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Marillion: Progresivos en toda regla

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Con diecisiete discos a su haber, y dueños de una carrera constante y remarcable, la banda inglesa de rock progresivo, Marillion, regresa a nuestro país a quince años de su última –y única- presentación en Chile, con dos fechas programadas para los días 18 y 19 de octubre, siendo la primera en el clásico Teatro Caupolicán, y la segunda en las dependencias del Casino Monticello, en dos jornadas que se anticipan como imperdibles para todos los fanáticos de los sonidos progresivos que, en las manos de Marillion, no han dejado de reivindicarse.

La historia de Marillion se divide en dos marcadas eras. Desde los años 1979 hasta 1988, conocemos la “Era Fish”, llamada de esta manera por el nombre artístico del vocalista Derek William Dick, cuya estampa marcó la primera etapa de Marillion en los cuatro exitosos discos que grabó con la banda, que era completada por Steve Rothery (guitarrista), Mick Pointer (batería), Diz Minnett (bajo) y Brian Jelliman (teclado).

El debut de los británicos llegó con “Script For A Jester’s Tear” (1983), placa que reunió las influencias de bandas como Rush, Pink Floyd y el Genesis de Peter Gabriel, mezclando progresismo con oscuridad, en un disco que Fish definió como el principio de una trilogía de álbumes “pensados a un lado de la cama”, tratando de definir al público el lugar del que proviene la inspiración y el sentimiento que los condujo durante su concepción. “Market Square Heroes” fue el primer single, y aunque no estuvo incluido en el álbum, puso a Marillion en el mapa. La fama del grupo se acrecentó con la llegada de “Fugazi” (1984), que tuvo numerosos problemas durante su grabación, causados principalmente por la salida de Mick Pointer, obligando a probar sobre la marcha con una serie de bateristas para remplazarlo. Finalmente, Ian Mosley fue el elegido para tomar las baquetas y terminar un disco que puso gran énfasis en la exploración de sonidos electrónicos.

Con dos exitosos lanzamientos bajo el brazo, Marillion lanza su primer LP en vivo llamado “Real To Reel” (1984), el cual contenía material de sus dos primeros discos. Habiendo logrado buenos resultados comerciales, EMI entregó absoluta libertad para el siguiente larga duración de los británicos, quienes se despacharon el disco más exitoso de su carrera, “Misplaced Childhood” (1985), que alcanzó el número uno en los rankings del Reino Unido con singles como “Kayleigh” y “Lavender”. Este fue el primer álbum conceptual de Marillion, dividido en dos segmentos que hablan sobre el amor, la infancia y vivencias personales que fluyeron en un viaje de ácido que duró diez horas, según declaraciones del propio Fish.

“Clutching At Straws” (1987) continuó con el éxito de su predecesor y trajo consigo el fin de la “Era Fish”. El cantante, quien reconoció que ese era su mejor trabajo con la banda, tenía grandes diferencias con el manager del grupo, sobre todo en el ámbito de la repartición de ganancias, diferencias irreconciliables que llevaron al vocalista a dejar la banda y dedicarse a su carrera solista. De esta manera terminaba la primera etapa de Marillion, llevándolos a un receso, mientras “Clutching At Straws” era elegido como mejor disco del año por la revista Kerrang!

El quiebre desequilibró a los músicos, pero el show debía continuar y Steve Hogarth, tecladista y vocalista de The Europeans, apareció para llenar el vació que dejó Fish. El inglés venía desde la escena del new wave y jamás había tenido en su poder un disco de Marillion, sin embargo, llegó a la agrupación para escribir nuevas letras sobre el material que dejó Fish con la asistencia de John Helmer, amigo y colaborador de la banda, para dar forma al quinto disco del grupo: “Seasons End” (1989). La “Era Hogarth” había comenzado.

Hogarth intervino con mayor autoridad en el siguiente disco, “Holidays In Eden” (1991), donde incluso contribuyó con un tema propio, “Cover My Eyes (Pain And Heaven)”, composición perteneciente a How We Live, banda en la que militó Hogarth en el pasado y que se convirtió en el single de este nuevo disco, que apostó por una veta más pop, tendencia que se contrapuso a la oscuridad y complejidad de “Brave” (1994), el último disco en ubicarse en el top de los rankings, y que mantuvo los elogios de la crítica. Dave Meegan se encargó de la producción de “Brave”, comenzando una larga relación con el grupo y marcando el fin de su relación con EMI, quienes hicieron una pobre distribución del material, actitud que se repitió en “Afraid Of Sunlight” (1995), terminando por convencer al quinteto de que ya era hora de cambiar de casa discográfica.

Bajo el amparo de Castle Records, fue lanzado “This Strange Engine” (1997), cuyo tour de promoción por los Estados Unidos peligraba, debido a la falta de recursos para viajar al continente americano. La gira a suelo estadounidense fue rescatada por los mismos fanáticos, quienes hicieron una colecta para traer a la banda a sus tierras, en una muestra de cariño incondicional que se ha acrecentado gracias a los miles de seguidores alrededor del globo. Marillion no se daba descansos y siguió lanzando discos como “Radiation” (1998) y “Marillion.com” (1999), ambos álbumes con críticas disímiles, pero que mantenían al quinteto con vida.

Aburridos del poco compromiso de las disqueras, el grupo realizó una jugada arriesgada pidiendo a sus fanáticos que financiarán sus siguiente LP, reservándolo incluso antes de que comenzaran a grabarlo. El resultado fue apabullante, llegando a congregar más de 12.000 reservaciones, dinero que sirvió para dar vida a “Anoraknophobia” (2001). Marillion repitió la movida y para “Marbles” (2004) consiguieron 18.000 reservaciones. Como registro del proceso de grabación del disco, la banda lanza el DVD “Colours And Sound” (2006).

El éxito en los rankings regresaba después de diez años con el lanzamiento de “Somewhere Else” (2007), placa que se posicionó en el puesto número 30 en el Reino Unido, con un sonido que muchos quisieron comparar con el trabajo de bandas como Coldplay o Radiohead. “Happiness Is the Road” (2008) marcó otro hito, cuando la banda decidió distribuirlo mediante programas P2P, declarando que no apoyan la piratería, pero asumiendo que la distribución en línea es el futuro y querían ser parte de él.

“Less Is More” (2009) fue lanzado como un disco de reversiones de canciones clásicas de todo el catálogo de Marillion en formato acústico, sumando un nuevo tema, “It’s Not Your Fault”. El disco más reciente del quinteto fue lanzado a mitad del pasado mes de septiembre y se titula “Sounds That Can’t Be Made”, donde destacan canciones como “Gaza”, que habla sobre el estado de guerra en el que viven los niños de Paelstina.

Una trayectoria longeva y llena de hitos es el gran bagaje de Marillion, una banda que no sólo demuestra progresión en su música, sino que también en su forma de pensar y evolucionar.

Por Sebastián Zumelzu

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Diego

    05-May-2014 en 12:34 pm

    Yo quiero saber porque Marillion perdió bastante popularidad durante los `90, si en los ´80 fue una de las bandas más famosas a nivel mundial, fue porque rompieron su contrato con EMI? acaso es la única casa discográfica importante? o la caída de la masividad vino con la salida de Fish? quiero saberlo porque no entiendo como no pudo alcanzar el status mítico de otras bandas también legendarias y conocidas por todos. Otra cosa que quiero saber es por qué los fans de Marillion financiaron cuatro de sus discos? es algo que me deja impactado y que no vi en ninguna otra banda. Repito, esto es porque rompieron su relación con EMI o porque no pudieron asociarse con alguna otra discográfica famosa? Gracias y la verdad que es una pena que una de las mejores bandas de la historia no tenga el reconocimiento de público que merece, porque su música es gigantesca, sublime y maravillosa.

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Especial En Órbita 2017: Parquet Courts

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Parquet Courts

El deseo de rebelión y las ganas de expresar lo que uno siente internamente, siempre serán motivos más que suficientes para desenvolverse en la música de carácter independiente. Bandas de la cultura DIY (Do It Yourself) realizan este ejercicio desde hace muchos años, manifestando todo su pensamiento frente al contexto político, social o cultural que se han encontrado en un determinado momento. Así, en la actualidad, vemos cómo Parquet Courts optó por transitar esa vereda, gestándose en el seno callejero y caótico de Brooklyn, escenario perfecto para que el cuarteto conformado por A. Savage, Austin Brown, Sean Yeaton y Max Savage lograra expulsar todo su estado interior.

Formados en 2010, Parquet Courts cuenta a la fecha con cinco trabajos de estudio, entre los cuales se han deslizado por estilos que van desde el indie rock hasta el post-punk, garage e incluso el rock experimental. Con “Human Performance” (2016) como su último álbum (si no contamos a “MILANO”, su placa colaborativa con Daniele Luppi lanzada este año), el cuarteto se aventura en explorar toda la cultura de violencia propia de Estados Unidos, abarcándola en canciones como “Two Dead Cops” o “One Man No City”, que reflejan el sentido más marginal y arriesgado de una sociedad que constantemente tiene algo que decir contra sus autoridades. Bajo aquel contexto agitado, el interés por inspeccionar a una sociedad en aparente decadencia va creciendo desde una perspectiva personal y exhausta, temática que se tornó un poco más recurrente de manera progresiva a partir de “Light Up Gold” (2012), su segunda placa discográfica.

Pese a estar siendo constantemente aclamados por la crítica de manera general, es cosa de poner algo de atención en la manera que su música es entregada. Parquet Courts no busca sorprender, ni poner excesiva atención en detalles pretenciosos o minúsculos, sus composiciones son directas, certeras y bien seguras del mensaje que quieren entregar, razón por la que quizás la banda se moleste, debido a las comparaciones que regularmente se le hacen con héroes anónimos del rock alternativo de los noventa como Sebadoh o Guided By Voices. Muy por el contrario, Savage y compañía no buscan ser reconocidos como la reencarnación o sucesión de algo, sino más bien como el surgimiento de un movimiento bajo sus propios términos, fuera de las etiquetas y tediosas comparaciones que son tan recurrentes en la actualidad.

“El rock está cambiando y la gente no puede ver cómo avanza porque están esperando que aparezca el próximo Fugazi”, relataba Andrew Savage en una ocasión, algo que probablemente haga referencia a cómo la gente prefiere estar pendiente de manera casi desesperada de la aparición de una nueva banda que venga y lo cambie todo. El único problema de eso es que se ignora lo que de verdad está pasando, privilegiando la manufacturación casi publicitaria en vez de la expresión verdadera y las revoluciones desde una vereda autosustentable.

Tal como poco a poco el mundo comienza a notarlo, Santiago también tendrá la oportunidad de hacerlo cuando el cuarteto traiga toda su potencia y furia al festival En Órbita 2017, donde seremos testigos presenciales de ese torbellino llamado Parquet Courts, uno que promete hacer notar su presencia, desestabilizando toda concepción de lo mal llamado “independiente” en estos días.

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