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Los mil y un pasos antes de Garbage

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Poca gente se lo imagina, pero si hay una banda que prácticamente ha estado más tiempo separada que junta y que jamás ha hablado de quiebres o separaciones, esa es Garbage. Pero eso es parte de la hiperkinética historia de sus miembros, nunca con un solo proyecto en mente. Cuarteto icono del rock alternativo de mediados de los noventas y una de las pocas bandas norteamericanas que se sobrepuso a la hegemonía del grunge, de hecho, nunca estuvo pensado como una banda en sí, sino que fue el proyecto de estudio de un grupo de productores exitosos, pero las cosas cambiaron…

La voz de la basura

Se fecha en 1994 el inicio de la historia de Garbage, en Madison, ciudad del Estado de Wisconsin, donde Butch Vig, Steve Marker y Duke Erikson, tridente de productores musicales muy reconocidos, se juntaron con la escocesa Shirley Manson tras convocarla a participar de un proyecto “de estudio”. Manson llegó a los ojos y oídos de Vig, Erikson y Marker, porque este último quedó deslumbrado con una performance que vio de ella en la pantalla de MTV. “Suffocate Me” era el primer single de Angelfish, grupo donde Manson era la vocalista y cuyo video se exhibió en 1994 por MTV en Norteamérica.

Manson no era una recién llegada. Antes había estado en Goodbye Mr. Mackenzie –también conocidos como The Mackenzies-, un grupo que se formó en 1981, pero cuyo éxito recién llegó cuando Big John Duncan se separó de The Exploited y se unió a esta agrupación. En Goodbye Mr. Mackenzie, Shirley tocaba el teclado y además hacía las segundas voces, algo que ahora nadie creería, pero que efectivamente era así, con un perfil bajo en un conjunto que, pese a la falta de éxitos, nunca abandonó la vocación de lograr el estrellato.

Pero el conjunto tuvo problemas con su sello y Duncan no hizo nada mejor que armar un grupo nuevo, y con Shirley al frente. Lo que no se imaginaba era que les encantaría a Vig y los suyos, y la levantarían desde el otro lado del Atlántico para formar parte de su “loca” idea.

Los productores que querían ser músicos

El trío Vig-Erikson-Marker no sólo eran grandes amigos de la vida, sino que los tres tenían un bagaje musical más allá del promedio, porque antes de ser productores fueron músicos. Pero en los noventa era su faceta tras las perillas la que floreció.

Antes, en 1974 Duke Erikson formó Spooner, grupo que partió sin baterista, pero que al final de la década llamó a Butch Vig a formar parte. Lanzaron EPs y LPs a inicios de los 80’s con relativo éxito. Mientras, Vig y Steve Marker armaron un estudio de grabación, Smart Studios, donde iban a desarrollar sus discos las bandas de la escena under del Medio Oeste estadounidense. También ellos mismos armaron una banda, First Person, que no lanzó ningún disco, pero que dio paso a Fire Town que sí lo hizo.

Vig se hizo una reputación como un productor que era capaz de rearmar registros muy ruidosos y lograr que grupos muy noise, como Tad, develaran sus melodías. Tanto así, que The Smashing Pumpkins y los mismísimos Nirvana quisieron trabajar con él. De hecho, Butch Vig es el productor de “Nevermind”, uno de los álbumes más icónicos de todos los tiempos. Pero pronto volvería a ser el momento de Vig.

No todo es grunge

Garbage, como tal, iba a ser un proyecto y nada más que eso. Esto era motivado por las ganas del tridente de trabajar juntos y así fue que armaron algunas canciones, pero necesitaban a alguien que las cantara y he allí que el hallazgo televisivo de Marker funcionó. El primer intento de trabajar juntos fue todo un desastre colosal, con todo el mundo enojado y con los egos chocando fuerte y claro. Pero luego de eso consiguieron –de alguna forma- trabajar en una canción, “Vow”, que sería su primer sencillo y también el track favorito de la banda para cerrar sus conciertos.

El resto de la historia es bien sabida. La banda fue un éxito en los tiempos del grunge, siendo un referente para todas esas chicas que no encontraban referentes más allá del pop de Madonna, por ejemplo. Shirley se demostró como una frontwoman de aquellas; Vig siguió siendo un productor muy solicitado (su última aventura fue producir “I Should Have Known” del “Wasting Light” de Foo Fighters y Kris Novocelic); y Garbage teniendo hiatos pero jamás separándose, siempre retornando y, paradójicamente, nunca siendo un desecho en la escena musical. De hecho, llegan con un nostálgico disco nuevo bajo el brazo, el buen “Not Your Kind Of People” (2012).

El próximo 15 de octubre, en el Teatro Caupolicán, seremos testigos de todas estas virtudes de Garbage en vivo.

Por Manuel Toledo-Campos

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1 Comentario

1 Comentario

  1. startup

    12-Oct-2012 en 3:40 pm

    Otra de esas bandas, que luego de quemar sus 5 minutos de fama y quedarse sin lugares a los cuales mendigar un concierto, mira hacia latino américa.
    Una mierda.

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Discos chilenos destacados 2020

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Discos chilenos destacados 2020
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Este pudo ser un año sin ningún lanzamiento y eso podría haber sido lo más justo del mundo. 2020 estuvo marcado por la crisis político-social en nuestro país, y luego por una crisis sanitaria-cultural a nivel mundial por la pandemia. La música en vivo se apagó casi por completo por la imposibilidad de tener masas de gente en conjunto en el mismo espacio, y con ello la principal fuente de ingresos de la industria musical también ha dejado a miles de trabajadores de la música en la cuerda floja. Pero en vez de silencio, son muchas voces las que se han alzado, en múltiples estilos y mensajes, y la música ha sonado fuerte, claro y ha servido para demostrar el valor de las artes y cultura en un contexto de adversidades e incertidumbres. Allí, las y los músicos chilenos han colaborado, dialogado y generado instancias para mantener la presión sobre las autoridades para que se hagan cargo de la crítica situación, pero también han brillado en materia de creación, generando una gran cantidad de material valioso, en diferentes géneros.

Muchos EPs han formado parte de los proyectos surgidos, incluso con la motivación de la pandemia. Quizás es ese aislamiento forzado el que también ha hecho que la mayoría de los proyectos que destacamos en este listado 2020 de HumoNegro sean, justamente, trabajos surgidos desde una labor solista (Alexander Quinteros, Chini.png, Rubio, Nico Carreño, Cevladé) y además con mucha sensibilidad reflexiva. En tanto, encontramos bandas que se consolidan (Alectrofobia, Adelaida, Niños del Cerro) y otras que sorprenden, pese a sus ya sólidas trayectorias (Cómo Asesinar A Felipes, Yajaira, Poema Arcanus).

La creación artística siempre es esperanza y brillo, y en medio de incertidumbres que nublan el rumbo, esperamos que estos discos que seleccionamos entreguen al menos parte del retrato de un año donde todo fue más difícil, pero donde, aun así, hubo luces y sonidos. Desde HumoNegro, un reconocimiento para las y los compositores e intérpretes que mantienen viva la música chilena. Aquí, en orden alfabético por banda, nuestra humilde selección de EPs y LPs destacados 2020.

Link a los streamings de cada álbum pinchando en las imágenes.


“Animita”

Adelaida

Tras el éxito de “Paraíso” (2017), Adelaida no se durmió en los laureles y comenzó el proceso de creación de su cuarto disco, uno que llegó este 2020 y trajo consigo nuevas texturas para la banda de Valparaíso. “Animita” es un trabajo enérgico y honesto, donde el trío compuesto por Jurel Sónico, Naty Lane y Lele Holzapfel sigue buscando su fórmula definitiva, jugándosela con varias sorpresas a las que no nos tenían acostumbrados, pero sin perder su esencia. El LP, que nació como una ofrenda a Émile Dubois, personaje emblemático de la cultura popular porteña, se posiciona como uno de los grandes registros del año. Tal como grita Naty Lane en “Kraken”: “¡Es un ruido necesario!”.


“Era Luz”

Alectrofobia

https://open.spotify.com/album/0d8R4U0j0ZemcWxkHL0Yb5

La escena del rock “a secas” parece estacionada en los clichés en todo el mundo, y por eso es interesante cuando una banda intentar refrescar el sonido y las ideas. Alectrofobia ha marcado los últimos años del rock chileno con su vocación por un sonido de calidad internacional, y desde ahí ha construido canciones que, sin estacionarse en una sola vereda sónica, transmiten potencia y mensaje. “Era Luz” es un álbum donde la calidad de grabación, mezcla y masterización se suman a la intención de cantar y contar sobre las crisis que ocurren en nuestro país. Desde el punk rock hasta el hard rock, pasando por americana o post grunge, Alectrofobia crea grandes canciones en un disco que consolida sus fortalezas.


“2020”

Alexander Quinteros

La cuarentena ha sido un espacio de aislamiento, pero también de contención y otro tipo de creatividad. Alexander Quinteros trabajó en confinamiento un disco lleno de ambientes y atmósferas dignas de retratar este año, al que coherentemente nombró “2020”. Tracks breves, pero completos en su composición, con arreglos precisos, a los que ni siquiera el truco innecesario del “audio 8D” les quita la capacidad de enfocar –mediante emociones y gradientes– el año más difícil para mucha gente. Quinteros se la juega por lo instrumental y conceptual, y en una temporada donde el tiempo parece líquido y las consignas gritadas parecen desvanecerse, “2020” dibuja un borroso pero fidedigno documento de la pandemia.


“Rfd2”

Cevladé

La censura tapa la boca, pero también genera reacciones. Cevladé se vio en la necesidad de responder a la censura a “Requiem For A Drink” (2012), motivada por la alta rotación de su tema “El Lamento del Pueblo” tras el estallido. Tras bajar el disco de las plataformas, el artista tomó desafío de contar de nuevo la historia de Mario De La Milnova y “La Orden RFD”. “Rfd2” es una especie de continuación y remasterización del disco censurado. Nuevos bríos, interpretaciones más crudas, una producción más clara, pero también más densa y oscura, caminan un trayecto aparentemente conocido con nuevos ojos, líricas y con la rabia renovada. Un rescate de la propia historia, convertida en declaración.


“CTRL+Z”

Chini.png

En el computador, el comando CTRL+Z se encarga de deshacer algo, de convertirlo en un paso en falso y olvidarlo. En un EP, Chini.png lo convierte en un código para presentarse como solista, y también para acompañar, reflexionar y hacer catarsis. Amores, países, movimientos sociales y mitologías se cruzan en cuatro canciones que, pese a derivar en un trabajo corto en duración, termina pegando duro en las sensaciones que libera. Chini Ayarza arma un vehículo de empatía y de identidad, más aún que en Chini & The Technicians, poniéndola al servicio de una atmósfera de esperanza y desilusión, profunda y terrible, adentrándose en sucesos e ideas a las cuales cualquiera querría aplicarle “CTRL+Z”.

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