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Jeff Buckley: Cuando la muerte es sólo el comienzo

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Jeff Buckley es, según muchos entendidos, una de las figuras más talentosas de la escena rock de los noventa; quien, a pesar de tener una trayectoria especialmente corta, logró cautivar a toda una generación con su música. Si no fuese por un desafortunado accidente, quién sabe cuán grande sería su legado y su presente.

Generalmente tendemos a asociar la muerte de los rockstars con el abuso de las drogas y el alcohol. Este no es el caso de Jeff Buckley, quien falleció ahogado en 1997 y que, tras la autopsia, se determinó que no existía ninguna sustancia extraña en su sangre. Esto hace que su deceso sea aún más lamentable, ya que ni siquiera podemos “juzgarlo” (como es típico en estos casos) o atribuir su destino a un problema insoslayable, por el contrario, queda esa desagradable sensación de que perdimos otro gran artista, y con él la posibilidad de seguir disfrutando de su talento.

A pesar de ser hijo de Tim Buckley, reconocido músico de la década de los setenta, se crió prácticamente sin tener ningún tipo de contacto con él. Lo conoció recién a la edad de 8 años, cuando su madre lo llevó a presenciar uno de sus conciertos, sin embargo, al poco tiempo murió por una sobredosis de heroína (1975). Jeff siempre supo que su padre lo abandonó privilegiando su carrera de artista, y fue su madre, pianista y chelista de música clásica, y su padrastro, quienes lo hicieron crecer en un ambiente muy cercano a la música. Mientras ella le enseñaba a tocar la armónica, él lo hacía escuchar canciones de Led Zeppelin, The Who y Jimi Hendrix. En la secundaria formó parte de un grupo de jazz, y posteriormente se graduó del “Guitar Institute Of Technology” de Los Angeles. Trabajó en varios estudios de grabación y colaboró con varios artistas, pero sin lograr mayor reconocimiento.

Paradójicamente, recién logró llamar la atención de la industria discográfica en 1991, cuando participó en un evento de homenaje a su padre, realizado en Brooklyn. En aquel show interpretó cuatro canciones que cautivaron a todo el público presente y que además le abrieron las puertas a su consagración como artista. En los siguientes años, su carrera tuvo un impulso ascendente, que culminó en 1994 con la grabación de su primera y única placa oficial, “Grace”. Su voz única, con su especial forma de cantar (fuertemente influenciada por vocalistas como Robert Plant), además de los covers “Lilac Wine” de Nina Simone y “Hallellujah” de Leonard Cohen, hacen que el disco sea considerado por la crítica como una verdadera obra maestra.

“Me apasiona cantar con Jeff. Ha escrito una canción llamada “Grace” que, literalmente, me pone los pelos de punta. La primera vez que la escuché, sudaba como una novia en su día de boda. La música nunca me había provocado esa reacción antes.” Elizabeth Fraser de Cocteau Twins

Muerte al ritmo de Led Zeppelin

Probablemente nunca se sabrá con exactitud si la muerte de Buckley fue un accidente o si se suicidó a causa del desorden bipolar que padecía. Quizás los testimonios que entregan mayores antecedentes respecto a los sucesos que rodearon su muerte, son la biografía escrita por David Browne (“Dream Brother”) y un documental emitido porla BBCen 2002, donde se narran los hechos acontecidos aquella fatídica noche del 29 de Mayo de 1997. Según estos relatos, Buckley había viajado hasta Memphis, para grabar su segunda placa, que llevaría por nombre “My Sweetheart The Drunk”, y esa noche llegaría su banda a la ciudad para comenzar el proceso de grabación.

Por lo general, Gene Bowen (Road Manager de Buckley) lo acompañaba a todos lados para evitar que se metiera en problemas, sin embargo, esa noche Jeff decidió salir a dar una vuelta, acompañado por el roadie Keith Foti. Al parecer habrían recorrido toda la ciudad escuchando canciones de John Lennon y Jane’s Addiction en un grabador doble casetera que Foti había comprado el día anterior. Cuando decidieron ir a la sala de ensayo para esperar a la banda, se dieron cuenta que estaban perdidos, al cabo de una hora de infructuosos esfuerzos por llegar a la Young Avenue, decidieron llamar a Bowen para pedirle que los ayudará a encontrar el camino, sin embargo, no pudieron contactarlo, ya que se había ido al aeropuerto a recibir al resto de los músicos. Fue en ese instante que Buckley tuvo la idea de que fueran a la ribera del Rio Wolf para tocar guitarra y seguir escuchando música.

El río no era apto para el baño, pero no existían carteles de advertencia que informaran de un potencial riesgo. Mientras Foti tocaba la guitarra, Jeff tomó el grabador y camino hasta la orilla del río, dejando el dispositivo bastante cerca del agua. Alrededor de las 9 de la noche y en un acto inexplicable, Buckley se metió al agua completamente vestido, inclusive con sus botas puestas, y a medida que se iba internando a lo más profundo del río, comenzó a interpretar “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin. En un momento, Foti movió de lugar el grabador para evitar que fuese a mojarse con las olas que produjo un barco que pasaba por el sector y, al levantar la vista, Jeff ya había desaparecido. El cuerpo de Buckley fue encontrado desnudo cinco días después, al final de Beale Street, y sólo pudo ser identificado por el característico piercing de su ombligo.

La noticia de su muerte conmocionó a todo el universo del rock, y fue en este punto que comenzó a forjarse una leyenda en torno a su nombre. Desde aquel día, su disco debut ha superado las dos millones de copias vendidas y son múltiples los artistas que se han visto influenciados por su música, tales como Radiohead, Travis, Starsailor, James Blunt, Muse, entre muchos otros. Se han escrito más de 60 canciones tributo a su persona, entre las que destacan “Wave Goodbye” de Chris Cornell y “Memphis” de PJ Harvey.

 

Jeff Buckley

Grace”

1994, Columbia Records

Resulta sumamente difícil encontrar un álbum que, de principio a fin, sea capaz de transmitir tanta emotividad y nostalgia en cada uno de sus cortes, como lo hace “Grace”, el disco debut del talentoso Jeff Buckley. Sin lugar a dudas una verdadera obra maestra, que tiene como figura excluyente la prodigiosa voz de cuatro octavas y media de Buckley, y su capacidad innata de captar la esencia más profunda del sonido en cada una de sus canciones, alcanzando registros que cuesta trabajo creer que sean posibles de dominar. Ni siquiera es importante cuantos artistas o estilos se hayan escuchado con anterioridad, es inevitable sentir que se esta en presencia de una forma de rock diferente, otro nivel musical y emocional. Quizás resulte un despropósito tratar de analizar cada una de las joyas que conforman esta placa, dudosamente existan palabras suficientes para transmitir la profundidad, el impacto y la energía que recorre los sentidos, cada vez que se escucha esta auténtica colección de éxitos.

“Grace” esta compuesto de 10 canciones (en ediciones posteriores se incorporaría un undécimo track bajo el nombre de “Forget Her”) y tiene una duración de poco más de cincuenta minutos, los que son más que suficientes para confirmar el virtuosismo y autenticidad de Jeff Buckley. El disco comienza con “Mojo Pin”, una canción que habla de una dolorosa historia de amor, y de la cual nos sentimos participe con cada una de sus notas. Una bellísima pieza, cargada de mucha tristeza, quizás no recomendable de escuchar si se está pasando por una crisis sentimental. La siguiente canción, “Grace”, es la que le da nombre a la placa, quizás el tema que mejor refleja el estado anímico por el cual pasaba Buckley al momento de componer el disco y que inclusive podría considerarse una verdadera carta suicida. A diferencia del tema anterior, la batería toma mayor protagonismo, con un ritmo bien marcado, que se complementa a la perfección con un sonido de cuerdas peculiarmente nítido. “Last Goodbye” es el primer single del álbum y tal como su nombre lo indica, una canción de despedida. La honestidad de la historia, resulta perfectamente perceptible a través de una interpretación vocal llena de melancolía y un riff que se marca lo justo y necesario en el inconsciente. El disco continúa con “Lilac Wine”, un corte cuya letra carece de profundidad y contenido, y en donde su simplicidad termina por convertirse en un descanso dentro de un viaje lleno de tanta emotividad. La canción que cierra la primera parte del álbum es “So Real”, una perfecta demostración de la exquisita voz de Buckley, que sin lugar a dudas se convierte en el instrumento principal durante toda la pieza. Las notas altas y el increíble registro vocal hacen de esta canción una de las mejores el disco.

La segunda mitad del disco no podría empezar de mejor manera, con la canción “Hallelujah” (tema original de Leonard Cohen, editada en 1984, en su álbum “Various Positions”). Es mediante una interpretación repleta de sentimiento, emoción y compenetración con el contenido religioso de la letra, que Buckley logra adueñarse de la canción, consiguiendo, sin lugar a dudas, la mejor versión de esta clásica pieza. “Lover, You Should’ve Come Over” comienza con el particular sonido de los acordes de un órgano, para dar paso a otra hermosa canción de amor, que nos vuelve a dejar en claro que las letras más profundas provienen del sentimiento de perdida y decepción. El siguiente tema es “Corpus Christi Carol” (composición docta-sacra de Benjamín Britten), en donde Buckley, haciendo alarde de su calidad vocal, alcanza un timbre de voz “femenino”, con un sonido que invita a la reflexión. El penúltimo track del álbum es “Eternal Life”, que en directo contraste con la canción anterior, es la pieza más rockera de toda la placa, conformada por un potente riff de guitarra, y un registro vocal mucho más duro. La canción que da por terminado el viaje es “Dream Brother”, tema que sirve como síntesis de todos los elementos que conforman el disco: letras profundas, perfecta interpretación, emotividad y sentimiento.

En resumen, un disco indispensable para cualquier melómano, en donde se da ese extraño fenómeno que cada canción que suena resulta ser mejor que la anterior. Un maravilloso trabajo, para escuchar y degustar con la luz apagada, y que nos permitirá acompañar a Jeff Buckley en un viaje hermoso a través de todo un espectro de emociones y sensaciones, que nos hará cambiar la forma que tenemos de concebir la música.

Por Gustavo Inzunza

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15 Comentarios

15 Comments

  1. Felipe Mondaca

    18-Jun-2012 en 8:08 pm

    Muy buen articulo, grande Jeff Buckley!

  2. Cristóbal

    18-Jun-2012 en 10:59 pm

    Definitivamente el mejor, no sale de mi iPod bajo ninguna circunstancia. Se aplicaron HumoNegro, grande JEFF BUCKLEY!!!

  3. Franco Acevedo Bustos

    19-Jun-2012 en 12:04 am

    escuchar a jeff buckley y salir vivo de tan gigante descarga de emoción.. no es algo que se pueda hacer con tanta facilidad.. hay que sumergirse con previa preparación.. si no.. quien sabe como terminaria uno.. un genio inmortal!

  4. Alejandra

    19-Jun-2012 en 12:42 am

    No hay mejor droga que ese álbum y la voz de Jeff Buckley, sin necesidad de sustancia lícita o ilícita alguna viajas por otras dimensiones y percibes todo de otra forma….cada sonido es una experiencia suprema…te extrañamos Jeff….

  5. charles green

    19-Jun-2012 en 4:05 pm

    El mas grande de todos sin duda eternal life jeff

  6. vitoki

    20-Jun-2012 en 1:35 am

    ese disco esta fuera de tiempo y jeff era un extraterrestre, es el único sentido q le encuentro..

  7. Alepanda

    29-May-2013 en 8:45 pm

    Completo y triste, reconozco a Jeff y lo escribo con nombre de pila, sus discos me hacen creer qie conozco ese dolor, que he pasado por eso y que justamente sus canciones, siguieron deleitando cada etapa de mi adolescencia.

  8. Sebastián

    30-May-2013 en 9:59 am

    Excelente articulo, felicitaciones.

  9. Gabriel Alarcón Raposo

    03-Nov-2013 en 1:04 pm

    Hermoso artículo. Conocí a Jeff hace algo de un año. El inicio del oscuro sonido de “Mojo Pin” al comienzo del disco me hizo ver que no estaba ante un artista común. Ahora, como dije, a casi un año de conocerlo, se convirtió en mi ídolo máximo… Creo que lo amo. Nunca en toda mi vida oí un artista que tuviera tal sensibilidad interpretativa como Jeff… NUNCA. Y su voz… ¿Necesito realmente decir algo de su voz?… Yo he escuchado mucha música, de los más diversos géneros e idiomas, y puedo decir con cierta potestad que Jeffrey Scott Buckley es lejos el mejor vocalista de la historia de la música, como también lejos el mejor interprete… Ah…

  10. Mess

    20-Dic-2013 en 12:24 am

    Muy buen articulo! Amo a Jeff, soy una melómana que le encantan las buenas voces y en mi búsqueda por buena música no he encontrado nada que supere el disco de Grace, esa voz y la emotividad que transmite Jeff en sus canciones lo hacen supremo en todos los sentidos. Definitivamente todo un grande, ni imaginar todo lo que perdimos con su muerte!

  11. Bianca Albornoz R.

    05-Jun-2014 en 3:40 pm

    Muy buen articulo HumoNegro, Jeff Buckley sin duda es lo mejor que ah dejado el rock de los años 90′.
    Conocí la música de Jeff hace poco menos de un mes y me eh nutrido con su disco y parte de su biografía…es simplemente un ángel, lo que me provoca su voz es indescriptible…las armonías en sus canciones, los altos y lo bajos que alcanza al interpretar sus letras…es simplemente maravilloso. Lamentable que personas tan especiales y talentosas como el tengan un triste final, cada ves que escucho sus canciones me da una pena pero a la vez satisfacción por haber conocido a tan espectacular artista. Sin duda el MEJOR INTERPRETE de sus propias lineas de vida.

  12. Josep

    13-Dic-2015 en 6:48 pm

    ‘Grace’ no parece de éste mundo, es algo irreal

  13. pablo

    05-Sep-2016 en 10:37 pm

    Tremendo cantante. Creo q imposible q alguno alcance su performance y sentir al interpretar…Por siempre Jeff …

  14. adsum

    24-Ago-2017 en 4:09 pm

    Incomparable, único y auténtico, profundo e intensamente superficial, sensible como la piel y doloroso también como ella. No se puede escuchar su música y ver su retrato sin ser transportado hacia los misterios de la bella oscuridad. Alguien muy especial, trovador de una música que debió encantar hasta a las sirenas, tan precoz, tan madura, tan de ninguna parte ni de ningún tiempo. Un ángel, como dijo alguien aquí. La inocencia y la inmortalidad de una exhalación. Tan propia, no me imagino la vida de este supremo y sencillo ser humano con otro curso y final. Sin duda triste, su muerte la veo también como la suprema experiencia estética. Tan mentada y acariciada en sus canciones, ella recorre la vida como un compañero de viaje que a veces nos seduce y atrae hacia el fondo de la bella e inaccesible melancolía. Esa noche en el río, al son de Whole Lotta Love, Jeff quiso sumergirse completamente en la música, entregarse sin límite a ese plasma materno del que un día salió para vivir como una exhalación entre nosotros, los mortales. Lo hizo y fundió finalmente su vida con la música. Sea este mi homenaje a un hermano, un artista que rindió a su vez tantos otros homenajes a las canciones que le hicieron sentir ese amor que solo la música, como una fragancia eterna, un extraño elixir, conserva y transmite a través del tiempo y el espacio.

  15. ndalmases

    25-Mar-2018 en 7:06 pm

    si se metió con la ropa y las botas puestas, luego no entiendo cómo lo encontraron desnudo..quizás no está del todo claro.

    Sea como fuere fue una gran pérdida, un alma como la suya estaba hecha de fuego, y al final se consumió antes de tiempo….vivirá por siempre en su música

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Chilenos en Lollapalooza 2020, Parte 2: Consolidando escenas

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Lollapalooza Chile

Aunque Lollapalooza Chile 2020 tiene más de cien artistas en total, la mayoría se fija en los cabezas de cartel, en esos nombres que tal vez no vendrán nunca más y que se presentan como oportunidades únicas. Pero también existe una miríada de actos chilenos que complementan la parrilla de forma precisa. Una apuesta por nombres emergentes en lo urbano, mezclado con artistas ya consolidados en el rock o en el indie, el festival que se desarrollará entre el 27 y el 29 de marzo en el Parque O’Higgins tiene múltiples colores, de los cuales te mostramos algunos tonos a continuación:

  • Para leer la primera parte de este artículo, con seis nombres más, entre los que se encuentran Pánico, Camila Moreno o Inti-Illimani & Quilapayún, haz clic AQUÍ.

Saiko

Tal vez la banda chilena más importante que faltaba que debutara en el escenario de Lollapalooza Chile, Saiko no sólo entera una carrera de más de dos décadas llena de éxitos, sino que también lo hace con una solidez escénica que viene de la experiencia y de la confianza que tiene la actual formación: una especie de dream team de la música chilena. A la voz inconfundible de Denisse Malebrán y el bajo de Luciano Rojas, se suma en batería el ex La Ley Mauricio Clavería, además el arreglista, productor y multiinstrumentista Martín D’Alesio.

Luego de muchos movimientos, la banda parece estar en un punto de madurez y tranquilidad que en vivo consigue mezclar efectivamente los éxitos de sus primeros discos (principalmente “Informe Saiko” de 1999 y “Las Horas” de 2004) con los tracks más nuevos, como “Fluvial” (hecho en colaboración con Sebastián Gallardo de We Are The Grand) o “Sabes”. Pop, rock, intensidad, dulzura, convicción y un carácter pionero en la música chilena, hacen de Saiko la última gran banda nacional vigente que debía debutar en el escenario del Parque O’Higgins.

Alain Johannes Trio (performs “Euphoria Morning”)

A estas alturas no debiéramos entregar credenciales de quién es Alain Johannes, pero no es malo recordar una que otra. Por ejemplo, que junto con Natasha Shneider fueron quienes produjeron el álbum solista debut de Chris Cornell, “Euphoria Morning”. Este álbum, salido en septiembre de 1999, tendrá un nuevo giro en el escenario de Lollapalooza Chile 2020, protagonizando lo que será el retorno de Johannes al festival, en formato trío, con los hermanos Cote Foncea (Lucybell, Dracma) y Felo Foncea (De Kiruza).

Johannes muchas veces ha comentado la cercanía que tenía con Chris Cornell y cuán importante fue para todos quienes participaron el hecho de grabar “Euphoria Morning”, un disco que, además de su carga emocional, posee melodías que distanciaron al vocalista de lo que hizo en Soundgarden, llevándolo a un rock más profundo, de texturas más ricas, mucho más parecido a lo que Alain y Natasha cultivaban en Eleven. Y es precisamente ese tipo de sonido el que será evocado en un show único con Johannes y los hermanos Foncea, que son prenda de garantía al momento de sonar en vivo.

Fernando Milagros

Luego de experimentar con múltiples recursos sonoros, pareciera que en “Serpiente” –disco que editó en 2019– Fernando Milagros volvió a la guitarra como muleta única, siendo las seis cuerdas y la garganta del cantautor lo que domina las melodías propuestas en los nueve tracks del sólido y cálido LP.

Esa cercanía orgánica es toda una novedad para el artista que en “Nuevo Sol” (2014) o “Milagros” (2017) tuvo en los trazos electrónicos un complemento clave. También es ese tono más ligado a lo psicodélico, con percusiones orgánicas y bajos más profundos como elementos que terminan de cuajar la mezcla, el que sonará en Lollapalooza Chile, con un músico que vuelve a sus raíces, pero con las enseñanzas marcadas en canciones más directas y llenas de detalles por descubrir ahí donde es más difícil: escondidas a simple vista.

Yorka

Las hermanas Pastenes son un halo de luz y de fuerza en el escenario nacional, haciendo un pop sofisticado, juguetón y bello, pero no por ello menos potente. En eso ayudan mucho las voces de Daniela y Yorka, quienes se apoyan y generan sensaciones de alto impacto, cantando sobre temas variados, con canciones que en el contexto de la protesta social han encontrado más oídos y más lecturas.

Esto también se relaciona al trabajo que ellas han hecho en terreno, con Yorka –quien es profesora– haciendo clases de canto en múltiples contextos, acercando la música a distintos territorios. “La Canción Es Protesta” es una de las mejores composiciones surgidas tras el estallido social, vinculando el sonido del canto nuevo con un pop del siglo XXI, y es ese tipo de conexiones lo que convierte a Yorka en un proyecto relevante, precioso de descubrir y atemporal en su sonido, en su mejor momento.

Slowkiss

La mezcla que hace Slowkiss podría ser un desastre si sólo se ve lo que hay en el papel. Pop, shoegaze, punk, elementos góticos incluso, pueden parecer cosas que en la mezcla podrían perder algo, pero el cuarteto chileno logra mostrar todas sus facetas, en una propuesta que, luego de mucho trabajo y convicción, es parte de los sucesos imperdibles del rock chileno en el último tiempo.

Aunque la masculinidad frágil haga que algunos le enrostren su pasado como parte de Supernova a Elisa Montes, lo que consigue la formación que la tiene a ella, Natalia Diaz, Andie Borie y Ricardo Pozo no pierde el tiempo en el pasado, y entrega rock directo como el que inunda “Patio 29”, el disco que lanzaron en agosto pasado y que será la columna vertebral de lo que promete ser una vibrante presentación en Lollapalooza Chile 2020.

Catana

Una de las voces más interesantes y versátiles dentro de la escena urbana, Catana ganó notoriedad con su mixtape “Qween C” en 2018, un trabajo que dejaba en claro cómo la intérprete podía rapear, cantar, trapear y también mezclar estilos en su voz. Con líricas afiladas, la artista también ha explorado en notas más sostenidas, en el R&B y en más recovecos musicales con colaboraciones múltiples.

“CA” es el último single editado por Catana, que muestra el camino reflexivo, pero lleno de reafirmación, que la tiene como uno de los nombres a seguir no sólo en la música chilena, sino que en la esfera latina. Tal vez porque, en medio de solistas que se ponen al centro como objeto de escrutinio, una voz que observa al resto con la confianza y el carisma que tiene Catana no sólo resulta algo lleno de novedad, sino también ocupa espacios que estaban ahí, a la espera de un talento como el de la oriunda de Cerro Navia, que llegará a Lollapalooza Chile a confirmar las sospechas que hay sobre uno de los secretos mejor guardados del rap chileno.

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