no pudieron asociarse con alguna otra discográfica famosa? Gracias y la verdad que es una pena que una de las mejores bandas de la historia no tenga el reconocimiento de público que merece, porque su música es gigantesca, sublime y maravillosa.

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Mogwai, Future Islands y Sun Kil Moon, las tres fuerzas del otoño

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Fauna Otoño 2018

Al ver el cartel del festival que se realizará en Espacio Riesco este 12 de mayo, queda claro que varios mundos podrán convivir en el mismo espacio de Fauna Otoño, algo importante en tiempos donde la tolerancia y el respeto son claves para la convivencia, también considerando que la disposición de escenarios permite escuchar la gran mayoría de las propuestas. Es en este ánimo que destacan tres propuestas difíciles de clasificar, pero al mismo tiempo que son sencillas de identificar, las que intentaremos disponer desde las sensaciones más allá de tecnicismos.

 

Mogwai: Calma en el caos

Cada vez que una canción de Mogwai explota, la sensación que queda es de una extraña calma. Como si el cosmos aplicará un mecanismo de relajación ante un trauma, o como si hubiera hipnosis en el momento exacto del apocalipsis. Lo que hacen los escoceses va más allá de lo que técnicamente consiguen, porque construir crescendos que redunden en una catarsis bella es algo que pueden hacer muchos, pero lo de Mogwai va más allá, a veces dejando a la deriva al oyente en una meseta polar para luego, desde esa incertidumbre, llegar con un sonido más grande que la vida.

Aunque la banda hace rato que no saca un disco que caiga en gracia a todo el espectro de sus fans, lo que ha hecho en los últimos años, más que inventar una rueda nueva, ha sido refrescar la forma en la que ruedan. Eso hace que, en vez de escuchar algo que parezca igual a lo anterior, se permita ver en la performance misma las ganas de crear de los escoceses, quienes también destacan como creadores de soundtracks para películas y series. Si Mogwai es capaz de crear un mundo para sí mismos, en estos casos también son hábiles para arropar mundos ajenos en la música. Al final, lo que es evidente es cómo pueden manejar los ánimos, los espacios y los tiempos, fundamental para un espectáculo que relaja y tensa a la vez, como los latidos del corazón.

Future Islands: Baila por tu vida

La sofisticada propuesta del trío norteamericano Future Islands no alcanza a esconder las ansias de conseguir algo fundamental para la vida: el movimiento. Todas las armonías, las melodías, las figuras de bajo, todo eso redunda en la provocación fundamental de mover el cuerpo, las ideas, las emociones, a través de una dirección muy particular por la voz de Samuel T. Herring, uno de los frontman más impredecibles y entregados en un escenario. Cuando vemos la forma en la que Samuel vive un concierto, queda claro que lo de Future Islands no es casual, y que él siente esa música tanto o más que los fans.

Pero la banda no es sólo lo que consigue Samuel, porque la dinámica entre sintetizadores y bajo es parte de lo que hace a la agrupación sobresalir. Gerrit Welmers y William Cashion dialogan a través de compases que se tejen de tal forma, que no se puede ignorar lo que hit tras hit consigue Future Islands. Al final, el imperativo es bailar y sorprenderse con la extravagancia de Herring, y es difícil que eso no pase donde sea que se presenten.

Sun Kil Moon: aislar y provocar

No necesariamente a todos les puede gustar todo el mundo. Bien lo sabe y entiende Mark Kozelek, quien, más que preocuparse de agradar, ha intentado contar historias y hacerse valer en el escenario. Legendaria es aquella ocasión donde puteó a The War On Drugs por sonar muy fuerte, lo que molestaba su espectáculo con una sola guitarra. Kozelek en el proyecto Sun Kil Moon narra y expresa emoción a un grado descriptivo enorme, basado en letras casi declamadas, que no escatiman tiempo ni esfuerzo en llegar a lo medular de las historias y mucho más.

Pero Kozelek también es parlanchín debajo del escenario, y no es extraño verlo como Morrissey, lanzando opiniones poco populares, difíciles de defender y que, en vez de acercar gente a su música, la alejan. Esto redunda en que Sun Kil Moon tal vez no es un nombre tan conocido porque Mark no está interesado en algo tan masivo, pero sí en la cantidad de respeto necesario para que sus creaciones sean respetadas y realmente escuchadas. Es probable que en vivo quede claro que tantos dimes y diretes sirven para, finalmente, encontrar la música en medio del camino.

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